新古典主義は装飾芸術と視覚芸術、文学、演劇、音楽、建築における西洋の文化運動であり、古代の芸術と文化からインスピレーションを得ました。新古典主義は、ポンペイとヘルクラネウムが再発見された当時のヨハンヨアヒムヴィンケルマンの著作のおかげで、ローマで生まれましたが、ヨーロッパの芸術学生の世代がグランドツアーを終えてイタリアに戻ったため、その人気はヨーロッパ中に広まりました。新たに発見されたグレコローマンの理想を持つ母国。主な新古典主義運動は18世紀の啓蒙時代と一致し、19世紀初頭まで続いていて、ロマン主義と側面的に競争していました。建築では、スタイルは19、20、21世紀まで続きました。
視覚芸術におけるヨーロッパの新古典主義c。当時優勢だったロココ様式に対抗する1760年。ロココ建築は、優雅さ、装飾、非対称性を強調しています。新古典主義建築はシンプルさと対称性の原則に基づいており、ローマと古代ギリシャの芸術の美徳と見なされ、よりすぐに16世紀のルネサンス古典主義から引き出されました。それぞれの「新」古典主義は、それに利用可能な可能な古典の範囲からいくつかのモデルを選択し、他のものを無視します。1765年から1830年の新古典派の作家や話者、常連客や収集家、芸術家、彫刻家は、フィディアスの世代に関するアイデアに敬意を払いましたが、実際に彼らが採用した彫刻の例は、ヘレニズム時代の彫刻のローマのコピーである可能性が高かったのです。
古代パルミラの「ロココ」芸術は、ウッドの「パルミラの遺跡」の彫刻を通して、啓示として生まれました。ギリシャさえ完全に訪問されていなかった、オスマン帝国の荒波で探検するのは危険だったので、新古典主義者によるギリシャの建築の評価は、微妙に滑らかにされ、正則化され、「修正」され、記念碑が「復元された」図面と彫刻によって媒介されました。ギリシャの、常に意識的ではありません。
エンパイアスタイルは、建築と装飾芸術の新古典主義の第2フェーズであり、ナポレオン時代のパリの文化の中心地でした。
概観
新古典主義の出現は、第一に、啓蒙時代にヨーロッパを特徴づけたロココ様式の拒絶でした。彼がルイ15世の統治と彼の贅沢を代表しているため、フランスに反する感情を吹き込んだドイツ人にとって、イギリスの英国国教会の伝統に対して、彼はカトリックカウンターの美的特徴の最後の代表者であるため、単純さに戻ることを提唱している-改革。1770年代頃、この拒絶反応はイタリアとフランスにも影響を及ぼしましたが、ロココの推進者でしたが、彼らとともに、このスタイルの不道徳と考えられていた性格に反抗し、豪華さ、軽薄さを表しています。
xviii世紀の半ば、グランドツアーの人気は、イギリス、フランス、またはプロイセン出身の旅行者コミュニティの貴族をもたらし、イタリア、ギリシャ、またはトルコへの教育旅行で古代遺跡に直接立ち向かいます。これらの旅行の1つである1750〜1751年のマリニー侯爵の旅行は、フランスとヨーロッパの味覚の進化に大きな影響を与えました。ポンパドゥール侯爵の弟であるアベルフランソワポワソンドゥヴァンディエールは、彫刻家のシャルルニコラコーチンと建築家のジャックジェルマンスフロが同行してローマに派遣されます。この旅行から、アーティストはルネサンスや古典的な伝統に起因する文体の再解釈を経ることなく、古代の作品の特殊性に気づきます。
スフロは、カンパニア州のペストゥムの遺跡を発見することで、彼の遠足をさらに南に押しやります。ここでは、ギリシャ神殿との古代のスタイルであり、土台のないドリス式の柱を見せているのが彼の啓示です。同じ時期に、英国の旅行者は、ギリシャのトルコの圧力の緩和を利用して、リチャードダルトンのコレクションを含むギリシャの古代遺物のコレクションの出版を可能にする旅行を行うことができます。 CaylusやWinckelmannなどの古代は、古代ギリシャの美学を考えると、ローマの古代のものよりも優れています。
新古典主義はまた、「啓蒙された」君主が擁護する文化的政策にも支持されます。将来のスペインのチャールズ3世には、エルコラーノとコントルニのピットアンティークが刻まれたコレクションがあり、ヨーロッパ中のジョージ3世の王は、建築家のロバートアダムと画家のベンジャミンウェストを作って、新しいスタイルの発展を奨励しました。政権の公式アーティスト5.フランス国王ルイ16世は、アンジビラー伯爵の王の建物の頭にあり、ルイ14世の世紀の壮大さへの復帰を促進しています。道徳的で愛国的。これらのガイドラインには、Davidによるホラティウスの誓いの実現が含まれています。
歴史
新古典主義は、哲学や啓蒙時代のその他の分野の進展と一致して反映された、クラシック時代から直接影響を受けた古典的な古代の多くのスタイルと精神の復活であり、当初は先行するロココスタイルの過剰に対する反応でした。運動はしばしばロマン主義の反対の対応物として説明されますが、これは特定のアーティストや作品を考えると持続可能ではない傾向がある、過度に単純化しすぎています。後期新古典主義の主な支持者であるイングレスのケースは、これを特によく示しています。復活は、正式な考古学の確立に遡ることができます。
ヨハンヨアヒムヴィンケルマンの著作は、建築と視覚芸術の両方でこの運動を形作るうえで重要でした。彼の著書 『絵画と彫刻におけるギリシア作品の模倣に関する思想』（1750年）とゲシヒト・デ・クンスト・デ・アルテルトゥムス（「歴史芸術の歴史」、1764年）は、古代ギリシアとローマの芸術を明確に区別し、ギリシャの期間を定義した最初の人物ですアート、成長から成熟への軌跡をたどって、今日に影響を及ぼし続けている模倣または退廃。ウィンケルマンは、芸術は「高貴なシンプルさと穏やかな壮大さ」を目指すべきだと信じ、ギリシャ芸術の理想主義を賞賛しました。 、それ、
グランドツアーの到来とともに、古美術品の収集の流行が始まり、ヨーロッパ全体に新古典主義のリバイバルを広める多くの素晴らしいコレクションの基礎が築かれました。各芸術における「新古典主義」とは、「古典的」モデルの特定の規範を意味します。
「新古典主義」という用語は主に視覚芸術で使用されます。かなり早い時期に始まったイギリス文学における同様の運動は、アウグストゥス文学と呼ばれています。これは数十年の間支配的でしたが、視覚芸術の新古典主義が流行するようになるまでに衰退し始めていました。用語は異なりますが、フランス文学の状況は似ていました。音楽では、クラシック音楽の興隆期があり、20世紀の発展には「新古典主義」が用いられています。しかし、クリストフ・ウィリバルド・グラックのオペラは、新古典主義的なアプローチを表しており、序文にアルセステ（1769）の公刊のスコアが記載されており、装飾を削除してオペラを改革し、ギリシャの悲劇に合わせて合唱の役割を増やしました。シンプルで飾り気のないメロディラインを使用します。
「新古典主義」という用語は19世紀半ばまで発明されたものではなく、当時のスタイルは「真のスタイル」、「改革された」、「復活」などの用語で表現されていました。復活するとみなされたものはかなり異なります。古代のモデルは確かに非常に関与していましたが、スタイルはルネサンスの復活と見なすこともでき、特にフランスでは、かなりのノスタルジアが発達したルイ14世のより厳格で高貴なバロックへの回帰と見なすことができますフランスの支配的な軍事的および政治的地位が深刻な衰退を始めたので。イングレスのナポレオンの戴冠式の肖像画は、後期アンティーク領事ディプティクとそのカロリング朝の復活から、批評家の不承認に借りさえしました。
新古典主義は、建築、彫刻、装飾芸術の分野で最も強力であり、同じ媒体の古典的なモデルは比較的多数でアクセス可能でした。彫刻に見られるウィンケルマンの著作の質が欠如していることを示した古代絵画の例。ウィンケルマンは、ポンペイとヘルクラネウムで発見された最初の大きなローマ絵画の知識の普及に関与しており、ガヴィンハミルトンを除くほとんどの同時代の人々と同様に、彼の時代の絵画の衰退に関するプリニーヤンガーのコメントを引用して、感銘を受けませんでした。 。
絵画に関しては、ギリシャの絵画は完全に失われました：新古典主義の画家は、部分的にレリーフフリーズ、モザイク、陶器の絵画、そして一部はラファエルの高ルネサンスの絵画と装飾の例、ネロのドムスアウレアのフレスコ画を通じて想像力を駆使して復活させました、ポンペイとヘルクラネウム、そしてニコラス・プッサンの新たな称賛を通じて。多くの「新古典主義」の絵画は、他の何よりも主題において古典的です。ギリシアとローマの芸術の相対的なメリットをめぐって、激しい、しかししばしば非常によく知られていない紛争が何十年にもわたって激戦し、ウィンケルマンと彼の仲間のヘレニストは一般的に勝利を収めた。
絵画と版画
現代の聴衆のための初期の新古典主義の絵画の過激でエキサイティングな性質を取り戻すことは困難です。それは今や、彼の友人であるウィンケルマン氏が「アルバニでのアントンラファエルメングスの野心的なパルナッソス」についてのケネスクラークのコメントの一部で、友人のウィンケルマンが「彼自身の、そしておそらく後の時代の最高のアーティスト」。後にフラックスマンがプリントに変わったドローイングは、非常に単純な線画（最も純粋な古典的な媒体と考えられています）と主に横向きの数字を使用して、オデッセイと他の主題を描写し、かつて「ヨーロッパの芸術的な若者」を解雇しましたが、現在は「無視」されていますが、主に肖像画家であるアンジェリカカウフマンの歴史絵画は、フリッツ・ノボトニーによる「無邪気な柔らかさと退屈さ」を持っていると説明されています。ロココの軽薄さとバロックの動きは取り除かれていましたが、多くの芸術家はその場所に何かを置くのに苦労していました。フラックスマンが使用したギリシャの壺以外に、歴史の絵画の古代の例がなかったため、ラファエルは代替モデルとして使用される傾向がありました、 Winckelmannが推奨するとおり。
他の芸術家の作品は、簡単ではなく、ロマン主義の側面と一般に新古典主義のスタイルを組み合わせて、両方の運動の歴史の一部を形成しました。ドイツ-デンマークの画家アスムスヤコブカーステンスは、彼が計画した大規模な神話の作品をほとんど完成させず、ほとんどの場合、図面と色彩の研究を残して、ウィンケルマンの「高貴なシンプルさと穏やかな壮大さ」の処方箋に近づくことがよくあります。カルステンスの実現されていない計画とは異なり、ジョバンニバティスタピラネージのエッチングは多数で収益性があり、ヨーロッパのすべての地域へのグランドツアーを行った人々によって取り戻されました。彼の主な主題はローマの建物と廃墟であり、彼は現代よりも古代に刺激されました。
彼のVedute（ビュー）のいくらか不穏な雰囲気は、「抑圧的なシクロピアンアーキテクチャ」が「恐怖と欲求不満の夢」を伝えるカルセリダンベンツィオーネ（「架空の刑務所」）の彼の16枚のプリントで支配的になります。スイス生まれのヨハンハインリッヒフスリは、彼のキャリアのほとんどをイギリスで過ごし、彼の基本的なスタイルは新古典主義の原則に基づいていましたが、彼の主題と扱いはロマン主義の「ゴシック」緊張をより反映し、ドラマと興奮を呼び起こそうとしました。
絵画における新古典主義は、1785年のパリサロンでのジャックルイダビデのホラティウスの誓いのセンセーショナルな成功により、新しい方向性を獲得しました。共和党の美徳を呼び起こしたにもかかわらず、これはダビデが絵画にこだわった王立政府の委託によるものでしたローマで。デビッドは、理想主義スタイルとドラマと迫力を組み合わせることに成功しました。中央の視点は画面に垂直で、背後の薄暗いアーケードによって強調されています。これに対して英雄的な人物はフリーズのように配置され、人工照明とオペラのステージング、およびニコラスプーシンの古典的な色のヒントが含まれています。ダビデは急速にフランスの芸術のリーダーになり、フランス革命の後、芸術で多くの政府の後援をコントロールする政治家になりました。彼はナポレオン時代に彼の影響力を維持することができました、
デビッドの多くの学生は、新古典主義の主流と曖昧な関係にある成熟したスタイルと、その後のオリエンタリズムとトルバドゥールスタイルへの多くの転換にかかわらず、彼の長いキャリアを通して彼自身を古典主義者と見なしたJean-Auguste-Dominique Ingresを含めました。彼の作品が常にドローイングに与える優位性を除いて、彼のあからさまにロマンチックな同時代のそれらと区別するのは難しい。彼はサロンに1802年から印象派の始まりまで60年以上出展しましたが、彼のスタイルは一度形成されるとほとんど変わりませんでした。
彫刻
新古典主義の絵画が古代モデルの欠如に苦しんだ場合、新古典主義の彫刻はそれらの過剰に苦しむ傾向がありましたが、紀元前500年頃に始まった「古典期」の実際のギリシャ彫刻の例は非常に少数でした。最も高く評価されている作品は、ほとんどがローマのコピーでした。著名な新古典主義の彫刻家は、彼ら自身の日に大きな評判を享受しましたが、現在は主に肖像画であり、シッターの性格の強い印象を犠牲にしない胸像として主に肖像画であったジャンアントワーヌフードンを除いて、あまり評価されていません。理想主義。彼の長いキャリアが続くにつれ、彼のスタイルはよりクラシックになり、ロココの魅力からクラシックの品格へのかなりスムーズな進歩を表しています。一部の新古典主義の彫刻家とは異なり、彼はローマのドレスを着ている、または脱がされている彼のシッターを主張しませんでした。
アントニオカノーヴァとデーンベルテルトーヴァルセンはどちらもローマを拠点としており、肖像画だけでなく、意欲的な等身大の人物やグループも数多く生み出しました。どちらも新古典主義彫刻の強く理想化する傾向を表しています。カノーヴァには軽さと優雅さがあり、トールヴァルセンはより厳しいです。その違いは、三美神のそれぞれのグループに例示されています。これらすべて、およびフラックスマンは1820年代もまだ活動しており、ロマン主義は彫刻に影響を与えるのが遅く、新古典主義のバージョンが19世紀のほとんどの主要なスタイルであり続けました。
彫刻の初期の新古典主義者は、スウェーデンのヨハントビアスセルゲルでした。ジョン・フラックスマンはまた、または主に彫刻家であり、主に彼の版画にスタイルが匹敵する厳格な古典的レリーフを生み出していました。彼はまた、Josiah Wedgwoodの新古典主義のセラミックを数年間設計およびモデル化しました。ヨハン・ゴットフリート・シャドーと彼の息子ルドルフは、若くして死ぬ数少ない新古典主義の彫刻家の1人であり、オーストリアのフランツ・アントン・フォン・ザウナーとともに、ドイツを代表する芸術家でした。後期バロックオーストリアの彫刻家、フランツザヴェルメッサーシュミットは中途半端に新古典主義に転向し、その直後に何らかの精神的危機に見舞われた後、彼は国に引退し、ハゲの人物の非常に特徴的な「キャラクターヘッド」に専念しました。極端な表情を引き出します。ピラネージのカルセリのように、これらは、20世紀初頭の精神分析の時代に大きな関心を呼び起こしました。オランダの新古典主義彫刻家マシューケッセルズはトールヴァルセンに師事し、ローマでほとんど独占的に働いた。
1830年代以前は、アメリカには独自の彫刻の伝統がなく、墓石、風見鶏、船の船首の領域を除いて、ヨーロッパの新古典主義の方法がそこで採用され、それは数十年間揺さぶられていました。 Horatio Greenough、Harriet Hosmer、Hiram Powers、Randolph Rogers、William Henry Rinehartの彫刻。
建築と装飾芸術
新古典主義の芸術は、伝統的で新しい、歴史的で現代的な、保守的で進歩的なものでした。
新古典主義は、ローマで訓練され、ヴィンケルマンの著作に影響を受けたフランスの美術学生の世代を通じて、イギリスとフランスで最初に影響力を獲得し、スウェーデン、ポーランド、ロシアなどの他の国の進歩派によって急速に採用されました。最初は、古典的な装飾がおなじみのヨーロッパの形に移植されました。カトリーヌ2世の恋人であるオルロフ伯のインテリアのように、イタリアの建築家がイタリアのスタッカドリのチームで設計しました。カメオや浅浮き彫りのドアのような孤立した楕円形の円形浮彫りのヒントのみ新古典主義の; 家具は完全にイタリアのロココです。
第2の新古典主義の波は、より深刻で、より深く研究され（彫刻の媒体を通じて）、より意識的に考古学的であり、ナポレオン帝国の高さに関係しています。フランスでは、新古典主義の第1フェーズは「ルイ16世スタイル」で表現され、第2フェーズは「ディレクトワール」またはエンパイアと呼ばれるスタイルで表現されました。ナポレオン政権が新しい考古学的古典主義をもたらすまで、ロココ様式はイタリアで人気を維持しました。これは共和党に傾いた若い進歩的な都会のイタリア人によって政治声明として採用されました。[誰によると？]
装飾芸術では、新古典主義はパリ、ロンドン、ニューヨーク、ベルリンで作られた帝国の家具に例証されています。オーストリア製ビーダーマイヤー家具。ベルリンのカールフリードリッヒシンケルの美術館、ロンドンのジョンソーン卿のイングランド銀行、ワシントンDCに新しく建てられた「国会議事堂」。ウェッジウッドのレリーフと「黒い玄武岩」の花瓶。スタイルは国際的でした。スコットランドの建築家チャールズキャメロンは、ロシアのサンクトペテルブルクで、ドイツ生まれのキャサリン2世大王のための豪華なイタリアンインテリアを作成しました。
屋内では、新古典主義がポンペイとヘルクラネウムの再発見に触発されて、本物のクラシックなインテリアを発見しました。これらは1740年代後半に始まったが、1760年代にのみ広く聴衆を獲得し、ルアンチキタディエルコラーノ（古代遺跡）の厳格に管理された配布の最初の豪華なボリュームを備えた。ヘルクラネウムの古代遺物は、バロックの最もクラシックなインテリア、またはウィリアムケントの最も「ロマン」な部屋でさえ、大聖堂と寺院の外観の建築に基づいていたため、現代の目にはしばしば大げさな外観を見せていました。金色の鏡の中に、寺院の正面が置かれた暖炉。新しいインテリアは、正真正銘のローマ語と本物のインテリアの語彙を再現することを目指していました。
このスタイルで採用された技法には、ローフリーズのようなレリーフで彫刻された、またはカメオのようなモノトーンで描かれた（「カメオ」のような）平らで軽いモチーフ、孤立したメダリオンまたは花瓶または胸像またはその他のモチーフ、月桂樹またはリボンの飾りに吊り下げられたものなど、おそらく「ポンペイアンレッド」や淡い色合い、または石の色を背景にした細長いアラベスク。フランスのスタイルは、当初はパリ風で、ゴエグレック（「ギリシャ風」）で、宮廷スタイルではありませんでした。1774年にルイ16世が王位に就任したとき、ファッションを愛する彼の女王マリーアントワネットは、「ルイ16世」スタイルを法廷に持ち込みました。しかし、世紀の変わり目まで、ローマの家具の基本的な形を採用する実際の試みはありませんでした。家具メーカーは、古代の建築から借りる可能性が高かったのです。
約1800年以降、エッチングと彫刻の媒体を通して見たギリシャの建築例の新たな流入は、新古典主義、ギリシャの復活に新たな原動力を与えました。同時に、エンパイアスタイルは、建築と装飾芸術における新古典主義のより壮大な波でした。それは主にローマ帝国のスタイルに基づいており、ナポレオンのリーダーシップとフランスの国家を理想化することを目的とした第一フランス帝国のナポレオンの支配に由来し、その名をとっています。このスタイルは、ドイツ語圏ではよりブルジョア的なビーダーマイヤースタイル、米国では連邦スタイル、イギリスではリージェンシースタイル、スウェーデンではナポレオンスタイルに対応しています。美術史家ヒュー・オナーによれば、「これまで考えられていたように、新古典主義運動の集大成ではありません。
新古典主義は、19世紀以降、ロマン主義やゴシック様式の復活に対する一定のアンチテーゼであるアカデミックアートの主要な力であり続けましたが、19世紀後半から、それはしばしば反近代的、あるいは反動的で影響力のある批判的なものと見なされていましたサークル。ヨーロッパのいくつかの都市、特にサンクトペテルブルクとミュンヘンの中心部は、新古典主義建築の美術館のように見えました。
19世紀を通じて人気が高まった18世紀に始まったスタイルであるゴシックリバイバルアーキテクチャ（ロマンティックな文化運動に関連することが多い）は、新古典主義と対照的でした。新古典主義はギリシャとローマの影響を受けたスタイル、幾何学的な線と秩序が特徴でしたが、ゴシック様式の復興建築は、素朴で「ロマンティック」な外観を持つことが多い中世の建物に重点を置きました。
新古典主義の庭園
イングランドでは、アウグストゥス文学はアウグストゥス様式の景観デザインと直接的な類似点がありました。リンクは明らかにアレクサンダー・ポープの作品に見られます。新古典主義の英国庭園の現存する最良の例は、チズウィックハウス、ストウハウス、ストウヘッドです。
新古典主義とファッション
ファッションでは、新古典主義がフランスの革命のかなり前からずっと女性の服装のはるかに単純さと、長持ちする白のファッションに影響を与えていましたが、フランスで古代のスタイルを真似ようとする徹底的な試みが流行したのはその後です。少なくとも女性のために。古典的な衣装は、ギリシャやローマの神話の人物の肖像を装ったファッショナブルな女性が長い間着用してきました（特に、1780年代の若いモデルのエマ、ハミルトンレディのような肖像画の発疹がありました）。革命期までの肖像画の座ったままで仮面舞踏会のために、そしておそらく、他のエキゾチックなスタイルのように、家で服を脱ぐように。しかし、ジュリエット・レカミエ、ジョゼフィーヌ・ド・ボーアルネが肖像画で着用したスタイルは、テレサタリアンやその他のパリのトレンドセッターは、公共の場での外出にも適していました。オペラでMme Tallienを見たTalleyrandは、「Il n’est pas可能なde s’exposer plus somptueusement！」（「より豪華な服を脱ぐことはできませんでした」）。
革命直前の1788年、法廷の肖像画家ルイーズエリザベスヴィジェルブランは、女性が真っ白なギリシャのチュニックを着ていたギリシャの夕食会を開きました。カールで可能な限り、より短い古典的なヘアスタイルは議論の余地が少なく、非常に広く採用されており、髪は屋外でも明らかになりました。イブニングドレスを除いて、ボンネットやその他の覆いは、通常、屋内でも着用されていました。代わりに、薄いギリシャ風のリボンまたはフィレットを使用して、髪を結んだり、装飾したりしました。
非常に軽くてルーズなドレスで、通常は白で、多くの場合衝撃的な裸の腕があり、足首からボディスの真下まで薄手になっており、体の周りに強い強調された薄い裾やネクタイがあり、多くの場合異なる色です。ナポレオンの最初のフランス帝国に先立つけれども、その形は今では帝国のシルエットとしてよく知られていますが、彼の最初の皇后ジョセフィーヌ・ド・ボーアルネはヨーロッパ中にそれを広めることに影響を与えました。長い長方形のショールまたはラップ。非常に多くの場合、真っ赤ですが、ポートレートに飾り枠があり、寒い天候に役立ち、着席すると中腹の周りに横たわっていたようです。そのため、広大な半横臥姿勢が好まれました。19世紀の初めまでに、そのようなスタイルはヨーロッパ中に広く広まりました。
男性の新古典主義のファッションははるかに問題があり、髪の毛以外に実際に離陸することはありませんでした。そこでは、若い男性のためにかつらを使用し、次に白い髪の粉末を使用する短いスタイルで重要な役割を果たしました。ズボンはギリシャ人とローマ人にとって野蛮人の象徴でしたが、画家の、特に彫刻家のスタジオの外では、それを捨てる用意ができていた男性はほとんどいませんでした。確かに、この時代には、アンシャンレギムのキュロットまたは膝のズボンの上に純粋なズボンまたはパンタロンの勝利が見られました。ダビデが革命的な情熱の高まりの中で1792年にすべてを変更することを政府の要請で新しいフランスの「民族衣装」を設計したときでさえ、膝の上で止まったコートの下にかなりタイトなレギンスが含まれていました。
ズボンの問題は、現代の歴史の絵画を作成するための障壁としてアーティストによって認識されていました。他のコンテンポラリードレスの要素と同様に、彼らは多くの芸術家や批評家から取り返しのつかないほど醜く、非英雄的であると見なされていました。現代のシーンでの描写を避けるために、さまざまな戦略が使用されました。ジェームズ・ドーキンスとロバート・ウッドがギャビン・ハミルトンのパルミラの遺跡を発見した（1758）では、2人の紳士の古物商がトーガのようなアラブのローブで示されています。ジョン・シングルトン・コプリーによるワトソン・アンド・ザ・シャーク（1778）では、主人公はおそらく裸で示される可能性があり、構図は他の8人の男性の構成であり、1つだけが1本の脚の脚をはっきりと示しています。しかし、アメリカ人のコプリーとベンジャミンウェストは、ズボンが英雄的なシーンで使用できることを成功裏に示したアーティストを率い、ウェストのような作品で
クラシカルにインスピレーションを得た男性のヘアスタイルには、おそらく最も明白な現代の男性スタイルの先駆けであるベッドフォードクロップが含まれていました。彼は友人に、そうしないと賭けてそれを採用するように勧めました。別の影響力のあるスタイル（またはスタイルのグループ）は、ティトゥスジュニウスブルータス（実際にはローマ皇帝ティトゥスがしばしば想定したものではありません）にちなんでフランス人の「àla Titus」によって命名されました。拘束されたキフまたはロックが垂れ下がっている; 亜種は、イギリスのナポレオンとジョージ4世の両方の髪からよく知られています。
このスタイルは、ヴォルテールのブルータス（息子のティトゥスの処刑を命じるルシウスジュニウスブルートゥスについて）などの作品のプロダクションで出演した際に、ウィッグ付きの共演者を上演した俳優のフランソワジョセフタルマによって導入されたと考えられています。1799年にパリのファッション雑誌は、ハゲの男性でさえタイタスのかつらを採用していて、そのスタイルは女性にも着用されていたと報告しました。1802年のジャーナルドパリは、「エレガントな女性の半分以上が髪やウィッグを身に着けていたと報告しています。
その後の新古典主義
アメリカの建築では、新古典主義はアメリカのルネサンス運動の1つの表現でした。1890–1917; その最後の顕現はボザール様式の建築であり、最後の大規模な公共プロジェクトはリンカーン記念館（当時非常に批判的だった）、ワシントンDCの国立美術館（これも建築家によって後退していると強く批判された）でした。思考と昔ながらのデザイン）、そしてアメリカ自然史博物館のルーズベルト記念館。これらは終了時に文体上の時代錯誤と見なされていました。ブリティッシュラージでは、ニューデリーのエドウィンルティエンス卿の記念碑的な都市計画が新古典主義の輝かしい日没を示しています。第二次世界大戦は、神話的で英雄的な時代への最も切望する（そしてその模倣）を打ち砕くことでした。
フランスのオーギュストペレなどの保守的なモダニズム建築家は、工場の建物でさえ、柱状建築のリズムと間隔を保ちました。コロネードが「反動的」であると非難された場合、フリーズの繰り返しの下にある建物の柱状の溝付きパネルは「進歩的」に見えました。パブロピカソは、第一次世界大戦直後の数年間、クラシック化されたモチーフと、1925年のパリ万国博覧会の装飾に先駆けて登場したアールデコスタイルを実験しました。 .-J。RuhlmannまたはSüe＆Mare; あらゆる媒体での鮮明で非常に起伏の少ないダムセルとガゼルのフリーズ。ギリシャのラインを再現するためにバイアスをかけたり、カットしたファッショナブルなドレス。イサドラダンカンのアートダンス。1950年に建てられた米国の郵便局と郡庁舎の流線型のモダンスタイル。そしてルーズベルトダイム。
芸術には20世紀全体の運動があり、新古典主義とも呼ばれていました。それは少なくとも音楽、哲学、文学を含んでいた。それは第一次世界大戦の終わりと第二次世界大戦の終わりの間でした。（音楽的側面については、20世紀のクラシック音楽と新古典主義を参照してください。哲学的側面については、グレートブックを参照してください。）
この文学的新古典主義運動は、拘束、宗教（特にキリスト教）、反動的政治プログラムを支持して、（たとえば）ダダの極端なロマン主義を拒否しました。イギリス文学におけるこの運動の基礎はTE Hulmeによって築かれましたが、最も有名な新古典主義者はTS EliotとWyndham Lewisでした。ロシアでは、運動は1910年にAcmeismという名前で結成され、アンナアフマトヴァとオシップマンデルシュタムが代表を務めました。
音楽で
音楽の新古典主義は20世紀の運動です。この場合、古代世界自体の音楽ではなく、ギリシャとローマのテーマが好きで、17世紀と18世紀のクラシックとバロックの音楽スタイルが復活しました。（20世紀初頭は、新古典主義の作曲家が主に描いたバロック時代の音楽を、現在は古典時代と呼んでいるものと区別していませんでした。）この運動は、20世紀前半の崩壊色彩への反応でした。後期ロマン主義と印象派は、音楽のモダニズムと並行して出現し、主要な調性を完全に放棄しようとしました。それは、古典的な手順の非常に不調和な言い換えを可能にする、スタイルの清潔さと単純さに対する欲求を明らかにしました、
17〜18世紀のダンススイートは第一次世界大戦前にマイナーなリバイバルがありましたが、新古典主義者たちは変更されていないダイアトニズムに完全に満足しておらず、サスペンションと装飾品の明るい不調和、17世紀のモーダルハーモニーの角質と精力的なパートライティングのエネルギッシュなライン。レスピーギのエンシェントエアアンドダンス（1917年）は、新古典主義者が志向した一種の音への道を導きました。音楽の歴史を通じて、過去から音楽スタイルを借用することは珍しいことではありませんが、芸術音楽は、ミュージシャンが古い技法やハーモニーと組み合わせたモダンなテクニックを使用して新しい種類の作品を作成する時代を経てきました。
注目すべき構成上の特徴は、全音階の調性、従来の形式（ダンススイート、コンサーティグロッシ、ソナタ形式など）、記述的または感情的な連想によって解き放たれる絶対的な音楽のアイデア、軽い音楽的テクスチャの使用、および音楽表現の簡潔さです。 。クラシック音楽では、これは1920年代から1950年代の間に最も顕著に認識されました。イゴール・ストラヴィンスキーは、このスタイルを使用する最も有名な作曲家です。彼は効果的に彼のバッハのような管楽器のためのオクテット（1923）から音楽革命を始めました。このスタイルをよく表現している特定の作品は、ハイドンまたはモーツァルトの交響曲スタイルを連想させる、プロコフィエフのクラシック交響曲第1番Dです。ジョージバランシンによって革新された新古典主義のバレエは、衣装、ステップ、物語の面でロシア帝国のスタイルを整理しました。
ロシアとソビエト連邦の建築
1905〜1914年に、ロシアの建築は新古典主義の復興の短いながらも影響力のある期間を通過しました。トレンドは、アレキサンドリン時代のエンパイアスタイルの再現から始まり、さまざまなネオルネサンス、パラダイアン、そして近代化された、しかし明らかにクラシックな学校へと急速に拡大しました。彼らは、イワンフォミン、ウラジミールシュチュコ、イヴァンゾルトフスキーなど、第一次世界大戦前に創造の頂点に達した1870年代に生まれた建築家によって導かれました。1920年代に経済が回復したとき、これらの建築家とその信者たちは、主にモダニズムの環境で働き続けました。一部の（Zholtovsky）は古典的な正典に厳密に従っており、他の（Zomtovsky）他の（Fomin、Schuko、Ilya Golosov）は独自の近代化されたスタイルを開発しました。
ソビエト宮殿の国際コンテストで実証された、建築家の独立と公式のモダニズムの否定に対する弾圧（1932年）により、新古典主義はスターリン建築の選択肢の1つとして即座に促進されました。ボリスイオファンの適度にモダニズム的な建築物と共存し、現代的なアールデコ（Schuko）と隣接しています。繰り返しますが、スタイルの最も純粋な例は、孤立した現象のままであったゾルトフスキー学校によって作成されました。政治的介入は構成主義的指導者たちにとって災難でしたが、古典派の建築家は心から歓迎しました。
新古典主義は、現代の建設技術（鉄骨や鉄筋コンクリート）に依存せず、伝統的な石積みで再現できるため、ソ連にとって簡単な選択でした。したがって、ゾルトフスキー、フォミン、その他の古い巨匠のデザインは、厳格な資材配分の下で、離れた町で簡単に複製されました。これらの超高層ビル（文化科学宮殿、ワルシャワ、上海国際コンベンションセンターの「輸出された」建築を含む）は古典的なモデルとはほとんど共通していませんが、第二次世界大戦後の建設技術の向上により、スターリン主義の建築家は超高層ビルの建設に挑戦することができました。新古典主義とネオ・ルネサンスは、ニキータ・フルシチョフが高価なスターリニスト建築に終止符を打つ1955年まで、それほど要求が厳しくない住宅およびオフィスプロジェクトで続きました。
21世紀の建築
近代建築が支配的だった時代（大体は第二次世界大戦後の1980年代半ばまで）の沈静化の後、新古典主義は復活のようなものを見てきました。
21世紀の最初の10年の時点で、現代の新古典主義建築は通常、新古典主義建築の総称として分類されています。時々それはまたネオヒストリシズムまたは伝統主義とも呼ばれます。また、ポストモダン建築の多くの作品は、新古典主義、アンティゴネ地区、バルセロナのカタルーニャ国立劇場からインスピレーションを得て、それらへの明示的な言及を含んでいます。ポストモダンの建築には、柱、首都、鼓膜などの歴史的要素が含まれることがあります。
地域の建築、素材、職人技に忠実な誠実な伝統様式の建築では、伝統建築（または伝統的建築）という用語が主に使用されます。Driehaus Architecture Prizeは、21世紀の伝統建築または古典建築の分野の主要な貢献者に贈られ、モダニストのPritzker Prizeの2倍の賞金が贈られます。
米国では、さまざまな現代の公共建築物が新古典主義様式で建てられており、ナッシュビルにある2006年のシャーマーホーン交響楽団がその例です。
イギリスでは、多くの建築家が新古典主義のスタイルで活躍しています。彼らの作品の例には、2つの大学図書館が含まれます。ダウニング大学のクインランテリーのメイトランドロビンソン図書館とロバートアダムアーキテクツのサックラー図書館です。