Anselm Kiefer : 7 개의 천궁 2004-2015, 피렐리 격납고

2004 년 피렐리 한가 비 코카의 개통을 위해 제시된 Lia Rumma의 프로젝트 인 Lia Rumma (7 개의 천상의 궁전 인 Anselm Kiefer의 영구 설치)는 “고대 유태인 논문 Sefer Hechalot,” IV-V 세기 AD로 거슬러 올라가는 “궁전 / 성소”는 하나님의 면전에 접근하고자하는 사람의 영적 시작의 상징적 경로를 알려줍니다.

2004 년 Pirelli HangarBicocca의 개통을 위해 계획되고 제시된 Lia Rumma의 프로젝트를 기반으로 한 사이트 별 설치 “The Seven Heavenly Palaces”의 이름은 고대 히브리어 논문 “Sefer Hechalot”에 설명 된 궁전에서 가져 왔습니다. 서기 4 세기에서 5 세기로 거슬러 올라가는“궁전 / 성소”서적은 하나님과 더 가까워지기를 원하는 사람은 누구나 수행해야하는 영적 시작의 상징적 길을 말해줍니다.

무게가 90 톤이고 높이가 14 미터에서 18 미터 사이 인 7 개의 타워는 선적 컨테이너의 각도 구성 모듈을 사용하여 철근 콘크리트로 만들어졌습니다. 작가는 각 타워의 여러 레벨 사이에 콘크리트 책의 무게 아래로 압축하여 구조물의 정적 특성을 추가로 보장하는 리드 북과 쐐기를 삽입했습니다.

단순한 기능적 가치 이상으로 키퍼의 경우이 금속의 사용은 상징적 의미를 지닙니다. 실제로 납은 전통적으로 우울한 물질로 간주됩니다. “세븐 헤븐리 팰리스”는 키퍼의 모든 예술 작품의 도착 지점을 나타내며, 그의 주요 테마를 종합하여 새로운 시대를 초월한 차원으로 투영합니다. 고대 히브리 종교에 대한 해석이 포함되어 있습니다. 제 2 차 세계 대전 후 서구 문명의 폐허 표현; 예술가가 우리에게 현재를 향하도록 초대 할 수있는 미래에 대한 전망.

2009 년부터 2013 년 사이에 처음으로 전시 된 5 개의 대형 캔버스는 Anselm Kiefer의 영구 설치물 인 “The Seven Heavenly Palaces”를 풍부하게하고 확장합니다. Vicente Todolí가 큐 레이션 한 2015 년 추가 전시는 작가의 작품에 새로운 의미를 부여하고 부여했습니다. 이 그림들은 “타워”와 함께 “특별한 작업 현장에 이미 존재하는 주제를 다루는”The Seven Heavenly Palaces 2004-2015 “라는 단일 설치물을 형성합니다. 사람이 신에게 올라가려는 과거의 대규모 건축 구조; 천문학적 분자를 통해 표현 된 별자리.

이 새로운 디스플레이 덕분에 키퍼의 예술적 실습은 회화를 통해 더 탐구되며, 인간과 자연의 관계와 같은 시적 중심에 대한 고려 사항을 강조합니다. 또는 사상의 역사와 서구 철학에 대한 언급. 방문객들은 “타워”의 공간을 통과하고 그림과 설치 사이의 대화에서 태어난 새로운 관점을 탐구하면서 새로운 작품을 경험할 수 있습니다.

아티스트
Anselm Kiefer는 1945 년 독일 Donaueschingen에서 태어났습니다. 법과 문학을 공부 한 후 예술에 전념했습니다. 1960 년대 후반에 만들어진 그의 첫 작품은 예술가 Joseph Beuys의 몸짓과 작품의 영향을받습니다. 1993 년에서 2007 년 사이 Anselm Kiefer는 프랑스 남부의 Barjac로 이주하여 350,000 평방 미터 규모의 실크 공장을 홈 스튜디오로 전환했습니다. 오늘날 그는 Croissy와 Paris에서 살고 일하고 있지만 그의 대규모 시설 중 상당수는 여전히 개인 박물관과 예술 작품으로 Barjac에 보관되어 있습니다.

키퍼는 그의 전체 작업에서 과거와 논쟁하고 최근의 역사에서 금기 사항과 논쟁의 여지가있는 문제를 다룬다. 나치 통치의 주제는 특히 그의 작품에 반영되어있다. 예를 들어 “Margarethe”(캔버스의 기름과 짚) 그림은 Paul Celan의 유명한시 “Todesfuge”( “Death Fugue”)에서 영감을 받았습니다.

그의 작품은 종종 자신의 문화의 어두운 과거에 맞서고 자하는 미지의 의지와 실현 불가능한 잠재력을 특징으로한다. 또한 역사적으로 중요한 인물, 전설적인 인물 또는 역사적 장소의 사람들의 서명 및 / 또는 이름을 찾는 것이 그의 작품의 특징입니다. 이들 모두는 키퍼가 과거를 처리하려고 시도하는 인코딩 된시길입니다. 이로 인해 그의 작품은 New Symbolism과 Neo-Expressionism 운동과 관련이 있습니다.

예술적 과정
일반적으로 키퍼는 전통적인 신화, 서적 및 도서관을 그의 주요 주제와 영감의 원천으로 간주합니다. 그의 중년에 그의 영감은 문학적 인물, 즉 Paul Celan과 Ingeborg Bachmann에서 나왔습니다. 그의 후기 작품은 유대 기독교, 고대 이집트 및 동양 문화의 주제를 통합하여 다른 주제와 결합합니다. Cosmogony는 그의 작품에도 큰 관심을두고 있습니다. 키퍼는 존재의 의미와 “이해할 수없는 표현과 표현할 수없는 표현”을 찾는다.

철학
키퍼는 자신이 다루고있는 재료와 “영적 관계”를 소중히 여기며 “이미 존재하는 정신을 발췌”합니다. 그렇게하면서, 그는 다른 과정들 중에서도 산성 욕으로 막대기와 축으로 물리적 타격으로 재료를 변형시킵니다.

그는 종종 자신의 연금술 특성을위한 재료, 특히 납을 선택합니다. 키퍼의 첫 번째 매력은 그가 소유 한 첫 번째 집에서 노후화 파이프를 수리해야 할 때 일어났다. 결국 그는 신체적, 감각적 특성에 감탄하고 연금술과의 관련성에 대해 더 많이 발견하기 시작했습니다. 물리적으로 키퍼는 특히 많은 색, 특히 금을 보았을 때 금속이 가열 및 용융 과정에서 금속이 어떻게 보이는지 좋아합니다.

키퍼의 작업에서 짚을 사용하는 것은 에너지를 나타냅니다. 그는 이것이 금색과 연소시 에너지와 열의 방출을 포함하여 짚의 물리적 특성 때문이라고 주장한다. 그 결과로 생성 된 재는 새로운 창조를위한 길을 열어 변형의 주제와 수명주기를 반영합니다.

키퍼는 또한 자신의 작업에서 질서와 혼돈 사이의 균형을 중요하게 생각한다. “너무 많은 질서가 있거나 [조각이 죽었다.] 또는 혼돈이 많으면 혼동하지 않는다.” 또한 그는 자신의 작품이있는 공간에 깊은 관심을 가지고 있습니다. 그는 자신의 작품이 잘못된 공간에 놓이면 “그들의 힘을 완전히 잃어버린다”고 말합니다.

스타일과 재료
공식적으로 키퍼의 작품은 기념비적이고 비 유적이다 ( “어쨌든 나는 아무 것도 그림을 만들지 않을 것이다”). 그의 선호하는 색은 “의심의 색”인 회색입니다. 내용은 “역사 회화의 연속”과 “문화 컬렉션에 대한 집중적 인 연구”의 작업을 목격합니다. 미국 미술 비평가들은 캐스퍼 데이비드 프리드리히 (Caspar David Friedrich)의 낭만주의 풍경화의 전통에서 그를 설득했다.

키퍼는 자신이 갖고 있지 않은 “아이디어, 스케치북, 실행으로 화가의 고전적인 작업 과정”을 회의적으로 평가합니다. “그 때문에 원하는 결과를 가정해야하는데 관심이 없습니다.” “내 사진은 폐허 나 조립할 수있는 빌딩 블록처럼 보입니다.이 사진들은 무언가를 만들 수있는 재료이지만 완벽하지는 않습니다. 완벽에 가깝지 않습니다.”인간의 작품은 거의 묘사되어 있지 않습니다. 그의 작품은 “아이콘”으로 표시 될 때 사람들을위한 문화사에 고정 된 상징 또는 자기 묘사로 나타납니다. 반복되는 주제와 주제는 전통적인 신화, 서적 및 도서관입니다. 그는 자신의 작업이 “신화와 비율의 상호 작용”에서 일어났다는 면접관과 동의했다. 그는 “언더 월드의 예술가”( “저는 언더 월드의 예술가입니다”)였으며, 그의 젊은 자기 특성 중 하나입니다. Armin Zwei는 키퍼의 그림을 주관적 인식의 시각화가 아니라 세계를 해석하는 것으로 이해할 수없는 세계의 해석으로 이해합니다.

현대의 예술가들이 현재의 과거와 윤리적 문제를 다루는 예술의 의무를 강하게 느끼는 사람은 거의 없습니다. 1980 년대 말, “Art Talk”에서 그는 다음과 같이 예술에 대한 책임을 주장했다. “예술은 책임을 져야한다고 믿지만 예술은 그만 두지 말아야한다. 내 콘텐츠는 현대적이지 않을 수 있지만 “예술가 인 베르너 스파이 (Werner Spies)가 말한 것처럼 키퍼는 게르하르트 리히터 (Gerhard Richter)와 마찬가지로 이름, 용어 및 지형을 억압하는 데 종지부를 찍었다.” 스위스 예술가 Andrea Lauterwein은 키에퍼와 폴 셀란에 대한 논문에서 “피터 독사”(화가)로 특징을 broad 다. 광범위한 철학 및 문학 참고 문헌을 기반으로 한 시인 Celan과의 대화가 그의 작품에 포함되었다. 주악상.

셀란의시를 받음으로써 그는 국가 사회주의 공상주의에 직면하여 매혹과 혐오감을 불러 일으켰으며 홀로 코스트와 쇼아에 대한 유대인의 시각을 시각화 할 수 있었다. 런던 예술 역사가 노먼 로젠탈 (Norman Rosenthal)은 키퍼의 그림이 미치는 영향에 대해 다음과 같이 적고있다. “그들은 독일인들에게 고통을 줄 수 있지만, 그는 유대교를 포함한 히틀러 시대에 복잡한 작품을 만들어 냈기 때문에 해외에서 존경 받았다.” 이 독일인은 자신의 문화와 베토벤, 하이네, 괴테, 바그너와의 진정한 관계를 가지고 있었으며, “그 나라의 끔찍하고 아름다운 곳을 함께 모았습니다”. 프랑스 미술 역사가 Daniel Arasse는 유머, 아이러니 및 조롱은 그의 작품의 “구성 적 차원”이며 때로는 “금지”를 깨뜨릴 수 있다고 강조합니다.

키퍼는 시인 Paul Celan 외에도 Ingeborg Bachmann의 중요한 작품에 영감을 받았습니다. 보헤미아는 바다에 의해 그림 (1995와 1996)은 바흐 만에 의해시의 제목을 가지고 있습니다. 그녀의 구절 “낙하하는 모든 사람은 날개를 가지고있다”는 또한 바르작의 그의 그림 중 하나에있다.

키퍼의 초기 창조시기는 독일 역사와 문화에 대한 거의 강박적인 조사에 의해 결정되었지만, Gnosis와 유대인 신비주의 (Kabbalah) 외에도 이집트와 고대 동양 신화와 우주론은 그의 후기 작업 단계에서 새로운 영감의 원천으로 추가되었습니다. 오래된 주제가 완전히 사라졌습니다.

그의 작품은 고풍스러운 재료로 특징 지어집니다 : 지배적 인 납 외에도 재, 짚, 해바라기, 머리카락, 모래, 점토, 탄 나무, 헝겊 조각이 있으며 종종 겹치는 층에 적용됩니다. 키퍼는 “리드가 다른 어떤 금속보다 나에게 더 큰 영향을 미칩니다.” 그는 자신의 신조를 역설에 공식화했다.

Beuys의 생각은 독창적 인 재료에 대한 선호뿐만 아니라 연금술사와 예술가의 역할 사이에서 키퍼가 인식 한 유사성과 밀접한 관련이 있으며, 후자는 원료와 캔버스를 상징적 의미로 변환합니다.

지금까지 Kiefers의 전체 작품을 감독하고 조직하려는 사람은 항상 아티스트가 동일한 제목으로 서로 다른 시간에 만들어진 서로 다른 작품과 작품 그룹을 지명한다는 사실을 알게 될 것입니다. 예전 Spiegel의 전 문화 편집자 인 Jürgen Hohmeyer 키퍼 “제목 재활용 일반적인 관행”입니다. 이것의 예로는 하늘의 궁전 또는 하늘의 궁전 탑으로 지정된 그의 수많은 작품, 작품 그룹 및 전시회가 있습니다.

사진술
키퍼는 직업을 만들고 직업과 헤로 니쉬 싱 빌더 (Heroische Sinnbilder, 영웅 상징)라는 제목의 사진으로 경력을 쌓기 시작했습니다. 아버지의 베 흐마 흐트 제복을 입은 키퍼는 프랑스, ​​스위스, 이탈리아의 여러 지역에서 나치 경례를 흉내 냈다. 그는 독일인들에게 제 3 제국의 미친 외국인 혐오증을 통해 그들의 문화 상실을 기억하고 인정하도록 요청했다. 1969 년 카를 스루에의 갤러리 암 카이저 플라 츠 (Galerie am Kaiserplatz)에서 그는 첫 번째 개인전 “Besetzungen (Occupations)”을 논란의 여지가있는 정치적 행동 사진으로 발표했다.

회화와 조각
키퍼 (Kiefer)는 납, 깨진 유리 및 말린 꽃이나 식물의 첨가로 규모가 점차 커지는 그의 그림으로 가장 잘 알려져 있습니다. 이로 인해 표면이 막히고 두꺼운 층이 쌓입니다.

1970 년까지 Kunstakademie Düsseldorf의 Joseph Beuys에서 비공식적으로 공부하면서 그의 스타일은 Georg Baselitz의 접근 방식과 비슷했습니다. 그는 유리, 짚, 목재 및 식물 부품으로 일했습니다. 이러한 자료의 사용은 키퍼 자신이 잘 알고 있었기 때문에 그의 작품이 일시적이고 깨지기 쉬워 졌다는 것을 의미했다. 또한 변장되지 않았으며 자연스러운 형태로 표현 될 수있는 방식으로 자료를 전시하고 싶었습니다. 그의 작품의 취약성은 그의 그림에서 뚜렷한 주제와 대비된다. 아이디어를 표현하기 위해 친숙한 재료를 사용하는 것은 그의 작품에서 지방과 카펫 펠트를 사용한 Beuys의 영향을 받았습니다. 또한 신 표현주의 스타일의 전형입니다.

키퍼는 1971 년 출생지로 돌아 왔습니다. 그 후 몇 년 동안 그는 특히 독일 신화를 그의 작품에 포함 시켰으며, 다음 10 년 동안 카발라와 로버트 플루트 (Robert Fludd)와 같은 카발라 (Qabalist)를 연구했습니다. 그는 유럽, 미국 및 중동 전역으로 확장 여행을 갔다. 후자의 두 여행은 그의 일에 더욱 영향을 미쳤다. 키퍼는 그림 외에도 목판을 사용하여 조각품, 수채화 물감, 사진 및 목판화를 만들었습니다. 특히 목판을 사용하여 향후 수십 년 동안 모든 미디어에서 반복적으로 재사용 할 수있는 그림의 레퍼토리를 만들어 자신의 작품에 대한 주제별 일관성을 부여했습니다.

1970 년대와 1980 년대 초 키퍼는 리차드 바그너 (Richard Wagner)가 자신의 4 개 오페라주기 Der Ring des Nibelungen (니 벨룽의 반지)에서 해석 한 주제에 관한 수많은 그림, 수채화, 목판화 및 책을 제작했습니다.

1980 년대 초반, 그는 루마니아 유대인 작가 폴 셀란 (Paul Celan)의시 “Todesfuge”( “Death Fugue”)에 제목과 비문이 적힌 30여 장의 그림, 그림 및 수채화를 제작했습니다.

키퍼가 1980 년에서 1983 년 사이에 수행 한 일련의 그림은 국가 사회주의 건축 양식의 유명한 예, 특히 Albert Speer와 Wilhelm Kreis가 디자인 한 건물을 언급 한 석재 건축물을 묘사합니다. To the Unknown Painter (1983)의 대 광장은 구체적으로 1938 년 Speer가 알 수없는 병사를 기리기 위해 베를린에있는 Hitler ‘s Chancellery의 야외 안뜰을 말합니다. 1984-85 년에 그는 전신주와 전선으로 황량한 풍경의 흑백 사진을 통합 한 종이에 관한 일련의 작업을 수행했습니다. Heavy Cloud (1985)와 같은 이러한 작업은 1980 년대 초 서독의 NATO가 독일 토양에 전술 핵 미사일을 배치하고 핵연료 처리 시설을 배치하는 것에 대한 논쟁에 대한 간접적 인 반응이었다.

1980 년대 중반, 키퍼의 주제는 문명에서의 독일의 역할에 대한 초점에서 일반적으로 예술과 문화의 운명으로 확대되었습니다. 그의 작품은 더욱 조각화되어 국가 정체성과 집단 기억뿐만 아니라 신비주의 상징, 신학, 신비주의와 관련이 있었다. 모든 작업의 ​​주제는 전체 사회가 경험 한 외상과 삶의 지속적인 중생과 재생입니다. 1980 년대에 그의 그림은 더욱 물리적이되었으며 특이한 질감과 재료를 사용했습니다. 그의 주제의 범위는 큰 그림 오시리스와 이시스 (1985-87)에서와 같이 고대 히브리어와 이집트 역사에 대한 언급을 포함하도록 확대되었다. 특히 1990 년대의 그의 그림은 민족적 정체성보다는 보편적 인 존재와 의미의 신화를 탐구한다. 1995 년부터 2001 년까지, 그는 우주의 큰 그림의주기를 만들어 냈습니다. 납은 여전히 ​​자신이 선호하는 매체로 남아 있지만 조각품으로 향하기 시작했습니다.

수년에 걸쳐 키퍼는 많은 특이한 작품을 만들었지 만 한 작품은 특히 기괴한 작품으로 눈에 띄는 20 년의 고독 작품입니다. 20 년의 고독은 20 년이 넘는 기간 동안 (1971-1991), 수백 권의 흰색 원장과 수제 책이 천장에 쌓여 있으며, 흙과 마른 초목이 흩어져 있으며, 작가의 정액으로 페이지가 얼룩 져 있습니다. 제목의 고독이라는 단어는 20 년 동안 예술가들이 종이에 자주 자위하는 것을 말합니다. 그는 미국의 예술 비평가 인 Peter Schjeldahl에게 수 음서 카탈로그의 텍스트를 쓰라고 요청했다. Schjeldahl은 순종하려고 시도했지만 결국 그의 노력에 실패했습니다. 다른 비평가는 그 일을 맡을 수 없었으므로 그 일은 크게 모호 해졌다.

키퍼와 그의 두 번째 부인 인 Renate Graf는 뉴욕에서 하얀 모슬린으로 촛불 상업 로프트를 장식하고, 백사장으로 바닥을 깔고, 웨이터들과 함께 직원들을 고용했습니다. 하얀 얼굴로 마임으로 옷을 입는다. Sherrie Levine과 같은 소수의 예술 세계 엘리트들에게는 췌장과 같은 대부분의 색소 오르간 고기 코스가 주로 흰색이었습니다. 당연히 손님들은 특히 식욕을 돋우는 식사를 찾지 못했습니다.

키퍼는 2002 년부터 콘크리트로 작업하여 밀라노의 피렐리 창고로 향하는 타워를 만들었습니다. 벨리 미르 흘레 브니 코프 (Velimir Khlebnikov)에 대한 일련의 찬사 (보트와 일련의 납을 든 바다, 2004-5) Paul Celan의 작품은 룬 주제 (2004-6) 및 기타 조각을 특징으로하는 일련의 그림으로 이루어졌습니다. 2003 년, 그는 역사와 신화의 되풀이되는 주제를 중심으로 일련의 새로운 작업에 전념하는 갤러리 타 대우 스 로파 (Galerie Thaddaeus Ropac), 잘츠부르크 빌라 카츠 (Salzburg Villa Katz), Anselm Kiefer : Am Anfang에서 첫 개인전을 열었습니다.

2005 년 그는 갤러리 타 대우 스 로파의 잘츠부르크에서 열린 Für Paul Celan에서 두 번째 전시회를 열었습니다. Für Paul Celan은이 책에 대한 키퍼의 선점에 중점을 두 었으며, 독일 신화에 대한 언급과 Czernowitz의 독일인 유대인 Paul Celan의시를 연결했습니다. 이 전시회에는 11 개의 캔버스 작품, 진열장에 전시 된 일련의 바운드 도서, 철근 콘크리트 및 리드 요소로 구성된 강력한 기념비적 인 야외 조각품 1 개, 청동 해바라기, 리드선 및 웨지가 결합 된 2 개의 납작한 더미가 포함 된 5 개의 조각품이 전시되었습니다. , 그리고 The Secret Life of Plants 시리즈의 기념비적 인 두 권의 책. 전시회는 파리의 갤러리 타 대우 스 로파 (Galerie Thaddaeus Ropac)와 다음 해 파리의 갤러리 이본 램버트 (Galerie Yvon Lambert)를 방문했습니다.

2006 년 키퍼의 전시회 인 Velimir Chlebnikov는 Barjac 근처의 작은 스튜디오에서 처음 전시 된 후 런던의 White Cube로 옮겨 코네티컷의 Aldrich Modern Art Museum에서 마무리되었습니다. 이 작품은 30 개의 큰 (2 x 3 미터) 그림으로 구성되어 있으며, 제작 된 스튜디오를 모방 한 골판지 철골 건물의 벽을 마주 보는 15 개의 2 개 뱅크에 걸려 있습니다. 이 작품은 러시아 미래 학자 철학자이자 시인 인 벨리 미르 클레 브니 코프 (Velimir Chlebnikov)의 편심 이론을 언급하며, “자움 (Zaum)”이라는 “미래의 언어”를 발명했으며, 격렬한 해전이 317 년마다 한 번씩 역사 과정을 변화 시킨다고 가정했다. 그의 그림에서 키퍼의 장난감 같은 전함 (misshapen, 폭행, 녹슬고 꼬인 전선에 매달려 있음)은 페인트와 석고 파도에 의해 발생합니다. 작품의 반복되는 컬러 노트는 검정, 흰색, 회색 및 녹입니다. 그리고 표면은 거칠고 페인트, 석고, 진흙 및 점토로 흩어져 있습니다.

2007 년, 그는 약 50 년 전 Georges Braque 이후 파리 루브르 박물관에 영구적 인 작품을 설치하라는 최초의 예술가가되었습니다. 같은 해 그는 파리의 그랑 팔레에서 Monumenta 전시회 시리즈를 시작했으며, 시인 Paul Celan과 Ingeborg Bachmann에게 특별한 찬사를 바친 작품으로 시작했습니다.

2009 년 키퍼는 런던의 화이트 큐브 갤러리에서 2 개의 전시회를 개최했습니다. 짙은 모로코 가시로 가득 찬 유리 유리 병으로 둘러싸인 일련의 숲 틈새와 삼부작은 Karfunkelfee이라는 제목으로, 전후 오스트리아 작가 인 Ingeborg Bachmann의시에서 유래 한 독일 낭만주의의 용어입니다. 비옥 한 초승달에서 키퍼는 15 년 전 인도를 방문하여 시골 벽돌 공장을 처음 만났을 때 영감을 얻은 서사시 그림 그룹을 발표했습니다. 지난 10 년 동안 키퍼가 인도에서 촬영 한 사진은 메소포타미아 최초의 인간 문명에서 제 2 차 세계 대전 후 독일의 폐허에 이르기까지 광범위한 문화적, 역사적 참고 자료를 제시하기 위해 마음에 “반향”했습니다. , 그는 소년으로 연주했다. “건축 된 웅장 함의 불안정성에 대한 공명 명상을 찾는 사람은 누구나”카이퍼의 비옥 한 초승달을 열심히 보는 것이 좋을 것이라고 그의 역사 논문 사이먼 샤마는 썼다.

Morgenthau Plan (2012)에서 갤러리는 5 미터 높이의 강철 케이지로 둘러싸인 황금 밀밭 조각으로 가득합니다. 같은 해 키퍼는 판틴 (Pantin)에 갤러리 타 대우 스 로파 (Galerie Thaddaeus Ropac)의 갤러리 공간을 개장했으며 기념비적 인 새로운 작품 인 Die Ungeborenen을 전시했다. 전시회에는 Anselm Kiefer의 편지와 Alexander Kluge 및 Emmanuel Daydé의 에세이가 출판되었습니다. 그는 갤러리로 계속 대표되며 다양한 위치에서 그룹 및 개인 전시회에 참여합니다.

서적
1969 년 키퍼는 책을 디자인하기 시작했습니다. 초기 예는 일반적으로 작업 한 사진입니다. 그의 최근 책은 페인트, 미네랄 또는 건조 된 식물 물질로 된 납으로 구성되어 있습니다. 예를 들어, 그는 보관 된 폐기 된 역사에 대한 지식의 상징으로 도서관의 강철 선반에 수많은 납 서를 모았습니다. 도서 라인 (1981)은 라인 강을 따라 여행을 제안 25 연속 목판의 구성; 이 강은 독일의 지리적 및 역사적 발전의 중심이며 Wagner ‘s Ring of the Nibelungs와 같은 작품에서 거의 신화적인 의미를 얻습니다. 때묻지 않은 강의 장면은 1941 년 대서양의 소위 코드 명 라인강 운동 동안 비스마르크 전함 침몰을 나타내는 어둡고 소용돌이 치는 페이지에 의해 중단됩니다.

스튜디오
키퍼의 첫 번째 대형 스튜디오는 그의 집의 다락방, Hornbach의 전 학교 건물에있었습니다. 몇 년 후 그는 Hornbach 근처 Buchen에있는 공장 건물에 스튜디오를 설치했습니다. 1988 년 키퍼는 회 펜겐 (부 Bu 근처)에있는 이전 벽돌 공장을 수많은 설치물과 조각품을 포함한 광범위한 예술품으로 개조했습니다. 1991 년 오덴 발트에서 20 년간 일한 후, 작가는 독일을 떠나 인도, 멕시코, 일본, 태국, 인도네시아, 호주 및 미국으로 전 세계를 여행했습니다. 1992 년 프랑스 Barjac에 설립되어 35 헥타르 규모의 스튜디오 컴파운드 La Ribaute를 Gesamtkunstwerk로 전환했습니다. 외딴 실크 공장 인 그의 스튜디오는 엄청 나며 여러면에서 산업화에 대한 논평입니다. 그는 유리 건물, 아카이브, 설치, 재료 및 그림 보관실, 지하 챔버 및 복도의 광범위한 시스템을 만들었습니다.

Sophie Fiennes는 그녀의 다큐멘터리 연구 인 Over Your Cities Grass Will Grow (2010)를 위해 Barjac에서 Kiefer의 스튜디오 단지를 촬영했습니다. 한 비평가는 다음과 같은 영화를 썼다. “거의 외딴 실크 공장에서 건축을 시작한 키퍼는 수 에이커에 이르는 예술 프로젝트를 고안했다. 몇 킬로미터의 복도, 야심 찬 풍경화가 담긴 거대한 스튜디오 공간, 주변의 기념비적 건축물에 해당하는 조각품 삼림 지대와 구불 구불 한 석회는 석순이나 흰개미 마운드와 유사한 거대한 흙 기둥이있는 미로를 발굴했습니다. 완제품이 어디에 서 있는지 분명하지는 않습니다. 아마도 모든 것이 진행중인 기념비적 인 컨셉 아트 유기체 일 것입니다. ”

2008 년 키퍼는 Barjac에서 스튜디오 단지를 떠나 파리로 옮겼습니다. 110 대의 트럭이 그의 작품을 한때 La Samaritaine 백화점의 보관소였던 파리 외곽의 Croissy-Beaubourg에있는 3,300m2 규모의 창고로 운송했습니다. 기자는 키퍼의 버려진 스튜디오 단지에 대해 다음과 같이 썼다. “예술과 건물 인 Barjac의 위대한 작품을 남겼습니다. 관리인은 그것을 돌보고 있습니다. 무인도, 우리가 알고 있듯이 자연은 우리 도시를 점령하기를 기다립니다. 키퍼는 2019 년 여름 Barjac에서 생활하고 일하면서 보냈습니다. ”

수신
예술 평론가 인 위르겐 호 마이어 (Jürgen Hohmeyer)에 따르면, 다른 현대 예술가는 키퍼 (Kiefer)와 같은 총체적인 평결과 숭배를 번갈아 느꼈다고 생각하지 않았다.

1980 년대 초 키퍼에 대한 독일 예술 비판의 상당 부분은“극도로 부정적이며 심지어 비참하다”. 그의 “파시스트 제스처와 상징에 대한 긍정 공감”은 그를 극도로 인기가 없게 만들었다. 키퍼의 독일 과거에 대한 애매한 취급으로 비평가들은 “그의 작품에 대한 비논리적이고 도발적인 파괴적인 측면”을 간과했다. Werner Spies는 1980 년 Frankfurter Allgemeine Zeitung에서 “Tutschem의 과다 복용”으로 그를 꾸 chalk습니다. 페트라 키프 호프 (Petra Kipphoff)는 ZEIT에서 그의 “비 합리주의와 잔인한 게임”을 견책했다.

소나무에 대한 과학적 조사는 1980 년대 후반에 시작되었습니다. 해외에서 그의 작품에 대한 인식이 높아짐에 따라 이것에 기여했습니다. 뒤셀도르프 쿤스트 할레의 1984 년 회고는 같은 해 파리와 이스라엘에 갔다. 그것은 이스라엘 대중으로부터 대포 긍정적 반응을 받았다. 그러나 Spiegel 해설에 따르면, 미국에서 1987-1989 년 여행 전시회와 해외에서 얻은 찬사를 받았을 때, “집에서 예약에 비해 상당히 불균형 적이었다”고 그의 작품은 독일에서 인정을 받았다. 영향력있는 앵글로색슨 예술 평론가 로버트 휴즈는 그를 “대서양 양쪽에서 최고의 화가”라고 불렀습니다. 그럼에도 불구하고 Werner Spies는 미국-유대인 청중들에게 “암흑과 화상의 위험과 아름다움으로 인해 발견되지 않은 마조히즘 적 매력이 발견되었다”고 의심했다.

권위있는 여름 1990 년 늑대 상을 수여받은 턱 후, 예루살렘 Knesset에 의해 희생자의 자손으로 대표되는 그의 예술의 정치적 정확성이 확인되었으며, 그러한 주장은 침묵했습니다. 20 년이 채 지나지 않아 (2008 년), 그의 가장 가혹한 비평가 중 한 명인 베르너 스파이 (Werner Spies)는 시르 도르 (Kiefer) 독일 시상식에서 시상식에서 연설을했습니다. 파리 퐁피두 센터 2015-2016에서 회고가있을 때 프랑스에서 특히 높이 평가되는 “예술적 애도”의 형태는 다시 비판적으로 의문을 제기했다.

수많은 상을 수상한 키퍼는 현재 세계에서 가장 중요한 현대 예술가 중 한 명입니다. 그는 수년 동안 전 세계에서 가장 인기있는 100 명의 현대 예술가들의 아트 컴퍼스에서 10 위 안에 들었습니다. 2015 년 그는 6 위를 차지했습니다.

전시회
무게가 각각 90 톤이고 높이가 14 미터에서 18 미터 사이 인 7 개의 타워는 건축 자재로 물품을 운송하기 위해 각진 컨테이너 모듈을 사용하여 철근 콘크리트로 만들어집니다. Anselm Kiefer는 각 타워의 여러 층 사이에 납 책과 쐐기를 삽입하여 콘크리트의 무게로 압축하여 구조물의 정적 특성을 더 잘 보장합니다. 예술가들 에게이 금속의 사용은 기능적 가치뿐만 아니라 상징적 가치도 가지고 있습니다. 실제로 납은 전통적으로 우울의 문제로 간주됩니다. 일곱 개의 천궁은 작가의 작품 전체가 도착한 시점을 나타내며, 시간이 지남에 따라 새로운 차원으로 투영함으로써 그의 주요 주제를 요약합니다 : 고대 유대교의 해석; 제 2 차 세계 대전 후 서쪽의 폐허를 나타냅니다. 예술가가 우리의 현재를 보도록 권유 할 수있는 미래에 대한 전망.

2015 년 9 월 이후 2009 년과 2013 년 사이에 만들어진 5 개의 대형 캔버스는 Anselm Kiefer의 영구 설치를 강화하고 확장합니다. Vicente Todolí가 기획 한 재 배열은 다시 생각하고 작가의 작품에 새로운 의미를 부여합니다. 5 대 캔버스-자이푸르 (2009); Cette의 두 작품은 모호한 clarté qui tombe des étoiles 시리즈 (2011); Alchemie (2012); Die Deutsche Heilslinie (2012-2013)는 영구 설치를 수용하는 Navate 공간에 전시되어 Anselm Kiefer의 걸작에 새로운 의미를 부여합니다. 그림 작품은 “타워”와 함께 “Sette Palazzi Celesti 2004–2015″라는 단일 시설로, 현장 특정 작업에 이미 존재하는 테마를 해결합니다. 사람이 시도한 과거의 위대한 건축 구조 천문 적 번호 매기기를 통해 표현 된 신성과 별자리로 올라가십시오. 또한 인간과 자연의 관계, 서구 사상과 철학의 역사에 대한 언급과 같은 작가의시에서 중심적인 반영을 추가하십시오.

세피로스
7 개의 타워 중 첫 번째 타워 인 “Sefiroth”도 가장 짧습니다 (14 미터). 탑에는 일곱 개의 납 서가 쌓여 있고 카 벨라에서 하나님의 표현과 도구를 나타내며 창조의 물질을 형성하는 것으로 볼 때 카피 라에서 히브리어 이름 인 세피로스의 히브리어 이름을 나타내는 네온 불빛을 선물합니다 : 케더 (크라운), 초 흐마 (지혜) ), Binah (이해), Chessed (사랑의 친절), Geburah (강도), Tiffereth (아름다움 또는 위엄), Netzach (영원 또는 승리), Hod (분수), Yesod (기초), Malkut (킹덤) 및 Daad ( 이해와 지혜).

우울증
“Melancholia”는 1514 년 알브레히트 뒤러 (Albrecht Dürer)가 만든 같은 이름의 조각에서 가져온 다면체 인 마지막 덮개를 완성함으로써 가장 유명합니다.이 예술가의 가장 유명한 우화 이미지 중 하나가되었습니다. 사람들은 “토성에서 태어난 사람들”로 정의되었습니다. 사람들은 우울한 행성이 화가의 관용적이고 친근한 성격을 나타내는 것이라고 믿었 기 때문입니다.

탑의 기저에는 소위 “떨어지는 별”, 작은 유리판과 종이가 NASA의 천체 분류에 해당하는 알파-숫자 시리즈로 표시되어 있습니다.

아라랏
“아라랏”은 성서의 전통에 따르면 노아의 방주가 마침내 쉬게 된 소아시아의 산 이름을 따서 명명되었습니다. 방주는 탑의 꼭대기에 존재하는 작은 모형으로 표현되어 평화와 구원의 차량뿐만 아니라 군함과 파괴와 황폐의 차량을 상징합니다.

자기장 라인
전체 설비에서 가장 인상적인 타워는 높이가 18m이며, 그 주위로 계속 진행되는 일련의 납 필름이 특징이며, 궁극적으로 바닥에 닿아 빈 필름 릴과 동일한 재료로 만들어진 카메라와 나란히 놓입니다.

나치가 유대 문화와 소수 민족을 지우려는 시도에서부터 주기적으로 지나가는 상징적 인 전투에 이르기까지 빛이 통과 할 수없는 물질 인 납의 선택은 다양한 방식으로 해석 될 수 있습니다. 서양 문화, 비잔틴 시대, 루터 시대, 키퍼가 자주 언급 한 개념에 이르기까지 “모든 예술 작품은 그 이전의 예술 작품을 취소합니다”.

JH 및 WH
이 두 개의 탑은 불규칙한 모양으로 녹은 납으로 번호가 매겨진 운석 기저에 전파되어 여러 Cabala 텍스트에 제시된 창조 신화를 상징합니다. 두 개의 탑은 왕관에서 동등하게 보완되며, 히브리어 발음 규칙에 따라 통일 할 수없는 용어 인 세계 “야웨 (Yahweh)”를 형성하는 “JH”와 “WH”라는 문자를 자세히 묘사 한 네온 빛으로 글씨를 씁니다. 유대 전통.

떨어지는 탑 사진
“토레 데이 콰 드리 카 덴티 (Trre dei Quadri Cadenti)”는 건축의 꼭대기에서 바닥까지 존재하는 물체에 다시 한번 그 이름을 지어 주었다. 두꺼운 유리 시트를 포함하는 일련의 나무와 납 프레임은 불규칙한 간격으로 끊어졌다. 놀랍게도 프레임에는 이미지가 표시되지 않습니다. 다시 한번, Anselm Kiefer는 누락 된 이미지 및 잠재적으로 다중 교차 참조의 주제를 다룹니다.

자이푸르
이 그림의 제목은 인도 전역의 수많은 여행 중에 키퍼가 방문한 자이푸르에서 발췌 한 것입니다. 캔버스는 야행성 풍경을 묘사합니다. 아랫 부분에서 예술가는 보는 사람에게 역 피라미드를 상기시키는 건축 구조를 그렸습니다. 위의 별이 빛나는 하늘. 하늘에 보이는 별자리는 선으로 연결되어 NASA의 분류 시스템을 사용하여 번호가 매겨집니다. 주제의 관점에서 볼 때이 예술 작품은 “세븐 천상의 궁전”과 가장 밀접한 관련이있는 것으로 보입니다. 피라미드는 신에게 가까워지려는 인간의 헛된 시도의 상징이됩니다.

Cette는 Clarté qui tombe des étoiles를가립니다
“Cette unobcure clarté qui tombe des étoiles”시리즈의이 두 그림에서 키퍼는 사막 풍경을 묘사하여 작가의 작품에서 되풀이되는 요소 인 검은 해바라기 씨를 그렸다. 이것은 마치 별처럼 타락한 타락한 별을 상징합니다. 작가는 그림의 표면에 다른 재료를 추가하여 그림과 조각 사이의 한계를 넘어서서 관객을 자신의 세계로 초대하는 것처럼 보였습니다.

알케미
“알케미 (Alchemie)”는 지구가 완전히 무균 상태 인 건조하고 건조한 환경을 묘사하는 2 개의 캔버스로 구성되어 있습니다. 해바라기 씨의 “폭우”는 생명의 유일한 표시이며 재성장의 희망입니다. 캔버스를 연결하는 요소는 한 접시에 소금이 들어 있고 다른 접시에는 해바라기 씨가 들어있는 균형 저울 세트입니다 : 불임과 다산의 반대 상징. 이들은 연금술에 대한 예술가의 관심, 납을 금으로 바꾸는 것을 목표로하는 밀교 과학, 그리고 완전과 신성에 대한 인간의 긴장의 비유에 대한 명확한 인용입니다.

도이치 헤일 슬리 니
Pirelli HangarBicocca의 전시에서 가장 큰 그림은 상징적으로 문자 그대로 독일의 구원 역사를 상징적으로 묘사합니다. 지구와 하늘을 연결하고 전체 표면을 가로 지르는 무지개 궤적을 설정 한 키퍼 (Kiefer)는 일루미 니스트 (Illuminists)의 생각에서 칼 마르크스 (Karl Marx)에 이르는 역사적 철학적 경로에 삽입되어 행동을 통해 구원의 개념을지지 한 독일 철학자의 이름 지도자의. 그림의 기초에는 예술가 Caspar David Friedrich의 낭만적 인 그림을 반향하는 풍경을 통해 독방과 혼자 바라 보는 동안 뒤에서 묘사 된 남자의 모습이 서 있습니다. 모든 사람은 자신의 개인 정체성을 인정함으로써 구원을 달성 할 수 있다는 생각을지지 한 사상가들의 이름을 정합니다.

피렐리 격납고
HangarBicocca라고도하는 Pirelli HangarBicocca는 밀라노의 비 코카 지구에 위치한 현대적이고 현대적인 예술품을 전시하는 전시 공간입니다. 이 건물은 원래 AnsaldoBreda 회사의 산업 공장으로 2004 년 Pirelli가 인수 한 후 1,500 평방 미터의 전시 갤러리로 개조했습니다.

Pirelli HangarBicocca는 2004 년에 설립 된 비영리 재단으로 Pirelli에 의해 만들어지고 전적으로 지원됩니다. Pirelli는 밀라노의 이전 산업 공장을 현대 미술을 생산 및 홍보하는 기관으로 전환했습니다.

이 실험 및 연구 센터는 15,000 평방 미터로 유럽 최대의 연속 전시 공간 중 하나입니다. 매년 이탈리아 및 국제 예술가들이 주요 솔로 쇼를 개최하며, 각 프로젝트는 단지의 건축과 밀접한 관련이있는 작업을 계획하고 병렬 행사 일정을 통해 심도있게 탐구합니다. 공간과 공연에 대한 입장료는 무료이며 대중이 예술과 연결되도록 도와줍니다. 2013 년부터 Vicente Todolí는 재단의 예술 감독으로 활동했습니다.

한때 기관차 공장이 있던이 복합 단지에는 공공 서비스 및 교육 활동을위한 공간과 20 세기의 건축 적 특징이 분명하게 드러난 3 개의 전시 공간 인 Shed, Navate 및 Cubo가 있습니다. Pirelli HangarBicocca는 전시회 프로그램과 문화 행사뿐만 아니라 Pirelli HangarBicocca의 개통을 의뢰 한 Anselm Kiefer의 가장 중요한 사이트 별 작품 중 하나 인 “The Seven Heavenly Palaces 2004-2015″를 영구적으로 소장하고 있습니다.

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