Neoklassizismus

Der Neoklassizismus war eine westliche Kulturbewegung in den Bereichen dekorative und visuelle Kunst, Literatur, Theater, Musik und Architektur, die sich von der Kunst und Kultur der klassischen Antike inspirieren ließ. Der Neoklassizismus wurde in Rom vor allem dank der Schriften von Johann Joachim Winckelmann zur Zeit der Wiederentdeckung von Pompeji und Herculaneum geboren. Seine Popularität verbreitete sich jedoch in ganz Europa, als eine Generation europäischer Kunststudenten ihre Grand Tour beendete und von Italien nach Italien zurückkehrte Heimatländer mit neu entdeckten griechisch-römischen Idealen. Die neoklassizistische Hauptbewegung fiel mit dem Zeitalter der Aufklärung im 18. Jahrhundert zusammen und setzte sich bis ins frühe 19. Jahrhundert fort und konkurrierte seitlich mit der Romantik. In der Architektur setzte sich der Stil im 19., 20. und bis zum 21. Jahrhundert fort.

Der europäische Neoklassizismus in der bildenden Kunst begann c. 1760 im Gegensatz zum damals vorherrschenden Rokoko-Stil. Die Rokoko-Architektur betont Anmut, Ornamentik und Asymmetrie. Die neoklassizistische Architektur basiert auf den Prinzipien der Einfachheit und Symmetrie, die als Tugenden der Künste Roms und des antiken Griechenlands angesehen wurden und unmittelbar vom Renaissance-Klassizismus des 16. Jahrhunderts abgeleitet wurden. Jeder „Neo“ -Klassizismus wählt einige Modelle aus der Reihe möglicher Klassiker aus, die ihm zur Verfügung stehen, und ignoriert andere. Die neoklassizistischen Schriftsteller und Redner, Förderer und Sammler, Künstler und Bildhauer von 1765–1830 huldigten einer Idee der Generation der Phidias, aber die Skulpturenbeispiele, die sie tatsächlich annahmen, waren eher römische Kopien hellenistischer Skulpturen.

Die „Rokoko“ -Kunst des alten Palmyra kam als Offenbarung durch Gravuren in Woods Die Ruinen von Palmyra. Sogar Griechenland war so gut wie unbesucht, ein raues Rückstauwasser des Osmanischen Reiches, das gefährlich zu erkunden war. Daher wurde die Wertschätzung der Neoklassiker für die griechische Architektur durch Zeichnungen und Gravuren vermittelt, die die Denkmäler subtil glätteten und regulierten, „korrigierten“ und „restaurierten“ von Griechenland nicht immer bewusst.

Der Empire-Stil, eine zweite Phase des Neoklassizismus in Architektur und dekorativer Kunst, hatte in der napoleonischen Ära sein kulturelles Zentrum in Paris.

Überblick
Das Auftreten des Neoklassizismus war vor allem eine Ablehnung des Rokoko-Stils, der Europa im Zeitalter der Aufklärung kennzeichnete. Für die Deutschen, die von anti-französischen Gefühlen durchdrungen sind, weil er die Regierungszeit Ludwigs XV. Und seine Extravaganzen darstellt, für die Engländer der anglikanischen Tradition, die eine Rückkehr zur Einfachheit befürworten, weil er der letzte Vertreter eines ästhetischen Merkmals des katholischen Zählers ist -Reformation. Um die 1770er Jahre betraf diese Ablehnung auch Italien und Frankreich, jedoch Förderer des Rokoko, aber mit ihnen drückte sie sich gegen den als unmoralisch angesehenen Charakter dieses Stils aus, der Luxus, Frivolität,

In der Mitte des 17. Jahrhunderts bringt die Popularität der Grand Tour Aristokraten aus der Reisegemeinschaft mit, die aus England, Frankreich oder Preußen kamen, um die antiken Überreste auf Bildungsreisen nach Italien, Griechenland oder in die Türkei direkt zu konfrontieren. Eine dieser Reisen, die des Marquis de Marigny in den Jahren 1750-1751, hatte einen großen Einfluss auf die Geschmacksentwicklung in Frankreich und in Europa. Der jüngere Bruder der Marquise de Pompadour, Abel-François Poisson de Vandières, wird in Begleitung des Graveurs Charles Nicolas Cochin und des Architekten Jacques-Germain Soufflot auf eine Mission nach Rom geschickt. Auf dieser Reise werden die Künstler auf die Besonderheit der antiken Werke aufmerksam, ohne die stilistische Neuinterpretation aus der Renaissance oder der klassischen Tradition zu durchlaufen.

Soufflot schiebt seinen Ausflug weiter nach Süden, indem er die Stätte von Paestum in Kampanien entdeckt, wo die Konfrontation mit griechischen Tempeln, die einen archaischen Stil mit dorischen Säulen ohne Sockel präsentieren, für ihn eine Offenbarung ist. Zur gleichen Zeit können englische Reisende, die die Lockerung des türkischen Drucks in Griechenland nutzen, die Reise unternehmen, die die Veröffentlichung von Sammlungen griechischer Antiquitäten ermöglicht, darunter die von Richard Dalton, Antiquitäten und Ansichten von Griechenland und Ägypten, die Liebhaber von Antike wie Caylus und Winckelmann, um die antike griechische Ästhetik zu betrachten, die der römischen Antike überlegen ist.

Der Neoklassizismus wird auch von der Kulturpolitik bevorzugt, die von den „aufgeklärten“ Monarchen verteidigt wird. Der zukünftige Karl III. Von Spanien ließ die gravierte Sammlung der Pitture-Antiche von Ercolano e contorni, Georg III., König von England, in ganz Europa verteilen, die Entwicklung des neuen Stils fördern, indem der Architekt Robert Adam und der Maler Benjamin West die offiziellen Künstler des Regimes 5. Der König von Frankreich, Ludwig XVI., setzt an die Spitze der Gebäude des Königs, den Grafen von Angiviller, der die Rückkehr zur Größe des Jahrhunderts Ludwigs XIV. fördert, indem er Werke mit tugendhaften Zielen fördert, moralisch und patriotisch. Diese Richtlinien beinhalten Davids Verwirklichung des Eides der Horatii.

Geschichte
Der Neoklassizismus ist eine Wiederbelebung der vielen Stile und des Geistes der klassischen Antike, die direkt aus der klassischen Zeit inspiriert wurden und die Entwicklungen in der Philosophie und anderen Bereichen des Zeitalters der Aufklärung zusammenfielen und widerspiegelten. Er war zunächst eine Reaktion auf die Exzesse des vorhergehenden Rokoko-Stils . Während die Bewegung oft als das entgegengesetzte Gegenstück zur Romantik beschrieben wird, ist dies eine große Vereinfachung, die unter Berücksichtigung bestimmter Künstler oder Werke tendenziell nicht nachhaltig ist. Der Fall des vermeintlichen Hauptchampions des späten Neoklassizismus, Ingres, zeigt dies besonders gut. Die Wiederbelebung kann auf die Etablierung der formalen Archäologie zurückgeführt werden.

Die Schriften von Johann Joachim Winckelmann waren wichtig für die Gestaltung dieser Bewegung sowohl in der Architektur als auch in der bildenden Kunst. Seine Bücher Gedanken zur Nachahmung griechischer Werke in Malerei und Skulptur (1750) und Geschichte der Kunst des Alterthums („Geschichte der antiken Kunst“, 1764) waren die ersten, die scharf zwischen antiker griechischer und römischer Kunst unterschieden und Perioden innerhalb des Griechischen definierten Kunst, die einen Weg vom Wachstum bis zur Reife verfolgt und dann Nachahmung oder Dekadenz, die bis heute Einfluss hat. Winckelmann glaubte, dass Kunst auf „edle Einfachheit und ruhige Größe“ abzielen sollte, und lobte den Idealismus der griechischen Kunst, in dem er sagte, wir finden „nicht nur die Natur in ihrer schönsten Form, sondern auch etwas jenseits der Natur, nämlich bestimmte ideale Formen ihrer Schönheit , welche,

Mit dem Aufkommen der Grand Tour begann eine Modeerscheinung des Sammelns von Antiquitäten, die den Grundstein für viele große Sammlungen legte, die eine neoklassizistische Wiederbelebung in ganz Europa verbreiteten. „Neoklassizismus“ in jeder Kunst impliziert einen bestimmten Kanon eines „klassischen“ Modells.

Der Begriff „Neoklassizismus“ wird hauptsächlich in der bildenden Kunst verwendet; Die ähnliche Bewegung in der englischen Literatur, die wesentlich früher begann, wird Augustanische Literatur genannt. Dies, das seit mehreren Jahrzehnten vorherrschte, begann zu sinken, als der Neoklassizismus in der bildenden Kunst in Mode kam. Obwohl sich die Begriffe unterscheiden, war die Situation in der französischen Literatur ähnlich. In der Musik erlebte die klassische Musik den Aufstieg, und der „Neoklassizismus“ wird für Entwicklungen des 20. Jahrhunderts verwendet. Die Opern von Christoph Willibald Gluck stellten jedoch einen spezifisch neoklassizistischen Ansatz dar, der in seinem Vorwort zu der veröffentlichten Partitur von Alceste (1769) dargelegt wurde, die darauf abzielte, die Oper durch Entfernen von Ornamenten zu reformieren und die Rolle des Chors im Einklang mit der griechischen Tragödie zu stärken. und mit einfacheren schmucklosen Melodielinien.

Der Begriff „neoklassisch“ wurde erst Mitte des 19. Jahrhunderts erfunden, und zu der Zeit wurde der Stil durch Begriffe wie „der wahre Stil“, „reformiert“ und „Wiederbelebung“ beschrieben; was als wiederbelebt angesehen wurde, war sehr unterschiedlich. Antike Vorbilder waren sicherlich sehr involviert, aber der Stil könnte auch als Wiederbelebung der Renaissance angesehen werden, und insbesondere in Frankreich als Rückkehr zum strengeren und edleren Barock des Zeitalters Ludwigs XIV., Für den sich eine beträchtliche Nostalgie entwickelt hatte als Frankreichs dominante militärische und politische Position einen ernsthaften Niedergang begann. Ingres ‚Krönungsporträt von Napoleon wurde zur Missbilligung von Kritikern sogar von spätantiken konsularischen Diptychen und ihrer karolingischen Wiederbelebung entlehnt.

Der Neoklassizismus war am stärksten in Architektur, Skulptur und dekorativer Kunst, wo klassische Modelle im selben Medium relativ zahlreich und zugänglich waren; Beispiele aus der antiken Malerei, die zeigten, welche Eigenschaften Winckelmanns Schriften in der Skulptur fanden und fehlen. Winckelmann war an der Verbreitung des Wissens über die ersten großen römischen Gemälde beteiligt, die in Pompeji und Herculaneum entdeckt wurden, und war, wie die meisten Zeitgenossen mit Ausnahme von Gavin Hamilton, von ihnen unbeeindruckt und zitierte Plinius den Jüngeren zum Niedergang der Malerei in seiner Zeit .

Die griechische Malerei ging völlig verloren: Die neoklassizistischen Maler haben sie fantasievoll wiederbelebt, teils durch Relieffriese, Mosaike und Keramikmalerei, teils durch Beispiele für Malerei und Dekoration der Hochrenaissance der Generation Raffaels, Fresken in Neros Domus Aurea , Pompeji und Herculaneum und durch erneute Bewunderung von Nicholas Poussin. Viel „neoklassische“ Malerei klassifiziert sich thematischer als alles andere. Jahrzehntelang tobte ein heftiger, aber oft sehr schlecht informierter Streit um die relativen Vorzüge der griechischen und römischen Kunst, wobei Winckelmann und seine Mithellenisten im Allgemeinen auf der Gewinnerseite standen.

Malen und Drucken
Es ist schwer, die radikale und aufregende Natur der frühen neoklassizistischen Malerei für das zeitgenössische Publikum wiederzuerlangen. es erscheint jetzt sogar jenen Schriftstellern, die dazu neigen, als „fade“ und „für uns fast völlig uninteressant“ – einige von Kenneth Clarks Kommentaren zu Anton Raphael Mengs ‚ehrgeizigem Parnassus in der Villa Albani von dem Künstler, den sein Freund Winckelmann als „bezeichnete“. der größte Künstler seiner eigenen und vielleicht späterer Zeit „. Die Zeichnungen, die später in Drucke umgewandelt wurden, von John Flaxman verwendeten sehr einfache Strichzeichnungen (die als das reinste klassische Medium gelten) und Figuren, die größtenteils im Profil dargestellt wurden, um die Odyssee und andere Themen darzustellen, und feuerten einst „die künstlerische Jugend Europas“, sind es aber jetzt „vernachlässigt“, während die Geschichtsbilder von Angelica Kauffman, hauptsächlich Porträtistin, werden von Fritz Novotny als „sanftmütig und langweilig“ beschrieben. Rokoko-Frivolität und Barockbewegung waren weggenommen worden, aber viele Künstler hatten Mühe, irgendetwas an ihre Stelle zu setzen, und da es keine alten Beispiele für die Geschichtsmalerei gab, außer den von Flaxman verwendeten griechischen Vasen, wurde Raphael eher als Ersatzmodell verwendet. wie von Winckelmann empfohlen.

Die Arbeiten anderer Künstler, die nicht leicht als fade zu bezeichnen waren, verbanden Aspekte der Romantik mit einem allgemein neoklassizistischen Stil und bildeten einen Teil der Geschichte beider Bewegungen. Der deutsch-dänische Maler Asmus Jacob Carstens beendete nur sehr wenige der von ihm geplanten großen mythologischen Werke und hinterließ hauptsächlich Zeichnungen und Farbstudien, die es oft schaffen, Winckelmanns Rezept von „edler Einfachheit und ruhiger Größe“ zu erreichen. Im Gegensatz zu Carstens ’nicht realisierten Plänen waren die Radierungen von Giovanni Battista Piranesi zahlreich und profitabel und wurden von denjenigen zurückgenommen, die die Grand Tour in alle Teile Europas machten. Sein Hauptthema waren die Gebäude und Ruinen von Rom, und er wurde mehr von der Antike als von der Moderne angeregt.

Die etwas beunruhigende Atmosphäre vieler seiner Veduten (Ansichten) dominiert in seiner Serie von 16 Drucken von Carceri d’Invenzione („Imaginäre Gefängnisse“), deren „bedrückende zyklopische Architektur“ „Träume von Angst und Frustration“ vermittelt. Der in der Schweiz geborene Johann Heinrich Füssli verbrachte den größten Teil seiner Karriere in England. Während sein grundlegender Stil auf neoklassischen Prinzipien beruhte, spiegelten seine Themen und seine Behandlung häufiger die „gotische“ Belastung der Romantik wider und versuchten, Drama und Aufregung hervorzurufen.

Der Neoklassizismus in der Malerei gewann mit dem sensationellen Erfolg von Jacques-Louis Davids Eid auf die Horatii im Pariser Salon von 1785 einen neuen Orientierungssinn. Trotz der Hervorrufung republikanischer Tugenden war dies ein Auftrag der königlichen Regierung, auf dessen Malerei David bestand in Rom. David gelang es, einen idealistischen Stil mit Drama und Kraft zu verbinden. Die zentrale Perspektive ist senkrecht zur Bildebene, hervorgehoben durch die dunkle Arkade dahinter, gegen die die Heldenfiguren wie in einem Fries angeordnet sind, mit einem Hauch von künstlicher Beleuchtung und Inszenierung der Oper und der klassischen Farbgebung von Nicholas Poussin . David wurde schnell zum Führer der französischen Kunst und nach der Französischen Revolution zum Politiker mit Kontrolle über viele staatliche Patronage in der Kunst. Es gelang ihm, seinen Einfluss in der napoleonischen Zeit zu behalten,

Zu Davids vielen Schülern gehörte Jean-Auguste-Dominique Ingres, der sich während seiner langen Karriere als Klassiker sah, trotz eines ausgereiften Stils, der eine zweideutige Beziehung zur Hauptströmung des Neoklassizismus hat, und vieler späterer Ablenkungen in den Orientalismus und den Troubadour-Stil schwer von denen seiner unverfroren romantischen Zeitgenossen zu unterscheiden, außer durch den Vorrang, den seine Werke dem Zeichnen immer geben. Er stellte über 60 Jahre lang im Salon aus, von 1802 bis zu den Anfängen des Impressionismus, aber sein einst geformter Stil änderte sich kaum.

Skulptur
Wenn die neoklassische Malerei unter einem Mangel an alten Modellen litt, litt die neoklassische Skulptur tendenziell unter einem Übermaß davon, obwohl es damals nur sehr wenige Beispiele für tatsächliche griechische Skulpturen der „klassischen Periode“ gab, die um 500 v. Chr. Begannen. Die angesehensten Werke waren überwiegend römische Kopien. Die führenden neoklassizistischen Bildhauer genossen zu ihrer Zeit einen großen Ruf, werden aber heute weniger angesehen, mit Ausnahme von Jean-Antoine Houdon, dessen Werk hauptsächlich Porträts waren, sehr oft als Büsten, denen kein starker Eindruck von der Persönlichkeit des Darstellers geopfert wird Idealismus. Sein Stil wurde im Laufe seiner langen Karriere klassischer und repräsentiert einen eher reibungslosen Übergang vom Rokoko-Charme zur klassischen Würde. Im Gegensatz zu einigen neoklassizistischen Bildhauern bestand er nicht darauf, dass seine Sitter römische Kleidung trugen oder nicht gekleidet waren.

Antonio Canova und der Däne Bertel Thorvaldsen waren beide in Rom ansässig, und neben Porträts entstanden viele ehrgeizige lebensgroße Figuren und Gruppen. beide repräsentierten die stark idealisierende Tendenz in der neoklassischen Skulptur. Canova hat eine Leichtigkeit und Anmut, wo Thorvaldsen strenger ist; Der Unterschied wird in ihren jeweiligen Gruppen der drei Grazien veranschaulicht. Alle diese und Flaxman waren noch in den 1820er Jahren aktiv, und die Romantik wirkte sich nur langsam auf die Skulptur aus, wo Versionen des Neoklassizismus den größten Teil des 19. Jahrhunderts dominierten.

Ein früher Neoklassiker in der Bildhauerei war der Schwede Johan Tobias Sergel. John Flaxman war auch oder hauptsächlich Bildhauer und produzierte hauptsächlich streng klassische Reliefs, deren Stil mit seinen Drucken vergleichbar ist. Er entwarf und modellierte mehrere Jahre lang neoklassizistische Keramik für Josiah Wedgwood. Johann Gottfried Schadow und sein Sohn Rudolph, einer der wenigen neoklassizistischen Bildhauer, die jung starben, waren mit Franz Anton von Zauner in Österreich die führenden deutschen Künstler. Der spätbarocke österreichische Bildhauer Franz Xaver Messerschmidt wandte sich in der Mitte seiner Karriere dem Neoklassizismus zu, kurz bevor er eine Art psychische Krise zu erleiden schien. Danach zog er sich ins Land zurück und widmete sich den markanten „Charakterköpfen“ kahlköpfiger Figuren extreme Gesichtsausdrücke ziehen. Wie Piranesis Carceri, Diese erlebten im Zeitalter der Psychoanalyse im frühen 20. Jahrhundert eine große Wiederbelebung des Interesses. Der niederländische neoklassizistische Bildhauer Mathieu Kessels studierte bei Thorvaldsen und arbeitete fast ausschließlich in Rom.

Da die Vereinigten Staaten vor den 1830er Jahren keine eigene Skulpturentradition hatten, außer in den Bereichen Grabsteine, Wetterfahnen und Schiffsfiguren, wurde dort die europäische neoklassizistische Art übernommen, die jahrzehntelang Bestand haben sollte und in der beispielhaft dargestellt wird die Skulpturen von Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers und William Henry Rinehart.

Architektur und dekorative Kunst
Die neoklassische Kunst war traditionell und neu, historisch und modern, konservativ und fortschrittlich zugleich.

Der Neoklassizismus gewann zuerst in England und Frankreich durch eine Generation französischer Kunststudenten, die in Rom ausgebildet und von den Schriften Winckelmanns beeinflusst wurden, und wurde von fortschrittlichen Kreisen in anderen Ländern wie Schweden, Polen und Russland schnell übernommen. Zunächst wurde das klassizistische Dekor auf bekannte europäische Formen übertragen, wie in den Innenräumen für den Liebhaber von Katharina II., Graf Orlow, die von einem italienischen Architekten mit einem Team italienischer Stuckateure entworfen wurden: Nur die isolierten ovalen Medaillons wie Kameen und das Basrelief über den Türen deuten darauf hin des Neoklassizismus; Die Einrichtung ist komplett italienisches Rokoko.

Eine zweite neoklassische Welle, die schwerwiegender, genauer (durch Gravuren) und bewusster archäologisch ist, ist mit der Höhe des Napoleonischen Reiches verbunden. In Frankreich wurde die erste Phase des Neoklassizismus im „Louis XVI-Stil“ und die zweite in den Stilen „Directoire“ oder Empire ausgedrückt. Der Rokoko-Stil blieb in Italien beliebt, bis die napoleonischen Regime den neuen archäologischen Klassizismus einbrachten, der von jungen, fortschrittlichen, urbanen Italienern mit republikanischen Neigungen als politisches Statement aufgegriffen wurde. [Wem?]

In der dekorativen Kunst wird der Neoklassizismus durch Empire-Möbel aus Paris, London, New York und Berlin veranschaulicht. in Biedermeier Möbel made in Austria; in den Museen von Karl Friedrich Schinkel in Berlin, in der Bank of England von Sir John Soane in London und in der neu errichteten „Hauptstadt“ in Washington, DC; und in Wedgwoods Basreliefs und „schwarzen Basaltvasen“. Der Stil war international; Der schottische Architekt Charles Cameron schuf für die in Deutschland geborene Katharina II. Die Große im russischen St. Petersburg ein palastartiges italienisches Interieur.

In Innenräumen entdeckte der Neoklassizismus das echte klassische Interieur, inspiriert von den Wiederentdeckungen in Pompeji und Herculaneum. Diese hatten in den späten 1740er Jahren begonnen, erreichten jedoch erst in den 1760er Jahren ein breites Publikum mit den ersten luxuriösen Bänden einer streng kontrollierten Verbreitung von Le Antichità di Ercolano (Die Antiquitäten von Herculaneum). Die Altertümer von Herculaneum zeigten, dass selbst die klassischsten Innenräume des Barock oder die „römischsten“ Räume von William Kent auf der Außenarchitektur der Basilika und des Tempels basierten, die nach außen gerichtet waren, weshalb sie für moderne Augen oft bombastisch wirkten: Giebelfensterrahmen drehten sich in vergoldete Spiegel, Kamine mit Tempelfronten. Die neuen Innenräume versuchten, ein authentisch römisches und wirklich inneres Vokabular wiederherzustellen.

Zu den im Stil verwendeten Techniken gehörten flachere, leichtere Motive, die in einem niedrigen friesartigen Relief geformt oder in Monotönen en camaïeu („wie Kameen“) gemalt waren, isolierte Medaillons oder Vasen oder Büsten oder Bucrania oder andere Motive, die an Lorbeer- oder Bandbändern aufgehängt waren , mit schlanken Arabesken vor Hintergrund, vielleicht von „pompejischem Rot“ oder blassen Farbtönen oder Steinfarben. Der Stil in Frankreich war ursprünglich ein Pariser Stil, der Goût grec („griechischer Stil“), kein Hofstil; Als Ludwig XVI. 1774 den Thron bestieg, brachte Marie Antoinette, seine modebegeisterte Königin, den Stil „Ludwig XVI.“ vor Gericht. Es gab jedoch bis um die Jahrhundertwende keinen wirklichen Versuch, die Grundformen römischer Möbel zu verwenden, und Möbelhersteller liehen sich eher aus der alten Architektur aus.

Ab etwa 1800 gab ein neuer Zustrom griechischer Architekturbeispiele, gesehen durch Radierungen und Gravuren, dem Neoklassizismus, der griechischen Wiederbelebung, neue Impulse. Gleichzeitig war der Empire-Stil eine grandiosere Welle des Neoklassizismus in der Architektur und den dekorativen Künsten. Hauptsächlich basierend auf kaiserlich-römischen Stilen, entstand es aus der Herrschaft Napoleons im Ersten Französischen Reich, wo es Napoleons Führung und den französischen Staat idealisieren sollte. Der Stil entspricht dem bürgerlicheren Biedermeier-Stil im deutschsprachigen Raum, dem föderalen Stil in den USA, dem Regency-Stil in Großbritannien und dem Napoleon-Stil in Schweden. Laut dem Kunsthistoriker Hugh Honor „ist es weit davon entfernt, wie manchmal angenommen, der Höhepunkt der neoklassischen Bewegung zu sein,

Der Neoklassizismus war auch im 19. Jahrhundert und darüber hinaus eine wichtige Kraft in der akademischen Kunst – ein ständiger Gegensatz zur Romantik oder zur Wiederbelebung der Gotik -, obwohl er ab dem späten 19. Jahrhundert oft als antimodern oder sogar reaktionär in einflussreicher Kritik angesehen wurde Kreise. Die Zentren mehrerer europäischer Städte, insbesondere St. Petersburg und München, ähnelten Museen neoklassizistischer Architektur.

Die gotische Wiederbelebungsarchitektur (oft verbunden mit der romantischen Kulturbewegung), ein Stil aus dem 18. Jahrhundert, der im Laufe des 19. Jahrhunderts immer beliebter wurde, kontrastierte den Neoklassizismus. Während der Neoklassizismus von griechisch und römisch geprägten Stilen, geometrischen Linien und Ordnungen geprägt war, legte die gotische Wiederbelebungsarchitektur einen Schwerpunkt auf mittelalterlich anmutende Gebäude, die oft rustikal und „romantisch“ wirken.

Neoklassizistische Gärten
In England hatte die augustanische Literatur eine direkte Parallele zum augustanischen Landschaftsgestaltungsstil. Die Zusammenhänge sind in der Arbeit von Alexander Pope deutlich zu sehen. Die besten erhaltenen Beispiele neoklassizistischer englischer Gärten sind Chiswick House, Stowe House und Stourhead.

Neoklassizismus und Mode
In der Mode beeinflusste der Neoklassizismus die viel größere Einfachheit von Frauenkleidern und die lang anhaltende Mode für Weiß schon lange vor der Französischen Revolution, aber erst danach wurden gründliche Versuche, alte Stile nachzuahmen, in Frankreich in Mode. Zumindest für Frauen. Klassische Kostüme wurden lange Zeit von modischen Damen getragen, die sich als Figur aus dem griechischen oder römischen Mythos in einem Porträt ausgaben (insbesondere gab es einen Ausschlag solcher Porträts des jungen Models Emma, ​​Lady Hamilton aus den 1780er Jahren), aber solche Kostüme wurden nur getragen für das Porträt sitzen und Maskerade Bälle bis zur Revolutionszeit, und vielleicht, wie andere exotische Stile, als zu Hause ausziehen. Aber die Stile in Porträts von Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien und andere Pariser Trendsetter waren auch für das Ausgehen in der Öffentlichkeit. Als Talleyrand Frau Tallien in der Oper sah, witzelte er: „Il n’est pas möglichen de s’exposer plus somptueusement!“ („Man könnte nicht üppiger ausgezogen sein“).

1788, kurz vor der Revolution, hatte die Hofporträtistin Louise Élisabeth Vigée Le Brun ein griechisches Abendessen abgehalten, bei dem die Damen schlichte weiße griechische Tuniken trugen. Kürzere klassische Frisuren, wo möglich mit Locken, waren weniger kontrovers und weit verbreitet, und Haare wurden jetzt sogar im Freien freigelegt; Mit Ausnahme von Abendkleidern wurden Hauben oder andere Bezüge normalerweise schon in Innenräumen getragen. Stattdessen wurden dünne Bänder oder Filets im griechischen Stil verwendet, um das Haar zu binden oder zu dekorieren.

Sehr leichte und lockere Kleider, normalerweise weiß und oft mit schockierend nackten Armen, stiegen vom Knöchel bis knapp unter das Oberteil, wo es einen stark betonten dünnen Saum oder eine Krawatte um den Körper gab, oft in einer anderen Farbe. Die Form wird heute oft als Empire-Silhouette bezeichnet, obwohl sie vor dem ersten französischen Empire von Napoleon liegt, aber seine erste Kaiserin Joséphine de Beauharnais war maßgeblich an der Verbreitung in ganz Europa beteiligt. Ein langer rechteckiger Schal oder Wickel, sehr oft schlicht rot, aber mit einem verzierten Rand in Porträts, half bei kälterem Wetter und wurde anscheinend im Sitzen um die Taille gelegt – für die weitläufige, halb liegende Körperhaltungen bevorzugt wurden. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts hatten sich solche Stile in ganz Europa verbreitet.

Die neoklassische Mode für Männer war weitaus problematischer und nahm nur für Haare wirklich Fahrt auf, wo sie eine wichtige Rolle bei den kürzeren Frisuren spielte, die schließlich die Verwendung von Perücken und dann von weißem Haarpuder für jüngere Männer auslösten. Die Hose war für die Griechen und Römer das Symbol des Barbaren gewesen, aber außerhalb des Ateliers des Malers oder insbesondere des Bildhauers waren nur wenige Männer bereit, sie aufzugeben. In der Tat triumphierte in dieser Zeit die reine Hose oder der Pantaloon über die Cullottes oder Kniehosen des Ancien Régime. Selbst als David auf Ersuchen der Regierung auf dem Höhepunkt der revolutionären Begeisterung, 1792 alles zu ändern, eine neue französische „Nationaltracht“ entwarf, enthielt sie ziemlich enge Leggings unter einem Mantel, der über dem Knie anhielt.

Das Hosenproblem war von Künstlern als Hindernis für die Schaffung zeitgenössischer Gemälde anerkannt worden; Wie andere Elemente der zeitgenössischen Kleidung wurden sie von vielen Künstlern und Kritikern als unwiderruflich hässlich und unheldenhaft angesehen. Verschiedene Strategien wurden verwendet, um sie nicht in modernen Szenen darzustellen. In James Dawkins und Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) von Gavin Hamilton werden die beiden Gentleman-Antiquare in togaähnlichen arabischen Gewändern gezeigt. In Watson and the Shark (1778) von John Singleton Copley konnte die Hauptfigur plausibel nackt gezeigt werden, und die Komposition ist so, dass von den acht anderen gezeigten Männern nur einer ein einziges Bein mit Verschluss hervorhebt. Die Amerikaner Copley und Benjamin West führten jedoch die Künstler an, die erfolgreich zeigten, dass Hosen in Heldenszenen verwendet werden können, mit Werken wie West ‚

Zu den klassisch inspirierten männlichen Frisuren gehörte die Bedford Crop, wohl der Vorläufer der einfachsten modernen männlichen Frisuren, die vom radikalen Politiker Francis Russell, 5. Herzog von Bedford, als Protest gegen eine Steuer auf Haarpuder erfunden wurde; Er ermutigte seine Freunde, es zu adoptieren, indem er darauf setzte, dass sie es nicht tun würden. Ein anderer einflussreicher Stil (oder eine Gruppe von Stilen) wurde von den Franzosen „à la Titus“ nach Titus Junius Brutus (nicht der oft angenommene römische Kaiser Titus) benannt, mit kurzen und geschichteten Haaren, die jedoch häufig etwas auf der Krone gestapelt waren mit zurückhaltenden Quiffs oder hängenden Schlössern; Varianten sind aus den Haaren von Napoleon und George IV von England bekannt.

Der Stil sollte von dem Schauspieler François-Joseph Talma eingeführt worden sein, der seine wackeligen Co-Schauspieler in Produktionen von Werken wie Voltaires Brutus (über Lucius Junius Brutus, der die Hinrichtung seines Sohnes Titus befiehlt) in Szene setzte. 1799 berichtete ein Pariser Modemagazin, dass sogar kahle Männer Titus-Perücken adoptierten, und der Stil wurde auch von Frauen getragen. Das Journal de Paris berichtete 1802, dass „mehr als die Hälfte der eleganten Frauen ihre Haare oder Perücke à la Titus trugen.

Späterer Neoklassizismus
In der amerikanischen Architektur war der Neoklassizismus ein Ausdruck der amerikanischen Renaissancebewegung. 1890–1917; Seine letzte Manifestation war in der Beaux-Arts-Architektur, und seine allerletzten großen öffentlichen Projekte waren das Lincoln Memorial (damals stark kritisiert), die National Gallery of Art in Washington, DC (ebenfalls stark von der Architekturgemeinschaft als rückständig kritisiert) Denken und altmodisch in seinem Design) und das Roosevelt Memorial des American Museum of Natural History. Diese wurden als stilistische Anachronismen angesehen, als sie fertig waren. Sir Edwin Lutyens ‚monumentale Stadtplanung für Neu-Delhi markiert im britischen Raj den herrlichen Sonnenuntergang des Neoklassizismus. Der Zweite Weltkrieg sollte die Sehnsucht nach (und Nachahmung) mythischer, heroischer Zeiten zerstören.

Konservative modernistische Architekten wie Auguste Perret in Frankreich behielten den Rhythmus und den Abstand der Säulenarchitektur auch in Fabrikgebäuden bei. Wo eine Kolonnade als „reaktionär“ eingestuft worden wäre, sahen die pilasterartigen geriffelten Paneele eines Gebäudes unter einem sich wiederholenden Fries „progressiv“ aus. Pablo Picasso experimentierte in den Jahren unmittelbar nach dem Ersten Weltkrieg mit klassizistischen Motiven, und der Art-Deco-Stil, der nach der Pariser Ausstellung des Arts Décoratifs von 1925 in den Vordergrund trat, stützte sich häufig auf neoklassische Motive, ohne sie offen auszudrücken: strenge, blockige Kommoden von É .-J. Ruhlmann oder Süe & Mare; knusprige, extrem niedrigreliefierte Friese von Jungfrauen und Gazellen in jedem Medium; modische Kleider, die drapiert oder geschnitten wurden, um griechische Linien wiederherzustellen; der Kunsttanz von Isadora Duncan; das Streamline Moderne-Design von US-Postämtern und Gerichtsgebäuden, die erst 1950 gebaut wurden; und der Roosevelt-Cent.

Es gab eine ganze Bewegung des 20. Jahrhunderts in den Künsten, die auch als Neoklassizismus bezeichnet wurde. Es umfasste zumindest Musik, Philosophie und Literatur. Es war zwischen dem Ende des Ersten Weltkriegs und dem Ende des Zweiten Weltkriegs. (Informationen zu den musikalischen Aspekten finden Sie unter Klassische Musik des 20. Jahrhunderts und Neoklassizismus in der Musik. Informationen zu den philosophischen Aspekten finden Sie unter Große Bücher.)

Diese literarische neoklassizistische Bewegung lehnte die extreme Romantik von (zum Beispiel) Dada zugunsten von Zurückhaltung, Religion (insbesondere Christentum) und einem reaktionären politischen Programm ab. Obwohl der Grundstein für diese Bewegung in der englischen Literatur von TE Hulme gelegt wurde, waren die bekanntesten Neoklassiker TS Eliot und Wyndham Lewis. In Russland kristallisierte sich die Bewegung bereits 1910 unter dem Namen Acmeism heraus, wobei Anna Akhmatova und Osip Mandelshtam die führenden Vertreter waren.

In Musik
Der Neoklassizismus in der Musik ist eine Bewegung des 20. Jahrhunderts; In diesem Fall wurden die klassischen und barocken Musikstile des 17. und 18. Jahrhunderts mit ihrer Vorliebe für griechische und römische Themen wiederbelebt, nicht die Musik der Antike. (Das frühe 20. Jahrhundert hatte die Barockzeit in der Musik, auf die sich die neoklassizistischen Komponisten hauptsächlich stützten, noch nicht von der heutigen klassischen Zeit unterschieden.) Die Bewegung war eine Reaktion in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts auf die sich auflösende Chromatik von Spätromantik und Impressionismus, die parallel zur musikalischen Moderne entstanden und die Tonalität ganz aufgeben wollten. Es zeigte sich ein Wunsch nach Sauberkeit und Einfachheit des Stils, der eine ziemlich dissonante Umschreibung klassischer Verfahren ermöglichte.

Die Tanzsuite aus dem 17.-18. Jahrhundert hatte vor dem Ersten Weltkrieg eine kleine Wiederbelebung erlebt, aber die Neoklassiker waren mit dem unveränderten Diatonismus nicht ganz zufrieden und betonten tendenziell die helle Dissonanz von Suspensionen und Ornamenten, die kantigen Qualitäten der modalen Harmonie des 17. Jahrhunderts und die energetische Linien des countrapuntalen Teilschreibens. Respighis Ancient Airs and Dances (1917) waren wegweisend für die Art von Klang, nach der die Neoklassiker strebten. Obwohl die Ausleihe von Musikstilen aus der Vergangenheit in der gesamten Musikgeschichte keine Seltenheit war, hat die Kunstmusik Perioden durchlaufen, in denen Musiker moderne Techniken in Verbindung mit älteren Formen oder Harmonien verwendeten, um neue Arten von Werken zu schaffen.

Bemerkenswerte kompositorische Merkmale sind: Bezugnahme auf diatonische Tonalität, konventionelle Formen (Tanzsuiten, Concerti Grossi, Sonatenformen usw.), die Idee der absoluten Musik, die nicht durch beschreibende oder emotionale Assoziationen beeinträchtigt wird, die Verwendung leichter musikalischer Texturen und eine Prägnanz des musikalischen Ausdrucks . In der klassischen Musik wurde dies vor allem zwischen den 1920er und 1950er Jahren wahrgenommen. Igor Strawinsky ist der bekannteste Komponist, der diesen Stil verwendet. Mit seinem Bach-ähnlichen Oktett für Blasinstrumente (1923) begann er die musikalische Revolution. Ein besonderes Einzelwerk, das diesen Stil gut repräsentiert, ist Prokofjews Klassische Symphonie Nr. 1 in D, die an den symphonischen Stil von Haydn oder Mozart erinnert. Das neoklassizistische Ballett, wie es von George Balanchine erfunden wurde, hat den russischen imperialen Stil in Bezug auf Kostüm, Schritte und Erzählung durcheinander gebracht.

Architektur in Russland und der Sowjetunion
In den Jahren 1905–1914 erlebte die russische Architektur eine kurze, aber einflussreiche Periode neoklassizistischer Wiederbelebung. Der Trend begann mit der Wiederherstellung des Empire-Stils der Alexandrin-Zeit und dehnte sich schnell auf eine Vielzahl von neorenaissance-, palladianischen und modernisierten, jedoch erkennbar klassischen Schulen aus. Sie wurden von Architekten geführt, die in den 1870er Jahren geboren wurden und vor dem Ersten Weltkrieg einen kreativen Höhepunkt erreichten, wie Ivan Fomin, Vladimir Shchuko und Ivan Zholtovsky. Als sich die Wirtschaft in den 1920er Jahren erholte, arbeiteten diese Architekten und ihre Anhänger weiterhin hauptsächlich in einem modernistischen Umfeld. Einige (Zholtovsky) folgten streng dem klassischen Kanon, andere (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) entwickelten ihre eigenen modernisierten Stile.

Mit dem Vorgehen gegen die Unabhängigkeit der Architekten und der offiziellen Ablehnung der Moderne (1932), das durch den internationalen Wettbewerb um den Palast der Sowjets demonstriert wurde, wurde der Neoklassizismus sofort als eine der Entscheidungen in der stalinistischen Architektur gefördert, wenn auch nicht als die einzige. Es existierte neben der moderat modernistischen Architektur von Boris Iofan, die an zeitgenössisches Art Deco (Schuko) grenzt. Auch hier wurden die reinsten Beispiele des Stils von der Zholtovsky-Schule hergestellt, die ein isoliertes Phänomen blieb. Die politische Intervention war eine Katastrophe für konstruktivistische Führer, wurde jedoch von den Architekten der klassischen Schulen aufrichtig begrüßt.

Der Neoklassizismus war für die UdSSR eine einfache Wahl, da er sich nicht auf moderne Bautechnologien (Stahlrahmen oder Stahlbeton) stützte und in traditionellem Mauerwerk reproduziert werden konnte. So konnten die Entwürfe von Zholtovsky, Fomin und anderen alten Meistern in abgelegenen Städten unter strenger Materialrationierung leicht nachgebildet werden. Die Verbesserung der Bautechnologie nach dem Zweiten Weltkrieg ermöglichte es stalinistischen Architekten, sich in den Bau von Wolkenkratzern zu wagen, obwohl diese Wolkenkratzer (einschließlich der „exportierten“ Architektur des Kultur- und Wissenschaftspalastes in Warschau und des Shanghai International Convention Center) stilistisch wenig mit den klassischen Modellen zu tun haben. Neoklassizismus und Neorenaissance hielten in weniger anspruchsvollen Wohn- und Büroprojekten an, bis Nikita Chruschtschow 1955 der teuren stalinistischen Architektur ein Ende setzte.

Architektur im 21. Jahrhundert
Nach einer Pause in der Zeit der modernen architektonischen Dominanz (ungefähr nach dem Zweiten Weltkrieg bis Mitte der 1980er Jahre) erlebte der Neoklassizismus eine Art Wiederaufleben.

Ab dem ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts wird zeitgenössische neoklassizistische Architektur normalerweise unter dem Oberbegriff Neue Klassische Architektur klassifiziert. Manchmal wird es auch als Neohistorismus oder Traditionalismus bezeichnet. Eine Reihe postmoderner Architekturen lassen sich von Neoklassizismus, Antigone District und dem Nationaltheater Kataloniens in Barcelona inspirieren und enthalten explizite Hinweise darauf. Die postmoderne Architektur umfasst gelegentlich historische Elemente wie Säulen, Hauptstädte oder das Tympanon.

Für aufrichtige Architektur im traditionellen Stil, die sich an regionale Architektur, Materialien und Handwerkskunst hält, wird meistens der Begriff traditionelle Architektur (oder Umgangssprache) verwendet. Der Driehaus-Architekturpreis wird an bedeutende Mitwirkende auf dem Gebiet der traditionellen oder klassischen Architektur des 21. Jahrhunderts vergeben und ist mit einem doppelt so hohen Preisgeld wie der modernistische Pritzker-Preis dotiert.

In den Vereinigten Staaten werden verschiedene zeitgenössische öffentliche Gebäude im neoklassizistischen Stil erbaut, wobei das Schermerhorn Symphony Center 2006 in Nashville ein Beispiel ist.

In Großbritannien sind eine Reihe von Architekten im neoklassizistischen Stil tätig. Beispiele für ihre Arbeit sind zwei Universitätsbibliotheken: die Maitland Robinson Library von Quinlan Terry am Downing College und die Sackler Library von Robert Adam Architects.