La collezione d’arte europea del Virginia Museum of Fine Arts comprende oltre 10.000 oggetti in tutti i media, compresi dipinti, sculture, arti decorative e opere su carta, risalenti al periodo medievale all’inizio della metà del XX secolo.

Mette in risalto
Un’eccellente raccolta di sondaggi, le partecipazioni artistiche europee di VMFA includono le collezioni Mellon di arte sportiva britannica, l’arte francese del XIX secolo, i gioielli e gli oggetti di Jean Schlumberger e la pittura equestre americana; la collezione Gans di argento inglese con oltre cento oggetti di noti artigiani londinesi; un importante gruppo di bronzi animali di Antoine-Louis Barye; e la vasta collezione di stampe di Frank Raysor.

Brocca
Sebbene costruito ben dopo la sconfitta dell’ultimo re moresco in Spagna da parte dei monarchi cattolici nel 1492, questa fogna e bacino elaboratamente intarsiati sono incisi con motivi a cinghia che ricordano la precedente deocrazione in stile islamico.

Questo oggetto è presente nella risorsa didattica “Jamestown & Beyond: Life in 1607” del museo disponibile sul nostro sito web: vmfa.museum/learn

Al Milliner
Edgar Degas, francese, 1834-1917
Nel 1880 Degas creò un’importante serie di dipinti e pastelli incentrati sul tema contemporaneo delle donne alla moda nelle modisterie. Tuttavia, qui evita il documentario per raggiungere un altro obiettivo:

“Al momento, è di moda dipingere quadri in cui puoi vedere che ore sono, come in una meridiana. Un dipinto richiede un po ‘di mistero, un po’ di vaghezza, un po ‘di fantasia. Quando rendi sempre il tuo dipinto perfettamente semplice finisci per essere noioso persone.” – Edgar Degas

Battaglia dei Centauri e dei Lapiti
William-Adolphe Bouguereau, francese, 1825-1905
Nel diciannovesimo secolo, il sistema accademico francese privilegiava la “pittura di storia”, che era considerata la categoria di pittura più alta e più importante, e quindi la massima espressione del talento artistico. I dipinti di storia per definizione sono scene a più figure con narrazioni tratte dalla letteratura, dalla storia, dalla mitologia o dalla Bibbia. Adolphe Bouguereau dipinse la Battaglia dei Centauri e dei Lapiti mentre era uno studente dell’Accademia di Francia a Roma, che era una situazione molto desiderabile per un giovane artista francese. Mentre viveva a Roma, Bouguereau era circondato dall’arte e dall’architettura antiche della città e questa immersione nel passato era considerata essa stessa cruciale per lo sviluppo dell’artista. Il dipinto raffigura un momento altamente drammatico tratto dalla mitologia greca, la battaglia dei Lapiti e dei Centauri. I due gruppi erano nemici di vecchia data, ma i Lapiti tentano di riconciliarsi con i Centauri e di invitarli a un banchetto e una celebrazione di nozze. I centauri, creature mitologiche che erano metà uomo e metà cavallo, si ubriacarono e provocarono confusione quando tentarono di rapire la sposa. Nell’immagine di Bouguereau, lo spettatore vede il capitolo più violento della storia. Questo è uno scontro di civiltà, e i morti e i feriti di entrambe le parti cospargono il terreno. Mentre le due figure maschili centrali combattono sulla donna, i loro corpi creano una drammatica composizione a forma di piramide, che consente di attirare l’occhio verso la sposa terrorizzata, parzialmente avvolta in un mantello violentemente rosso. Bouguereau si basava su pose derivate da antiche sculture durante tutto il lavoro.

La crocifissione con i santi Anthony Abate, Caterina, Girolamo, Giacomo e due donatori
Questo trittico (tre pannelli incernierati insieme) è uno dei due soli dipinti noti di Altichiero Altichieri, entrambi eseguiti durante gli ultimi anni a Verona. La manipolazione sicura della pittura, così come l’approccio drammatico a volti e figure, dimostra perché Altichiero fu uno dei principali artisti del nord Italia della fine del XIV secolo. Anche se il classicismo che ancora domina l’arte italiana non è facilmente evidente, è importante notare la somiglianza del formato con un antico arco trionfale. Questo riferimento indicava la raffinatezza culturale dell’artista e il “trionfo” di Cristo sulla morte.

Nel pannello centrale, la Vergine Maria e San Giovanni Evangelista piangono il Cristo crocifisso. Il cranio ai piedi della croce si riferisce al Golgota, “il luogo del cranio”. Secondo la tradizione cristiana, Adamo, il cui peccato è stato riscattato dal sacrificio di Cristo, è stato sepolto lì.

Ai pannelli laterali si trovano Sant’Antonio Abate (in alto a sinistra) identificato dal mantello e dalla croce del monaco, e San Girolamo, uno dei quattro Padri della Chiesa (in alto a destra), che indossa un cappello da cardinale e regge una chiesa in miniatura. Sotto di loro, Santa Caterina era la ruota del suo martire e San Giacomo con il suo bastone da pellegrino accompagnava l’uomo e la donna (rappresentati in ginocchio in preghiera) che commissionarono il dipinto. Uno studio di conservazione ha rivelato che i ritratti dei donatori originali sono stati deliberatamente ridipinti, probabilmente quando il trittico ha cambiato proprietà poco dopo la sua messa in servizio. La vernice successiva è stata rimossa e i ritratti originali (leggermente danneggiati) sono nuovamente visibili.

La scoperta del Laocoonte
Hubert Robert, francese, 1733-1808
L’antica scultura conosciuta come Laocoonte (ora nei Musei Vaticani) è una delle antichità più famose esistenti. Fu rinvenuto nel 1506 in un vigneto piantato sulle rovine della casa d’oro dell’Imperatore Nerone a Roma. Hubert Robert, tuttavia, ha collocato l’evento in una rovina immaginaria a volta basata sull’architettura nella pittura di Raffaello della Scuola di Atene nelle sale di rappresentanza del Vaticano. Robert ha creato questa elaborata allegoria sull’arte e sul collezionismo per il conte di Vaudreuil, un grande collezionista il cui ritratto di Elisabeth Vigée-Lebrun è anche nella collezione di VMFA. L’alto spettatore barbuto in primo piano in basso a destra rappresenta Michelangelo, che secondo quanto riferito era presente alla scoperta e in grado di identificarlo immediatamente come la famosa statua perduta, che in precedenza era stata conosciuta solo da descrizioni scritte.

Novità: due stampe Albrecht Dürer
Non perdere questa rara opportunità di vedere due opere su carta dell’artista tedesco Albrecht Dürer (1471-1528). La donna dell’Apocalisse e il drago a sette teste (dettaglio a destra) è l’ultimo lavoro di Dürer acquisito dal museo. Creato tra il 1496 e il 1498 prima dell’inizio della Riforma, questa xilografia illustra la fine dei giorni come descritto in Rivelazioni. L’incisione di Sant’Antonio Lettura, al contrario, fu lasciata dal giudice John Barton Payne nel 1935, l’anno prima dell’apertura di VMFA al pubblico. Dürer produsse questa scena contemplativa nel 1519 subito dopo gli eventi che iniziarono la tumultuosa Riforma.

I due donatori in adorazione di Moroni prima della Madonna col Bambino sono attualmente presenti nella mostra The Frick Collection Moroni: The Riches of Renaissance Portraiture, in mostra a New York City fino al 2 giugno 2019. Il Moroni tornerà nella sua solita sede nell’arte rinascimentale Galleria questa estate.

Collezioni Mellon in tour
Le apprezzate collezioni di arte impressionista francese e British Sporting Art presso il Virginia Museum of Fine Arts inizieranno i tour nazionali e internazionali nei prossimi due anni, creando opportunità per più persone di vedere questi importanti dipinti e sculture che sono stati donati al museo da Il signor e la signora Paul Mellon.

Impressionismo e arte del XIX secolo
Le collezioni Mellon comprendono capolavori e opere chiave dell’arte francese che rappresentano ogni movimento e artista importante dal Romanticismo alla Scuola di Parigi, con partecipazioni profonde di Edgar Degas (Off view 2018-2020). Una galleria separata è dedicata all’arte accademica del XIX secolo e contiene importanti opere di William-Adolphe Bouguereau, Franz Xaver Winterhalter e Gustave Doré, tra gli altri.

Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, Stati Uniti
Il Virginia Museum of Fine Arts, o VMFA, è un museo d’arte a Richmond, in Virginia, negli Stati Uniti, aperto nel 1936.

Il museo è di proprietà e gestito dal Commonwealth della Virginia, mentre donazioni, dotazioni e fondi privati ​​vengono utilizzati per il supporto di programmi specifici e tutte le acquisizioni di opere d’arte, nonché per un ulteriore supporto generale. L’ammissione è gratuita (ad eccezione di mostre speciali). È uno dei primi musei nel sud americano ad essere gestito da fondi statali. È anche uno dei più grandi musei d’arte del Nord America. VMFA si classifica come uno dei primi dieci musei d’arte completi negli Stati Uniti.

Il Virginia Museum of Fine Arts, insieme all’adiacente Virginia Historical Society, ancorano l’omonimo “Museum District” di Richmond (in alternativa noto come “West of the Boulevard”).