Théâtre du pouvoir bourgeois et de la lutte des classes, la ville en ébullition au tournant du siècle fut également le décor par excellence de l’art moderne. Tous les effets de l’industrialisation, de la technification, du marché du luxe et des nouveaux marchés de masse de la consommation, de la mode et du divertissement, de l’exaltation de l’image et de la violence iconoclaste, de la construction et de la destruction, de la liberté et de la répression. se trouvent là-bas. L’artiste moderne, en sa double qualité de dandy et de bohème, pense pouvoir fréquenter toutes ses strates, depuis les salons de la bourgeoisie, ses clients, jusqu’à la taverne, le bordel, le music-hall ou la rue, où il identifie sa liberté bohème avec celle des marginalisés et des démunis. Dans la ville, les arts traditionnels trouvent leur place parmi les arts et métiers et les nouveaux médias – photographie, illustration, cinéma – pour créer les styles du XXe siècle. Le modernisme était l’équivalent à Barcelone de mouvements comme l’Art Nouveau, la Sezession, le Jugendstil ou la Liberté, noms dans lesquels les concepts de nouveauté, de rupture et de jeunesse sont présents. Comme dans ces cas, le modernisme embrasse non seulement l’art mais tous les domaines de la culture, de la vie sociale et de la politique, et il doit être décisif dans la production symbolique du nationalisme catalan du tournant du siècle.

Le Musée National d’Art de Catalogne a rouvert le premier étage du musée, dédié à l’Art Moderne, après un processus de rénovation des collections, des galeries et de la muséographie. Le nouvel affichage propose une nouvelle narration critique et complexe qui évite la simple succession de styles et de noms et regroupe toutes les productions artistiques de l’époque: sculpture et peinture, dessins et estampes, photographie, affiche, cinéma, architecture et arts décoratifs. Maintenant, il y a une plus grande présence d’éléments qui vous aideront à comprendre le contexte social, historique et artistique, et qui mettent en évidence les liens internationaux des artistes et des mouvements de Barcelone et de la Catalogne. La nouvelle exposition va pour la première fois jusqu’aux années 1950, y compris le mouvement Dau al Set (le premier mouvement artistique post-Seconde Guerre mondiale en Catalogne).

L’exposition permanente sur l’art moderne est divisée en quatre sections et un épilogue: The Rise of the Modern Artist, Modernisme (s), Noucentisme (s), Art and Civil War et The Avant-garde Revival of the Post-War Years.

Points forts

L’Art nouveau à Paris
Au cours des années du tournant du siècle, Paris était la capitale de la modernité. Centre incontesté de la mode et du marché du luxe, il a également été le centre du marché de masse et du marché de loisirs populaire et des nouveaux médias: publicité, affiches, etc. Paris a offert les bonnes conditions pour un art indépendant: influent critiques, publications abondantes, rassemblements intellectuels de toutes sortes, galeristes et clients intéressés par l’avant-garde. Tout artiste moderne a dû tenter sa chance ici et le fait est que beaucoup d’entre eux, venus du monde entier, ont produit leur meilleur travail dans ces brèves années parisiennes, sous le choc de la ville du divertissement.

Art nouveau à Barcelone
S’il y avait un endroit à Barcelone qui représentait la modernité avec des racines parisiennes, c’était la taverne Els Quatre Gats (1897-1903), fondée par un groupe d’artistes ayant vécu à Paris – Casas, Rusiñol, Utrillo – et dirigée par Pere Romeu, l’une des figures centrales de la Barcelone bohème. En plus de promouvoir des magazines et d’autres publications, il a réuni des passionnés et des artistes d’âges différents, y compris, comme on le sait, le jeune Picasso. Comme les lieux de Montmartre qui l’ont inspirée, elle a accueilli des expositions, des concerts et des spectacles de marionnettes, coïncidant avec l’invention du cinéma, dont Barcelone allait devenir un important centre de production.

Le peintre de la vie moderne
Dans The Painter of Modern Life, un essai publié en 1863, Baudelaire a identifié l’art avec ce qui est éphémère et circonstanciel, l’inconstant qui caractérise la modernité, et l’artiste avec le flâneur, la «poussette» énervée et curieuse qui se fond dans la foule. Le théâtre et le music-hall, le boulevard et le parc, la nuit, la mode, le maquillage féminin … sont les lieux et objets de cette vie moderne, indissociable du rythme de la cité des masses devenue un spectacle en soi. Vers 1900, à Paris ou à Barcelone, comme dans tant de villes européennes, les artistes semblent culminer le rôle qui leur est assigné par Baudelaire.

La maison des Modernistes
Au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, en réaction à une production ornementale industrialisée et produite en masse, les métiers traditionnels ont connu un renouveau dans toute l’Europe. Les artistes et les architectes ont tout conçu, des vitrines au pavage, et des artisans de toutes sortes – ébénistes, tapissiers, orfèvres, forgerons, potiers, vitriers, etc. – ont trouvé une maison commune dans une architecture qui rêvait de mener une nouvelle harmonie dans le l’artisanat autant qu’il aspirait à la synthèse de l’art et de la vie. Confrontée à une ville déchirée par la violence et la lutte des classes – rappelez-vous que Barcelone avait un mouvement ouvrier florissant à cette époque et était connue dans le monde entier comme la Rose de feu -, la maison est devenue le refuge idéal pour cette utopie bourgeoise.

Antoni Gaudí et Josep Maria Jujol
Gaudí est le nom le plus connu du Modernisme et est de loin sa figure la plus remarquable. Mais au lieu de le considérer comme un génie isolé, comme cela s’est souvent produit, nous devons le placer dans le contexte riche de Barcelone au tournant du siècle. Son œuvre n’est pas née de son imagination solitaire, mais a poussé les aspirations qui caractérisent le modernisme à l’extrême le plus radical, en particulier celles de son architecture: réaliser la synthèse des arts et métiers, de l’art et de la vie, sous l’impulsion du architecte. Malgré tout, et compte tenu de son radicalisme, Gaudí a peu d’élèves. Jujol, qui a travaillé avec Gaudí vers 1906, était la seule personne capable de préserver la tension du maître dans son travail, en utilisant une approche qui a finalement convergé avec les techniques des avant-gardes: collage, assemblage, etc.

«Modernistes» conservateurs
La production symbolique de la modernité comporte d’innombrables facettes et nombre d’entre elles sont, sans paradoxe, conservatrices. Tant l’Église que les institutions de la bourgeoisie ont développé un art public monumental – architecture, sculpture, peinture murale, etc. – qui, à travers les techniques de la modernité, a transmis un message traditionnel de pouvoir et de hiérarchie. Les artistes eux-mêmes ont trouvé des moyens appropriés sur les circuits conventionnels du marché – galeries, expositions ou salons – pour satisfaire la conscience coupable de la bourgeoisie: la pauvreté, la vieillesse, les difficultés humaines, la charité ou le sentimentalisme religieux sont devenus des sujets artistiques à succès.

Symbolismes 1
À la fin du 19e siècle, il y a eu une série de réactions contre le réalisme et le naturalisme qui ont pris le nom général de symbolisme. Dans le domaine de l’art, cette réaction était également contre le manque de transcendance de l’impressionnisme et ce qui était proposé était un idéalisme dominé par des valeurs poétiques et spirituelles. Mais le symbolisme, qui s’exprimait également dans la photographie, l’illustration et l’art de l’affiche, était de plusieurs types: du plus doux, avec des liens au sentimentalisme religieux ou au monde des contes de fées, au plus inquiétant, lié à l’érotisme, au mal et au les peurs individuelles et collectives de l’époque.

Bohême, misérabilisme et peinture noire
La pensée bohème amène l’artiste à s’intéresser au côté le plus sombre et le plus primitif de la société dans laquelle il vit. Cela peut se produire en réaction à l’image pittoresque ou au sentimentalisme religieux ou comme une identification troublante aux infamies de difficultés et de «dégénérescence». Le cas de Nonell et ses portraits de mendiants, de crétins ou, surtout, de femmes gitanes – toujours différents mais toujours les mêmes – a été l’un des points forts de l’idéologie bohème.

Symbolismes 2
Les valeurs poétiques et spirituelles défendues par le symbolisme et sa volonté de transcendance contre l’anti-idéalisme du réalisme et de l’impressionnisme se reflètent également dans les formats de leurs peintures ou photographies, qui tentent parfois d’évoquer celles de l’art religieux. En opposition à la simple peinture au chevalet caractéristique de la modernité, le symbolisme a proposé la complexité du cycle ou du retable –triptyque ou polyptyque– et a étendu l’œuvre de l’intérieur de la peinture à la conception du cadre.

Musée national d’art de Catalogne
Le Musée National d’Art de Catalogne, également connu sous son acronyme MNAC, est un musée d’art de la ville de Barcelone qui rassemble tous les arts dont la mission est de préserver et d’exposer la collection du monde le plus important de l’art catalan, montrant tout du roman à nos jours. Son directeur actuel est Josep Serra.

Le MNAC est un consortium doté de sa propre personnalité juridique, constitué par la Generalitat de Catalunya, la mairie de Barcelone et l’administration générale de l’État. En plus des administrations publiques, des individus et des entités privées collaborant avec l’administration sont représentés au conseil d’administration du musée.

Le siège principal est situé dans le Palais national de Montjuïc, ouvert en 1929 à l’occasion de l’Exposition internationale. Trois autres institutions font également partie du musée dans son ensemble: la bibliothèque du musée Víctor Balaguer à Vilanova i la Geltrú, le musée Garrotxa à Olot et le musée Cau Ferrat à Sitges, dont la gestion est indépendante et sa propriété est basée sur les conseils respectifs .