Concebido y presentado para la apertura de Pirelli HangarBicocca en 2004 por un proyecto de Lia Rumma, la instalación permanente específica para el sitio de Anselm Kiefer, Los Siete Palacios Celestiales, debe su nombre a los Palacios descritos en el antiguo tratado judío Sefer Hechalot, el » Libro de palacios / santuarios «que data del siglo IV-V dC, que cuenta el camino simbólico de iniciación espiritual del que quiere acercarse a la presencia de Dios.

El nombre de la instalación específica del sitio «Los Siete Palacios Celestiales», concebido y presentado para la apertura de Pirelli HangarBicocca en 2004 y basado en un proyecto de Lia Rumma, fue extraído de los palacios descritos en el antiguo tratado hebreo «Sefer Hechalot», el «Libro de palacios / santuarios», que se remonta a los siglos IV y V d. C. El volumen narra el camino simbólico de iniciación espiritual que cualquier persona que quiera acercarse a Dios debe emprender.

Las siete torres, cada una de las cuales pesa 90 toneladas y se eleva a alturas que varían entre 14 y 18 metros, fueron creadas a partir de hormigón armado utilizando los módulos de construcción angular de los contenedores de envío. El artista ha insertado, entre los distintos niveles de cada torre, libros de plomo y cuñas que, al comprimir por debajo del peso del hormigón, garantizan aún más la naturaleza estática de la estructura.

Más que un simple valor funcional, para Kiefer el uso de este metal tiene un significado simbólico: de hecho, el plomo se considera tradicionalmente el material de la melancolía. «Los siete palacios celestiales» representa un punto de llegada para toda la producción artística de Kiefer, sintetizando sus temas principales y proyectándolos en una nueva dimensión atemporal: contienen una interpretación de la antigua religión hebrea; representación de las ruinas de la civilización occidental después de la Segunda Guerra Mundial; y proyecciones hacia un posible futuro a través del cual el artista nos invita a enfrentar el presente.

Cinco grandes lienzos, producidos entre 2009 y 2013, y exhibidos por primera vez, enriquecen y expanden «Los siete palacios celestiales», la instalación permanente de Anselm Kiefer. La exhibición adicional en 2015, comisariada por Vicente Todolí, ha reconsiderado y conferido un nuevo significado a la obra del artista. Estas pinturas forman, junto con las «torres», una única instalación titulada «Los siete palacios celestiales 2004-2015» que aborda temas ya presentes en el trabajo específico del sitio: grandes construcciones arquitectónicas del pasado como el intento del hombre de ascender a lo divino; constelaciones representadas mediante numeración astronómica.

Gracias a esta nueva exhibición, la práctica artística de Kiefer se explora aún más a través de la pintura, destacando consideraciones centrales para su poética, como la relación entre el hombre y la naturaleza; o referencias a la historia del pensamiento y la filosofía occidental. Los visitantes pueden pasar por el espacio de las «torres» y experimentar nuevas obras, explorando nuevas perspectivas nacidas del diálogo entre las pinturas y la instalación.

El artista
Anselm Kiefer nació en Donaueschingen, Alemania, en 1945. Después de estudiar derecho y literatura, se dedicó al arte. Sus primeras obras, creadas en la segunda mitad de la década de 1960, están influenciadas por el gesto y el trabajo del artista Joseph Beuys. Entre 1993 y 2007, Anselm Kiefer se mudó a Barjac, en el sur de Francia, donde transformó una fábrica de seda de 350,000 metros cuadrados en su hogar-estudio. Hoy vive y trabaja en Croissy y París, pero muchas de sus grandes instalaciones aún se conservan en Barjac, en una especie de museo personal y obra de arte total.

En todo su trabajo, Kiefer discute con el pasado y aborda temas tabú y controvertidos de la historia reciente. Los temas del dominio nazi se reflejan particularmente en su trabajo; por ejemplo, la pintura «Margarethe» (óleo y paja sobre lienzo) se inspiró en el conocido poema de Paul Celan «Todesfuge» («Fuga de la muerte»).

Sus obras se caracterizan por una voluntad inquebrantable de confrontar el oscuro pasado de su cultura y el potencial no realizado, en obras que a menudo se realizan en una escala de confrontación grande y adecuada para los sujetos. También es característico de su trabajo encontrar firmas y / o nombres de personas de importancia histórica, figuras legendarias o lugares históricos. Todos estos son sigilos codificados a través de los cuales Kiefer busca procesar el pasado; Esto ha resultado en que su trabajo se vincule con los movimientos Nuevo simbolismo y Neoexpresionismo.

Proceso artístico
En general, Kiefer atribuye la mitología tradicional, los libros y las bibliotecas como sus principales temas y fuentes de inspiración. En sus años intermedios, su inspiración provino de figuras literarias, a saber, Paul Celan e Ingeborg Bachmann. Sus obras posteriores incorporan temas de las culturas judeocristiana, egipcia antigua y oriental, que combina con otros motivos. La cosmogonía también es un gran foco en sus obras. En total, Kiefer busca el significado de la existencia y la «representación de lo incomprensible y lo no representativo»

Filosofía
Kiefer valora una «conexión espiritual» con los materiales con los que trabaja, «extrayendo el espíritu que ya vive dentro». Al hacerlo, transforma sus materiales con baños ácidos y golpes físicos con palos y hachas, entre otros procesos.

A menudo elige materiales por sus propiedades alquímicas, especialmente el plomo. La atracción inicial de Kiefer por el plomo surgió cuando tuvo que reparar tuberías viejas en la primera casa que poseía. Finalmente, llegó a admirar sus cualidades físicas y sensoriales y comenzó a descubrir más sobre su conexión con la alquimia. Físicamente, a Kiefer le gusta específicamente cómo se ve el metal durante el proceso de calentamiento y fusión cuando ve muchos colores, especialmente el oro, que asocia al oro simbólico buscado por los alquimistas.

El uso de la paja de Kiefer en su trabajo representa energía. Afirma que esto se debe a las cualidades físicas de la paja, incluido el color dorado y su liberación de energía y calor cuando se quema. La ceniza resultante da paso a una nueva creación, haciendo eco de los motivos de la transformación y el ciclo de la vida.

Kiefer también valora el equilibrio entre el orden y el caos en su trabajo, afirmando que «si hay demasiado orden, [la pieza] está muerta; o si hay mucho caos, no es coherente». Además, se preocupa profundamente por el espacio en el que residen sus obras. Afirma que sus obras «pierden su poder por completo» si se colocan en los espacios equivocados.

Estilo y materiales
Formalmente, el trabajo de Kiefer es monumental y figurativo («Sin un objeto no haría una imagen de todos modos»). Su color preferido es el gris, el «color de la duda». El contenido es testigo del trabajo de una «continuación de la pintura de historia» y un «estudio intensivo de colecciones culturales». Los críticos de arte estadounidenses lo sitúan en la tradición de la pintura de paisajes románticos de Caspar David Friedrich.

Kiefer evalúa escépticamente el «proceso de trabajo clásico del pintor, con una idea, cuaderno de bocetos, ejecución», que no tiene; «Porque para eso tendría que asumir un resultado deseado, y no estoy interesado en eso». «Veo mis fotos como ruinas, o como bloques de construcción que se pueden juntar. Son materiales con los que puedes construir algo, pero no son perfectos. Están más cerca de nada que de la perfección». Las obras humanas rara vez se representan en sus obras, cuando aparecen como «iconos, símbolos anclados en la historia cultural de las personas» o como autorretratos. Los temas y temas recurrentes son mitos tradicionales, libros y bibliotecas. Estuvo de acuerdo con un entrevistador en que su trabajo tuvo lugar «en la interacción de la mitología y la relación». Él era un «artista del inframundo» («Soy un artista del inframundo»), es una de sus auto caracterizaciones más jóvenes. Armin Zwei entiende la pintura de Kiefer como una interpretación del mundo, no como una visualización de la percepción subjetiva, sino como una interpretación del mundo, «apropiación de lo incomprensible».

Pocos artistas contemporáneos tienen un sentido tan fuerte de la obligación del arte de lidiar con el pasado y los problemas éticos del presente. A fines de la década de 1980, en una «charla de arte», se atribuyó la responsabilidad del arte de la siguiente manera: «Creo que el arte debe asumir la responsabilidad, pero no debe dejar de ser arte. Mi contenido puede no ser contemporáneo, pero puede ser político «. Como afirma el historiador del arte Werner Spies, Kiefer, como solo Gerhard Richter,» puso fin a la supresión de nombres, términos y topografías «. La artista suiza Andrea Lauterwein se caracterizó como un «pictor doctus» (pintor erudito) en su disertación sobre Kiefer y Paul Celan, un pintor basado en amplias referencias filosóficas y literarias y cuyo diálogo con el poeta Celan se incorporó a su trabajo como leitmotif

A través de la recepción de la poesía de Celan, había roto el círculo de fascinación y disgusto frente a la fantasmagoría nacionalsocialista y también pudo visualizar la visión judía del Holocausto y la Shoa. El historiador de arte de Londres, Norman Rosenthal, escribe sobre el efecto de las imágenes de Kiefer: «Pueden causar dolor a los alemanes, pero es admirado en el extranjero porque creó obras complejas durante el período de Hitler, incluido el judaísmo». Este alemán tenía una relación real con su propia cultura, con Beethoven, Heine, Goethe o Wagner, y trae «lo terrible y lo bello de su país de una manera grandiosa». El historiador de arte francés Daniel Arasse enfatiza que el humor, la ironía y el ridículo son «una dimensión constitutiva» de su trabajo, que a veces le permite «romper las prohibiciones».

Además del poeta Paul Celan, Kiefer también se inspiró en Ingeborg Bachmann para obras importantes. Las imágenes Bohemia is by the Sea (1995 y 1996) tienen el título de un poema de Bachmann. Su verso «Todos los que caen tienen alas» también está en una de sus pinturas posteriores de Barjac.

Mientras que el período creativo temprano de Kiefer fue determinado por un examen casi obsesivo de la historia y la cultura alemana, además de la Gnosis y el misticismo judío (Cabalá), se agregaron mitologías y cosmogonías orientales egipcias y antiguas como nuevas fuentes de inspiración en sus fases de trabajo posteriores, sin Los viejos temas desaparecen por completo.

Sus obras se caracterizan por el material arcaico: además del plomo dominante, hay cenizas, paja, girasoles, mechones de pelo, arena, arcilla, madera quemada, restos de tela, que a menudo se aplican en capas superpuestas. Kiefer es un «amigo del plomo», como admite: «El plomo me afecta más que cualquier otro metal». Formuló su credo en la paradoja: «Escondo la materia al desnudarla».

Además de su preferencia por los materiales no convencionales, el pensamiento de Beuys está estrechamente relacionado con los paralelos percibidos por Kiefer entre los roles del alquimista y el artista, el último de los cuales convierte la materia prima y el lienzo en significados simbólicos.

Cualquiera que intente supervisar y organizar todo el trabajo de Kiefers hasta ahora siempre se encontrará con el hecho de que el artista nombra diferentes obras y grupos de obras creadas en diferentes momentos con los mismos títulos, en palabras de Jürgen Hohmeyer, ex editor cultural de Spiegel , es para Kiefer «Título de práctica común de reciclaje». Ejemplares para esto son sus numerosas obras, grupos de obras y exposiciones designadas con palacios celestiales o torres de palacios celestiales.

Fotografía
Kiefer comenzó su carrera creando actuaciones y documentándolas en fotografías tituladas Ocupaciones y Heroische Sinnbilder (Símbolos heroicos). Vestido con el uniforme de la Wehrmacht de su padre, Kiefer imitaba el saludo nazi en varios lugares de Francia, Suiza e Italia. Le pidió a los alemanes que recordaran y reconocieran la pérdida de su cultura a través de la loca xenofobia del Tercer Reich. En 1969, en Galerie am Kaiserplatz, Karlsruhe, presentó su primera exposición individual «Besetzungen (Ocupaciones)» con una serie de fotografías de acciones políticas controvertidas.

Pintura y escultura
Kiefer es mejor conocido por sus pinturas, que han crecido a gran escala con la adición de plomo, vidrios rotos y flores o plantas secas. Esto da como resultado superficies incrustadas y gruesas capas de empaste.

En 1970, mientras estudiaba informalmente con Joseph Beuys en Kunstakademie Düsseldorf, sus inclinaciones estilísticas se parecían al enfoque de Georg Baselitz. Trabajó con vidrio, paja, madera y partes de plantas. El uso de estos materiales significó que sus obras de arte se volvieron temporales y frágiles, como el mismo Kiefer sabía muy bien; También quería mostrar los materiales de tal manera que no estuvieran disfrazados y pudieran representarse en su forma natural. La fragilidad de su trabajo contrasta con el tema crudo en sus pinturas. Este uso de materiales familiares para expresar ideas fue influenciado por Beuys, quien utilizó fieltro de grasa y alfombra en sus obras. También es típico del estilo neoexpresionista.

Kiefer regresó al área de su lugar de nacimiento en 1971. En los años que siguieron, incorporó la mitología alemana en particular en su trabajo, y en la próxima década estudió la Cabalá, así como a Qabalistas como Robert Fludd. Realizó largos viajes por Europa, Estados Unidos y Oriente Medio; Los dos últimos viajes influyeron aún más en su trabajo. Además de las pinturas, Kiefer creó esculturas, acuarelas, fotografías y grabados en madera, utilizando grabados en madera en particular para crear un repertorio de figuras que podría reutilizar repetidamente en todos los medios durante las próximas décadas, dando a su trabajo su coherencia temática.

A lo largo de la década de 1970 y principios de la década de 1980, Kiefer realizó numerosas pinturas, acuarelas, grabados en madera y libros sobre temas interpretados por Richard Wagner en su ciclo de cuatro óperas Der Ring des Nibelungen (El anillo de los Nibelungos).

A principios de la década de 1980, creó más de treinta pinturas, fotografías pintadas y acuarelas que hacen referencia en sus títulos e inscripciones al poema «Todesfuge» («Death Fugue») del escritor judío rumano Paul Celan.

Una serie de pinturas que Kiefer ejecutó entre 1980 y 1983 representan edificios de piedra que se avecinan, en referencia a famosos ejemplos de arquitectura nacionalsocialista, particularmente edificios diseñados por Albert Speer y Wilhelm Kreis. La gran plaza en To the Unknown Painter (1983) se refiere específicamente al patio exterior de la Cancillería de Hitler en Berlín, diseñado por Speer en 1938 en honor del Soldado Desconocido. En 1984-1985, realizó una serie de trabajos en papel que incorporaron fotografías en blanco y negro manipuladas de paisajes desolados con postes y líneas eléctricas. Tales trabajos, como Heavy Cloud (1985), fueron una respuesta indirecta a la controversia en Alemania Occidental a principios de la década de 1980 sobre el estacionamiento de misiles nucleares tácticos de la OTAN en suelo alemán y la colocación de instalaciones de procesamiento de combustible nuclear.

A mediados de la década de 1980, los temas de Kiefer se ampliaron desde un enfoque en el papel de Alemania en la civilización hasta el destino del arte y la cultura en general. Su trabajo se volvió más escultórico e involucró no solo la identidad nacional y la memoria colectiva, sino también el simbolismo oculto, la teología y el misticismo. El tema de todo el trabajo es el trauma experimentado por sociedades enteras y el continuo renacimiento y renovación de la vida. Durante la década de 1980, sus pinturas se volvieron más físicas y presentaban texturas y materiales inusuales. La gama de sus temas se amplió para incluir referencias a la antigua historia hebrea y egipcia, como en la gran pintura Osiris e Isis (1985–87). Sus pinturas de la década de 1990, en particular, exploran los mitos universales de la existencia y el significado en lugar de los de la identidad nacional. De 1995 a 2001, produjo un ciclo de grandes pinturas del cosmos. También comenzó a recurrir a la escultura, aunque el plomo sigue siendo su medio preferido.

A lo largo de los años, Kiefer ha realizado muchos trabajos inusuales, pero uno destaca del resto como particularmente extraño: ese trabajo es su pieza de 20 años de soledad. Tomando más de 20 años para crear (1971-1991), 20 años de soledad es una pila de cientos de libros pintados de blanco y libros hechos a mano, cubiertos de tierra y vegetación seca, cuyas páginas están manchadas con el semen del artista. La palabra soledad en el título hace referencia a la frecuente masturbación de los artistas en el papel durante los 20 años que tardó en crearse. Le pidió al crítico de arte estadounidense Peter Schjeldahl que escribiera un texto para un catálogo de los libros de masturbación. Schjeldahl intentó complacer, pero finalmente fracasó en su empeño. Ningún otro crítico asumiría la tarea, por lo que el trabajo se ha desvanecido en gran medida en la oscuridad.

Sorprendería al mundo del arte una vez más en una cena en mayo de 1993. Kiefer y su segunda esposa, Renate Graf, decoraron un loft comercial a la luz de las velas en Nueva York con muselina blanca, tapizaron el piso con arena blanca y lo atendieron con camareros. vestido como mimos con cara blanca. A un puñado de élite mundial del arte, como Sherrie Levine, se les sirvieron varios platos de vísceras arcanas, como el páncreas, que eran en su mayoría de color blanco. No es sorprendente que los invitados no encontraran la comida particularmente apetitosa.

Desde 2002, Kiefer ha trabajado con hormigón, creando las torres destinadas a los almacenes Pirelli en Milán, la serie de homenajes a Velimir Khlebnikov (pinturas del mar, con barcos y una serie de objetos de plomo, 2004-5), un retorno a el trabajo de Paul Celan con una serie de pinturas con motivos de runas (2004–6) y otras esculturas. En 2003, realizó su primera exposición individual en Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg Villa Katz, Anselm Kiefer: Am Anfang, dedicada a una serie de nuevas obras, centradas en los temas recurrentes de la historia y los mitos.

En 2005, realizó su segunda exposición en la ubicación de Galerie Thaddaeus Ropac en Salzburgo, Für Paul Celan, que se centró en la preocupación de Kiefer con el libro, vinculando referencias a la mitología germánica con la poesía de Paul Celan, un judío de habla alemana de Czernowitz. La exposición contó con once obras sobre lienzo, una serie de libros encuadernados que se muestran en vitrinas y cinco esculturas, incluida una poderosa escultura monumental al aire libre de hormigón armado y elementos de plomo, dos pilas de libros de plomo combinados con girasoles de bronce, barcos de plomo y cuñas , y dos libros monumentales de plomo de la serie La vida secreta de las plantas. La exposición recorrió a Galerie Thaddaeus Ropac, París y Galerie Yvon Lambert, París, al año siguiente.

En 2006, la exposición de Kiefer, Velimir Chlebnikov, se mostró por primera vez en un pequeño estudio cerca de Barjac, luego se mudó a White Cube en Londres, y luego terminó en el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich en Connecticut. El trabajo consiste en 30 pinturas grandes (2 x 3 metros), colgadas en dos bancos de 15 en las paredes enfrentadas de un edificio de acero corrugado expresamente construido que imita el estudio en el que fueron creadas. El trabajo se refiere a las teorías excéntricas del filósofo / poeta futurista ruso Velimir Chlebnikov, quien inventó un «lenguaje del futuro» llamado «Zaum», y quien postuló que las batallas marítimas cataclísmicas cambian el curso de la historia una vez cada 317 años. En sus pinturas, los acorazados como juguetes de Kiefer —deformados, maltratados, oxidados y colgados por alambres retorcidos— se mueven con pintura y olas de yeso. Las notas de color recurrentes del trabajo son negro, blanco, gris y óxido; y sus superficies son rugosas y cubiertas de pintura, yeso, barro y arcilla.

En 2007, se convirtió en el primer artista encargado de instalar una obra permanente en el Louvre, París, desde Georges Braque unos 50 años antes. El mismo año, inauguró la serie de exposiciones Monumenta en el Grand Palais de París, con obras que rinden homenaje especial a los poetas Paul Celan e Ingeborg Bachmann.

En 2009, Kiefer organizó dos exposiciones en la galería White Cube de Londres. Una serie de dípticos y trípticos forestales encerrados en vitrinas de vidrio, muchos llenos de densas espinas marroquíes, se tituló Karfunkelfee, un término del romanticismo alemán derivado de un poema del escritor austríaco de la posguerra Ingeborg Bachmann. En The Fertile Crescent, Kiefer presentó un grupo de pinturas épicas inspiradas en un viaje a la India quince años antes, donde se encontró por primera vez con fábricas de ladrillos rurales. Durante la última década, las fotografías que Kiefer tomó en la India «reverberaron» en su mente al sugerir una amplia gama de referencias culturales e históricas, desde la primera civilización humana de Mesopotamia hasta las ruinas de Alemania después de la Segunda Guerra Mundial. , donde jugaba de niño. «Cualquier persona en busca de una meditación resonante sobre la inestabilidad de la grandeza construida», escribió el historiador Simon Schama en su ensayo de catálogo, «haría bien en mirar detenidamente The Fertile Crescent de Kiefer».

En el Plan Morgenthau (2012), la galería está llena de una escultura de un campo de trigo dorado, encerrada en una jaula de acero de cinco metros de altura. Ese mismo año, Kiefer inauguró el espacio de la galería Galerie Thaddaeus Ropac en Pantin, con una exposición de nuevas obras monumentales, Die Ungeborenen. La exposición estuvo acompañada de una publicación con una carta de Anselm Kiefer y ensayos de Alexander Kluge y Emmanuel Daydé. Sigue estando representado por la galería y participa en exposiciones grupales e individuales en sus diferentes ubicaciones.

Libros
En 1969 Kiefer comenzó a diseñar libros. Los primeros ejemplos son típicamente fotografías trabajadas; Sus libros más recientes consisten en láminas de plomo en capas con pintura, minerales o material vegetal seco. Por ejemplo, reunió numerosos libros de plomo en estantes de acero en bibliotecas, como símbolos del conocimiento almacenado y descartado de la historia. El libro Rhine (1981) comprende una secuencia de 25 grabados en madera que sugieren un viaje a lo largo del río Rhine; El río es fundamental para el desarrollo geográfico e histórico de Alemania, adquiriendo un significado casi mítico en obras como el Anillo de los Nibelungos de Wagner. Las escenas del río virgen se ven interrumpidas por oscuras páginas que representan el hundimiento del acorazado Bismarck en 1941, durante una salida atlántica con el nombre en código del Ejercicio del Rin.

Estudios
El primer estudio grande de Kiefer estaba en el ático de su casa, una antigua escuela en Hornbach. Años después instaló su estudio en una fábrica en Buchen, cerca de Hornbach. En 1988, Kiefer transformó una antigua fábrica de ladrillos en Höpfingen (también cerca de Buchen) en una extensa obra de arte que incluye numerosas instalaciones y esculturas. En 1991, después de veinte años de trabajar en el Odenwald, el artista dejó Alemania para viajar alrededor del mundo: India, México, Japón, Tailandia, Indonesia, Australia y los Estados Unidos. En 1992 se estableció en Barjac, Francia, donde transformó su complejo de estudio de 35 hectáreas La Ribaute en un Gesamtkunstwerk. Una fábrica de seda abandonada, su estudio es enorme y, en muchos sentidos, es un comentario sobre la industrialización. Creó un extenso sistema de edificios de vidrio, archivos, instalaciones, almacenes para materiales y pinturas, cámaras subterráneas y pasillos.

Sophie Fiennes filmó el complejo de estudios de Kiefer en Barjac para su estudio documental, Over Your Cities Grass Will Grow (2010), que grabó tanto el entorno como el artista en el trabajo. Un crítico escribió sobre la película: «Construyendo casi desde cero en una fábrica de seda abandonada, Kiefer ideó un proyecto artístico que se extendía por acres: millas de corredores, enormes espacios de estudio con ambiciosas pinturas de paisajes y esculturas que corresponden a construcciones monumentales en los alrededores. arbolado y laberintos serpentinos excavados con grandes columnas terrenales que se asemejan a estalagmitas o montículos de termitas. En ninguna parte está claro dónde se encuentra definitivamente el producto terminado; quizás todo es trabajo en progreso, un organismo monumental de arte conceptual «.

Durante 2008, Kiefer dejó su complejo de estudios en Barjac y se mudó a París. Una flota de 110 camiones transportó su trabajo a un almacén de 35,000 pies cuadrados (3,300 m2) en Croissy-Beaubourg, en las afueras de París, que alguna vez fue el depósito de los grandes almacenes La Samaritaine. Un periodista escribió sobre el complejo de estudio abandonado de Kiefer: «Dejó atrás el gran trabajo de Barjac: el arte y los edificios. Un cuidador lo cuida. Deshabitado, espera en silencio a que la naturaleza se apodere, porque, como sabemos, sobre nuestras ciudades la hierba crecerá. Kiefer pasó el verano de 2019 viviendo y trabajando en Barjac «.

Recepción
Según el crítico de arte Jürgen Hohmeyer, «ningún otro artista contemporáneo sintió baños tan alternos de veredicto total y adoración» como Kiefer.

A principios de la década de 1980, una parte considerable de la crítica de arte alemana a Kiefer era «extremadamente negativa, incluso despectiva»; su «empatía aparentemente afirmativa por los gestos y símbolos fascistas» lo hizo extremadamente impopular. El manejo ambiguo de Kiefer del pasado alemán hizo que los críticos pasaran por alto los «aspectos irónicos, provocativos y subversivos de su trabajo». Werner Spies lo acusó en 1980 en el Frankfurter Allgemeine Zeitung como una «sobredosis de Teutschem». Petra Kipphoff reprendió su «juego con irracionalismo y brutalidad» en el ZEIT.

Un examen científico del pino solo comenzó en la segunda mitad de la década de 1980. El creciente reconocimiento de su trabajo en el extranjero contribuyó a esto. La retrospectiva de 1984 para el Düsseldorf Kunsthalle fue a París e Israel en el mismo año. Recibió una respuesta polifónica positiva del público israelí. Pero fue solo con la exposición itinerante 1987-1989 en los EE. UU. Y las críticas enfáticas del extranjero que, según el comentario de Spiegel, «fueron sensacionalmente desproporcionadas con respecto a las reservas en el hogar», su trabajo recibió el debido reconocimiento en Alemania. El influyente crítico de arte anglosajón Robert Hughes lo llamó el «mejor pintor de su generación a ambos lados del Atlántico». Incluso entonces, Werner Spies sospechaba de la audiencia judía estadounidense una «atracción masoquista no detectada debido a lo peligroso y la belleza de la oscuridad y las quemaduras, que se muestra tan concretamente en las imágenes».

Después de la mandíbula con la concesión del prestigioso Premio Wolf de verano de 1990, se confirmó la corrección política de su arte, representado por los descendientes de las víctimas por el Knesset de Jerusalén, silenciando tales acusaciones. Menos de 20 años después (2008), uno de sus antiguos críticos más duros, Werner Spies, pronunció el discurso elogioso en la ceremonia de entrega del Premio Alemán de la Paz del Comercio del Libro a Kiefer. Con motivo de la retrospectiva en el Centro Pompidou 2015-2016 en París, la forma de «duelo artístico», que es particularmente apreciada en Francia, fue nuevamente cuestionada de manera crítica.

Galardonado con numerosos premios y honores, Kiefer es ahora uno de los artistas contemporáneos más importantes del mundo. Ha estado entre los diez primeros en la brújula de arte de los 100 artistas contemporáneos más buscados en todo el mundo durante años; En 2015 ocupó el sexto lugar.

La exibición
Las siete torres, que pesan 90 toneladas cada una y que varían en altura entre 14 y 18 metros, están hechas de hormigón armado utilizando módulos angulares de contenedores para el transporte de mercancías como elementos de construcción. Anselm Kiefer ha insertado libros de plomo y cuñas entre los diferentes pisos de cada torre, lo que, al comprimir bajo el peso del concreto, garantiza mejor la naturaleza estática de las estructuras. Para el artista, el uso de este metal no solo tiene un valor funcional, sino también simbólico: el plomo, de hecho, se considera en la tradición como una cuestión de melancolía. Los Siete Palacios Celestiales representan un punto de llegada de toda la obra del artista y resumen sus temas principales al proyectarlos en una nueva dimensión fuera del tiempo: la interpretación de la antigua religión judía; la representación de las ruinas de Occidente después de la Segunda Guerra Mundial; La proyección hacia un posible futuro desde el cual el artista nos invita a mirar nuestro presente.

Desde septiembre de 2015, cinco grandes lienzos, creados entre 2009 y 2013, enriquecen y amplían la instalación permanente de Anselm Kiefer. La reorganización, comisariada por Vicente Todolí, reconsidera y da un nuevo significado a la obra del artista. Los cinco grandes lienzos: Jaipur (2009); dos obras de la serie Cette dark clarté qui tombe des étoiles (2011); Alchemie (2012); Die Deutsche Heilslinie (2012-2013): se exhiben en el espacio del Navate, que alberga la instalación permanente, dando un nuevo significado a la obra maestra de Anselm Kiefer. Las obras pictóricas forman, junto con las «torres», una sola instalación, titulada I Sette Palazzi Celesti 2004–2015, que aborda temas ya presentes en el trabajo específico del sitio, las grandes construcciones arquitectónicas del pasado como un intento del hombre para ascienda a lo divino y a las constelaciones representadas a través de la numeración astronómica, y también agregue algunas reflexiones centrales en la poética del artista, como la relación entre el hombre y la naturaleza, referencias a la historia del pensamiento y la filosofía occidentales.

Sefiroth
La primera de las siete torres que se creará, «Sefiroth» es también la más corta (14 metros). La torre culmina con una pila de siete libros de plomo y presenta luces de neón que forman los nombres hebreos de Sefiroth, vistos en Cabala como representaciones de las expresiones y herramientas de Dios y formando el material de la creación: Kether (corona), Jojmá (sabiduría ), Binah (comprensión), Jesed (bondad amorosa), Geburah (fuerza), Tiffereth (belleza o majestad), Netzach (eternidad o victoria), Hod (esplendor), Yesod (fundación), Malkut (reino) y Daad ( comprensión y sabiduría).

Melancolía
«Melancholia» se distingue sobre todo por la finalización de la última cubierta, un poliedro tomado del grabado del mismo nombre creado en 1514 por Albrecht Dürer, que se convirtió en una de las imágenes alegóricas más famosas del artista. Los artistas se definieron como «los nacidos bajo Saturno», ya que la gente creía que el planeta de la melancolía representaba el carácter contemplativo y ambivalente del artista.

En la base de la torre están las llamadas «estrellas fugaces», pequeñas láminas de vidrio y tiras de papel marcadas con series alfanuméricas que corresponden a la clasificación de los cuerpos celestes de la NASA.

Ararat
«Ararat» lleva el nombre de la montaña en Asia Menor donde, según la tradición bíblica, el arca de Noé finalmente se detuvo. El arca está representada por un pequeño modelo en plomo presente en la parte superior de la torre, que simboliza un vehículo de paz y salvación, pero también un buque de guerra y, por lo tanto, un vehículo de destrucción y desolación.

Líneas de campo magnético
La torre más imponente de toda la instalación tiene 18 metros de altura y se caracteriza por una serie de películas de plomo que se extienden a su alrededor, llegando finalmente a la base y colocadas junto a un rollo de película vacío y una cámara hecha del mismo material.

La elección del plomo, un material a través del cual la luz no puede pasar (y por lo tanto evita la producción de imágenes), puede interpretarse de diferentes maneras: desde el intento nazi de borrar la cultura judía y las minorías étnicas, hasta la batalla iconoclasta que se desarrolla periódicamente La cultura occidental, desde la era bizantina hasta la era luterana y la concepción, a menudo citada por Kiefer, de que «toda obra de arte cancela las que la preceden».

JH y WH
Estas dos torres están diseminadas en la base de meteoritos que han sido numerados con plomo fundido en formas irregulares, simbolizando el mito de la creación presentado en varios textos de Cabala. Las dos torres son igualmente complementarias en sus coronas, culminando con la escritura en luz de neón que detalla respectivamente las letras «JH» y «WH» que, cuando se unen de acuerdo con las reglas de la fonética hebrea, forman el mundo «Yahweh», un término impronunciable en La tradición judía.

Torre de los cuadros que caen
La «Torre dei Quadri Cadenti» debe su nombre una vez más a los objetos presentes desde la parte superior hasta la base de la construcción: una serie de marcos de madera y plomo que contienen gruesas láminas de vidrio, muchas de las cuales se han roto a intervalos irregulares. Sorprendentemente, los marcos no muestran ninguna imagen. Una vez más, Anselm Kiefer trata el tema de las imágenes faltantes y sus referencias cruzadas potencialmente múltiples.

Jaipur
El título de esta pintura está tomado de Jaipur, una ciudad que Kiefer visitó durante sus numerosos viajes por la India. El lienzo retrata un paisaje nocturno: en la sección inferior, el artista ha pintado una estructura arquitectónica que recuerda al espectador una pirámide invertida; arriba, un cielo estrellado. Las constelaciones visibles en el cielo, conectadas con líneas, están numeradas utilizando el sistema de clasificación de la NASA. Desde un punto de vista temático, esta obra de arte parece ser la que está más estrechamente relacionada con «Los siete palacios celestiales»: la pirámide se convierte en un símbolo del vano intento del hombre de acercarse a lo divino.

Cette dark clarté qui tombe des étoiles
En estas dos pinturas de la serie «Cette dark clarté qui tombe des étoiles», Kiefer retrata un paisaje desértico, en el que coloca semillas de girasol negras, un elemento recurrente en la obra del artista. Estos simbolizan estrellas caídas, negras sobre blanco, como si fueran huellas negativas. Al agregar diferentes materiales a la superficie de la pintura, el artista supera el límite entre la pintura y la escultura, y parece invitar al espectador a entrar en su mundo.

Alquimia
«Alchemie» se compone de dos lienzos colocados uno al lado del otro que retratan un paisaje árido y seco en el que la tierra parece completamente estéril. Una «lluvia» de semillas de girasol es el único signo de vida y la esperanza de que vuelva a crecer. El elemento que conecta los lienzos es un conjunto de escalas de equilibrio que contienen sal en un plato y semillas de girasol en el otro: símbolos opuestos de esterilidad y fertilidad. Estas son una cita clara del interés del artista en la alquimia, una ciencia esotérica que tenía como objetivo transformar el plomo en oro, y una alegoría de la tensión del hombre hacia la perfección y lo divino.

Die Deutsche Heilslinie
La pintura más grande en la exhibición de Pirelli HangarBicocca retrata simbólica y literalmente, como lo comunica el título, la historia de la salvación alemana. Ubicado en una trayectoria del arco iris que conecta la tierra y el cielo y cruza toda la superficie, Kiefer transcribe, insertado dentro de un camino histórico-filosófico que va desde el pensamiento de los iluministas hasta Karl Marx, los nombres de los filósofos alemanes que apoyaron la idea de la salvación a través de las acciones. de un líder. En la base de la pintura se encuentra la figura de un hombre, retratado desde atrás mientras mira, solitario y solo, un paisaje que hace eco de las pinturas románticas del artista Caspar David Friedrich. A su alrededor se establecen los nombres de los pensadores que apoyaron la idea de que la salvación se puede lograr a través del reconocimiento de la propia identidad individual.

Hangar PirelliBicocca
Pirelli HangarBicocca, también conocido como HangarBicocca, es un espacio de exhibición dedicado al arte moderno y contemporáneo ubicado en el distrito Bicocca de Milán. El edificio era originalmente una planta industrial de la empresa AnsaldoBreda, luego adquirida por Pirelli en 2004 y posteriormente convertida en 1.500 metros cuadrados de galerías de exhibición.

Pirelli HangarBicocca es una fundación sin fines de lucro, establecida en 2004, creada y totalmente respaldada por Pirelli, que ha convertido una antigua planta industrial en Milán en una institución para producir y promover el arte contemporáneo.

Este dinámico centro de experimentación e investigación cubre 15,000 metros cuadrados, lo que lo convierte en uno de los espacios de exhibición contiguos más grandes de Europa. Presenta importantes exposiciones individuales cada año de artistas italianos e internacionales, con cada proyecto concebido para trabajar en estrecha relación con la arquitectura del complejo, y explorado en profundidad a través de un calendario de eventos paralelos. La entrada al espacio y los espectáculos es completamente gratuita, y los facilitadores están disponibles para ayudar al público a conectarse con el arte. Desde 2013, Vicente Todolí ha sido el director artístico de la fundación.

El complejo, que una vez albergó una fábrica de locomotoras, incluye un área para servicios públicos y actividades educativas, y tres espacios de exhibición cuyas características arquitectónicas originales del siglo XX se han dejado claramente visibles: cobertizo, Navate y Cubo. Además de su programa de exposiciones y eventos culturales, Pirelli HangarBicocca también alberga permanentemente una de las obras más importantes de Anselm Kiefer, «Los siete palacios celestiales 2004-2015», encargada para la inauguración de Pirelli HangarBicocca.