新古典主义（Neoclassicism）是在装饰和视觉艺术，文学，戏剧，音乐和建筑中的西方文化运动，其灵感来自古代古典艺术和文化。新古典主义在罗马诞生，很大程度上要归功于庞培和赫库兰尼姆重新发现时约翰·约阿希姆·温克尔曼（Johann Joachim Winckelmann）的著作，但随着一代欧洲艺术学生完成他们的盛大巡回演出并从意大利回到他们的生活中，新古典主义在欧洲各地普及。新近重新发现希腊罗马理想的国家。新古典主义的主要运动恰逢18世纪的启蒙时代，并一直持续到19世纪初，与浪漫主义在侧面竞争。在建筑方面，风格一直持续到19世纪，20世纪和21世纪。
欧洲视觉艺术的新古典主义开始c。1760年反对当时的洛可可风格。洛可可式建筑强调优雅，装饰和不对称。新古典主义的建筑基于简单和对称的原则，被视为罗马和古希腊艺术的美德，并且更直接地来自16世纪的文艺复兴时期的古典主义。每种“新”古典主义都可以从一系列可用的经典中选择一些模型，而忽略其他模型。1765年至1830年的新古典主义作家和演说家，赞助人和收藏家，艺术家和雕塑家向菲迪亚斯这一世代致敬，但他们实际接受的雕塑实例更可能是古希腊雕塑的罗马副本。
古代巴尔米拉的“洛可可式”艺术是一种启示，是通过伍德（Wood）的《巴尔米拉的遗迹》中的版画雕刻而成的。即使是希腊人也几乎未曾到过，这是奥斯曼帝国艰难的死水，有探索的危险，因此新古典主义者对希腊建筑的欣赏是通过绘画和雕刻来实现的，这些绘画和雕刻巧妙地使纪念碑变平和正规化，“改正”和“复原”希腊，并非总是有意识地。
帝国风格是建筑和装饰艺术新古典主义的第二阶段，其拿破仑时代的文化中心设在巴黎。
总览
新古典主义的出现首先是对洛可可风格的拒绝，洛可可风格在启蒙时代标志着欧洲。对于那些充满反法情绪的德国人来说，因为他代表路易十五的统治时期和奢侈风气，对于英国国教传统的英国人而言，他主张回归朴实，因为他是天主教柜台美学特征的最后代表。 -改革。大约在1770年代，这种拒绝也影响了意大利和法国，但是洛可可的发起者却与他们一起反对被认为不道德的这种风格，代表了奢华，轻浮，
在十八世纪中叶，盛大旅行的盛行带来了来自英国，法国或普鲁士的旅行者社区贵族，他们在前往意大利，希腊或土耳其的教育旅行中直接面对着古老的遗迹。其中的一次旅行，即1750-1751年的马里侯爵（Marquis de Marigny）旅行，对法国和欧洲的口味演变产生了重大影响。庞贝侯爵夫人的弟弟亚伯·弗朗索瓦·泊松·凡迪埃（Abel-FrançoisPoisson deVandières）在雕刻家查尔斯·尼古拉斯·科钦（Charles Nicolas Cochin）和建筑师雅克·日耳曼·索弗洛（Jacques-Germain Soufflot）的陪同下被派往罗马。从这次旅行中，艺术家无需经过文艺复兴时期或古典传统的风格重新诠释，就意识到了古代作品的特殊性。
Soufflot通过发现坎帕尼亚（Campania）的Paestum遗址，将他的旅程进一步推向了南方，那里与希腊神庙的对峙呈现出一种古老的风格，多立克柱式建筑没有基地，这对他来说是一个启示。在同一时期，英国游客可以利用土耳其在希腊的压力放松，来此旅行，该旅行可以出版包括理查德·道尔顿（Richard Dalton）在内的希腊文物，古物以及希腊和埃及的风景，这引起了人们的关注。古代，例如Caylus和Winckelmann考虑了古希腊的美学，优于罗马的古代。
新古典主义也将受到“开明”君主捍卫的文化政策的青睐。未来的西班牙查理三世雕刻了Ercolano e contorni的Pitture antiche雕刻版，英格兰国王乔治三世在整个欧洲发行，通过让建筑师罗伯特·亚当（Robert Adam）和画家本杰明·韦斯特（Benjamin West）来鼓励新风格的发展，政权的官方画家。5.法国国王路易十六，将国王安格维莱尔伯爵（Angiviller Count）置于国王的建筑物的顶端，该市通过鼓励有目的地，有道德，道德和爱国。这些准则包括David对Horatii誓言的理解。
历史
新古典主义是对直接从古典时期汲取灵感的古典主义的许多风格和精神的复兴，这恰逢并反映了哲学和启蒙时代其他领域的发展，并且最初是对先前洛可可风格的过剩的一种反应。 。虽然该运动经常被描述为浪漫主义的对立面，但这是一个极大的过分简化，当考虑到特定的艺术家或作品时，这往往是不可持续的。被认为是新古典主义晚期的主要拥护者英格里斯（Ingres）的案子特别说明了这一点。复兴可以追溯到正式考古学的建立。
约翰·约阿希姆·温克尔曼（Johann Joachim Winckelmann）的著作对于在建筑和视觉艺术领域塑造这一运动至关重要。他的书《关于模仿希腊绘画和雕塑作品的思想》（1750年）和《古代艺术史》（1764年，《古代艺术史》）是第一个将古希腊和罗马艺术区分开来并明确界定希腊时期的书。艺术，从成长到成熟，再到模仿或decade废，一直沿用至今。温克尔曼认为艺术应该以“高贵朴素和沉稳宏伟”为目标，并赞扬希腊艺术的唯心主义，他说我们不仅发现“自然最美丽，而且超越自然的东西，即其美的某些理想形式”。 ， 哪一个，
随着大巡回赛的到来，收藏古玩的风潮开始了，奠定了许多伟大收藏的基础，这些收藏在欧洲传播了新古典主义复兴。每种艺术中的“新古典主义”都暗含着“古典”模型的特定经典。
“新古典主义”一词主要用于视觉艺术。英语文学中的类似运动始于相当早的时期，被称为奥古斯都文学。几十年来一直占据主导地位的这一点在视觉艺术中的新古典主义流行时就开始下降。尽管术语不同，但法国文学中的情况相似。在音乐方面，这一时期见证了古典音乐的兴起，“新古典主义”被用于20世纪的发展。不过，克里斯托弗·威利伯德·格鲁克（Christoph Willibald Gluck）的歌剧代表了一种特别新古典主义的创作方法，在他出版的《阿切斯特》乐谱（1769）的序言中有详细阐述，其目的是通过去除装饰来改革歌剧，增加合唱团的作用以应对希腊悲剧，并使用更简单的无装饰旋律线。
直到19世纪中叶才发明了“新古典主义”一词，当时用“真正的风格”，“改良的”和“复兴的”等术语描述了这种风格。被视为复兴的东西差异很大。古代的模特当然参与其中，但是这种风格也可以看作是文艺复兴的复兴，尤其是在法国，这是对路易十四时代更为朴实和高贵的巴洛克风格的回归，对此产生了相当大的怀念。随着法国的主要军事和政治地位开始严重下降。英格里斯拿破仑的加冕典礼肖像甚至借鉴了晚期古董领事连环画和他们的加洛林式复兴，遭到批评家的反对。
新古典主义在建筑，雕塑和装饰艺术中最强，在同一媒介中的古典模型相对较多且易于使用。古代绘画中的例子证明了温克尔曼的雕塑作品所具有的品质，现在也缺乏。温克尔曼（Winckelmann）参与了在庞贝和赫库兰尼姆（Herculaneum）传播的第一批大型罗马绘画知识的传播，除了加文·汉密尔顿（Gavin Hamilton）之外，与大多数当代人一样，他们对此都不以为然，并引用了年轻的普林尼（Pliny the Younger）对他那个时期绘画衰落的评论。
至于绘画，希腊绘画全然失传：新古典主义画家以富有想象力的方式将其复兴，部分是通过浅浮雕带状装饰，马赛克和陶器绘画，部分是通过拉斐尔一代文艺复兴时期的绘画和装饰实例，以及尼禄的多莫斯·奥里亚的壁画。 ，庞贝和赫库兰尼姆，以及对尼古拉斯·普桑的钦佩。“新古典主义”绘画在主题上比其他任何东西都更加经典。数十年来，由于希腊和罗马艺术的相对价值，激烈而激烈的争论激起了激烈的争论，温克尔曼和他的希腊同胞们通常是获胜者。
绘画与版画
很难为当代观众重新捕捉早期新古典主义绘画的激进和令人兴奋的本质。现在，甚至连那些对它“无趣”和“几乎对我们完全没兴趣”的作家都倾向于它—肯尼思·克拉克（Kenneth Clark）对安东·拉斐尔·蒙斯（Anton Raphael Mengs）在阿尔巴尼别墅（Villa Albani）雄心勃勃的帕纳索斯（Parnassus）的评论中，画家被他的朋友温克尔曼（Winckelmann）描述为“他自己的，也许是后来的最伟大的艺术家”。约翰·弗拉克斯曼（John Flaxman）的绘画后来变成了印刷品，使用了非常简单的线条画（被认为是最纯粹的古典媒介），并且人物大多是在轮廓上描绘《奥德赛》和其他主题，曾经“解雇了欧洲的艺术青年”，现在被“忽略”了，而主要是肖像画家的当归·考夫曼的历史画作，Fritz Novotny将其描述为“柔软而乏味”。洛可可式的轻浮性和巴洛克式的运动已经被剥夺了，但是许多艺术家努力地将任何东西摆放到位，而且在没有古代历史绘画实例的情况下，除了弗拉克斯曼使用的希腊花瓶外，拉斐尔倾向于用作替代模型，正如Winckelmann推荐的那样。
不能轻易被描述为平淡无奇的其他艺术家的作品将浪漫主义的各个方面与一般的新古典主义风格相结合，并构成了这两种运动历史的一部分。德国丹麦画家阿斯姆斯·雅各布·卡斯滕斯（Asmus Jacob Carstens）完成了他计划的大型神话作品，只剩下很少的绘画和色彩研究，而这些研究常常成功地接近温克尔曼（Winckelmann）的“高贵朴素和沉稳宏伟”的说法。与Carstens的未实现方案不同，Giovanni Battista Piranesi的蚀刻作品数量众多且有利可图，并被那些巡回欧洲各地的人夺回。他的主要主题是罗马的建筑和废墟，与现代相比，古代对他的影响更大。
他的许多Vedute（观点）有些令人不安的气氛在他的16幅Carceri d’Invenzione（“虚构的监狱”）系列作品中占主导地位，其“压迫性的独眼巨人建筑”传达了“恐惧和沮丧的梦想”。生于瑞士的约翰·海因里希·弗斯利（Johann HeinrichFüssli）在英国度过了他的大部分职业生涯，虽然他的基本风格是基于新古典主义原理，但他的主题和待遇常常反映出浪漫主义的“哥特式”风格，并试图唤起戏剧性和刺激性。
1785年，雅克·路易·大卫（Jaacs-Louis David）的《贺拉蒂誓言》在巴黎沙龙上取得了轰动性的成功，绘画新古典主义获得了新的方向感。尽管它唤起了共和主义美德，但这是皇家政府的委托，大卫坚持绘画在罗马。大卫设法将理想主义风格与戏剧性和有力感结合在一起。中心透视图垂直于图片平面，背后的昏暗拱廊更加突出，英雄人物像带状饰物布置在其上，带有人工照明和歌剧演出的暗示，以及尼古拉斯·普桑的经典色彩。大卫迅速成为法国艺术的领导者，法国大革命后成为政治家，控制着许多政府对艺术的赞助。他设法在拿破仑时代保留了自己的影响力，
大卫的许多学生包括让·奥古斯特·多米尼克·英格里斯（Jean-Auguste-Dominique Ingres），尽管成熟的风格与新古典主义的主要潮流产生了模棱两可的关系，但他后来仍将自己视为古典主义者，后来许多人转向东方主义和Troubadour风格。很难与他毫不掩饰的浪漫主义当代艺术家区别开来，除非他的作品始终以绘画为重。从1802年到印象派初期，他在沙龙展出了60多年，但是他的风格一经形成，变化不大。
雕塑
如果新古典主义绘画缺少古代模型，新古典主义雕塑就会遭受过多的古代模型的困扰，尽管当时可追溯到公元前500年的“古典时期”实际希腊雕塑的例子很少。最受尊敬的作品大多是罗马副本。领先的新古典主义雕塑家在自己的时代享有很高的声誉，但如今却不那么受人尊敬了，除了让·安托万·侯顿（Jean-Antoine Houdon）以外，他的作品主要是肖像画，常常是半身像，这并没有给保姆的性格留下深刻的印象。唯心主义。随着他长期的职业生涯，他的风格变得更加古典，代表着从洛可可式魅力到古典尊严的相当平稳的发展。与某些新古典主义雕塑家不同，他并没有坚持让保姆穿着罗马式的衣服或不穿衣服。
安东尼奥·卡诺瓦（Antonio Canova）和丹妮·贝特尔·托瓦尔森（Dane Bertel Thorvaldsen）都驻扎在罗马，肖像也造就了许多雄心勃勃的真人大小的人物和团体。两者都代表着新古典雕塑强烈的理想化趋势。卡诺瓦（Canova）轻盈而优雅，索瓦尔德森（Thorvaldsen）更为严厉。差异体现在它们各自的三个恩典组中。所有这些以及弗拉克斯曼（Flaxman）在1820年代仍然活跃，而浪漫主义对雕塑的影响则很慢，新古典主义的版本在19世纪的大部分时间仍然是占主导地位的风格。
瑞典雕塑家约翰·托比亚斯·塞尔格尔（Swede Johan Tobias Sergel）是雕塑界的一位新古典主义者。约翰·弗拉克斯曼（John Flaxman）还是（主要是）雕塑家，主要制作与他的版画风格相当的极为经典的浮雕。他还为Josiah Wedgwood设计和建模了新古典主义陶瓷多年。约翰·戈特弗里德·沙多（Johann Gottfried Schadow）和儿子鲁道夫（Rudolph）是为数不多的年轻的新古典主义雕塑家之一，他们是德国的顶尖画家，弗朗兹·安东·冯·扎纳（Franz Anton von Zauner）在奥地利。已故的巴洛克雕塑家弗朗兹·萨维尔·梅塞施密特（Franz Xaver Messerschmidt）在职业生涯中期转向新古典主义，就在他似乎遭受某种精神危机之前不久，此后他退居该国，投身于秃头人物的非常有特色的“人物头像”拉极端的面部表情。就像Piranesi的Carceri一样，在20世纪初期的精神分析时代，这些研究引起了极大的兴趣。荷兰新古典主义雕塑家Mathieu Kessels在Thorvaldsen学习，几乎在罗马工作。
由于1830年代以前，美国没有自己的雕塑传统，除了墓碑，风向标和船figure等领域外，美国采用了欧洲新古典主义的方式，并在几十年中一直风靡一时，并在Horatio Greenough，Harriet Hosmer，Hiram Powers，Randolph Rogers和William Henry Rinehart的雕塑。
建筑与装饰艺术
新古典艺术同时是传统的和新的，历史的和现代的，保守的和进步的。
新古典主义首先通过在罗马受过训练并受Winckelmann著作影响的一代法国艺术专业学生在英格兰和法国获得影响，并迅速被其他国家的进步派所采用，例如瑞典，波兰和俄罗斯。最初，古典装饰被移植到熟悉的欧洲形式上，例如凯瑟琳二世的情人奥尔洛夫伯爵的室内装饰，这是由意大利建筑师与意大利stuccadori团队设计的：只有孤立的椭圆形奖章，如浮雕和浅浮雕的外墙暗示着新古典主义 陈设完全是意大利洛可可式的。
拿破仑帝国的高度与第二次新古典主义浪潮有关，这种浪潮更为严重，受到了更多研究（通过版画的媒介）和更自觉地进行了考古研究。在法国，新古典主义的第一阶段以“路易十六风格”表达，第二阶段以“ Directoire”或“帝国”风格表达。洛可可式风格在意大利一直很流行，直到拿破仑政权带来了新的考古古典主义，年轻的，进步的，有共和党倾向的城市意大利人都将其作为政治宣言。[根据谁？]
在装饰艺术中，以巴黎，伦敦，纽约，柏林的帝国家具为代表的新古典主义。使用奥地利制造的比德迈家具；在柏林的卡尔·弗里德里希·欣克尔博物馆，约翰·索恩爵士的伦敦英格兰银行和华盛顿特区的新建“国会大厦”中；以及韦奇伍德（Wedgwood）的浅浮雕和“黑色玄武岩”花瓶中。风格国际化。苏格兰建筑师查尔斯·卡梅隆（Charles Cameron）在俄罗斯圣彼得堡为出生于德国的凯瑟琳II大帝创造了富丽堂皇的意大利风格内饰。
在室内，新古典主义在庞贝城和赫库兰尼姆的重新发现的启发下发现了真正经典的内饰。这些活动始于1740年代后期，但直到1760年代才获得了广泛的听众，其中第一批豪华唱片是严格控制发行的LeAntichitàdi Ercolano（赫库兰尼姆的古物）。赫库兰尼姆的古物表明，即使是巴洛克风格最经典的内饰，还是威廉·肯特（William Kent）最“罗马”的房间，都是以教堂为基础的，教堂外墙的结构却是向外翻进的，因此，它们在现代眼中通常具有夸张的外观：带花饰的窗框到镀金的镜子中，上面放着庙宇的壁炉。新的内饰试图重现真正的罗马和真正的内饰词汇。
这种风格采用的技巧包括：较平淡的图案，雕刻成低带状浮雕或涂上单调的camaïeu（“像浮雕”），孤立的纪念章或花瓶，半身像或布法尼亚或其他图案，悬挂在月桂树或缎带上，背景为细长的蔓藤花纹，可能是“庞贝红色”或浅色或石头色。法国的风格最初是巴黎风格，即Goûtgrec（“希腊风格”），而不是宫廷风格。1774年路易十六（Louis XVI）登基时，他热爱时尚的女王玛丽·安托瓦内特（Marie Antoinette）将“路易十六”（Louis XVI）风格带上法庭。但是，直到本世纪初，才真正尝试使用罗马家具的基本形式，而且家具制造商更可能从古代建筑中借用，
从大约1800年开始，大量的希腊建筑实例通过蚀刻和版画的媒介出现，为新古典主义希腊复兴注入了新的动力。同时，帝国主义风格在建筑和装饰艺术领域掀起了新古典主义潮流。它主要基于帝国罗马风格，起源于第一法兰西帝国拿破仑统治，并以其命名，旨在理想化拿破仑的领导地位和法兰西国家。这种风格与德语区中较为资产阶级的比德迈风格，美国的联邦风格，英国的摄政风格和瑞典的拿破仑风格相对应。根据艺术史学家休·霍诺（Hugh Honor）的说法，“到目前为止，正如有时人们认为的那样，新古典主义运动并没有达到高潮，
直到19世纪及以后，新古典主义仍然是学术艺术的主要力量-与浪漫主义或哥特式复兴不断对立-尽管从19世纪后期开始，新古典主义在有影响力的批评中通常被认为是反现代的，甚至是反动的界。欧洲几个城市的中心，特别是圣彼得堡和慕尼黑，看上去很像新古典主义建筑的博物馆。
哥特复兴式建筑（通常与浪漫主义文化运动联系在一起）与新古典主义形成鲜明对比，这种建筑起源于18世纪，并在整个19世纪逐渐流行。新古典主义以希腊和罗马风格，几何线条和秩序为特征，而哥特式复兴式建筑则侧重于中世纪风格的建筑，通常具有质朴的“浪漫”外观。
新古典花园
在英格兰，奥古斯都文学与奥古斯都的景观设计风格直接相似。这些链接在亚历山大·波普的作品中清晰可见。新古典主义英国花园中幸存下来的最好的例子是奇斯威克大厦，斯托大厦和斯托黑德。
新古典主义与时尚
在时尚方面，从法国大革命之前就开始，新古典主义影响了女装的简洁性和持久的白色时尚，但是直到后来，模仿古代样式的彻底尝试在法国变得流行，至少对于女性而言。长期以来，时尚女士一直穿着古典服装，扮成希腊或罗马神话中的人物肖像（特别是年轻模特埃玛·汉密尔顿夫人（1780年代）的此类肖像之类的皮疹），但此类服装只穿着直到革命时期的肖像坐着和化装舞会，也许像其他外来风格一样，像在家一样脱衣服。但是朱丽叶特·雷卡米尔（JulietteRécamier），何塞芬·波哈奈（Joséphinede Beauharnais）的肖像所穿的风格，ThérésaTallien和其他巴黎潮流引领者也都公开露面。塔莱兰德（Talleyrand）在歌剧中看到塔利曼夫人（Tme）时打趣道：“我可能最喜欢的暴露者再加上临时用途！” （“一个人不能再穿上华丽的衣服”）。
1788年，就在大革命之前，宫廷肖像画家路易丝·埃丽莎白·维吉·勒·布伦（LouiseÉlisabethVigéeLe Brun）举行了希腊晚餐，女士们穿着纯白色的希腊长袍。较短的古典发型，如果可能的话，可以卷发，争议性小，被广泛采用，并且即使在户外也可以发现头发。除了晚礼服外，甚至在室内之前通常都戴过引擎盖或其他罩子。而是使用希腊风格的细缎带或圆角来绑扎或装饰头发。
非常轻盈和宽松的连衣裙，通常为白色，经常令人震惊地裸露手臂，从脚踝到紧身胸衣下面略显偏斜，在身上有强烈强调的下摆或绑带，通常是不同的颜色。尽管它的形状早于拿破仑第一法兰西帝国，但现在通常被称为帝国轮廓，但他的第一位皇后若瑟·德·波哈奈伊女皇在将其传播到整个欧洲方面具有影响力。一条长矩形披肩或围巾，通常是纯红色，但肖像上带有装饰性边框，在寒冷的天气中有所帮助，并且在坐着时显然放在中腹部周围，因此偏向于半躺式姿势。到19世纪初，此类样式已在整个欧洲广泛传播。
对于男人来说，新古典主义的时尚问题要严重得多，它从未真正脱颖而出，它在较短的发型中起着重要的作用，最终使年轻的男人不再使用假发，然后是白色的发粉。这条裤子曾是希腊人和罗马人的野蛮人的象征，但是在画家的工作室，特别是在雕塑家的工作室之外，很少有人愿意放弃它。的确，这一时期见证了纯裤子或潘塔隆裤子的胜利，超过了AncienRégime的裙裤或膝盖马裤。即使在1792年革命热情改变之时，大卫应政府的要求设计了一种新的法国“民族服装”，但包括在膝盖以上的大衣下绑着相当紧的绑腿。
裤子问题已被艺术家们视为阻碍创作现代历史绘画的障碍。与当代服饰的其他元素一样，它们被许多艺术家和评论家视为丑陋而丑陋。为了避免在现代场景中描绘它们，使用了各种策略。加文·汉密尔顿（Javin Dawkins）和罗伯特·伍德（Robert Wood）在加文·汉密尔顿（Gavin Hamilton）的《发现巴尔米拉的废墟》（1758年）中，以绅士风格的阿拉伯长袍展示了两个绅士的古董。在约翰·辛格尔顿·科普利（John Singleton Copley）的《沃森与鲨鱼》（Watson and the Shark，1778年）中，主要人物可能被裸露了，其构成与所显示的其他八个人中一样，只有一个人显着地显示了一条马ree的腿。但是，美国人科普利和本杰明·韦斯特（Benjamin West）领导的艺术家成功地展示了裤子可以用于英雄场景，例如韦斯特（West’）的作品。
受古典启发的男性发型包括Bedford Crop（可以说是大多数普通现代男性发型的前身），由Bedford第五公爵激进政治家Francis Russell发明，以抗议发粉税。他鼓励他的朋友们押注他们不会采用它。另一个有影响力的风格（或一组风格）是由法国人“ la la Titus”命名的，以蒂特斯·朱尼乌斯·布鲁图斯（实际上不是罗马皇帝提图斯）为假名，头发短而有层次，但在头顶上有些堆积带有约束力的井筒或锁垂下；拿破仑（Napoleon）和英国乔治四世（George IV）的头发都很熟悉。
这种风格原本是由演员弗朗索瓦·约瑟夫·塔尔玛（François-JosephTalma）所介绍的，他在伏尔泰的布鲁图斯（关于卢修斯·朱尼乌斯·布鲁图斯（Lucius Junius Brutus）下令执行其儿子提图斯（Titus）的作品）的作品中出现时，提拔了他假发的同伴。1799年，一本巴黎时尚杂志报道说，甚至秃顶的男人也采用Titus假发，这种风格也为女性所戴。《巴黎日报》在1802年报道说：“一半以上的优雅女性都戴着Titus的头发或假发。
后来的新古典主义
在美国建筑中，新古典主义是美国文艺复兴运动的一种表现形式。1890–1917年；它的最后体现是美术建筑，最后一个大型公共项目是林肯纪念堂（当时受到强烈批评），华盛顿特区的国家美术馆（也受到建筑界的严重批评是落后的）思维和老式的设计），以及美国自然历史博物馆的罗斯福纪念馆。这些完成时被视为文体过时。在英国王室中，埃德温·卢汀斯爵士为新德里所做的具有纪念意义的城市规划标志着新古典主义的辉煌日落。第二次世界大战打破了对神话，英雄时代的（和模仿）最大的渴望。
保守的现代主义建筑师，例如法国的奥古斯特·佩雷（Auguste Perret），即使在工厂建筑物中，也保持柱状建筑的节奏和间距。在柱廊本应被认为是“反动的”的情况下，建筑物在重复的带状装饰下像壁柱一样的长笛面板看上去“渐进”。帕勃罗·毕加索（Pablo Picasso）在第一次世界大战后的几年里尝试了古典化的图案，而装饰艺术风格在1925年巴黎装饰艺术博览会上脱颖而出，经常借鉴新古典主义的图案而又不盲目地表达出来： .-J。Ruhlmann或Süe＆Mare; 每种媒介中的少女和瞪羚脆脆，浮雕极低的饰带；褶皱或斜裁的时尚连衣裙，重现希腊风情；伊莎多拉·邓肯（Isadora Duncan）的艺术舞蹈；最早于1950年建成的美国邮局和县法院大楼的精简现代风格；和罗斯福一毛钱。
艺术中有整个20世纪的运动，也称为新古典主义。它至少涵盖了音乐，哲学和文学。它介于第一次世界大战结束和第二次世界大战结束之间。（有关音乐方面的信息，请参见20世纪古典音乐和音乐中的新古典主义。有关哲学方面的信息，请参见《大书》。）
这种文学新古典主义运动拒绝（例如）达达主义的极端浪漫主义，主张克制，宗教（特别是基督教）和反动的政治纲领。尽管TE Hulme为英国文学运动奠定了基础，但最著名的新古典主义者是TS Eliot和Wyndham Lewis。在俄罗斯，该运动早在1910年就以Acmeism的名字结成结晶，其中以Anna Akhmatova和Osip Mandelshtam为主要代表。
在音乐中
音乐中的新古典主义是20世纪的运动。在这种情况下，正在复兴的是17和18世纪的古典音乐和巴洛克音乐风格，它们对希腊和罗马主题的热爱，而不是古代世界本身的音乐。（20世纪初期尚未将新古典作曲家主要借鉴的巴洛克时期与现在称为古典时期的音乐区分开。）该乐章是20世纪上半叶对瓦克主义瓦解的色彩主义的一种反应。晚浪漫主义和印象派与音乐现代主义同时出现，后者试图完全放弃关键音调。它表现出了对简洁和简洁风格的渴望，这使得对经典程序的诠释颇为不合时宜，
第一次世界大战之前，17世纪至18世纪的舞蹈套件略有复兴，但新古典主义者对未修饰的全音阶并不完全满意，并倾向于强调悬架和装饰物的明亮不和谐感，17世纪模式和声的棱角品质以及精力充沛的副词写作。雷斯皮吉（Respighi）的《古老的飞机和舞蹈》（1917年）引领了新古典主义者向往的声音之路。尽管从整个音乐历史中借用过去的音乐风格的做法并不罕见，但是艺术音乐已经经历了音乐家使用现代技术与较旧形式或和声相结合来创作新作品的时期。
明显的构图特征是：参考全音阶调，常规形式（舞曲组，协奏曲格律，奏鸣曲形式等），绝对的音乐概念不受描述性或情感性的影响，使用轻快的音乐质感和简洁的音乐表达。在古典音乐中，这在1920到1950年代之间最为明显。伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）是使用这种风格的最著名的作曲家。他以其类似巴赫的八重奏管乐八重奏（1923年）有效地开始了音乐革命。普罗科菲耶夫（Prokofiev）的D古典交响曲（No. 1）是代表这种风格的特别作品，让人回想起海顿（Haydn）或莫扎特（Mozart）的交响曲风格。乔治·巴兰钦（George Balanchine）发明的新古典主义芭蕾舞在服装，台阶和叙事方面使俄罗斯帝国风格杂乱无章，
俄罗斯和苏联的建筑
在1905年至1914年间，俄罗斯建筑经历了短暂但有影响的新古典主义复兴时期。这种趋势始于亚历山大时代帝国风格的复兴，并迅速扩展为各种新文艺复兴时期，palladian和现代化的但公认的古典学校。他们由出生于1870年代的建筑师领导，这些建筑师在第一次世界大战前达到了创作的顶峰，例如Ivan Fomin，Vladimir Shchuko和Ivan Zholtovsky。当1920年代经济复苏时，这些建筑师及其追随者继续在主要是现代主义的环境中工作。有些人（Zholtovsky）严格遵循古典教规，另一些人（Fomin，Schuko，Ilya Golosov）发展了自己的现代化风格。
随着对建筑师独立性的镇压和对现代主义的官方否定（1932年），在国际苏维埃宫大赛中得到证明，新古典主义被迅速推广为斯大林主义建筑的选择之一，尽管不是唯一的选择。它与鲍里斯·伊凡（Boris Iofan）适度现代主义的建筑共存，与当代装饰艺术（Schuko）相邻；同样，由Zholtovsky派出的风格的最纯净的例子仍然是孤立的现象。政治干预对建构主义者的领导者来说是一场灾难，但古典派学校的建筑师对此表示诚挚的欢迎。
新古典主义对苏联来说是一个容易的选择，因为它不依赖于现代建筑技术（钢框架或钢筋混凝土），并且可以在传统的砖石中复制。因此，在严格的材料配给下，Zholtovsky，Fomin和其他老大师的设计很容易在偏远城镇复制。第二次世界大战后建筑技术的提高使斯大林主义的建筑师可以冒险进入摩天大楼的建设，尽管这些摩天大楼（包括文化科学宫，华沙和上海国际会议中心的“出口”建筑）在造型上与经典模型几乎没有什么共同之处。新古典主义和新文艺复兴一直持续到要求较低的住宅和办公项目中，直到1955年，尼基塔·赫鲁晓夫（Nikita Khrushchev）结束了昂贵的斯大林主义建筑。
21世纪的建筑
在现代建筑霸主时期（大约在第二次世界大战后直到1980年代中期）经历了一段平静之后，新古典主义的兴起有所复苏。
从21世纪的前十年开始，当代新古典主义建筑通常被归类为“新古典建筑”。有时它也被称为新历史主义或传统主义。此外，许多后现代建筑的灵感来自新古典主义，安提戈涅区和巴塞罗那加泰罗尼亚国家剧院，其中包括对新古典主义的明确引用。后现代建筑偶尔会包含历史元素，例如圆柱，大写字母或鼓膜。
对于坚持区域建筑，材料和工艺的真诚传统风格建筑，通常使用“传统建筑”（或“白话”）一词。Driehaus建筑奖被授予21世纪传统或古典建筑领域的主要贡献者，其奖金是现代普利兹克奖的两倍。
在美国，各种现代公共建筑都以新古典主义风格建造，以2006年位于纳什维尔的谢默霍恩交响乐中心为例。
在英国，许多建筑师活跃于新古典主义风格。他们的工作实例包括两个大学图书馆：唐宁学院的昆兰·特里的梅特兰·罗宾逊图书馆和罗伯特·亚当建筑师事务所的萨克勒图书馆。