Als Bühne für bürgerliche Macht und Klassenkampf war die um die Jahrhundertwende in Aufruhr geratene Stadt auch Schauplatz der modernen Kunst schlechthin. Alle Auswirkungen der Industrialisierung, der Technifizierung, des Marktes für Luxusgüter und der neuen Massenmärkte für Konsum, Mode und Unterhaltung, der Erhöhung des Images und der ikonoklastischen Gewalt, des Aufbaus und der Zerstörung, der Freiheit und der Unterdrückung. sind dort zu finden. Der moderne Künstler, in seiner doppelten Eigenschaft als Dandy und Bohemian, glaubt, alle seine Schichten von den Salons der Bourgeoisie, seinen Kunden bis zur Taverne, dem Bordell, dem Musiksaal oder der Straße besuchen zu können er identifiziert seine böhmische Freiheit mit der der Ausgegrenzten und der Niedergeschlagenen. In der Stadt finden die traditionellen Künste ihren Platz im Kunsthandwerk und in den neuen Medien – Fotografie, Illustration, Film -, um die Stile des 20. Jahrhunderts zu schaffen. Modernismus war in Barcelona das Äquivalent zu Bewegungen wie Jugendstil, Sezession, Jugendstil oder Freiheit, Namen, in denen die Konzepte von Neuheit, Bruch und Jugendlichkeit vorhanden sind. Wie in diesen Fällen umfasste der Modernismus nicht nur die Kunst, sondern alle Bereiche der Kultur, des sozialen Lebens und der Politik und sollte für die symbolische Produktion des katalanischen Nationalismus der Jahrhundertwende entscheidend sein.

Das Nationale Kunstmuseum von Katalonien hat nach einer Renovierung der Sammlungen, der Galerien und der Museographie den ersten Stock des Museums für moderne Kunst wiedereröffnet. Das neue Display bietet eine neue kritische und komplexe Erzählung, die die bloße Abfolge von Stilen und Namen vermeidet und alle künstlerischen Produktionen dieser Zeit umfasst: Skulptur und Malerei, Zeichnungen und Drucke, Fotografie, Plakatarbeit, Kino, Architektur und dekorative Kunst. Jetzt gibt es eine größere Präsenz von Elementen, die Ihnen helfen, den sozialen, historischen und künstlerischen Kontext zu verstehen, und die die internationalen Verbindungen von Künstlern und Bewegungen in Barcelona und Katalonien hervorheben. Die neue Ausstellung reicht erstmals bis in die 1950er Jahre, einschließlich der Bewegung Dau al Set (die erste künstlerische Bewegung nach dem Zweiten Weltkrieg in Katalonien).

Die Dauerausstellung für moderne Kunst ist in vier Abschnitte und einen Epilog unterteilt: Der Aufstieg des modernen Künstlers, Modernismus (e), Noucentismus (e), Kunst und Bürgerkrieg und Die Avantgarde-Wiederbelebung der Nachkriegsjahre.

Höhepunkte

Jugendstil in Paris
In den Jahren der Jahrhundertwende war Paris die Hauptstadt der Moderne. Als unbestrittenes Zentrum für Mode und den Markt für Luxusgüter war es auch das Zentrum des Massenmarktes und des beliebten Freizeitmarktes sowie der neuen Medien: Werbung, Plakatkunst usw. Paris bot die richtigen Bedingungen für eine unabhängige Kunst: einflussreich Kritiker, zahlreiche Veröffentlichungen, intellektuelle Zusammenkünfte aller Art, Galeristen und Kunden, die sich für die Avantgarde interessieren. Jeder moderne Künstler musste hier sein Glück versuchen, und Tatsache ist, dass viele von ihnen, die aus der ganzen Welt kamen, unter dem Schock der Stadt der Unterhaltung ihre besten Arbeiten in diesen kurzen Pariser Jahren produzierten.

Jugendstil in Barcelona
Wenn es in Barcelona einen Ort gab, der für Modernität mit Pariser Wurzeln stand, dann war dies die Taverne Els Quatre Gats (1897-1903), die von einer Gruppe von Künstlern gegründet wurde, die in Paris gelebt hatten – Casas, Rusiñol, Utrillo – und von Pere geführt wurden Romeu, eine der zentralen Figuren des böhmischen Barcelona. Er bewarb nicht nur Magazine und andere Veröffentlichungen, sondern versammelte auch Enthusiasten und Künstler unterschiedlichen Alters, darunter bekanntlich den jungen Picasso. Wie die Montmartre-Veranstaltungsorte, die es inspirierten, waren hier Ausstellungen, Konzerte und Puppenspiele zu sehen, die mit der Erfindung des Kinos zusammenfielen, dessen Hauptproduktionszentrum Barcelona werden sollte.

Der Maler des modernen Lebens
In The Painter of Modern Life, einem 1863 veröffentlichten Aufsatz, identifizierte Baudelaire Kunst mit dem, was flüchtig und umständlich ist, dem Unbeständigen, das die Moderne kennzeichnet, und dem Künstler mit dem Flaneur, dem nervösen, neugierigen „Kinderwagen“, der in die Menge eintaucht. Das Theater und die Musikhalle, der Boulevard und der Park, die Nacht, die Mode, das weibliche Make-up … sind die Orte und Objekte dieses modernen Lebens, untrennbar mit dem Tempo der Stadt der Massen verbunden, die zu einer Stadt geworden ist Spektakel an sich. Um 1900, in Paris oder in Barcelona, ​​wie in so vielen europäischen Städten, schienen Künstler die ihnen von Baudelaire zugewiesene Rolle zu gipfeln.

Das Zuhause der Modernisten
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts erlebte das traditionelle Handwerk als Reaktion auf die industrialisierte Zierproduktion in Massenproduktion eine Wiederbelebung in ganz Europa. Künstler und Architekten entwarfen alles, von Glasvitrinen bis hin zu Pflastersteinen, und Handwerker aller Art – Kabinenbauer, Polsterer, Goldschmiede, Eisenschmiede, Töpfer, Glaser usw. – fanden ein gemeinsames Zuhause in einer Architektur, die davon träumte, eine neue Harmonie in der Kunsthandwerk, so sehr es sich nach der Synthese von Kunst und Leben sehnte. Angesichts einer von Gewalt und Klassenkämpfen geprägten Stadt – erinnern Sie sich, dass Barcelona damals eine blühende Arbeiterbewegung hatte und weltweit als Rose des Feuers bekannt war – wurde das Haus zum idealen Zufluchtsort für diese bürgerliche Utopie.

Antoni Gaudí und Josep Maria Jujol
Gaudí ist der bekannteste Name von Modernisme und bei weitem die herausragendste Figur. Aber anstatt ihn wie so oft als isoliertes Genie zu betrachten, sollten wir ihn um die Jahrhundertwende in den reichen Kontext Barcelonas stellen. Seine Arbeit entstand nicht aus seiner einsamen Vorstellungskraft, sondern brachte die Bestrebungen, die den Modernismus charakterisieren, auf das radikalste Extrem, insbesondere die seiner Architektur: die Synthese von Kunst und Handwerk, von Kunst und Leben unter der Führung der Architekt. Trotz allem und angesichts seiner Radikalität hatte Gaudí nur wenige Schüler. Jujol, der ab etwa 1906 mit Gaudí zusammenarbeitete, war der einzige, der in der Lage war, die Spannung des Meisters in seiner Arbeit aufrechtzuerhalten, indem er einen Ansatz verwendete, der schließlich mit den Techniken der Avantgarden konvergierte: Collage, Assemblage usw.

Konservative „Modernisten“
Die symbolische Produktion der Moderne hat unzählige Seiten, und viele von ihnen sind unparadoxisch konservativ. Sowohl die Kirche als auch die Institutionen der Bourgeoisie entwickelten monumentale öffentliche Kunst – Architektur, Skulptur, Wandmalerei usw. -, die durch die Techniken der Moderne eine traditionelle Botschaft von Macht und Hierarchie vermittelte. Die Künstler selbst fanden auf den konventionellen Rennstrecken des Marktes – Galerien, Ausstellungen oder Salons – geeignete Wege, um das schlechte Gewissen der Bourgeoisie zu befriedigen: Armut, Alter, menschliche Not, Nächstenliebe oder religiöser Sentimentalismus wurden zu erfolgreichen künstlerischen Themen.

Symbolik 1
Ende des 19. Jahrhunderts gab es eine Reihe von Reaktionen gegen Realismus und Naturalismus, die den allgemeinen Namen Symbolismus annahmen. Auf dem Gebiet der Kunst war diese Reaktion auch gegen den Mangel an Transzendenz im Impressionismus gerichtet, und es wurde ein Idealismus vorgeschlagen, der von poetischen und spirituellen Werten dominiert wird. Aber die Symbolik, die auch in Fotografie, Illustration und Plakatkunst zum Ausdruck kam, war vielfältig: von der mildesten mit Verbindungen zum religiösen Sentimentalismus oder der Welt der Märchen bis zu der verstörendsten, die mit Erotik, Bösem und dem verbunden ist individuelle und kollektive Ängste der Zeit.

Böhmen, Miserabilismus und schwarze Malerei
Das böhmische Denken veranlasst den Künstler, sich für die dunkelste und primitivste Seite der Gesellschaft zu interessieren, in der er lebt. Dies kann als Reaktion auf offizielle Bildhaftigkeit oder religiösen Sentimentalismus oder als störende Identifikation mit den Infamien von Not und „Entartung“ geschehen. Der Fall von Nonell und seinen Porträts von Bettlern, Kretern oder insbesondere von Zigeunerinnen – immer anders, aber immer gleich – war einer der Höhepunkte der böhmischen Ideologie.

Symbolik 2
Die poetischen und spirituellen Werte der Symbolik und ihr Wunsch nach Transzendenz gegen den Anti-Idealismus des Realismus und des Impressionismus spiegelten sich auch in den Formaten ihrer Gemälde oder Fotografien wider, die manchmal versuchten, die der religiösen Kunst hervorzurufen. Im Gegensatz zu der für die Moderne charakteristischen einfachen Staffelei-Malerei schlug die Symbolik die Komplexität des Zyklus oder des Retabels vor – Triptychon oder Polyptychon – und erweiterte die Arbeit vom Inneren des Gemäldes bis zur Gestaltung des Rahmens.

Nationales Kunstmuseum von Katalonien
Das National Art Museum of Catalonia, auch bekannt unter dem Akronym MNAC, ist ein Kunstmuseum in der Stadt Barcelona, ​​das alle Künste zusammenbringt, deren Aufgabe es ist, die Sammlung der wichtigsten katalanischen Kunstwelt zu bewahren und auszustellen und alles zu zeigen von der Romanik bis zur Gegenwart. Ihr derzeitiger Direktor ist Josep Serra.

Das MNAC ist ein Konsortium mit eigener Rechtspersönlichkeit, das sich aus der Generalitat de Catalunya, dem Stadtrat von Barcelona und der General State Administration zusammensetzt. Neben den öffentlichen Verwaltungen sind Einzelpersonen und private Einrichtungen, die mit der Verwaltung zusammenarbeiten, im Kuratorium des Museums vertreten.

Der Hauptsitz befindet sich im Nationalpalast von Montjuïc, der 1929 anlässlich der Internationalen Ausstellung eröffnet wurde. Drei weitere Institutionen sind ebenfalls Teil des gesamten Museums: die Víctor Balaguer Museumsbibliothek in Vilanova i la Geltrú, das Garrotxa Museum in Olot und das Cau Ferrat Museum in Sitges, deren Verwaltung unabhängig ist und deren Eigentümer die jeweiligen Räte sind .