Anselm Kieferによる永久的なサイト固有のインスタレーションであるLia Rummaによるプロジェクトによって2004年にPirelli HangarBicoccaのオープニングのために考案され、提示されたThe Seven Heavenly Palacesは、古代ユダヤ人の論文Sefer Hechalot、本の宮殿/聖域」は、IV-V世紀のADにまでさかのぼり、神の存在に近づきたい人の霊的な開始の象徴的な経路を伝えます。
サイト固有のインスタレーション「The Seven Heavenly Palaces」の名前は、2004年のPirelli HangarBicoccaのオープニングのために考案および提示され、Lia Rummaのプロジェクトに基づいており、古代ヘブライ語の論文「Sefer Hechalot」に記載されている宮殿から由来しました。紀元前4〜5世紀にさかのぼる「宮殿/聖域」の本。この本は、神に近づきたいと願う誰もが引き受けなければならない、霊的な開始の象徴的な道を語っています。
7つの塔（それぞれの重さが90トン、高さが14メートルから18メートルの高さまで上昇する）は、輸送用コンテナの角型建設モジュールを使用して鉄筋コンクリートから作成されました。アーティストは、各タワーのさまざまなレベルの間に、鉛の本とくさびを挿入しました。これらはコンクリートの重さの下で圧縮され、構造の静的な性質をさらに保証します。
単なる機能的価値以上に、キーファーにとってこの金属の使用には象徴的な意味があります。実際、鉛は伝統的に憂鬱の材料と考えられています。 「セブンヘブンリーパレス」は、キーファーの芸術作品全体の到着点を表しており、キーファーの主要テーマを合成して、時代を超えた新しい次元に投影しています。これらには古代ヘブライ語の宗教の解釈が含まれています。第二次世界大戦後の西洋文明の遺跡の代表。そして、アーティストが私たちに現在に直面するように誘う可能性のある未来への予測。
2009年から2013年の間に制作され、初めて展示された5つの大きなキャンバスは、Anselm Kieferの常設インスタレーション「The Seven Heavenly Palaces」を充実させ、拡大します。ビセンテトドリによってキュレーションされた2015年の追加の展示は、アーティストの作品に新しい意味を再考し、与えました。これらの絵画は、「タワー」とともに、「特定の作品2004-2015」と題された単一のインスタレーションを形成し、サイト固有の作品にすでに存在するテーマに対処します。人間が神に登ろうとした過去の大きな建築物。天文学的な数え上げを通して表される星座。
この新しい展示のおかげで、キーファーの芸術的実践は絵画を通じてさらに探求され、人間と自然との関係など、彼の詩学の中心となる考慮事項が強調されています。または思想史と西洋哲学への言及。 「塔」の空間を抜け、新作を体験し、絵画とインスタレーションの対話から生まれる斬新な視点を探ります。
その芸術家
アンセルムキーファーは1945年にドイツのドナウエッシンゲンで生まれました。法律と文学を学んだ後、彼は芸術に専念しました。 1960年代後半に作成された彼の最初の作品は、アーティストのジョセフボイスのジェスチャーと作品の影響を受けています。 1993年から2007年の間に、アンセルムキーファーは南フランスのバルジャックに移り、35万平方メートルのシルク工場をホームスタジオに変えました。現在、彼はクロワシーとパリに住んでいますが、彼の大規模なインスタレーションの多くは、今でもBarjacの一種の個人博物館や総合芸術作品に保管されています。
キーファーは自身の一連の著作の全体で過去について議論し、タブーや最近の歴史からの物議を醸す問題に取り組んでいます。ナチス支配のテーマは彼の作品に特に反映されています。たとえば、「Margarethe」（キャンバスに油彩とわら）の絵は、Paul Celanの有名な詩「Todesfuge」（「Death Fugue」）に触発されたものです。
彼の作品は、彼の文化の暗い過去に立ち向かう意欲的な意欲と、主題によく適した大規模で対立的なスケールでしばしば行われる作品における、実現されていない可能性を特徴としています。彼の作品の特徴は、歴史的に重要な人物、伝説的な人物、歴史的な場所の人々の署名や名前を見つけることでもあります。これらはすべて、キーファーが過去を処理しようとするコード化された印章です。これにより、彼の作品は新象徴主義と新表現主義の運動と結びついている。
芸術的プロセス
一般的に、キーファーは伝統的な神話、本、図書館を彼の主要な主題とインスピレーションの源として挙げています。中年、彼のインスピレーションは文学者、すなわちポール・セランとインゲボルグ・バックマンから来ました。彼の後期の作品には、ユダヤキリスト教、古代エジプト文化、東洋文化のテーマが取り入れられており、他のモチーフと組み合わせています。コスモゴニーも彼の作品の大きな焦点です。全体として、キーファーは存在の意味と「理解できないものと表現できないものの表現」を探します。
哲学
キーファーは、彼が使用する素材との「精神的なつながり」を大切にしており、「すでに内在している精神を抽出しています」。そうすることで、彼は材料を酸浴で変換し、物理的な打撃を棒と軸で行います。
彼はしばしば錬金術特性、特に鉛の材料を選択します。キーファーが最初に所有した魅力は、彼が所有していた最初の家の老朽化したパイプを修理しなければならなかったときに生じました。やがて、彼はその肉体的および感覚的な資質を賞賛するようになり、錬金術との関係についてさらに発見し始めました。物理的には、キーファーは加熱と溶融の過程で金属がどのように見えるかを特に好みます。彼が多くの色、特に金を見ると、彼は錬金術師が求める象徴的な金に関連付けます。
キーファーの作品でのストローの使用は、エネルギーを表しています。彼は、これは麦わらの物理的性質によるものであると主張し、これには金の色、燃焼時のエネルギーと熱の放出が含まれます。結果として生じる灰は、新しい創造の道を切り開き、変容のモチーフと生活のサイクルを反映しています。
キーファーはまた、彼の作品の秩序とカオスのバランスを重視し、「秩序が多すぎると、[ピース]は死んでいます。カオスが多ければ、それは凝集しません。」加えて、作品が置かれている空間にも深い関心を持っています。彼は自分の作品が間違った空間に置かれると「彼らの力を完全に失う」と述べています。
スタイルと素材
正式には、キーファーの作品は記念碑的で比喩的です（「オブジェクトがなければ、とにかく画像を作成しません」。彼の好む色は「疑いの色」である灰色です。内容は「歴史絵画の継続」と「文化的コレクションの集中的な研究」の作品を目撃しています。アメリカ美術評論家は、カスパーデビッドフリードリッヒによるロマンチックな風景画の伝統に彼を位置づけます。
キーファーは「画家の古典的な作業プロセス、アイデア、スケッチブック、処刑」を懐疑的に評価しているが、彼はそれを持っていない。 「そのため、私は望ましい結果を想定する必要があり、それには興味がありません。」 「私は廃墟のように、または一緒に組み立てることができるビルディングブロックのように自分の写真を目にしています。これらは、何かを構築するための材料ですが、完璧ではありません。完璧よりも何にも近いものではありません。」人間の作品はめったに描かれません彼の作品は、それらが「アイコン」、人々の文化的歴史に定着したシンボル、または自己描写として現れるとき。繰り返されるトピックと主題は、伝統的な神話、本、図書館です。彼は彼の仕事が「神話と比率の相互作用で」行われたことをインタビュアーに同意しました。彼は「アンダーワールドのアーティスト」（「私はアンダーワールドのアーティストです」）であり、彼の若い自己特徴の1つです。アーミン・ツヴァイは、キーファーの絵画を世界の解釈として、主観的知覚の視覚化としてではなく、「理解不能の流用」という世界の解釈として理解しています。
過去と現在の倫理的問題に対処するというアートの義務を強く感じている現代のアーティストはほとんどいません。 1980年代の終わりに、「アートトーク」で彼は次のようにアートの責任を主張しました：「アートは責任を取る必要があると信じていますが、アートであることを止めるべきではありません。私のコンテンツは現代的ではないかもしれませんが、 「芸術史家のヴェルナースパイスが述べたように、キーファーはゲルハルトリヒターと同様に、名前、用語、地形の抑制に終止符を打った」スイスのアーティスト、Andrea Lauterweinは、幅広い哲学的および文学的な引用に基づいており、詩人のCelanとの対話が彼の作品に組み込まれた、KieferとPaul Celanの論文で「画家ドクター」（学んだ画家）として特徴付けられました。ライトモチーフ。
チェランの詩の受容を通じて、彼は国民社会主義の幻想家に直面して魅力と嫌悪の輪を打ち破り、ホロコーストとショアのユダヤ人の見方を視覚化することもできました。ロンドンの美術史家ノーマン・ローゼンタールはキーファーの写真の影響について次のように書いています。「彼らはドイツ人に苦痛を与えるかもしれませんが、彼はユダヤ教を含むヒトラー時代に複雑な作品を作ったので海外で賞賛されています。」このドイツ人は、ベートーベン、ハイネ、ゲーテ、またはワーグナーに対して、彼自身の文化と真の関係を持っていて、彼は「壮大な方法で彼の国の恐ろしく美しい」をもたらします。フランスの美術史家ダニエルアラスは、ユーモア、皮肉、および嘲笑が彼の作品の「構成的側面」であり、時には「禁止を破る」ことを可能にすることを強調しています。
キーパーは詩人ポール・セランに加えて、インゲボルグ・バックマンから重要な作品に触発されました。ボヘミアの海沿いの写真（1995および1996）には、バックマンの詩のタイトルが付けられています。彼女の詩「落ちる誰もが翼を持っている」は、バルジャックからの彼の後の絵画の1つにもあります。
キーファーの初期の創作期はドイツの歴史と文化のほとんど強迫的な調査によって決定されたが、グノーシスとユダヤの神秘主義（カバラ）に加えて、エジプトと古代の東洋神話と宇宙論は、後の作業段階で新しいインスピレーションの源として追加された。古いトピックは完全に消えています。
彼の作品は古風な素材で特徴付けられています。優勢な鉛に加えて、灰、わら、ひまわり、髪の毛、砂、粘土、焦げた木、布のスクラップがあり、これらはしばしば重なり合った層に適用されます。キーファーは、「リードは私に他のどの金属よりも影響を与える」と認め、「鉛の友」です。彼はパラドックスで彼の信条を作り上げました：「私はそれを脱ぐことによって物質を隠す」。
非伝統的な素材に対する彼の好みに加えて、Beuysの考えは、錬金術師とアーティストの役割の間のキーファーによって認識された類似点に密接に関連しています。アーティストのアーティストは、原材料とキャンバスを象徴的な意味に変換します。
これまでにキーファーズの作品全体を監督および整理しようとする人は、アーティストが同じタイトルで異なる時期に作成されたさまざまな作品や作品のグループに名前を付けるという事実に常に出くわします。つまり、シュピーゲルの元文化編集者であるユルゲンホメイヤーです。 、キーファー用「タイトルリサイクル常識」です。これの模範となるのは、彼の数多くの作品、作品のグループ、および天国の宮殿または天国の宮殿の塔で指定された展示会です。
写真撮影
キーファーは彼のキャリアを始め、パフォーマンスを作成し、それらをOccupations and Heroische Sinnbilder（Heroic Symbols）というタイトルの写真に記録しました。キーファーは父のドイツ国防軍の制服を着て、フランス、スイス、イタリアのさまざまな場所でナチスの敬礼を真似しました。彼はドイツ人に、第三帝国の狂った外国人恐怖症による彼らの文化の喪失を思い出し認めることを求めた。 1969年、カールスルーエのギャルリーアムカイザープラッツで、彼は最初の単一展覧会「Besetzungen（Occupations）」で、物議を醸す政治活動の一連の写真を発表しました。
絵画と彫刻
キーファーは彼の絵画で最もよく知られており、鉛、割れたガラス、乾燥した花や植物が追加されて、その規模はますます大きくなっています。これにより、表面が覆われ、厚肉の厚塗りになります。
1970年までに、クンスタカデミーデュッセルドルフでジョセフボイスに非公式に学んでいたとき、彼の文体的傾向は、ゲオルクバセリッツのアプローチに似ていました。彼はガラス、わら、木、植物の部品を扱いました。キーファー自身がよく知っていたように、これらの材料の使用は彼の芸術作品が一時的で壊れやすくなることを意味しました。また、変装せずに自然な形で表現できるように資料を紹介したいと考えていました。彼の作品の繊細さは、彼の絵画の厳格な主題と対照的です。身近な素材を使ってアイデアを表現したのは、作品に脂肪とカーペットのフェルトを使用したBeuysの影響を受けています。それはまた、ネオ表現主義のスタイルの典型です。
キーファーは1971年に故郷の地域に戻りました。その後の数年間、彼は特にドイツ神話を作品に取り入れ、次の10年間はカバラや、ロバートフラッドのようなQabalistsを研究しました。彼はヨーロッパ、アメリカ、中東を旅しました。後者の2つの旅は、彼の作品にさらに影響を与えました。絵画に加えて、キーファーは彫刻、水彩画、写真、木版画を作成しました。特に木版画を使用して、今後数十年にわたってすべてのメディアで繰り返し再利用できる人物のレパートリーを作成し、彼の作品にその節のある主題の一貫性を貸しました。
1970年代から1980年代初頭にかけて、キーファーはリチャードワーグナーが4オペラサイクルのデアリングデニーベルンゲン（ニーベルングの指輪）で解釈したテーマに関する数多くの絵画、水彩画、木版画、本を作りました。
1980年代初頭には、ルーマニアのユダヤ人作家、ポールチェランの詩「Todesfuge」（「死のフーガ」）を題材にして、30点以上の絵画、写真、水彩画を作成しました。
キーファーが1980年から1983年の間に行った一連の絵画は、迫り来る石造りの建造物を描いており、特にアルバートシュピアーとヴィルヘルムクライスによって設計された建物など、国家社会主義建築の有名な例に言及しています。 「未知の画家へ」（1983年）のグランドプラザは、ベルリンのヒトラー首相府の屋外の中庭を指し、1938年に無名の兵士に敬意を表してシュペーアーによって設計されました。 1984年から85年にかけて、電柱と電力線のある荒涼とした風景の操作された白黒写真を組み込んだ一連の作品を紙に書きました。 Heavy Cloud（1985）のようなそのような作品は、1980年代初頭のNATOによるドイツの土壌への戦術核ミサイルの配置と核燃料処理施設の配置に関する西ドイツでの論争への間接的な反応でした。
1980年代半ばまでに、キーファーのテーマは、文明におけるドイツの役割に焦点を当てることから、一般に芸術と文化の運命にまで広がりました。彼の作品はより彫刻的なものになり、国家のアイデンティティと集合的記憶だけでなく、オカルトの象徴、神学、神秘主義にも関わっていました。すべての作品のテーマは、社会全体が経験するトラウマと、継続的な再生と人生の更新です。 1980年代に、彼の絵画はより物理的になり、珍しい質感と素材を備えました。彼のテーマの範囲は、大絵画のオシリスとイシス（1985–87）のように、古代ヘブライ語とエジプトの歴史への言及を含むように拡大されました。特に、1990年代の彼の絵画は、国民のアイデンティティーではなく、存在と意味の普遍的な神話を探求しています。 1995年から2001年まで、彼は宇宙の大規模な絵画のサイクルを制作しました。彼はまた彫刻に目を向け始めましたが、鉛は依然として彼の好きな媒体です。
キーファーは長年にわたって多くの珍しい作品を作ってきましたが、残りの作品のなかで特に奇妙な作品が1つ目立っています。その作品は彼の20年の孤独の作品です。作成に20年以上かかった（1971-1991）20年の孤独は、何百もの白い塗られた台帳と手作りの本の天井の高いスタックで、土と乾燥した植物が散りばめられており、そのページはアーティストの精液で染色されています。タイトルの孤独という言葉は、アーティストが作成に要した20年間、紙に頻繁にオナニーしていることを表しています。彼はアメリカの美術評論家ピーター・シュジェルダールに、マスターベーション・ブックのカタログのテキストを書くように頼んだ。シェルダールは義務を負おうとしたが、最終的には失敗した。他の批評家がこの仕事を引き受けることはないので、その仕事はほとんどあいまいになっています。
彼は1993年5月のディナーパーティーで再びアートの世界に衝撃を与えました。キーファーと彼の2人目の妻であるレナーテグラフは、白いモスリンでキャンドルの灯る商業用ロフトを飾り、床に白い砂を敷き、ウェイターを配置しました白い顔のマイムに扮した。 Sherrie Levineのような一握りのアートワールドエリートが、ほとんどが白色である、膵臓などの難解な臓器肉のいくつかのコースを提供しました。当然のことながら、ゲストは食事が特に食欲をそそるということを見つけませんでした。
2002年以降、キーファーはコンクリートで作業し、ミラノのピレリ倉庫に向けられた塔、ヴェリミルフレブニコフへの賛辞のシリーズ（ボートの絵画と有数のオブジェクトのある海の絵画、2004-5）を作成し、ルーンをモチーフにした一連の絵画（2004年〜6年）を含むPaul Celanの作品、およびその他の彫刻。 2003年、彼はギャルリータダウスロパック、ザルツブルクヴィラカッツ、アンセルムキーファーで初の個展を開催しました。アムアンファンは、歴史と神話の反復テーマを中心とした一連の新作に捧げられました。
2005年、彼は彼の2度目の展覧会をギャルリータダウスロパックのザルツブルグにあるポールセランで開催し、キーファーの本へのこだわりに焦点を当て、ゲルマン神話への言及と、ドイツ語を話すツェルノウィッツのユダヤ人であるポールセランの詩を結びつけました。展覧会では、キャンバスに関する11点の作品、展示ケースに収められた一連の製本、鉄筋コンクリートと鉛の要素を備えた強力で記念碑的な屋外彫刻1枚、青銅色のヒマワリ、鉛の船とくさびと組み合わされた2本の鉛の山を含む5つの彫刻が展示されました。 、および「植物の秘密の生活」シリーズの2つの記念碑的なリーデンの本。展覧会は、翌年、パリのギャレリータデウスロパックとパリのギャレリーイボンランバートを巡回しました。
2006年、キーファーの展覧会であるヴェリミルクレブニコフは、バルジャック近くの小さなスタジオで最初に上映され、その後ロンドンのホワイトキューブに移動し、コネチカットのアルドリッチ現代美術館で展示を終えました。作品は、30枚の大きな（2 x 3メートル）絵画で構成され、15枚の2つのバンクに、それらが作成されたスタジオを模倣した、特別に構築された段ボール鋼の建物の向かい合う壁に掛けられています。この作品は、「ザウム」と呼ばれる「未来の言語」を発明し、激動の海戦が317年に1回、歴史の流れを変えると仮定した、ロシアの未来派哲学者/詩人ヴェリミルクレブニコフの風変わりな理論に言及しています。彼の絵画では、キーファーのおもちゃのような戦艦（奇形、ボロボロ、錆び、そしてツイストワイヤーで吊るされている）は、塗料と漆喰の波によって投げかけられます。作品の定期的なカラーノートは、黒、白、グレー、錆です。表面は粗く、ペンキ、石膏、泥、粘土で覆われています。
2007年、彼は約50年前のジョルジュ・ブラック以来、パリのルーブル美術館に常設作品を設置するよう依頼された最初のアーティストになった。同じ年、彼はパリのグランパレでモニュメンタ展シリーズを開始しました。作品は、詩人のポールチェランとインゲボルグバックマンに特別な敬意を表します。
2009年、キーファーはロンドンのホワイトキューブギャラリーで2つの展示会を開催しました。ガラスの瓶に囲まれた一連の森の二連祭壇画と三連祭壇画は、モロッコのとげが密集したものが多く、戦後のオーストリアの作家インゲボルグバックマンの詩に端を発したドイツロマン派の言葉である「カーフンケルフィー」と名付けられました。肥沃な三日月で、キーファーは15年前にインドへの旅行に触発された壮大な絵画のグループを発表しました。そこで彼は最初に田舎のレンガ工場に出会いました。過去10年間、キーファーがインドで撮影した写真は、メソポタミアの最初の人類文明から第二次世界大戦後のドイツの遺跡に至るまで、膨大な数の文化的および歴史的言及を示唆するために彼の心の中で「反響」しました。 、彼は男の子として遊んだ。 「構築された壮大さの不安定さについての共鳴瞑想を求めている人は誰でも」、歴史家のサイモンシャーマは彼のカタログエッセイで「キーファーの肥沃な三日月を一生懸命に見るとうまくいきます」と書いています。
モルゲンタウプラン（2012年）では、金色の麦畑の彫刻がギャラリーにあり、高さ5メートルのスチール製ケージに囲まれています。その同じ年に、キーファーはパンタンにあるギャラリー・タダウス・ロパックのギャラリースペースを開設し、記念碑的な新作、ディ・ウンゲボレネンの展示を行いました。展覧会には、Anselm Kieferからの手紙、Alexander KlugeとEmmanuelDaydéによるエッセイが掲載された出版物が添えられました。彼は引き続きギャラリーに代表され、さまざまな場所でのグループ展や個展に参加しています。
本
1969年にキーファーは本をデザインし始めました。初期の例は、通常、加工された写真です。彼の最近の本は、ペンキ、ミネラル、または乾燥した植物物質が重なった鉛のシートで構成されています。たとえば、彼は図書館のスチール棚に関する数多くの鉛の本を、歴史の知識を保存し、破棄することの象徴として集めました。ライン（1981）の本は、ライン川沿いの旅を示唆する25の木版画のシーケンスで構成されています。川はドイツの地理的および歴史的発展の中心であり、ニーベルングのワグナーの指輪などの作品でほとんど神話的な重要性を獲得しています。手付かずの川のシーンは、1941年にコードライン名の大西洋の出撃の間に演習された戦艦ビスマルクの沈没を表す、暗く渦巻くページによって遮られています。
スタジオ
キーファーの最初の大きなスタジオは、ホーンバッハの旧校舎である彼の家の屋根裏にありました。数年後、彼はホルンバッハ近くのブッヘンにある工場の建物に自分のスタジオを設置しました。 1988年、キーファーはヘプフィンゲン（同じくブッヘンの近く）にあった元のレンガ工場を、数多くのインスタレーションや彫刻を含む広範なアートワークに変えました。 1991年、オーデンヴァルトで20年間働いた後、アーティストはドイツを離れ、インド、メキシコ、日本、タイ、インドネシア、オーストラリア、米国に世界中を旅しました。 1992年、フランスのバルジャックで自身の地位を確立し、35ヘクタールのスタジオ複合施設La RibauteをGesamtkunstwerkに変えました。遺棄されたシルク工場である彼のスタジオは巨大で、多くの点で工業化についてのコメントです。彼はガラスの建物、アーカイブ、インスタレーション、材料と絵画の保管室、地下室、廊下の広範なシステムを作成しました。
ソフィーフィエンヌは、環境と作業中のアーティストの両方を記録したドキュメンタリー研究「Over Your Cities Grass Will Grow（2010）」のために、Barjacにあるキーファーのスタジオコンプレックスを撮影しました。ある批評家はこの映画について次のように書いています。「キーファーは、廃墟の絹工場でほぼ一から建設され、数エーカーに及ぶ芸術プロジェクトを考案しました。何マイルもの廊下、野心的な風景画や周囲の記念碑的な建造物に対応する彫刻を備えた巨大なスタジオスペースです。森、そして石筍やシロアリの塚に似た土の柱を備えた、曲がりくねった発掘された迷路。完成品が明確に立っている場所はどこにもありません。おそらく、すべてが進行中の作業であり、記念碑的なコンセプトアート生物です。」
2008年、キーファーはバルジャックにあるスタジオを離れ、パリに移りました。かつてラサマリテーヌデパートの保管庫だったパリ郊外のクロワシーボーブールにある35,000平方フィート（3,300 m2）の倉庫に110台の貨物自動車の艦隊が彼の作品を輸送しました。ジャーナリストは、キーファーの放棄されたスタジオ複合施設について次のように書いています。「彼はバルジャックのすばらしい作品、芸術と建物を置き去りにしました。世話人はそれを世話します。無人で、静かに自然が引き継ぐのを待っています。草は育ちます。キーファーは2019年の夏をバルジャックで生活し、働きました。」
受信
美術評論家のユルゲン・ホメイヤー氏によれば、キーファーのように「総合評決と崇拝のこのような交代風呂を感じた現代の芸術家は他にいない」。
1980年代の初めには、キーファーに対するドイツの芸術批評のかなりの部分が「非常に否定的で、中傷的」でさえあった。彼の「ファシストのジェスチャーとシンボルに対する一見肯定的な共感」は彼を非常に不人気にしました。キーファーがドイツの過去をあいまいに扱ったことで、批評家たちは「彼の作品の皮肉で挑発的で破壊的な側面」を見過ごすようになった。ヴェルナースパイは、1980年にフランクフルトアルゲマインツァイトゥングで「トイツケムの過剰摂取」として彼を呼び起こしました。ペトラ・キプホフは、ZEITで彼の「非合理性と残虐行為のゲーム」を懲戒しました。
松の科学的調査は1980年代の後半に始まっただけです。彼の海外での作品に対する認識の高まりがこれに貢献しました。 1984年のデュッセルドルフ美術館の回顧展は、同じ年にパリとイスラエルに行きました。それはイスラエル国民からポリフォニックな肯定的な反応を受けた。しかし、シュピーゲルの解説によると、「自宅での予約に不釣り合いだった」とスピーゲルが述べたのは、1987年から1989年にかけてのアメリカでの巡回展と海外からの強いレビューだけでした。影響力のあるアングロサクソンの芸術評論家ロバート・ヒューズは、彼を「大西洋の両側で彼の世代の最高の画家」と呼びました。それでも、ヴェルナースパイはアメリカ人とユダヤ人の聴衆を「暗闇と火傷の危険と美しさのために検出されないマゾヒズムの魅力であると疑っています。
権威ある1990年のウルフ賞を受賞したあごの後に、エルサレムクネセトによって犠牲者の子孫に代表される彼の芸術の政治的正当性が確認され、そのような主張は黙っていた。 20年も経たないうちに（2008年）、彼のかつて過酷な批評家の1人であるワーナースパイは、授賞式で賞を受賞したスピーチをキーファーにドイツの書籍貿易平和賞を与えました。 2015年から2016年にパリで開催されたポンピドゥーセンターでの回顧展の際に、フランスで特に高く評価されている「芸術的追悼」の形式が再び批判的に問われました。
数多くの賞と栄誉を授与されたキーファーは、現在、世界で最も重要な現代アーティストの1人です。彼は何年もの間、世界中で最も人気のある現代アーティスト100人のアートコンパスでトップ10に入っています。 2015年に彼は6位にランクされました。
展示会
7つのタワー（それぞれの重さは90トン、高さは14メートルと18メートルの間で異なります）は、建設要素として商品を輸送するためのコンテナの角型モジュールを使用した鉄筋コンクリートでできています。アンセルム・キーファーは、各タワーのさまざまなフロアの間に鉛の本とくさびを挿入しました。これらはコンクリートの重みで圧縮され、構造の静的な性質をよりよく保証します。アーティストにとって、この金属の使用には機能的な価値があるだけでなく、象徴的な価値もあります。実際、鉛は伝統的に憂鬱の問題と見なされています。七天の宮殿は芸術家の作品全体の到達点を表しており、彼の主なテーマを時間を超えて新しい次元に投影することによって彼の主要なテーマを要約します。古代ユダヤ人の宗教の解釈。第二次世界大戦後の西側の廃墟の表現;アーティストが私たちに私たちの現在を見るために私たちを招待する、可能な未来への予測。
2015年9月以降、2009年から2013年の間に作成された5つの大きなキャンバスは、Anselm Kieferの永続的なインストールを充実させ、拡大します。ビセンテトドリによってキュレーションされた再編成は、アーティストの作品を再考し、新しい意味を与えます。 5つの素晴らしいキャンバス-ジャイプール（2009）; Cette obscureclartéqui tombe desétoilesシリーズ（2011）; Alchemie（2012）; Die Deutsche Heilslinie（2012-2013）-常設のインスタレーションを収容するNavateのスペースに展示され、Anselm Kieferの傑作に新しい意味を与えます。絵画作品は、「タワー」とともに、サイト固有の作品にすでに存在するテーマに対処する単一のインスタレーション-I Sette Palazzi Celesti 2004–2015と呼ばれます-人間による試みとして過去の偉大な建築構造天文学的な番号付けによって表される神と星座に昇格します。また、人と自然の関係、西洋の思想と哲学への言及など、アーティストの詩学にいくつかの中心的な反映を追加します。
セフィロス
7つの塔のうち最初に作成された「セフィロス」も最短（14メートル）です。塔は、7冊の鉛の本の山で最高潮に達し、セフィロスのヘブライ語の名前を形成するネオンライトを提示します。これは、カバラで神の表現と道具の表現と見なされ、創造のまさに材料であるKether（クラウン）、Chochmah（知恵）を形成します）、Binah（理解）、Chessed（愛情のある優しさ）、Geburah（強さ）、Tiffereth（美または荘厳）、Netzach（永遠または勝利）、Hod（輝き）、Yesod（財団）、Malkut（王国）およびDaad（理解と知恵）。
メランコリア
「メランコリア」は、1514年にアルブレヒトデューラーによって作成された同名の彫刻から取った多面体である最後のカバーが完成したことで最も際立っており、アーティストの最も有名な寓話的なイメージの1つになりました。憂鬱の惑星が芸術家の瞑想的で両義的な性格を表すと人々が信じていたため、芸術家は「土星の下で生まれた人々」と定義されました。
塔のふもとには、いわゆる「流れ星」、NASAの天体の分類に対応する英数字のシリーズでマークされた小さなガラス板と紙のストリップがあります。
アララット
「アララト」は、小アジアの山にちなんで名付けられました。聖書の伝統によれば、ノアの箱舟はようやく休息しました。箱舟は、塔の上部に存在する鉛製の小さなモデルで表され、平和と救助の手段だけでなく、軍艦、したがって破壊と荒廃の手段も象徴しています。
磁力線
インスタレーション全体で最も印象的なタワーは18メートルの高さで、一連の鉛フィルムがその周りを駆け巡り、最終的にはベースに達し、空のフィルムリールと同じ素材で作られたカメラと並んで配置されます。
光が通過できない（したがって画像が生成されない）物質である鉛の選択は、さまざまな方法で解釈できます。ユダヤ人の文化や少数民族を消滅させるナチの試みから、定期的に実行される偶像破壊的な戦いまで、西洋文化、ビザンチン時代、ルーテル時代まで、そしてキーファーがしばしば引用する「すべての芸術作品はそれに先行するものを打ち消す」という概念。
JH＆WH
これらの2つの塔は、不規則な形で溶けた鉛で番号が付けられた隕石の基部に散在し、いくつかのカバラのテキストで提示された創造神話を象徴しています。2つの塔は、王冠が等しく補完的であり、ヘブライ語の音声学の規則に従って統一されたときに、文字「Jahweh」を形成する文字「JH」と「WH」をそれぞれ詳細に示すネオンライトで書くことで最高潮に達します。ユダヤ人の伝統。
落下の塔の写真
「トーレデイクアドリカデンティ」の名前は、建築物の上部から底部にかけて存在するオブジェクトに由来しています。一連の木材と厚いガラス板を含むリードフレームで、その多くは不規則な間隔で壊れています。驚いたことに、フレームには画像が表示されません。もう一度、Anselm Kieferは、欠落している画像とその潜在的に複数の相互参照のテーマを扱います。
ジャイプール
この絵のタイトルは、キーファーがインド中を何度も旅したときに訪れた街、ジャイプールに由来しています。キャンバスは夜行性の風景を描いています。下のセクションでは、アーティストが逆さにしたピラミッドを見る人に思い出させる建築構造を描いています。上は星空。空に見える星座が線で結ばれ、NASAの分類システムを使用して番号が付けられます。テーマ別の観点から見ると、この作品は「七つの天の宮殿」と最も密接に関連しているように見えます。ピラミッドは人間が神に近づこうとする無駄な試みの象徴になります。
Cette obscureclartéqui tombe desétoiles
キープは、シリーズ「Cette obscureclartéqui tombe desétoiles」の2つの絵画で、砂漠の風景を描きます。砂漠の風景には、作家の作品に繰り返し現れる黒いひまわりの種が描かれています。これらは、ネガティブプリントのように、白地に黒の流れ星を象徴しています。絵画の表面にさまざまな素材を追加することで、アーティストは絵画と彫刻の境界を超えて、見る人を自分の世界へと誘います。
錬金術
「アルケミー」は、地球が完全に無菌のように見える、乾燥した乾燥した風景を描いた2つのキャンバスを並べて構成されています。ヒマワリの種の「雨」は生命の唯一のしるしであり、再成長の希望です。キャンバスをつなぐ要素は、一方の皿に塩、もう一方の皿にヒマワリの種を含む一連のバランススケールです。不妊と繁殖の反対のシンボルです。これらは、芸術家の錬金術への関心、鉛を金に変えることを目的とした難解な科学、そして完全性と神性に対する人間の緊張の寓話の明確な引用です。
Die Deutsche Heilslinie
ピレリハンガービコッカのディスプレイの最大の絵画は、タイトルが伝えるとおり、ドイツの救済の歴史を象徴的かつ文字通り描写しています。地球と空をつなぎ、表面全体を横切る虹の軌跡を舞台に、キーファーは書き写し、イルミニストの思考からカールマルクスに至る歴史哲学の道の中に挿入されました。行動を通じて救いの考えを支持したドイツの哲学者の名前です。リーダーの。絵の下部には、アーティストキャスパーデビッドフリードリッヒのロマンチックな絵画に響く風景を眺めながら、一人で一人で、後ろから見た男の姿が立っています。すべての周りに、自分の個人的アイデンティティを認識することで救済を達成できるという考えを支持した思想家の名前が設定されています
ピレリハンガービコッカ
ピレリHangarBicoccaは、HangarBicoccaとも呼ばれ、ミラノのビコッカ地区にある現代美術と現代美術に特化した展示スペースです。この建物は、もともとはAnsaldoBreda社の産業プラントでしたが、2004年にPirelliに買収され、その後、1500平方メートルの展示ギャラリーに変換されました。
Pirelli HangarBicoccaは非営利団体であり、2004年に設立され、ミラノのかつての産業プラントを現代美術の生産および促進のための機関に改造したPirelliによって完全にサポートされています。
この実験と研究のためのダイナミックなセンターは15,000平方メートルをカバーし、ヨーロッパで最大の隣接する展示スペースの1つとなっています。毎年イタリアや国際的なアーティストによる主要な個展が開催され、各プロジェクトは複合施設の建築と密接に関連して機能するように考案されており、並行イベントのカレンダーを通じて詳細に検討されています。スペースとショーへの入場料は完全に無料で、ファシリテーターが市民と芸術とのつながりを手助けします。2013年以来、ビセンテトドリは財団の芸術監督を務めています。
かつて機関車の工場があったこの複合施設には、公共サービスと教育活動のためのエリアがあり、20世紀の建築の特徴がはっきりと残っている3つの展示スペース、シェッド、ナベート、キューボがあります。展示プログラムや文化イベントだけでなく、ピレリハンガービコッカには、アンセルムキーファーの最も重要なサイト固有の作品の1つである「7つの天国の宮殿2004-2015」が、ピレリハンガービコッカの開館を依頼されて永久に保管されています。