Concepito e presentato per l’apertura di Pirelli HangarBicocca nel 2004 da un progetto di Lia Rumma, l’installazione permanente site specific di Anselm Kiefer, I sette palazzi celesti, deve il suo nome ai palazzi descritti nell’antico trattato ebraico Sefer Hechalot, il ” Libro dei Palazzi / Santuari “risalente al IV-V secolo d.C., che racconta il percorso simbolico dell’iniziazione spirituale di chi vuole avvicinarsi alla presenza di Dio.

Il nome dell’installazione specifica del sito “I sette palazzi celesti” – ideato e presentato per l’apertura di Pirelli HangarBicocca nel 2004 e basato su un progetto di Lia Rumma – è stato tratto dai palazzi descritti nell’antico trattato ebraico “Sefer Hechalot”, il “Libro dei Palazzi / Santuari”, che risale al IV-V secolo d.C. Il volume narra il percorso simbolico dell’iniziazione spirituale che chiunque voglia avvicinarsi a Dio deve intraprendere.

Le sette torri – ciascuna delle quali pesa 90 tonnellate e sale ad altezze variabili tra 14 e 18 metri – sono state create in cemento armato utilizzando i moduli di costruzione angolare dei container. L’artista ha inserito, tra i vari livelli di ciascuna torre, libri di piombo e zeppe che, comprimendo sotto il peso del calcestruzzo, garantiscono ulteriormente la natura statica della struttura.

Più che un semplice valore funzionale, per Kiefer l’uso di questo metallo ha un significato simbolico: infatti, il piombo è tradizionalmente considerato il materiale della malinconia. “I sette palazzi celesti” rappresenta un punto di arrivo per l’intera produzione artistica di Kiefer, sintetizzando i suoi temi principali e proiettandoli in una nuova dimensione senza tempo: contengono un’interpretazione dell’antica religione ebraica; rappresentazione delle rovine della civiltà occidentale dopo la seconda guerra mondiale; e proiezioni in un possibile futuro attraverso il quale l’artista ci invita ad affrontare il presente.

Cinque grandi tele – prodotte tra il 2009 e il 2013 ed esposte per la prima volta – arricchiscono ed espandono “I sette palazzi celesti”, l’installazione permanente di Anselm Kiefer. Il display aggiuntivo del 2015, a cura di Vicente Todolí, ha riconsiderato e conferito un nuovo significato all’opera dell’artista. Questi dipinti formano, insieme alle “torri”, un’unica installazione intitolata “I sette palazzi celesti 2004-2015” che affronta temi già presenti nel lavoro specifico del sito: grandi costruzioni architettoniche del passato come il tentativo dell’uomo di ascendere al divino; costellazioni rappresentate tramite numerazione astronomica.

Grazie a questa nuova mostra, la pratica artistica di Kiefer viene ulteriormente esplorata attraverso la pittura, evidenziando considerazioni centrali per la sua poetica, come il rapporto tra uomo e natura; o riferimenti alla storia del pensiero e alla filosofia occidentale. I visitatori possono passare attraverso lo spazio delle “torri” e sperimentare nuove opere, esplorando nuove prospettive nate dal dialogo tra i dipinti e l’installazione.

L’artista
Anselm Kiefer è nato a Donaueschingen in Germania nel 1945. Dopo aver studiato legge e letteratura, si è dedicato all’arte. Le sue prime opere, create nella seconda metà degli anni ’60, sono influenzate dal gesto e dall’opera dell’artista Joseph Beuys. Tra il 1993 e il 2007 Anselm Kiefer si trasferì a Barjac, nel sud della Francia, dove trasformò una fabbrica di seta di 350.000 metri quadrati nel suo studio di casa. Oggi vive e lavora a Croissy e Parigi, ma molte delle sue grandi installazioni sono ancora conservate a Barjac, in una sorta di museo personale e opera d’arte totale.

In tutto il suo lavoro, Kiefer discute con il passato e affronta tabù e questioni controverse della storia recente. Temi del dominio nazista si riflettono in particolare nel suo lavoro; ad esempio, il dipinto “Margarethe” (olio e paglia su tela) è stato ispirato dal noto poema di Paul Celan “Todesfuge” (“Death Fugue”).

Le sue opere sono caratterizzate da una volontà irrefrenabile di confrontarsi con il passato oscuro della sua cultura e il potenziale non realizzato, in opere che sono spesso realizzate su larga scala, conflittuale e ben adatta ai soggetti. È anche caratteristico del suo lavoro trovare firme e / o nomi di persone di importanza storica, figure leggendarie o luoghi storici. Tutti questi sono sigilli codificati attraverso i quali Kiefer cerca di elaborare il passato; questo ha portato il suo lavoro ad essere collegato ai movimenti Nuovo Simbolismo e Neoespressionismo.

Processo artistico
In generale, Kiefer attribuisce alla mitologia tradizionale, ai libri e alle biblioteche i suoi principali argomenti e fonti di ispirazione. Durante i suoi anni centrali, la sua ispirazione proveniva da figure letterarie, vale a dire Paul Celan e Ingeborg Bachmann. Le sue opere successive incorporano temi di culture giudeo-cristiane, antiche egiziane e orientali, che combina con altri motivi. Cosmogony è anche un grande focus nelle sue opere. In tutto, Kiefer cerca il significato dell’esistenza e “rappresentazione dell’incomprensibile e del non rappresentativo”

Filosofia
Kiefer apprezza una “connessione spirituale” con i materiali con cui lavora, “estraendo lo spirito che già vive dentro”. In tal modo, trasforma i suoi materiali con bagni acidi e colpi fisici con bastoni e asce, tra gli altri processi.

Spesso sceglie materiali per le loro proprietà alchemiche, in particolare il piombo. L’attrazione iniziale di Kiefer per il piombo sorse quando dovette riparare tubi vecchi nella prima casa che possedeva. Alla fine, è arrivato ad ammirare le sue qualità fisiche e sensoriali e ha iniziato a scoprire di più sulla sua connessione con l’alchimia. Fisicamente, a Kiefer piace in particolare l’aspetto del metallo durante il processo di riscaldamento e fusione quando vede molti colori, in particolare l’oro, che associa all’oro simbolico ricercato dagli alchimisti.

L’uso di paglia di Kiefer nel suo lavoro rappresenta energia. Afferma che ciò è dovuto alle qualità fisiche della paglia, tra cui il colore dell’oro e il suo rilascio di energia e calore quando viene bruciato. La cenere risultante lascia il posto a una nuova creazione, riecheggiando così i motivi della trasformazione e il ciclo della vita.

Kiefer apprezza anche l’equilibrio tra ordine e caos nel suo lavoro, affermando: “se c’è troppo ordine, [il pezzo] è morto; o se c’è molto caos, non è coerente”. Inoltre, si preoccupa profondamente dello spazio in cui risiedono le sue opere. Afferma che le sue opere “perdono completamente il loro potere” se messe negli spazi sbagliati.

Stile e materiali
Formalmente, il lavoro di Kiefer è monumentale e figurato (“Senza un oggetto non farei comunque una foto”). Il suo colore preferito è il grigio, il “colore del dubbio”. il contenuto testimonia il lavoro di una “continuazione della pittura di storia” e di uno “studio intensivo delle collezioni culturali”. I critici d’arte americana lo collocano nella tradizione della pittura di paesaggio romantica di Caspar David Friedrich.

Kiefer valuta scetticamente il “processo di lavoro classico del pittore, con un’idea, un quaderno di schizzi, un’esecuzione”, che non ha; “Perché per questo avrei dovuto assumere il risultato desiderato, e non mi interessa.” “Vedo i miei quadri come rovine o come blocchi che possono essere messi insieme. Sono materiali con cui puoi costruire qualcosa, ma non sono perfetti. Sono più vicini al nulla che alla perfezione.” Le opere umane sono raramente rappresentate in le sue opere, quando appaiono come “icone, simboli ancorati alla storia culturale delle persone” o come autoritratti. Argomenti e argomenti ricorrenti sono miti, libri e biblioteche tradizionali. Ha concordato con un intervistatore che il suo lavoro si è svolto “nell’interazione tra mitologia e rapporto”. Era un “artista degli inferi” (“Sono un artista degli inferi”), è una delle sue più giovani auto-caratterizzazioni. Armin Zwei comprende la pittura di Kiefer come un’interpretazione del mondo, non come una visualizzazione della percezione soggettiva, ma come un’interpretazione del mondo, “appropriazione dell’incomprensibile”.

Pochi artisti contemporanei hanno un senso così forte dell’obbligo dell’arte di affrontare le questioni etiche e passate del presente. Alla fine degli anni ’80, in un “Art Talk” ha rivendicato la responsabilità per l’arte come segue: “Credo che l’arte debba assumersi la responsabilità, ma non dovrebbe smettere di essere arte. Il mio contenuto potrebbe non essere contemporaneo, ma potrebbe essere politico. “Come afferma lo storico dell’arte Werner Spies, Kiefer, come solo Gerhard Richter,” ha posto fine alla soppressione di nomi, termini e topografie “. L’artista svizzera Andrea Lauterwein ha definito un “pictor doctus” (dotto pittore) nella sua tesi su Kiefer e Paul Celan, un pittore che si basava su ampi riferimenti filosofici e letterari e il cui dialogo con il poeta Celan era incorporato nel suo lavoro come leitmotiv.

Attraverso l’accoglienza della poesia di Celan, aveva spezzato il cerchio di fascino e disgusto di fronte alla fantasmagoria nazionalsocialista ed era anche in grado di visualizzare la visione ebraica dell’Olocausto e della Shoa. Lo storico dell’arte londinese Norman Rosenthal scrive dell’effetto delle immagini di Kiefer: “Potrebbero causare dolore ai tedeschi, ma è ammirato all’estero perché ha creato opere complesse durante il periodo di Hitler, incluso l’ebraismo”. Questo tedesco ha avuto un vero rapporto con la propria cultura, con Beethoven, Heine, Goethe o Wagner, e riunisce “il terribile e il bello del suo paese in grande stile”. Lo storico dell’arte francese Daniel Arasse sottolinea che l’umorismo, l’ironia e il ridicolo sono “una dimensione costitutiva” del suo lavoro, che a volte gli consente di “rompere i divieti”.

Oltre al poeta Paul Celan, Kiefer è stato anche ispirato da Ingeborg Bachmann a importanti opere. Le foto Bohemia is by the Sea (1995 e 1996) hanno il titolo di una poesia di Bachmann. Il suo verso “Chiunque cade ha le ali” è anche in uno dei suoi successivi dipinti di Barjac.

Mentre il primo periodo creativo di Kiefer è stato determinato da un esame quasi ossessivo della storia e della cultura tedesche, oltre alla Gnosi e al misticismo ebraico (Kabbalah), le mitologie e le cosmogonie egiziane e orientali antiche sono state aggiunte come nuove fonti di ispirazione nelle sue successive fasi di lavoro, senza i vecchi argomenti scompaiono completamente.

Le sue opere sono caratterizzate dal materiale arcaico: oltre al piombo dominante, ci sono ceneri, paglia, girasoli, ciocche di capelli, sabbia, argilla, legno bruciato, scarti di tessuto, che spesso vengono applicati in strati sovrapposti. Kiefer è un “amico del piombo”, come ammette se stesso: “Il piombo mi influenza più di qualsiasi altro metal”. Ha formulato il suo credo nel paradosso: “Nascondo la materia spogliandola”.

Oltre alla sua preferenza per i materiali non convenzionali, il pensiero di Beuys è strettamente legato ai parallelismi percepiti da Kiefer tra i ruoli dell’alchimista e dell’artista, quest’ultimo dei quali converte materia prima e tela in significati simbolici.

Chiunque provi a supervisionare e organizzare l’intero lavoro di Kiefers finora si imbatterà sempre nel fatto che l’artista nomina diverse opere e gruppi di opere create in tempi diversi con gli stessi titoli, nelle parole Jürgen Hohmeyer, ex editore culturale di Spiegel , è per Kiefer “Titolo pratica comune di riciclaggio”. Ne sono un esempio le sue numerose opere, i gruppi di opere e le mostre designate con palazzi celesti o torri di palazzi celesti.

fotografia
Kiefer ha iniziato la sua carriera creando spettacoli e documentandoli in fotografie intitolate Occupations and Heroische Sinnbilder (Heroic Symbols). Vestito con l’uniforme della Wehrmacht di suo padre, Kiefer imitava il saluto nazista in varie località in Francia, Svizzera e Italia. Chiese ai tedeschi di ricordare e riconoscere la perdita della loro cultura attraverso la folle xenofobia del Terzo Reich. Nel 1969, alla Galerie am Kaiserplatz di Karlsruhe, presentò la sua prima mostra singola “Besetzungen (Occupations)” con una serie di fotografie di controverse azioni politiche.

Pittura e scultura
Kiefer è noto soprattutto per i suoi dipinti, che sono diventati sempre più grandi con l’aggiunta di piombo, vetri rotti e fiori o piante essiccati. Ciò si traduce in superfici incrostate e strati spessi di impasto.

Nel 1970, mentre studiava in modo informale con Joseph Beuys alla Kunstakademie di Düsseldorf, le sue tendenze stilistiche assomigliavano all’approccio di Georg Baselitz. Ha lavorato con parti in vetro, paglia, legno e piante. L’uso di questi materiali significa che le sue opere d’arte diventano temporanee e fragili, come lo stesso Kiefer era ben consapevole; voleva anche mostrare i materiali in modo tale che non fossero mascherati e potessero essere rappresentati nella loro forma naturale. La fragilità del suo lavoro è in contrasto con la materia severa nei suoi dipinti. Questo uso di materiali familiari per esprimere idee è stato influenzato da Beuys, che ha usato il grasso e la moquette nei suoi lavori. È anche tipico dello stile neo-espressionista.

Kiefer tornò nell’area della sua città natale nel 1971. Negli anni seguenti, incorporò la mitologia tedesca in particolare nel suo lavoro, e nel decennio successivo studiò la Kabbalah, così come i cabalisti come Robert Fludd. Ha fatto lunghi viaggi in Europa, negli Stati Uniti e in Medio Oriente; gli ultimi due viaggi influenzarono ulteriormente il suo lavoro. Oltre ai dipinti, Kiefer ha creato sculture, acquerelli, fotografie e xilografie, utilizzando in particolare intagli di legno per creare un repertorio di figure che avrebbe potuto riutilizzare ripetutamente su tutti i media nei decenni successivi, conferendo alla sua opera la sua coerenza tematica.

Durante gli anni ’70 e l’inizio degli anni ’80, Kiefer realizzò numerosi dipinti, acquerelli, xilografie e libri su temi interpretati da Richard Wagner nel suo ciclo di quattro opere Der Ring des Nibelungen (L’anello del Nibelungo).

All’inizio degli anni ’80, ha creato più di trenta dipinti, fotografie dipinte e acquerelli che rimandano nei loro titoli e iscrizioni alla poesia dello scrittore ebreo rumeno Paul Celan “Todesfuge” (“Death Fugue”).

Una serie di dipinti eseguiti da Kiefer tra il 1980 e il 1983 raffigurano incombenti edifici in pietra, riferendosi a famosi esempi di architettura nazionalsocialista, in particolare gli edifici progettati da Albert Speer e Wilhelm Kreis. La grande piazza di To the Unknown Painter (1983) si riferisce in particolare al cortile esterno della Cancelleria di Hitler a Berlino, progettato da Speer nel 1938 in onore del Milite Ignoto. Nel 1984-85, ha realizzato una serie di lavori su carta che incorporano fotografie manipolate in bianco e nero di paesaggi desolati con pali e linee elettriche. Tali lavori, come Heavy Cloud (1985), furono una risposta indiretta alla controversia nella Germania occidentale nei primi anni ’80 circa il posizionamento della NATO di missili nucleari tattici sul suolo tedesco e il posizionamento di impianti di trattamento del combustibile nucleare.

A metà degli anni ’80, i temi di Kiefer si estesero dall’attenzione rivolta al ruolo della Germania nella civiltà al destino dell’arte e della cultura in generale. Il suo lavoro divenne più scultoreo e coinvolse non solo l’identità nazionale e la memoria collettiva, ma anche simbolismo occulto, teologia e misticismo. Il tema di tutto il lavoro è il trauma vissuto da intere società e la continua rinascita e rinnovamento nella vita. Durante gli anni ’80 i suoi dipinti divennero più fisici e presentavano trame e materiali insoliti. La gamma dei suoi temi si è ampliata per includere riferimenti all’antica storia ebraica ed egiziana, come nel grande dipinto Osiride e Iside (1985-1987). I suoi dipinti degli anni ’90, in particolare, esplorano i miti universali dell’esistenza e del significato piuttosto che quelli dell’identità nazionale. Dal 1995 al 2001, ha prodotto un ciclo di grandi dipinti del cosmo. Ha anche iniziato a dedicarsi alla scultura, sebbene il piombo rimanga ancora il suo mezzo preferito.

Nel corso degli anni Kiefer ha realizzato molte opere insolite, ma un’opera spicca tra le altre in quanto particolarmente bizzarra: quella opera è il suo pezzo di 20 anni di solitudine. Impiegando oltre 20 anni per la creazione (1971-1991), 20 Years of Solitude è una pila alta fino al soffitto di centinaia di libri e libri fatti a mano dipinti di bianco, cosparsi di terra e vegetazione secca, le cui pagine sono macchiate con il seme dell’artista. La parola solitudine nel titolo fa riferimento agli artisti che si masturbano frequentemente sulla carta durante i 20 anni necessari per creare. Ha chiesto al critico d’arte americano Peter Schjeldahl di scrivere un testo per un catalogo dei libri sulla masturbazione. Schjeldahl tentò di obbligare, ma alla fine fallì nel suo sforzo. Nessun altro critico avrebbe accettato il compito, quindi il lavoro è in gran parte svanito nell’oscurità.

Avrebbe scioccato ancora una volta il mondo dell’arte a una cena nel maggio del 1993. Kiefer e la sua seconda moglie, Renate Graf, decorarono un loft commerciale a lume di candela a New York con mussola bianca, tappezzarono il pavimento con sabbia bianca e lo riempirono di camerieri vestito da mimo con la faccia bianca. A una manciata di élite del mondo dell’arte, come artisti del calibro di Sherrie Levine, sono stati serviti diversi corsi di carni di organi arcani, come il pancreas, che erano principalmente di colore bianco. Non sorprende che gli ospiti non abbiano trovato il pasto particolarmente appetitoso.

Dal 2002 Kiefer ha lavorato con il cemento, creando le torri destinate ai magazzini Pirelli di Milano, la serie di omaggi a Velimir Khlebnikov (dipinti sul mare, con barche e una serie di oggetti di piombo, 2004-5), un ritorno a l’opera di Paul Celan con una serie di dipinti con motivi runici (2004-2006) e altre sculture. Nel 2003, ha tenuto la sua prima mostra personale alla Galerie Thaddaeus Ropac, Villa Katz a Salisburgo, Anselm Kiefer: Am Anfang, dedicato a una serie di nuove opere, incentrato sui temi ricorrenti della storia e dei miti.

Nel 2005 ha tenuto la sua seconda mostra nella location di Salisburgo della Galerie Thaddaeus Ropac, Für Paul Celan, incentrata sulla preoccupazione di Kiefer per il libro, collegando i riferimenti alla mitologia germanica con la poesia di Paul Celan, un ebreo di lingua tedesca di Czernowitz. La mostra comprendeva undici opere su tela, una serie di libri rilegati esposti in teche e cinque sculture, tra cui una potente e monumentale scultura all’aperto in cemento armato ed elementi di piombo, due pile di libri di piombo combinati con girasoli di bronzo, navi di piombo e zeppe e due monumentali libri di piombo della serie The Secret Life of Plants. La mostra è andata in tournée alla Galerie Thaddaeus Ropac, Parigi e alla Galerie Yvon Lambert, Parigi, l’anno successivo.

Nel 2006, la mostra di Kiefer, Velimir Chlebnikov, è stata presentata per la prima volta in un piccolo studio vicino a Barjac, poi si è trasferita al White Cube a Londra, per poi finire all’Aldrich Contemporary Art Museum nel Connecticut. L’opera consiste in 30 grandi dipinti (2 x 3 metri), appesi in due sponde di 15 su pareti di fronte di un edificio in acciaio ondulato espressamente costruito che imita lo studio in cui sono stati creati. L’opera si riferisce alle eccentriche teorie del filosofo / poeta futurista russo Velimir Chlebnikov, che inventò un “linguaggio del futuro” chiamato “Zaum” e postulò che le battaglie cataclismiche del mare cambiano il corso della storia una volta ogni 317 anni. Nei suoi dipinti, le navi da guerra simili a giocattoli di Kiefer – deforme, malandate, arrugginite e appese a fili intrecciati – sono gettate da onde di vernice e gesso. Le note di colore ricorrenti dell’opera sono nero, bianco, grigio e ruggine; e le loro superfici sono ruvide e ricoperte di vernice, intonaco, fango e argilla.

Nel 2007, è diventato il primo artista a essere incaricato di installare un’opera permanente al Louvre, a Parigi, da Georges Braque circa 50 anni prima. Lo stesso anno inaugura la serie di mostre Monumenta al Grand Palais di Parigi, con opere che rendono omaggio ai poeti Paul Celan e Ingeborg Bachmann.

Nel 2009 Kiefer ha allestito due mostre alla galleria White Cube di Londra. Una serie di dittici e trittici di foresta racchiusi in vetrine di vetro, molti pieni di dense spine marocchine, è stata intitolata Karfunkelfee, un termine del romanticismo tedesco derivante da una poesia dello scrittore austriaco postbellico Ingeborg Bachmann. In The Fertile Crescent, Kiefer ha presentato un gruppo di dipinti epici ispirati a un viaggio in India quindici anni prima, dove ha incontrato per la prima volta fabbriche di mattoni rurali. Nell’ultimo decennio, le fotografie che Kiefer ha scattato in India “riverberavano” nella sua mente per suggerire una vasta gamma di riferimenti culturali e storici, che vanno dalla prima civiltà umana della Mesopotamia alle rovine della Germania all’indomani della seconda guerra mondiale , dove ha giocato da ragazzo. “Chiunque sia alla ricerca di una risonante meditazione sull’instabilità della grandiosità costruita”, ha scritto lo storico Simon Schama nel suo saggio di catalogo, “farebbe bene a guardare duramente The Fertile Crescent di Kiefer”.

Nel piano Morgenthau (2012), la galleria è piena di una scultura di un campo di grano dorato, racchiusa in una gabbia d’acciaio alta cinque metri. Nello stesso anno, Kiefer ha inaugurato lo spazio della galleria della Galerie Thaddaeus Ropac a Pantin, con una mostra di nuove monumentali opere, Die Ungeborenen. La mostra è stata accompagnata da una pubblicazione con una lettera di Anselm Kiefer e saggi di Alexander Kluge ed Emmanuel Daydé. Continua a essere rappresentato dalla galleria e partecipa a mostre collettive e personali nelle loro varie sedi.

Libri
Nel 1969 Kiefer iniziò a progettare libri. I primi esempi sono in genere fotografie elaborate; i suoi libri più recenti consistono in fogli di piombo stratificati con vernice, minerali o sostanze vegetali secche. Ad esempio, ha raccolto numerosi libri di piombo su scaffali d’acciaio nelle biblioteche, come simboli della conoscenza archiviata e scartata della storia. Il libro Reno (1981) comprende una sequenza di 25 xilografie che suggeriscono un viaggio lungo il fiume Reno; il fiume è al centro dello sviluppo geografico e storico della Germania, acquisendo un significato quasi mitico in opere come l’Anello dei Nibelunghi di Wagner. Le scene del fiume incontaminato sono interrotte da pagine oscure e vorticose che rappresentano l’affondamento della corazzata Bismarck nel 1941, durante una sortita atlantica denominata in codice esercitazione sul Reno.

Studios
Il primo grande studio di Kiefer si trovava nella soffitta della sua casa, una ex scuola di Hornbach. Anni dopo ha installato il suo studio in una fabbrica a Buchen, vicino a Hornbach. Nel 1988, Kiefer trasformò una ex fabbrica di mattoni a Höpfingen (anche vicino a Buchen) in una vasta opera d’arte che comprendeva numerose installazioni e sculture. Nel 1991, dopo vent’anni di lavoro nell’Odenwald, l’artista lasciò la Germania per viaggiare per il mondo – in India, Messico, Giappone, Tailandia, Indonesia, Australia e Stati Uniti. Nel 1992 si stabilì a Barjac, in Francia, dove trasformò il suo complesso studio di 35 ettari La Ribaute in un Gesamtkunstwerk. Una fabbrica di seta abbandonata, il suo studio è enorme e per molti versi è un commento sull’industrializzazione. Ha creato un vasto sistema di edifici in vetro, archivi, installazioni, magazzini per materiali e dipinti, camere sotterranee e corridoi.

Sophie Fiennes ha filmato il complesso studio di Kiefer a Barjac per il suo studio documentario, Over Your Cities Grass Will Grow (2010), che ha registrato sia l’ambiente che l’artista al lavoro. Un critico ha scritto del film: “Costruendo quasi da zero in una fabbrica di seta abbandonata, Kiefer ha ideato un progetto artistico che si estende su acri: chilometri di corridoi, enormi spazi studio con ambiziosi dipinti di paesaggi e sculture che corrispondono a costruzioni monumentali circostanti boschi e serpenti scavati labirinti con grandi colonne terrose che ricordano stalagmiti o tumuli di termiti. In nessun luogo è chiaro dove si trovi definitivamente il prodotto finito; forse è tutto in corso di elaborazione, un monumentale organismo di concept art. ”

Durante il 2008, Kiefer ha lasciato il suo complesso di studi al Barjac e si è trasferito a Parigi. Una flotta di 110 camion trasportava il suo lavoro in un magazzino di 3.300 m2 a Croissy-Beaubourg, fuori Parigi, che un tempo era stato il deposito del grande magazzino La Samaritaine. Un giornalista ha scritto del complesso di studi abbandonato di Kiefer: “Ha lasciato alle spalle la grande opera di Barjac – l’arte e gli edifici. Un custode se ne prende cura. Disabitato, attende tranquillamente che la natura prenda il sopravvento, perché, come sappiamo, sulle nostre città l’erba crescerà. Kiefer ha trascorso l’estate del 2019 a vivere e lavorare al Barjac. ”

Ricezione
Secondo il critico d’arte Jürgen Hohmeyer, “nessun altro artista contemporaneo ha provato bagni così alternati di totale verdetto e adorazione” come Kiefer.

All’inizio degli anni ’80, una parte considerevole della critica d’arte tedesca nei confronti di Kiefer era “estremamente negativa, persino denigratoria”; la sua “empatia apparentemente affermativa per gesti e simboli fascisti” lo rendeva estremamente impopolare. L’ambigua gestione di Kiefer del passato tedesco ha fatto dimenticare ai critici gli “aspetti ironici, provocatori e sovversivi del suo lavoro”. Werner Spies lo inseguì nel 1980 nella Frankfurter Allgemeine Zeitung come “overdose di Teutschem”. Petra Kipphoff ha rimproverato il suo “gioco con irrazionalismo e brutalità” nello ZEIT.

Un esame scientifico del pino è iniziato solo nella seconda metà degli anni ’80. Il crescente riconoscimento del suo lavoro all’estero ha contribuito a questo. La retrospettiva del 1984 per la Kunsthalle di Düsseldorf andò a Parigi e in Israele nello stesso anno. Ha ricevuto una risposta polifonica positiva dal pubblico israeliano. Ma fu solo con la mostra itinerante 1987-1989 negli Stati Uniti e le recensioni enfatiche dall’estero che, secondo il commento di Spiegel, “erano sensazionalmente sproporzionati rispetto alle prenotazioni in casa”, il suo lavoro ricevette il dovuto riconoscimento in Germania. L’influente critico d’arte anglosassone Robert Hugh lo definì il “miglior pittore della sua generazione su entrambe le sponde dell’Atlantico”. Anche allora, Werner Spies sospettava che il pubblico americano-ebreo fosse “un’attrazione masochistica non rilevata a causa della pericolosità e della bellezza dell’oscurità e del fuoco, che è così concretamente mostrato nelle immagini”.

Dopo la consegna del prestigioso Premio Wolf dell’estate 1990, la correttezza politica della sua arte, rappresentata dai discendenti delle vittime dalla Knesset di Gerusalemme, era stata confermata, facendo tacere tali accuse. Meno di 20 anni dopo (2008), uno dei suoi ex critici più duri, Werner Spies, tenne il discorso elogiativo alla cerimonia di premiazione del Premio per la pace del commercio tedesco a Kiefer. In occasione della retrospettiva al Centre Pompidou 2015–2016 a Parigi, la forma del “lutto artistico”, particolarmente apprezzata in Francia, è stata nuovamente criticata.

Premiato con numerosi premi e onorificenze, Kiefer è oggi uno dei più importanti artisti contemporanei al mondo. È stato tra i primi dieci nella bussola artistica dei 100 artisti contemporanei più ricercati in tutto il mondo per anni; Nel 2015 si è classificato al 6 ° posto.

La mostra
Le sette torri – del peso di 90 tonnellate ciascuna e di altezza variabile tra 14 e 18 metri – sono realizzate in cemento armato utilizzando moduli angolari di container per il trasporto di merci come elementi di costruzione. Anselm Kiefer ha inserito libri di piombo e zeppe tra i vari piani di ogni torre, che, comprimendo sotto il peso del calcestruzzo, garantiscono meglio la natura statica delle strutture. Per l’artista, l’uso di questo metallo ha non solo un valore funzionale, ma anche simbolico: il piombo, infatti, è considerato nella tradizione come una questione di malinconia. I Seven Heavenly Palacesthey rappresentano un punto di arrivo dell’intera opera dell’artista e sintetizzano i suoi temi principali proiettandoli in una nuova dimensione fuori dal tempo: l’interpretazione dell’antica religione ebraica; la rappresentazione delle rovine dell’Occidente dopo la seconda guerra mondiale; la proiezione in un possibile futuro da cui l’artista ci invita a guardare il nostro presente.

Da settembre 2015, cinque grandi tele, create tra il 2009 e il 2013, arricchiscono ed espandono l’installazione permanente di Anselm Kiefer. Il riarrangiamento, a cura di Vicente Todolí, ripensa e dà un nuovo significato al lavoro dell’artista. Le cinque grandi tele – Jaipur (2009); due opere tratte dalla serie oscura di Cette qui tombe des étoiles (2011); Alchemie (2012); Die Deutsche Heilslinie (2012-2013) – sono esposti nello spazio della Navata che ospita l’installazione permanente, dando un nuovo significato al capolavoro di Anselm Kiefer. Le opere pittoriche formano, insieme alle “torri”, un’unica installazione – intitolata I Sette Palazzi Celesti 2004–2015 – che affronta temi già presenti nell’opera site specific – le grandi costruzioni architettoniche del passato come un tentativo dell’uomo di ascendere al divino e alle costellazioni rappresentate attraverso la numerazione astronomica – e anche aggiungere alcune riflessioni centrali nella poetica dell’artista, come il rapporto tra uomo e natura, riferimenti alla storia del pensiero e della filosofia occidentali.

Sefiroth
La prima delle sette torri da creare, “Sefiroth” è anche la più corta (14 metri). La torre culmina con una pila di sette libri di piombo e presenta luci al neon che formano i nomi ebraici di Sefiroth, visti in Cabala come rappresentazioni delle espressioni e degli strumenti di Dio e che formano il materiale stesso della creazione: Kether (corona), Chochmah (saggezza ), Binah (comprensione), Chessed (amorevole benignità), Geburah (forza), Tiffereth (bellezza o maestà), Netzach (eternità o vittoria), Hod (splendore), Yesod (fondazione), Malkut (regno) e Daad ( comprensione e saggezza).

Malinconia
“Melancholia” si distingue soprattutto per il completamento dell’ultima copertura, un poliedro tratto dall’incisione omonima creata nel 1514 da Albrecht Dürer, che divenne una delle immagini allegoriche più famose dell’artista. Gli artisti sono stati definiti “quelli nati sotto Saturno”, poiché la gente credeva che il pianeta della malinconia rappresentasse il carattere contemplativo e ambivalente dell’artista.

Alla base della torre ci sono le cosiddette “stelle cadenti”, piccoli fogli di vetro e strisce di carta contrassegnate con serie alfanumeriche che corrispondono alla classificazione della NASA dei corpi celesti.

Ararat
“Ararat” prende il nome dalla montagna in Asia Minore dove, secondo la tradizione biblica, l’arca di Noè finalmente si fermò. L’arca è rappresentata da un piccolo modello in piombo presente nella parte superiore della torre, che simboleggia un veicolo di pace e salvezza, ma anche una nave da guerra, e quindi un veicolo di distruzione e desolazione.

Linee del campo magnetico
La torre più imponente dell’intera installazione è alta 18 metri ed è caratterizzata da una serie di film di piombo che la percorrono fino in fondo, raggiungendo infine la base e adagiando accanto a una bobina di pellicola vuota e una videocamera realizzata con lo stesso materiale.

La scelta del piombo, un materiale attraverso il quale la luce non può passare (e quindi impedisce la produzione di immagini), può essere interpretata in diversi modi: dal tentativo nazista di cancellare la cultura ebraica e le minoranze etniche, alla battaglia iconoclasta che periodicamente attraversa Cultura occidentale, fino all’era bizantina fino all’era luterana e alla concezione, spesso citata da Kiefer, che “ogni opera d’arte annulla quelle che la precedono”.

JH & WH
Queste due torri sono disseminate alla base di meteoriti che sono state numerate con piombo fuso in forme irregolari, a simboleggiare il mito della creazione presentato in diversi testi di Cabala. Le due torri sono ugualmente complementari alle loro corone, culminando con la scrittura in luce al neon che descrivono rispettivamente le lettere “JH” e “WH” che, quando unite secondo le regole della fonetica ebraica, formano il mondo “Yahweh”, un termine imprecisabile in la tradizione ebraica.

Torre delle immagini che cadono
La “Torre dei Quadri Cadenti” deve ancora una volta il suo nome agli oggetti presenti dall’alto alla base della costruzione: una serie di cornici in legno e piombo contenenti spesse lastre di vetro, molte delle quali sono state rotte a intervalli irregolari. Sorprendentemente i frame non visualizzano alcuna immagine. Ancora una volta, Anselm Kiefer affronta il tema delle immagini mancanti e i suoi possibili riferimenti incrociati multipli.

Jaipur
Il titolo di questo dipinto è tratto da Jaipur, una città visitata da Kiefer durante i suoi numerosi viaggi in India. La tela raffigura un paesaggio notturno: nella parte inferiore l’artista ha dipinto una struttura architettonica che ricorda allo spettatore una piramide rovesciata; sopra, un cielo stellato. Le costellazioni visibili nel cielo, collegate con linee, sono numerate utilizzando il sistema di classificazione della NASA. Da un punto di vista tematico, questa opera d’arte sembra essere quella più strettamente connessa con “I sette palazzi celesti”: la piramide diventa un simbolo del vano tentativo dell’uomo di avvicinarsi al divino.

Cette oscuro clarté qui tombe des étoiles
In questi due dipinti della serie “Cette oscuro clarté qui tombe des étoiles”, Kiefer ritrae un paesaggio desertico, sul quale mette semi di girasole neri – un elemento ricorrente nel lavoro dell’artista. Questi simboleggiano le stelle cadute, nere su bianco, come se fossero stampe negative. Aggiungendo materiali diversi alla superficie del dipinto, l’artista supera il limite tra pittura e scultura, sembrando invitare lo spettatore ad entrare nel suo mondo.

Alchemie
“Alchemie” è composta da due tele affiancate che ritraggono un paesaggio arido e secco in cui la terra appare completamente sterile. Una “pioggia” di semi di girasole è l’unico segno di vita e la speranza di ricrescita. L’elemento che collega le tele è un insieme di bilance contenenti sale su un piatto e semi di girasole sull’altro: simboli opposti di sterilità e fertilità. Queste sono una chiara citazione dell’interesse dell’artista per l’alchimia, una scienza esoterica che mirava a trasformare il piombo in oro e un’allegoria della tensione dell’uomo verso la perfezione e il divino.

Die Deutsche Heilslinie
Il più grande dipinto dell’Hangar Pirelli di Bicocca mostra simbolicamente e letteralmente, come dice il titolo, la storia della salvezza tedesca. Ambientato su una traiettoria arcobaleno che collega terra e cielo e attraversa l’intera superficie, Kiefer trascrive, inserito in un percorso storico-filosofico che va dal pensiero degli Illuministi a Karl Marx, i nomi dei filosofi tedeschi che sostenevano l’idea di salvezza attraverso le azioni di un leader. Alla base del dipinto si trova la figura di un uomo, ritratta da dietro mentre guarda, solitaria e sola, su un paesaggio che fa eco ai dipinti romantici dell’artista Caspar David Friedrich. Tutt’intorno vengono definiti i nomi dei pensatori che hanno sostenuto l’idea che la salvezza possa essere raggiunta attraverso il riconoscimento della propria identità individuale

Pirelli HangarBicocca
Pirelli HangarBicocca, noto anche come HangarBicocca, è uno spazio espositivo dedicato all’arte moderna e contemporanea situato nel quartiere Bicocca di Milano. L’edificio era in origine un impianto industriale dell’azienda AnsaldoBreda, poi acquisito da Pirelli nel 2004 e successivamente convertito in 1.500 metri quadrati di gallerie espositive.

Pirelli HangarBicocca è una fondazione senza scopo di lucro, fondata nel 2004, creata e interamente supportata da Pirelli, che ha trasformato un ex stabilimento industriale di Milano in un’istituzione per la produzione e la promozione dell’arte contemporanea.

Questo dinamico centro di sperimentazione e ricerca copre 15.000 metri quadrati, rendendolo uno dei più grandi spazi espositivi contigui in Europa. Presenta ogni anno importanti mostre personali di artisti italiani e internazionali, con ogni progetto concepito per lavorare in stretta relazione con l’architettura del complesso, ed esplorato in profondità attraverso un calendario di eventi paralleli. L’ammissione allo spazio e agli spettacoli è completamente gratuita e i facilitatori sono a disposizione per aiutare il pubblico a connettersi con l’arte. Dal 2013, Vicente Todolí è il direttore artistico della fondazione.

Il complesso, che un tempo ospitava una fabbrica di locomotive, comprende un’area per servizi pubblici e attività educative e tre spazi espositivi le cui caratteristiche architettoniche originali del XX secolo sono state lasciate ben visibili: Capannone, Navata e Cubo. Oltre al programma espositivo e agli eventi culturali, Pirelli HangarBicocca ospita anche una delle opere site specific più importanti di Anselm Kiefer, “I sette palazzi celesti 2004-2015”, commissionata per l’apertura di Pirelli HangarBicocca.