Neoclasicismo

El neoclasicismo fue un movimiento cultural occidental en artes decorativas y visuales, literatura, teatro, música y arquitectura que se inspiró en el arte y la cultura de la antigüedad clásica. El neoclasicismo nació en Roma en gran parte gracias a los escritos de Johann Joachim Winckelmann, en el momento del redescubrimiento de Pompeya y Herculano, pero su popularidad se extendió por toda Europa cuando una generación de estudiantes de arte europeos terminó su Gran Tour y regresó de Italia a su países de origen con nuevos ideales grecorromanos redescubiertos. El principal movimiento neoclásico coincidió con la Edad de la Ilustración del siglo XVIII y continuó hasta principios del siglo XIX, compitiendo lateralmente con el romanticismo. En arquitectura, el estilo continuó durante los siglos XIX, XX y hasta el siglo XXI.

El neoclasicismo europeo en las artes visuales comenzó c. 1760 en oposición al estilo rococó entonces dominante. La arquitectura rococó enfatiza la gracia, la ornamentación y la asimetría; La arquitectura neoclásica se basa en los principios de simplicidad y simetría, que fueron vistos como virtudes de las artes de Roma y la antigua Grecia, y se derivaron más inmediatamente del clasicismo renacentista del siglo XVI. Cada «neo» -clasicismo selecciona algunos modelos entre la gama de posibles clásicos disponibles e ignora otros. Los escritores y conversadores neoclásicos, mecenas y coleccionistas, artistas y escultores de 1765-1830 rindieron homenaje a una idea de la generación de Fidias, pero los ejemplos de escultura que en realidad adoptaron eran más probablemente copias romanas de esculturas helenísticas.

El arte «rococó» de la antigua Palmira llegó como una revelación, a través de grabados en Wood’s The Ruins of Palmira. Incluso Grecia estaba casi sin ser visitada, un remanso áspero del Imperio Otomano, peligroso para explorar, por lo que la apreciación de los neoclásicos de la arquitectura griega estuvo mediada por dibujos y grabados, que suavizaron y regularizaron sutilmente, «corrigieron» y «restauraron» los monumentos. de Grecia, no siempre conscientemente.

El estilo Imperio, una segunda fase del neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas, tuvo su centro cultural en París en la era napoleónica.

Visión general
La aparición del neoclasicismo fue, en primer lugar, un rechazo del estilo rococó que marcó a Europa en la era de la Ilustración. Para los alemanes imbuidos de sentimientos anti-franceses, porque él representa el reinado de Luis XV y sus extravagancias, para los ingleses de tradición anglicana, que abogan por un retorno a la simplicidad, porque él es el último representante de una característica estética del contador católico. -Reforma. Alrededor de la década de 1770, este rechazo también afectó a Italia y Francia, sin embargo, los promotores del rococó, pero con ellos se expresó en contra del carácter considerado inmoral de este estilo, que representa el lujo, la frivolidad,

A mediados del siglo xviii, la popularidad del Gran Tour atrae a una comunidad de viajeros aristócratas, vinieron de Inglaterra, Francia o Prusia para confrontar directamente los restos antiguos en viajes educativos a Italia, Grecia o Turquía. Uno de estos viajes, el del Marqués de Marigny en 1750-1751, tuvo un gran impacto en la evolución del gusto en Francia y en Europa. Hermano menor de la Marquesa de Pompadour, Abel-François Poisson de Vandières es enviado en una misión a Roma acompañado por el grabador Charles Nicolas Cochin y el arquitecto Jacques-Germain Soufflot. A partir de este viaje, los artistas se dan cuenta de la particularidad de las obras antiguas, sin pasar por la reinterpretación estilística derivada del Renacimiento o la tradición clásica.

Soufflot empuja su excursión más al sur al descubrir el sitio de Paestum en Campania, donde la confrontación con templos griegos que presentan un estilo arcaico con columnas dóricas sin bases es para él una revelación. Al mismo tiempo, los viajeros ingleses, aprovechando la relajación de la presión turca en Grecia, pueden hacer el viaje que permite la publicación de colecciones de antigüedades griegas, incluida la de Richard Dalton, Antigüedades y puntos de vista de Grecia y Egipto, que lleva a los amantes de antigüedad, como Caylus y Winckelmann para considerar la estética griega antigua, superior a la de la antigüedad romana.

El neoclasicismo también se verá favorecido por la política cultural defendida por los monarcas «ilustrados». El futuro Carlos III de España, tenía la colección grabada de la Pitture antiche de Ercolano e contorni, el rey Jorge III de Inglaterra distribuido en toda Europa, alentó el desarrollo del nuevo estilo, al hacer que el arquitecto Robert Adam y el pintor Benjamin West, los artistas oficiales del régimen 5. El Rey de Francia, Luis XVI, pone a la cabeza de los Edificios del Rey, el Conde de Angiviller, que promueve el regreso a la grandeza del siglo de Luis XIV, alentando obras con destinos, virtuosos, moral y patriótico Estas pautas incluyen la realización de David del juramento de los Horacios.

Historia
El neoclasicismo es un renacimiento de los muchos estilos y espíritu de la antigüedad clásica inspirados directamente en el período clásico, que coincidió y reflejó los desarrollos en filosofía y otras áreas de la Era de la Ilustración, y fue inicialmente una reacción contra los excesos del estilo rococó anterior. . Si bien el movimiento a menudo se describe como la contraparte opuesta del romanticismo, esta es una gran simplificación excesiva que tiende a no ser sostenible cuando se consideran artistas u obras específicas. El caso del supuesto principal defensor del neoclasicismo tardío, Ingres, lo demuestra especialmente bien. El renacimiento se remonta al establecimiento de la arqueología formal.

Los escritos de Johann Joachim Winckelmann fueron importantes para dar forma a este movimiento tanto en la arquitectura como en las artes visuales. Sus libros Pensamientos sobre la imitación de obras griegas en pintura y escultura (1750) y Geschichte der Kunst des Alterthums («Historia del arte antiguo», 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre el arte griego antiguo y el romano, y definir períodos dentro del griego arte, trazando una trayectoria desde el crecimiento hasta la madurez y luego la imitación o la decadencia que continúa teniendo influencia hasta nuestros días. Winckelmann creía que el arte debía apuntar a la «noble simplicidad y calma grandeza», y alabó el idealismo del arte griego, en el que dijo que encontramos «no solo la naturaleza en su forma más bella sino también algo más allá de la naturaleza, es decir, ciertas formas ideales de su belleza , cuales,

Con la llegada del Gran Tour, comenzó una moda de coleccionar antigüedades que sentó las bases de muchas grandes colecciones que difundieron un renacimiento neoclásico en toda Europa. El «neoclasicismo» en cada arte implica un canon particular de un modelo «clásico».

El término «neoclasicismo» se usa principalmente de las artes visuales; El movimiento similar en la literatura inglesa, que comenzó considerablemente antes, se llama literatura de Augusto. Esto, que había sido dominante durante varias décadas, comenzaba a declinar cuando el neoclasicismo en las artes visuales se puso de moda. Aunque los términos difieren, la situación en la literatura francesa fue similar. En la música, el período vio el surgimiento de la música clásica, y el «neoclasicismo» se utiliza en los desarrollos del siglo XX. Sin embargo, las óperas de Christoph Willibald Gluck representaban un enfoque específicamente neoclásico, explicado en su prefacio a la partitura publicada de Alceste (1769), que tenía como objetivo reformar la ópera eliminando la ornamentación, aumentando el papel del coro en línea con la tragedia griega, y usando líneas melódicas sin adornos más simples.

El término «neoclásico» no fue inventado hasta mediados del siglo XIX, y en ese momento el estilo fue descrito por términos como «el verdadero estilo», «reformado» y «renacimiento»; lo que se consideraba revivido variaba considerablemente. Los modelos antiguos ciertamente estuvieron muy involucrados, pero el estilo también podría considerarse como un renacimiento del Renacimiento, y especialmente en Francia como un regreso al barroco más austero y noble de la época de Luis XIV, por el cual se había desarrollado una nostalgia considerable. A medida que la posición militar y política dominante de Francia comenzó un serio declive. El retrato de coronación de Ingres de Napoleón incluso tomó prestado de los dípticos consulares de la Antigüedad Tardía y su renacimiento carolingio, para desaprobación de los críticos.

El neoclasicismo fue más fuerte en arquitectura, escultura y artes decorativas, donde los modelos clásicos en el mismo medio eran relativamente numerosos y accesibles; ejemplos de pintura antigua que demostraron las cualidades que la escritura de Winckelmann encontró en la escultura eran y son deficientes. Winckelmann participó en la difusión del conocimiento de las primeras grandes pinturas romanas que se descubrieron, en Pompeya y Herculano y, como la mayoría de los contemporáneos, excepto Gavin Hamilton, no se impresionó, citando los comentarios de Plinio el Joven sobre el declive de la pintura en su período. .

En cuanto a la pintura, la pintura griega se perdió por completo: los pintores neoclásicos la revivieron imaginativamente, en parte a través de frisos en bajorrelieve, mosaicos y pinturas de cerámica, y en parte a través de los ejemplos de pintura y decoración de la generación del Alto Renacimiento de Rafael, frescos en Domus Aurea de Nerón , Pompeya y Herculano, y gracias a la admiración renovada de Nicholas Poussin. Gran parte de la pintura «neoclásica» es más clasicista en el tema que en cualquier otra cosa. Una disputa feroz, pero a menudo muy mal informada, se prolongó durante décadas por los méritos relativos del arte griego y romano, con Winckelmann y sus compañeros helenistas en general del lado ganador.

Pintura y grabado
Es difícil recuperar la naturaleza radical y emocionante de la pintura neoclásica temprana para el público contemporáneo; Ahora, incluso aquellos escritores inclinados favorablemente lo consideran «insípido» y «casi sin interés para nosotros», algunos de los comentarios de Kenneth Clark sobre el ambicioso Parnaso de Anton Raphael Mengs en Villa Albani, por el artista que su amigo Winckelmann describió como » el mejor artista propio y quizás de tiempos posteriores «. Los dibujos, posteriormente convertidos en grabados, de John Flaxman utilizaron dibujos lineales muy simples (que se cree que son el medio clásico más puro) y figuras en su mayoría de perfil para representar The Odyssey y otros temas, y una vez «despidieron a la juventud artística de Europa», pero son ahora «descuidado», mientras que las pinturas de historia de Angélica Kauffman, principalmente retratista, Fritz Novotny describe que tienen «una suavidad y tedio untuoso». La frivolidad rococó y el movimiento barroco se habían despojado, pero muchos artistas lucharon por poner algo en su lugar, y en ausencia de ejemplos antiguos de pintura de la historia, aparte de los jarrones griegos utilizados por Flaxman, Rafael solía ser utilizado como modelo sustituto. como recomendó Winckelmann.

El trabajo de otros artistas, que no podrían describirse fácilmente como insípidos, combinó aspectos del romanticismo con un estilo generalmente neoclásico, y forma parte de la historia de ambos movimientos. El pintor alemán-danés Asmus Jacob Carstens terminó muy pocas de las grandes obras mitológicas que planeó, dejando principalmente dibujos y estudios de color que a menudo logran acercarse a la prescripción de Winckelmann de «noble simplicidad y calma grandeza». A diferencia de los esquemas no realizados de Carstens, los grabados de Giovanni Battista Piranesi fueron numerosos y rentables, y fueron llevados por aquellos que hicieron el Gran Tour a todas partes de Europa. Su tema principal eran los edificios y las ruinas de Roma, y ​​lo antiguo lo estimuló más que lo moderno.

La atmósfera algo inquietante de muchos de sus Vedute (puntos de vista) se vuelve dominante en su serie de 16 copias de Carceri d’Invenzione («Prisiones imaginarias») cuya «arquitectura ciclópea opresiva» transmite «sueños de miedo y frustración». Johann Heinrich Füssli, nacido en Suiza, pasó la mayor parte de su carrera en Inglaterra, y aunque su estilo fundamental se basaba en principios neoclásicos, sus temas y tratamiento reflejaban con mayor frecuencia la tensión «gótica» del romanticismo y buscaban evocar drama y emoción.

El neoclasicismo en la pintura adquirió un nuevo sentido de dirección con el sensacional éxito del Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David en el Salón de París de 1785. A pesar de su evocación de virtudes republicanas, esta fue una comisión del gobierno real, que David insistió en pintar. en Roma. David logró combinar un estilo idealista con drama y contundencia. La perspectiva central es perpendicular al plano de la imagen, hecho más enfático por la tenue arcada detrás, contra la cual las figuras heroicas están dispuestas como en un friso, con un toque de iluminación artificial y puesta en escena de la ópera, y el colorido clásico de Nicholas Poussin . David se convirtió rápidamente en el líder del arte francés, y después de la Revolución Francesa se convirtió en un político con control de mucho patrocinio gubernamental en el arte. Se las arregló para mantener su influencia en el período napoleónico,

Los muchos estudiantes de David incluyeron a Jean-Auguste-Dominique Ingres, quien se vio a sí mismo como un clasicista a lo largo de su larga carrera, a pesar de un estilo maduro que tiene una relación equívoca con la corriente principal del neoclasicismo, y muchas desviaciones posteriores hacia el orientalismo y el estilo trovadorco que son difícil de distinguir de los de sus contemporáneos descaradamente románticos, excepto por la primacía que sus obras siempre le dan al dibujo. Expuso en el Salón durante más de 60 años, desde 1802 hasta los inicios del impresionismo, pero su estilo, una vez formado, cambió poco.

Escultura
Si la pintura neoclásica adolecía de la falta de modelos antiguos, la escultura neoclásica tendía a sufrir un exceso de ellos, aunque los ejemplos de escultura griega real del «período clásico» que comenzaban alrededor del 500 a. C. eran muy pocos; Las obras más apreciadas fueron en su mayoría copias romanas. Los principales escultores neoclásicos disfrutaron de una gran reputación en su propio día, pero ahora son menos considerados, con la excepción de Jean-Antoine Houdon, cuyo trabajo consistía principalmente en retratos, muy a menudo como bustos, que no sacrifican una fuerte impresión de la personalidad de la niñera. idealismo. Su estilo se volvió más clásico a medida que continuó su larga carrera, y representa una progresión bastante suave desde el encanto rococó hasta la dignidad clásica. A diferencia de algunos escultores neoclásicos, no insistió en que sus niñeras usaran vestimenta romana o que estuvieran desnudos.

Antonio Canova y el danés Bertel Thorvaldsen tenían su base en Roma, y ​​los retratos produjeron muchas figuras y grupos ambiciosos de tamaño natural; ambos representaban la tendencia fuertemente idealizadora de la escultura neoclásica. Canova tiene ligereza y gracia, donde Thorvaldsen es más severo; La diferencia se ejemplifica en sus respectivos grupos de las Tres Gracias. Todo esto, y Flaxman, todavía estaban activos en la década de 1820, y el romanticismo tardó en impactar la escultura, donde las versiones del neoclasicismo siguieron siendo el estilo dominante durante la mayor parte del siglo XIX.

Uno de los primeros neoclásicos en escultura fue el sueco Johan Tobias Sergel. John Flaxman también fue, o principalmente, un escultor, principalmente produciendo relieves muy clásicos que son comparables en estilo a sus grabados; También diseñó y modeló cerámica neoclásica para Josiah Wedgwood durante varios años. Johann Gottfried Schadow y su hijo Rudolph, uno de los pocos escultores neoclásicos que murieron jóvenes, fueron los principales artistas alemanes, con Franz Anton von Zauner en Austria. El difunto escultor barroco austriaco Franz Xaver Messerschmidt recurrió al neoclasicismo a mediados de la carrera, poco antes de que pareciera haber sufrido algún tipo de crisis mental, después de lo cual se retiró al país y se dedicó a las muy distintivas «cabezas de personajes» de figuras calvas. tirando de expresiones faciales extremas. Al igual que Carceri de Piranesi, Estos disfrutaron de un gran renacimiento de interés durante la era del psicoanálisis a principios del siglo XX. El escultor neoclásico holandés Mathieu Kessels estudió con Thorvaldsen y trabajó casi exclusivamente en Roma.

Como antes de la década de 1830, los Estados Unidos no tenían una tradición escultórica propia, salvo en las áreas de lápidas, veletas y mascarones de proa, la forma neoclásica europea se adoptó allí, y debía dominar durante décadas y se ejemplifica en las esculturas de Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers y William Henry Rinehart.

Arquitectura y artes decorativas.
El arte neoclásico era tradicional y nuevo, histórico y moderno, conservador y progresivo, todo al mismo tiempo.

El neoclasicismo primero ganó influencia en Inglaterra y Francia, a través de una generación de estudiantes de arte franceses entrenados en Roma e influenciados por los escritos de Winckelmann, y fue rápidamente adoptado por círculos progresistas en otros países como Suecia, Polonia y Rusia. Al principio, la decoración clasicista se injertó en formas europeas familiares, como en los interiores para el amante de Catalina II, el conde Orlov, diseñado por un arquitecto italiano con un equipo de stuccadori italiano: solo los medallones ovales aislados como los camafeos y la indirecta de bajo relieve. del neoclasicismo; Los muebles son totalmente rococó italiano.

Una segunda ola neoclásica, más severa, más estudiada (a través de grabados) y más conscientemente arqueológica, se asocia con la altura del Imperio Napoleónico. En Francia, la primera fase del neoclasicismo se expresó en el «estilo Luis XVI», y la segunda en los estilos llamados «Directorio» o Imperio. El estilo rococó siguió siendo popular en Italia hasta que los regímenes napoleónicos trajeron el nuevo clasicismo arqueológico, que fue aceptado como una declaración política por jóvenes, progresistas, urbanos italianos con inclinaciones republicanas. [¿Según quién?]

En las artes decorativas, el neoclasicismo se ejemplifica en los muebles Empire fabricados en París, Londres, Nueva York, Berlín; en Biedermeier muebles hechos en Austria; en los museos de Karl Friedrich Schinkel en Berlín, el Banco de Inglaterra de Sir John Soane en Londres y el recién construido «capitolio» en Washington, DC; y en los bajorrelieves de Wedgwood y los floreros de «basaltos negros». El estilo era internacional; El arquitecto escocés Charles Cameron creó interiores palaciegos de estilo italiano para Catalina II la Grande, nacida en Alemania, en el ruso San Petersburgo.

En el interior, el neoclasicismo descubrió el interior clásico genuino, inspirado en los redescubrimientos en Pompeya y Herculano. Estos comenzaron a fines de la década de 1740, pero solo alcanzaron una amplia audiencia en la década de 1760, con los primeros volúmenes lujosos de distribución estrictamente controlada de Le Antichità di Ercolano (Las antigüedades de Herculano). Las antigüedades de Herculano mostraron que incluso los interiores más clasicistas del Barroco, o las habitaciones más «romanas» de William Kent se basaban en la arquitectura exterior de la basílica y el templo al revés, de ahí su aspecto a menudo rimbombante para los ojos modernos: marcos de ventanas pedimentadas en espejos dorados, chimeneas rematadas con frentes de templos. Los nuevos interiores buscaban recrear un vocabulario auténticamente romano y genuinamente interior.

Las técnicas empleadas en el estilo incluían motivos más planos, más claros, esculpidos en bajo relieve similar a un friso o pintados en monótonos en camaïeu («como camafeos»), medallones o floreros aislados o bustos o búfalos u otros motivos, suspendidos en botines de laurel o cinta , con arabescos delgados contra fondos, tal vez, de «rojo pompeyano» o tintes pálidos, o colores de piedra. El estilo en Francia fue inicialmente un estilo parisino, el Goût grec («estilo griego»), no un estilo de corte; Cuando Luis XVI accedió al trono en 1774, María Antonieta, su reina amante de la moda, llevó a la corte el estilo «Luis XVI». Sin embargo, no hubo un intento real de emplear las formas básicas de los muebles romanos hasta alrededor del cambio de siglo, y los fabricantes de muebles tenían más probabilidades de tomar prestado de la arquitectura antigua,

Desde aproximadamente 1800, una nueva afluencia de ejemplos arquitectónicos griegos, vistos a través de grabados y grabados, dio un nuevo impulso al neoclasicismo, el renacimiento griego. Al mismo tiempo, el estilo Imperio fue una ola más grandiosa de neoclasicismo en arquitectura y artes decorativas. Basado principalmente en los estilos romanos imperiales, se originó y tomó su nombre del gobierno de Napoleón en el Primer Imperio francés, donde estaba destinado a idealizar el liderazgo de Napoleón y el estado francés. El estilo corresponde al estilo más burgués de Biedermeier en las tierras de habla alemana, el estilo federal en los Estados Unidos, el estilo de la regencia en Gran Bretaña y el estilo de Napoleón en Suecia. Según el historiador del arte Hugh Honor «, lejos de ser, como a veces se supone, la culminación del movimiento neoclásico,

El neoclasicismo continuó siendo una fuerza importante en el arte académico a lo largo del siglo XIX y más allá, una antítesis constante del romanticismo o los renacimientos góticos, aunque desde finales del siglo XIX en adelante se lo consideró antimoderno, o incluso reaccionario, en influyente crítico. círculos Los centros de varias ciudades europeas, en particular San Petersburgo y Múnich, se parecen mucho a los museos de arquitectura neoclásica.

La arquitectura del renacimiento gótico (a menudo vinculada con el movimiento cultural romántico), un estilo originario del siglo XVIII que creció en popularidad durante todo el siglo XIX, contrastaba el neoclasicismo. Mientras que el neoclasicismo se caracterizó por estilos, líneas geométricas y orden de influencia griega y romana, la arquitectura del renacimiento gótico puso énfasis en los edificios de aspecto medieval, a menudo hechos para tener una apariencia rústica, «romántica».

Jardines neoclásicos
En Inglaterra, la literatura de Augusto tenía un paralelismo directo con el estilo de diseño de paisaje de Augusto. Los enlaces se ven claramente en el trabajo de Alexander Pope. Los mejores ejemplos sobrevivientes de jardines ingleses neoclásicos son Chiswick House, Stowe House y Stourhead.

Neoclasicismo y moda
En la moda, el neoclasicismo influyó en la simplicidad mucho mayor de los vestidos de mujer, y la moda duradera para el blanco, desde mucho antes de la Revolución Francesa, pero no fue hasta después de que los intentos exhaustivos de imitar los estilos antiguos se pusieron de moda en Francia. Al menos para las mujeres. Las mujeres de moda habían usado durante mucho tiempo los trajes clásicos que se hacían pasar por una figura del mito griego o romano en un retrato (en particular, había una gran cantidad de retratos de la joven modelo Emma, ​​Lady Hamilton de la década de 1780), pero tales trajes solo se usaban para el retrato sentado y bailes de máscaras hasta el período revolucionario, y tal vez, como otros estilos exóticos, como desnudarse en casa. Pero los estilos usados ​​en los retratos de Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien y otras personas que marcan tendencia en París también fueron para salir en público. Al ver a la Sra. Tallien en la ópera, Talleyrand bromeó diciendo: «¡No es posible exponerse más somptueusement!» («Uno no podría estar más suntuosamente desnudo»).

En 1788, justo antes de la Revolución, la retratista de la corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun había celebrado una cena griega donde las damas vestían túnicas griegas blancas. Los peinados clásicos más cortos, donde era posible con rizos, eran menos controvertidos y ampliamente adoptados, y el cabello ahora estaba descubierto incluso al aire libre; a excepción del vestido de noche, los sombreros u otros revestimientos generalmente se usaban incluso en interiores antes. En su lugar, se usaron cintas o filetes finos de estilo griego para atar o decorar el cabello.

Vestidos muy ligeros y sueltos, generalmente blancos y a menudo con brazos sorprendentemente desnudos, se elevaban desde el tobillo hasta debajo del corpiño, donde había un dobladillo delgado o una corbata alrededor del cuerpo, a menudo de un color diferente. La forma ahora se conoce a menudo como la silueta del Imperio, aunque es anterior al Primer Imperio francés de Napoleón, pero su primera emperatriz Joséphine de Beauharnais fue influyente en su difusión por Europa. Un largo chal rectangular o envoltura, muy a menudo de color rojo liso pero con un borde decorado en los retratos, ayudaba en climas más fríos, y aparentemente se colocaba alrededor del abdomen cuando estaba sentado, para lo cual se favorecían posturas extensas semi reclinadas. A principios del siglo XIX, tales estilos se habían extendido ampliamente por toda Europa.

La moda neoclásica para los hombres era mucho más problemática, y nunca despegó sino para el cabello, donde jugó un papel importante en los estilos más cortos que finalmente enviaron el uso de pelucas, y luego el polvo de cabello blanco, para los hombres más jóvenes. El pantalón había sido el símbolo del bárbaro para los griegos y romanos, pero fuera del estudio del pintor o, especialmente, del escultor, pocos hombres estaban dispuestos a abandonarlo. De hecho, el período vio el triunfo del pantalón puro, o pantalón, sobre las cullottes o calzones de rodilla del Antiguo Régimen. Incluso cuando David diseñó un nuevo «traje nacional» francés a pedido del gobierno durante el apogeo del entusiasmo revolucionario por cambiar todo en 1792, incluyó leggins bastante ajustados debajo de un abrigo que se detuvo por encima de la rodilla.

El problema del pantalón había sido reconocido por los artistas como una barrera para crear pinturas de historia contemporánea; Al igual que otros elementos de la vestimenta contemporánea, fueron vistos como irremediablemente feos y poco heroicos por muchos artistas y críticos. Se utilizaron varias estrategias para evitar representarlas en escenas modernas. En James Dawkins y Robert Wood Descubriendo las Ruinas de Palmyra (1758) de Gavin Hamilton, los dos caballeros anticuarios se muestran con túnicas árabes como togas. En Watson and the Shark (1778) de John Singleton Copley, la figura principal podría mostrarse desnuda de manera plausible, y la composición es tal que de los otros ocho hombres mostrados, solo uno muestra una sola pierna con nalgas prominentemente. Sin embargo, los estadounidenses Copley y Benjamin West lideraron a los artistas que demostraron con éxito que los pantalones podían usarse en escenas heroicas, con obras como West ‘

Los estilos de cabello masculinos de inspiración clásica incluyeron el cultivo de Bedford, posiblemente el precursor de la mayoría de los estilos masculinos modernos, que fue inventado por el político radical Francis Russell, quinto duque de Bedford, como protesta contra un impuesto sobre el polvo para el cabello; animó a sus amigos a adoptarlo apostando que no lo harían. Otro estilo influyente (o grupo de estilos) fue nombrado por los franceses «à la Titus» después de Titus Junius Brutus (no, de hecho, el emperador romano Tito como se suponía a menudo), con el pelo corto y en capas, pero algo amontonado en la corona, a menudo con quiffs restringidos o cerraduras colgando; Las variantes son familiares por el cabello de Napoleón y Jorge IV de Inglaterra.

Se suponía que el estilo había sido introducido por el actor François-Joseph Talma, quien eclipsó a sus co-actores peludos al aparecer en producciones de obras como Brutus de Voltaire (sobre Lucius Junius Brutus, quien ordena la ejecución de su hijo Titus). En 1799, una revista de moda parisina informó que incluso los hombres calvos adoptaban pelucas Titus, y el estilo también lo usaban las mujeres, el Journal de Paris informó en 1802 que «más de la mitad de las mujeres elegantes usaban su cabello o peluca a la Titus.

Neoclasicismo posterior
En la arquitectura estadounidense, el neoclasicismo fue una expresión del movimiento renacentista estadounidense, ca. 1890-1917; su última manifestación fue en la arquitectura Beaux-Arts, y sus últimos y grandes proyectos públicos fueron el Lincoln Memorial (muy criticado en ese momento), la Galería Nacional de Arte de Washington, DC (también muy criticada por la comunidad arquitectónica por estar atrasada) pensamiento y anticuado en su diseño), y el Roosevelt Memorial del Museo Americano de Historia Natural. Estos fueron considerados anacronismos estilísticos cuando fueron terminados. En el Raj británico, la planificación monumental de la ciudad de Sir Edwin Lutyens para Nueva Delhi marca la gloriosa puesta de sol del neoclasicismo. La Segunda Guerra Mundial iba a destrozar el anhelo (y la imitación) de tiempos míticos y heroicos.

Arquitectos conservadores modernistas como Auguste Perret en Francia mantuvieron el ritmo y el espaciamiento de la arquitectura columnar incluso en los edificios de las fábricas. Donde una columnata habría sido denunciada como «reaccionaria», los paneles acanalados parecidos a pilastras de un edificio bajo un friso repetido parecían «progresivos». Pablo Picasso experimentó con la clasificación de los motivos en los años inmediatamente posteriores a la Primera Guerra Mundial, y el estilo Art Deco que se destacó después de la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925, a menudo se basó en motivos neoclásicos sin expresarlos abiertamente: cómodas e intensas cómodas de É .-J. Ruhlmann o Süe & Mare; frisos crujientes, de bajo relieve, de damiselas y gacelas en todos los medios; vestidos de moda que fueron drapeados o cortados en el sesgo para recrear las líneas griegas; el baile artístico de Isadora Duncan; el estilo Streamline Moderne de las oficinas de correos de EE. UU. y los edificios de los tribunales de condado construidos hasta 1950; y la moneda de diez centavos Roosevelt.

Hubo un movimiento completo del siglo XX en las Artes que también se llamó Neoclasicismo. Abarcaba al menos música, filosofía y literatura. Fue entre el final de la Primera Guerra Mundial y el final de la Segunda Guerra Mundial. (Para obtener información sobre los aspectos musicales, consulte Música clásica del siglo XX y Neoclasicismo en la música. Para obtener información sobre los aspectos filosóficos, consulte Grandes libros).

Este movimiento neoclásico literario rechazó el romanticismo extremo de (por ejemplo) Dada, a favor de la moderación, la religión (específicamente el cristianismo) y un programa político reaccionario. Aunque las bases de este movimiento en la literatura inglesa fueron establecidas por TE Hulme, los neoclásicos más famosos fueron TS Eliot y Wyndham Lewis. En Rusia, el movimiento cristalizó ya en 1910 bajo el nombre de Acmeism, con Anna Akhmatova y Osip Mandelshtam como representantes principales.

En musica
El neoclasicismo en la música es un movimiento del siglo XX; en este caso, son los estilos musicales clásicos y barrocos de los siglos XVII y XVIII, con su afición por los temas griegos y romanos, los que se revivieron, no la música del mundo antiguo en sí. (A principios del siglo XX aún no se había distinguido el período barroco en la música, sobre el cual se basaron principalmente los compositores neoclásicos, de lo que ahora llamamos el período clásico.) El movimiento fue una reacción en la primera parte del siglo XX al cromatismo desintegrador de El Romanticismo tardío y el Impresionismo, surgiendo en paralelo con el Modernismo musical, que buscaban abandonar por completo la tonalidad clave. Manifestó un deseo de limpieza y simplicidad de estilo, lo que permitió una paráfrasis bastante disonante de los procedimientos clásicos,

La sala de baile del siglo XVII-XVIII había tenido un renacimiento menor antes de la Primera Guerra Mundial, pero los neoclásicos no estaban del todo contentos con el diatonismo no modificado, y tendían a enfatizar la brillante disonancia de las suspensiones y adornos, las cualidades angulares de la armonía modal del siglo XVII y la Líneas energéticas de escritura parcial contrapunto. Los antiguos aires y danzas de Respighi (1917) abrieron el camino para el tipo de sonido al que aspiraban los neoclásicos. Aunque la práctica de tomar prestados estilos musicales del pasado no ha sido infrecuente a lo largo de la historia musical, las músicas artísticas han pasado por períodos en los que los músicos utilizaron técnicas modernas junto con formas o armonías más antiguas para crear nuevos tipos de obras.

Las características compositivas notables son: hacer referencia a la tonalidad diatónica, las formas convencionales (suites de baile, concerti grossi, formas de sonata, etc.), la idea de música absoluta sin trabas por asociaciones descriptivas o emotivas, el uso de texturas musicales ligeras y la concisión de la expresión musical. . En la música clásica, esto se percibió más notablemente entre los años 1920 y 1950. Igor Stravinsky es el compositor más conocido que usa este estilo; Él efectivamente comenzó la revolución musical con su Octeto de Bach para instrumentos de viento (1923). Un trabajo individual particular que representa bien este estilo es la Sinfonía clásica n. ° 1 en D de Prokofiev, que recuerda el estilo sinfónico de Haydn o Mozart. El ballet neoclásico innovado por George Balanchine desordenó el estilo imperial ruso en términos de vestuario, pasos y narrativa,

Arquitectura en Rusia y la Unión Soviética
En 1905-1914, la arquitectura rusa pasó por un breve pero influyente período de renacimiento neoclásico; La tendencia comenzó con la recreación del estilo Imperio del período alejandrino y se expandió rápidamente en una variedad de escuelas neorrenacentistas, paladianas y modernizadas, aunque reconociblemente clásicas. Fueron dirigidos por arquitectos nacidos en la década de 1870, que alcanzaron el pico creativo antes de la Primera Guerra Mundial, como Ivan Fomin, Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky. Cuando la economía se recuperó en la década de 1920, estos arquitectos y sus seguidores continuaron trabajando en un ambiente principalmente modernista; algunos (Zholtovsky) siguieron estrictamente el canon clásico, otros (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) desarrollaron sus propios estilos modernizados.

Con la represión de la independencia de los arquitectos y la negación oficial del modernismo (1932), demostrada por el concurso internacional por el Palacio de los Soviets, el neoclasicismo se promovió instantáneamente como una de las opciones en la arquitectura estalinista, aunque no la única. Coexistió con la arquitectura moderadamente modernista de Boris Iofan, lindando con el Art Deco contemporáneo (Schuko); Una vez más, los ejemplos más puros del estilo fueron producidos por la escuela Zholtovsky que siguió siendo un fenómeno aislado. La intervención política fue un desastre para los líderes constructivistas, pero fue sinceramente bienvenida por los arquitectos de las escuelas clásicas.

El neoclasicismo fue una opción fácil para la URSS, ya que no dependía de las tecnologías modernas de construcción (estructura de acero u hormigón armado) y podía reproducirse en la mampostería tradicional. Así, los diseños de Zholtovsky, Fomin y otros antiguos maestros se replicaron fácilmente en ciudades remotas bajo un estricto racionamiento de materiales. La mejora de la tecnología de la construcción después de la Segunda Guerra Mundial permitió a los arquitectos estalinistas aventurarse en la construcción de rascacielos, aunque estilísticamente estos rascacielos (incluida la arquitectura «exportada» del Palacio de Cultura y Ciencia, Varsovia y el Centro Internacional de Convenciones de Shanghai) comparten poco con los modelos clásicos. El neoclasicismo y el neorrenacimiento persistieron en proyectos residenciales y de oficinas menos exigentes hasta 1955, cuando Nikita Khrushchev puso fin a la costosa arquitectura estalinista.

Arquitectura en el siglo 21
Después de una pausa durante el período de dominio arquitectónico moderno (aproximadamente después de la Segunda Guerra Mundial hasta mediados de la década de 1980), el neoclasicismo ha visto algo de resurgimiento.

A partir de la primera década del siglo XXI, la arquitectura neoclásica contemporánea generalmente se clasifica bajo el término general de Nueva arquitectura clásica. A veces también se conoce como neohistoricismo o tradicionalismo. Además, una serie de piezas de arquitectura posmoderna se inspiran e incluyen referencias explícitas al neoclasicismo, el distrito de Antigone y el Teatro Nacional de Cataluña en Barcelona, ​​entre ellos. La arquitectura posmoderna ocasionalmente incluye elementos históricos, como columnas, capiteles o el tímpano.

Para la arquitectura sincera de estilo tradicional que se adhiere a la arquitectura regional, los materiales y la artesanía, el término Arquitectura tradicional (o vernáculo) se usa principalmente. El Premio de Arquitectura Driehaus se otorga a los principales contribuyentes en el campo de la arquitectura tradicional o clásica del siglo XXI, y viene con un premio en metálico dos veces mayor que el del Premio Pritzker modernista.

En los Estados Unidos, varios edificios públicos contemporáneos se construyen en estilo neoclásico, con el Centro Schermerhorn Symphony 2006 en Nashville como ejemplo.

En Gran Bretaña, varios arquitectos están activos en el estilo neoclásico. Ejemplos de su trabajo incluyen dos bibliotecas universitarias: la Biblioteca Maitland Robinson de Quinlan Terry en el Downing College y la Biblioteca Sackler de Robert Adam Architects.