Concebido e apresentado para a abertura do Pirelli HangarBicocca em 2004 por um projeto de Lia Rumma, a instalação permanente específica por Anselm Kiefer, Os Sete Palácios Celestiais, deve seu nome aos Palácios descritos no antigo tratado judaico Sefer Hechalot, o ” Livro dos Palácios / Santuários “, que remonta ao século IV-V dC, que narra o caminho simbólico da iniciação espiritual de quem quer se aproximar da presença de Deus.

O nome da instalação específica do site “Os Sete Palácios Celestiais” – concebido e apresentado para a abertura do Pirelli HangarBicocca em 2004 e baseado em um projeto de Lia Rumma – foi extraído dos palácios descritos no antigo tratado hebraico “Sefer Hechalot”, o “Livro dos Palácios / Santuários”, que remonta aos séculos IV a V dC O volume narra o caminho simbólico da iniciação espiritual que qualquer pessoa que queira se aproximar de Deus deve seguir.

As sete torres – cada uma pesando 90 toneladas e elevando-se a alturas que variam entre 14 e 18 metros – foram criadas a partir de concreto armado, usando os módulos angulares de construção de contêineres. O artista inseriu, entre os vários níveis de cada torre, livros e cunhas de chumbo que, comprimidos sob o peso do concreto, garantem ainda mais a natureza estática da estrutura.

Mais do que mero valor funcional, para Kiefer, o uso desse metal tem um significado simbólico: na verdade, o chumbo é tradicionalmente considerado o material da melancolia. “Os Sete Palácios Celestiais” representa um ponto de chegada para toda a produção artística de Kiefer, sintetizando seus principais temas e projetando-os em uma nova dimensão atemporal: eles contêm uma interpretação da antiga religião hebraica; representação das ruínas da civilização ocidental após a Segunda Guerra Mundial; e projeções para um futuro possível através do qual o artista nos convida a encarar o presente.

Cinco telas grandes – produzidas entre 2009 e 2013 e exibidas pela primeira vez – enriquecem e expandem “Os Sete Palácios Celestiais”, a instalação permanente de Anselm Kiefer. A exibição adicional em 2015, com curadoria de Vicente Todolí, reconsiderou e conferiu um novo significado ao trabalho do artista. Essas pinturas formam, juntamente com as “torres”, uma única instalação intitulada “Os Sete Palácios Celestiais 2004-2015”, que aborda temas já presentes no trabalho específico do local: grandes construções arquitetônicas do passado como tentativa do homem de ascender ao divino; constelações representadas através de numeração astronômica.

Graças a essa nova exibição, a prática artística de Kiefer é mais explorada através da pintura, destacando considerações centrais em sua poética, como a relação entre homem e natureza; ou referências à história do pensamento e da filosofia ocidental. Os visitantes podem atravessar o espaço das “torres” e conhecer novas obras, explorando novas perspectivas nascidas do diálogo entre as pinturas e a instalação.

O artista
Anselm Kiefer nasceu em Donaueschingen, na Alemanha, em 1945. Depois de estudar direito e literatura, dedicou-se à arte. Suas primeiras obras, criadas na segunda metade da década de 1960, são influenciadas pelo gesto e obra do artista Joseph Beuys. Entre 1993 e 2007, Anselm Kiefer mudou-se para Barjac, no sul da França, onde transformou uma fábrica de seda de 350.000 metros quadrados em seu estúdio em casa. Hoje ele vive e trabalha em Croissy e Paris, mas muitas de suas grandes instalações ainda são mantidas em Barjac, em uma espécie de museu pessoal e obra de arte total.

Em todo o seu trabalho, Kiefer discute com o passado e aborda questões tabus e controversas da história recente. Temas do domínio nazista são particularmente refletidos em seu trabalho; por exemplo, a pintura “Margarethe” (óleo e palha sobre tela) foi inspirada no famoso poema de Paul Celan “Todesfuge” (“Fuga da Morte”).

Suas obras são caracterizadas por uma vontade inabalável de confrontar o passado sombrio de sua cultura e o potencial não realizado, em obras que geralmente são feitas em uma escala ampla e de confronto bem adequada aos sujeitos. Também é característico de seu trabalho encontrar assinaturas e / ou nomes de pessoas de importância histórica, figuras lendárias ou lugares históricos. Todos esses são sigilos codificados pelos quais Kiefer procura processar o passado; isso resultou em seu trabalho sendo vinculado aos movimentos Novo Simbolismo e Neo-Expressionismo.

Processo Artístico
Geralmente, Kiefer atribui a mitologia tradicional, livros e bibliotecas como seus principais assuntos e fontes de inspiração. Na meia-idade, sua inspiração veio de figuras literárias, como Paul Celan e Ingeborg Bachmann. Seus trabalhos posteriores incorporam temas das culturas judaico-cristã, egípcia antiga e oriental, que ele combina com outros motivos. A cosmogonia também é um grande foco em suas obras. Ao todo, Kiefer busca o significado da existência e “representação do incompreensível e do não-representacional”.

Filosofia
Kiefer valoriza uma “conexão espiritual” com os materiais com os quais trabalha, “extraindo o espírito que já vive dentro”. Ao fazer isso, ele transforma seus materiais em banhos ácidos e golpes físicos com paus e machados, entre outros processos.

Ele costuma escolher materiais para suas propriedades alquímicas – chumbo em particular. A atração inicial de Kiefer por liderar surgiu quando ele teve que reparar canos velhos na primeira casa que possuía. Eventualmente, ele passou a admirar suas qualidades físicas e sensoriais e começou a descobrir mais sobre sua conexão com a alquimia. Fisicamente, Kiefer gosta especificamente da aparência do metal durante o processo de aquecimento e fusão quando vê muitas cores, especialmente o ouro, que ele associa ao ouro simbólico procurado pelos alquimistas.

O uso de palha por Kiefer em seu trabalho representa energia. Ele afirma que isso se deve às qualidades físicas do canudo, incluindo a cor dourada e sua liberação de energia e calor quando queimado. A cinza resultante abre caminho para uma nova criação, ecoando assim os motivos de transformação e o ciclo da vida.

Kiefer também valoriza o equilíbrio entre ordem e caos em seu trabalho, afirmando: “se há muita ordem, [a peça] está morta; ou, se há muito caos, não é coerente”. Além disso, ele se preocupa profundamente com o espaço em que suas obras residem. Ele afirma que suas obras “perdem completamente o poder” se colocadas nos espaços errados.

Estilo e materiais
Formalmente, o trabalho de Kiefer é monumental e figurativo (“Sem um objeto, eu não faria uma imagem mesmo”). Sua cor preferida é cinza, a “cor da dúvida”. o conteúdo testemunha o trabalho de uma “continuação da pintura histórica” ​​e um “estudo intensivo de coleções culturais”. Os críticos de arte americana o situam na tradição da pintura de paisagem romântica de Caspar David Friedrich.

Kiefer avalia com ceticismo o “processo de trabalho clássico do pintor, com uma idéia, caderno de esboços, execução”, que ele não possui; “Porque para isso eu teria que assumir o resultado desejado, e não estou interessado nisso.” “Vejo minhas fotos como ruínas, ou como blocos de construção que podem ser montados. Eles são materiais com os quais você pode construir algo, mas não são perfeitos. Eles estão mais perto de nada do que da perfeição.” suas obras, quando aparecem como “ícones, símbolos ancorados na história cultural das pessoas” ou como autorretratos. Os tópicos e assuntos recorrentes são mitos, livros e bibliotecas tradicionais. Ele concordou com um entrevistador que seu trabalho ocorreu “na interação entre mitologia e proporção”. Ele era um “artista do submundo” (“eu sou um artista do submundo”), é uma de suas auto-caracterizações mais jovens. Armin Zwei entende a pintura de Kiefer como uma interpretação do mundo, não como uma visualização da percepção subjetiva, mas como uma interpretação do mundo, “apropriação do incompreensível”.

Poucos artistas contemporâneos têm um senso tão forte da obrigação da arte de lidar com o passado e com as questões éticas do presente. No final dos anos 80, em um “Art Talk”, ele assumiu a responsabilidade pela arte da seguinte forma: “Eu acredito que a arte deve assumir responsabilidade, mas não deve deixar de ser arte. Meu conteúdo pode não ser contemporâneo, mas pode ser político “. Como afirma o historiador da arte Werner Spies, Kiefer, como apenas Gerhard Richter,” pôs fim à supressão de nomes, termos e topografias “. A artista suíça Andrea Lauterwein caracterizou-se como “pictor doctus” (pintora erudita) em sua dissertação sobre Kiefer e Paul Celan, um pintor que se baseava em amplas referências filosóficas e literárias e cujo diálogo com o poeta Celan foi incorporado em sua obra como pintor. leitmotif.

Através da recepção da poesia de Celan, ele rompeu o círculo de fascinação e repulsa diante da fantasmagoria nacional-socialista e também foi capaz de visualizar a visão judaica do Holocausto e Shoa. O historiador de arte londrino Norman Rosenthal escreve sobre o efeito dos quadros de Kiefer: “Eles podem causar dor aos alemães, mas ele é admirado no exterior porque criou obras complexas durante o período Hitler, incluindo o judaísmo”. Esse alemão tinha um relacionamento real com sua própria cultura, com Beethoven, Heine, Goethe ou Wagner, e reúne “o terrível e o belo de seu país juntos de uma maneira grandiosa”. O historiador de arte francês Daniel Arasse enfatiza que humor, ironia e ridículo são “uma dimensão constitutiva” de sua obra, o que às vezes permite “quebrar as proibições”.

Além do poeta Paul Celan, Kiefer também foi inspirado por Ingeborg Bachmann em obras importantes. As fotos Bohemia é à beira-mar (1995 e 1996) têm o título de um poema de Bachmann. Seu verso “Todo mundo que cai tem asas” também está em uma de suas pinturas posteriores de Barjac.

Enquanto o período criativo inicial de Kiefer foi determinado por um exame quase obsessivo da história e cultura alemãs, além da gnose e do misticismo judaico (Cabala), mitologias e cosmogonias egípcias e orientais foram adicionadas como novas fontes de inspiração em suas fases posteriores de trabalho, sem os tópicos antigos desaparecendo completamente.

Suas obras são caracterizadas pelo material arcaico: além do chumbo dominante, existem cinzas, palha, girassol, mechas de cabelos, areia, argila, madeira queimada, restos de tecido, frequentemente aplicados em camadas sobrepostas. Kiefer é um “amigo do chumbo”, como se admite: “O chumbo me afeta mais do que qualquer outro metal”. Ele formulou seu credo no paradoxo: “Escondo a matéria despindo-a”.

Além de sua preferência por materiais não convencionais, o pensamento de Beuys está intimamente ligado aos paralelos percebidos por Kiefer entre os papéis de alquimista e artista, o último dos quais converte matéria-prima e tela em significados simbólicos.

Quem tenta supervisionar e organizar todo o trabalho de Kiefers até agora sempre se depara com o fato de o artista nomear diferentes trabalhos e grupos de trabalhos criados em momentos diferentes com os mesmos títulos, nas palavras Jürgen Hohmeyer, ex-editor cultural da Spiegel , é para Kiefer “Prática comum de reciclagem de títulos”. Exemplos disso são suas numerosas obras, grupos de obras e exposições designadas com palácios celestes ou torres de palácios celestes.

Fotografia
Kiefer começou sua carreira criando performances e documentando-as em fotografias intituladas Occupations and Heroische Sinnbilder (Heroic Symbols). Vestido com o uniforme da Wehrmacht de seu pai, Kiefer imitou a saudação nazista em vários locais na França, Suíça e Itália. Ele pediu aos alemães que se lembrassem e reconhecessem a perda de sua cultura através da louca xenofobia do Terceiro Reich. Em 1969, na Galerie am Kaiserplatz, Karlsruhe, ele apresentou sua primeira exposição individual “Besetzungen (Occupations)” com uma série de fotografias de ações políticas controversas.

Pintura e escultura
Kiefer é mais conhecido por suas pinturas, que crescem cada vez mais em escala com adições de chumbo, cacos de vidro e flores ou plantas secas. Isso resulta em superfícies incrustadas e espessas camadas de impasto.

Em 1970, enquanto estudava informalmente com Joseph Beuys na Kunstakademie Düsseldorf, suas tendências estilísticas se assemelhavam à abordagem de Georg Baselitz. Ele trabalhou com peças de vidro, palha, madeira e plantas. O uso desses materiais fez com que suas obras de arte se tornassem temporárias e frágeis, como o próprio Kiefer sabia; ele também queria mostrar os materiais de tal maneira que eles não estivessem disfarçados e pudessem ser representados em sua forma natural. A fragilidade de seu trabalho contrasta com o assunto gritante em suas pinturas. Esse uso de materiais familiares para expressar idéias foi influenciado por Beuys, que usava gordura e carpete em suas obras. Também é típico do estilo neo-expressionista.

Kiefer retornou à área onde nasceu em 1971. Nos anos seguintes, ele incorporou a mitologia alemã em particular em seu trabalho, e na década seguinte estudou a Cabala, bem como os cabalistas como Robert Fludd. Ele fez longas viagens pela Europa, EUA e Oriente Médio; as duas últimas jornadas influenciaram ainda mais seu trabalho. Além de pinturas, Kiefer criou esculturas, aquarelas, fotografias e xilogravuras, usando xilogravuras em particular para criar um repertório de figuras que ele poderia reutilizar repetidamente em todos os meios de comunicação nas próximas décadas, emprestando ao seu trabalho sua coerência temática.

Ao longo dos anos 1970 e início dos anos 1980, Kiefer fez inúmeras pinturas, aquarelas, xilogravuras e livros sobre temas interpretados por Richard Wagner em seu ciclo de quatro óperas Der Ring des Nibelungen (O Anel do Nibelungo).

No início dos anos 80, ele criou mais de trinta pinturas, fotografias pintadas e aquarelas que se referem em seus títulos e inscrições ao poema do escritor judeu romeno Paul Celan “Todesfuge” (“Fuga da Morte”).

Uma série de pinturas executadas por Kiefer entre 1980 e 1983 retratam imponentes edifícios de pedra, referindo-se a exemplos famosos da arquitetura nacional-socialista, particularmente edifícios projetados por Albert Speer e Wilhelm Kreis. A grande praça de To the Unknown Painter (1983) refere-se especificamente ao pátio externo da Chancelaria de Hitler em Berlim, projetado por Speer em 1938 em homenagem ao Soldado Desconhecido. Entre 1984 e 1985, ele fez uma série de trabalhos em papel incorporando fotografias em preto e branco manipuladas de paisagens desoladas, com postes e linhas de energia. Tais trabalhos, como Heavy Cloud (1985), foram uma resposta indireta à controvérsia na Alemanha Ocidental no início dos anos 80 sobre o posicionamento da OTAN de mísseis nucleares táticos em solo alemão e a instalação de instalações de processamento de combustível nuclear.

Em meados da década de 1980, os temas de Kiefer aumentaram de um foco no papel da Alemanha na civilização para o destino da arte e da cultura em geral. Seu trabalho se tornou mais escultural e envolveu não apenas identidade nacional e memória coletiva, mas também simbolismo oculto, teologia e misticismo. O tema de todo o trabalho é o trauma experimentado por sociedades inteiras e o contínuo renascimento e renovação na vida. Durante a década de 1980, suas pinturas se tornaram mais físicas e apresentavam texturas e materiais incomuns. O leque de seus temas foi ampliado para incluir referências à história antiga dos hebreus e egípcios, como na grande pintura Osíris e Ísis (1985-87). Suas pinturas dos anos 90, em particular, exploram os mitos universais de existência e significado, e não os da identidade nacional. De 1995 a 2001, ele produziu um ciclo de grandes pinturas do cosmos. Ele também começou a se dedicar à escultura, embora o chumbo ainda seja seu meio preferido.

Ao longo dos anos, Kiefer fez muitos trabalhos incomuns, mas um dos trabalhos se destaca entre os mais particularmente bizarros – esse trabalho é sua peça de 20 anos de solidão. Levando mais de 20 anos para criar (1971-1991), 20 Years of Solitude é uma pilha no teto de centenas de livros e livros artesanais pintados de branco, espalhados por terra e vegetação seca, cujas páginas estão manchadas com o sêmen do artista. A palavra solidão no título refere-se à masturbação freqüente dos artistas no papel durante os 20 anos necessários para criar. Ele pediu ao crítico de arte americano Peter Schjeldahl que escrevesse um texto para um catálogo dos livros de masturbação. Schjeldahl tentou obedecer, mas acabou fracassando em seu esforço. Nenhum outro crítico assumiu a tarefa, então o trabalho se desvaneceu amplamente na obscuridade.

Ele chocaria o mundo da arte mais uma vez em um jantar em maio de 1993. Kiefer e sua segunda esposa, Renate Graf, decoraram um loft comercial à luz de velas em Nova York com musselina branca, atapetaram o chão com areia branca e serviram de garçons. vestido como mímicos com rosto branco. Um punhado de elite mundial da arte, como Sherrie Levine, recebeu vários pratos de carnes de órgãos arcanos, como o pâncreas, que eram principalmente de cor branca. Não surpreendentemente, os convidados não acharam a refeição particularmente apetitosa.

Desde 2002, Kiefer trabalha com concreto, criando as torres destinadas aos armazéns Pirelli em Milão, a série de homenagens a Velimir Khlebnikov (pinturas do mar, com barcos e uma variedade de objetos com chumbo, 2004-5), um retorno a o trabalho de Paul Celan com uma série de pinturas com motivos de runas (2004–6) e outras esculturas. Em 2003, realizou seu primeiro show solo na Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg Villa Katz, Anselm Kiefer: Am Anfang, dedicado a uma série de novas obras, centradas nos temas recorrentes da história e dos mitos.

Em 2005, ele realizou sua segunda exposição no local de Galerie Thaddaeus Ropac, em Salzburgo, Für Paul Celan, que se concentrava na preocupação de Kiefer com o livro, ligando referências à mitologia germânica com a poesia de Paul Celan, um judeu de língua alemã de Czernowitz. A exposição contou com onze obras sobre tela, uma série de livros encadernados mostrados em vitrines e cinco esculturas, incluindo uma poderosa escultura monumental ao ar livre de concreto armado e elementos de chumbo, duas pilhas de livros de chumbo combinadas com girassóis de bronze, navios de chumbo e cunhas e dois livros monumentais de chumbo da série A Vida Secreta das Plantas. A exposição visitou a Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, e a Galerie Yvon Lambert, Paris, no ano seguinte.

Em 2006, a exposição de Kiefer, Velimir Chlebnikov, foi exibida pela primeira vez em um pequeno estúdio perto de Barjac, depois mudou-se para White Cube em Londres, terminando no Aldrich Contemporary Art Museum em Connecticut. O trabalho consiste em 30 grandes pinturas (2 x 3 metros), penduradas em duas margens de 15 nas paredes de um edifício de aço corrugado expressamente construído que imita o estúdio em que foram criados. O trabalho refere-se às teorias excêntricas do filósofo / poeta futurista russo Velimir Chlebnikov, que inventou uma “linguagem do futuro” chamada “Zaum” e que postulou que as batalhas cataclísmicas no mar mudam o curso da história a cada 317 anos. Em suas pinturas, os navios de guerra de Kiefer – deformados, maltratados, enferrujados e pendurados por fios retorcidos – são lançados por ondas de tinta e gesso. As notas de cores recorrentes do trabalho são preto, branco, cinza e ferrugem; e suas superfícies são ásperas e cobertas de tinta, gesso, barro e argila.

Em 2007, ele se tornou o primeiro artista a ser contratado para instalar uma obra permanente no Louvre, Paris, desde Georges Braque cerca de 50 anos antes. No mesmo ano, ele inaugurou a série de exposições Monumenta no Grand Palais, em Paris, com obras em homenagem aos poetas Paul Celan e Ingeborg Bachmann.

Em 2009, Kiefer montou duas exposições na galeria White Cube, em Londres. Uma série de dípticos e trípticos da floresta envoltos em vitrinas de vidro, muitos cheios de espinhos marroquinos densos, foi intitulada Karfunkelfee, um termo do romantismo alemão decorrente de um poema do escritor austríaco do pós-guerra Ingeborg Bachmann. Em The Fertile Crescent, Kiefer apresentou um grupo de pinturas épicas inspiradas em uma viagem à Índia quinze anos antes, onde encontrou fábricas de tijolos rurais pela primeira vez. Na última década, as fotografias que Kiefer tirou na Índia “reverberaram” em sua mente para sugerir uma vasta gama de referências culturais e históricas, que vão desde a primeira civilização humana da Mesopotâmia até as ruínas da Alemanha após a Segunda Guerra Mundial , onde ele jogou quando menino. “Qualquer pessoa em busca de uma meditação ressonante sobre a instabilidade da grandeza construída”, escreveu o historiador Simon Schama em seu ensaio de catálogo, “faria bem em olhar com atenção para o Crescente Fértil de Kiefer”.

No Plano Morgenthau (2012), a galeria é preenchida com uma escultura de um campo de trigo dourado, fechado em uma gaiola de aço de cinco metros de altura. No mesmo ano, Kiefer inaugurou o espaço da galeria de Galerie Thaddaeus Ropac em Pantin, com uma exposição de obras monumentais, Die Ungeborenen. A exposição foi acompanhada de uma publicação com uma carta de Anselm Kiefer e ensaios de Alexander Kluge e Emmanuel Daydé. Ele continua a ser representado pela galeria e participa de exposições coletivas e individuais em seus vários locais.

Livros
Em 1969, Kiefer começou a desenhar livros. Os primeiros exemplos são tipicamente fotografias trabalhadas; seus livros mais recentes consistem em folhas de chumbo em camadas com tinta, minerais ou matéria vegetal seca. Por exemplo, ele montou vários livros de chumbo em prateleiras de aço em bibliotecas, como símbolos do conhecimento armazenado e descartado da história. O livro Rhine (1981) compreende uma sequência de 25 xilogravuras que sugerem uma jornada ao longo do rio Reno; o rio é central para o desenvolvimento geográfico e histórico da Alemanha, adquirindo um significado quase mítico em obras como o Anel dos Nibelungos, de Wagner. Cenas do rio intocado são interrompidas por páginas escuras e rodopiantes que representam o naufrágio do navio de guerra Bismarck em 1941, durante uma surtida no Atlântico com o nome de Rhine Exercise.

Estúdios
O primeiro grande estúdio de Kiefer estava no sótão de sua casa, uma antiga escola em Hornbach. Anos depois, ele instalou seu estúdio em um edifício fabril em Buchen, perto de Hornbach. Em 1988, Kiefer transformou uma antiga fábrica de tijolos em Höpfingen (também perto de Buchen) em uma extensa obra de arte, incluindo inúmeras instalações e esculturas. Em 1991, após vinte anos trabalhando no Odenwald, o artista deixou a Alemanha para viajar pelo mundo – para Índia, México, Japão, Tailândia, Indonésia, Austrália e Estados Unidos. Em 1992, ele se estabeleceu em Barjac, França, onde transformou seu complexo de estúdio de 35 hectares, La Ribaute, em um Gesamtkunstwerk. Uma fábrica de seda abandonada, seu estúdio é enorme e, de várias maneiras, é um comentário sobre industrialização. Ele criou um extenso sistema de edifícios de vidro, arquivos, instalações, depósitos para materiais e pinturas, câmaras e corredores subterrâneos.

Sophie Fiennes filmou o complexo de estúdio de Kiefer em Barjac para seu estudo documental, Over Your Cities Grass Will Grow (2010), que registrou o ambiente e o artista no trabalho. Um crítico escreveu sobre o filme: “Construído quase do zero em uma fábrica de seda abandonada, Kiefer concebeu um projeto artístico que se estendia por acres: quilômetros de corredores, enormes estúdios com ambiciosas pinturas de paisagem e esculturas que correspondem a construções monumentais nos arredores. bosques e labirintos escavados em serpentina, com grandes colunas terrosas que se assemelham a estalagmites ou montes de cupins. Em nenhum lugar está claro onde o produto final se encontra definitivamente; talvez seja tudo trabalho em andamento, um organismo monumental da arte conceitual “.

Em 2008, Kiefer deixou seu estúdio em Barjac e se mudou para Paris. Uma frota de 110 caminhões transportou seu trabalho para um armazém de 35.000 pés quadrados (3.300 m2) em Croissy-Beaubourg, nos arredores de Paris, que já fora o depósito da loja de departamentos La Samaritaine. Um jornalista escreveu sobre o complexo de estúdios abandonado de Kiefer: “Ele deixou para trás a grande obra de Barjac – a arte e os edifícios. Um zelador cuida dela. Desabitada, ela aguarda silenciosamente que a natureza domine, porque, como sabemos, sobre nossas cidades a grama vai crescer. Kiefer passou o verão de 2019 vivendo e trabalhando em Barjac. ”

Recepção
Segundo o crítico de arte Jürgen Hohmeyer, “nenhum outro artista contemporâneo sentiu banhos alternados de veredicto total e adoração” como Kiefer.

No início dos anos 80, uma parte considerável da crítica de arte alemã a Kiefer era “extremamente negativa, até depreciativa”; sua “empatia aparentemente afirmativa por gestos e símbolos fascistas” o tornou extremamente impopular. O tratamento ambíguo de Kiefer do passado alemão fez com que os críticos ignorassem os “aspectos irônicos, provocativos e subversivos de seu trabalho”. Werner Spies o classificou em 1980 no Frankfurter Allgemeine Zeitung como uma “overdose de Teutschem”. Petra Kipphoff repreendeu seu “jogo com irracionalismo e brutalidade” na ZEIT.

Um exame científico do pinheiro só começou na segunda metade da década de 80. O crescente reconhecimento de seu trabalho no exterior contribuiu para isso. A retrospectiva de 1984 para o Düsseldorf Kunsthalle foi para Paris e Israel no mesmo ano. Ele recebeu uma resposta polifônica positiva do público israelense. Mas foi apenas com a exposição itinerante de 1987 a 1989 nos EUA e as críticas enfáticas do exterior que, segundo o comentário de Spiegel, “eram sensivelmente desproporcionais às reservas em casa”, seu trabalho recebeu o devido reconhecimento na Alemanha. O influente crítico de arte anglo-saxão Robert Hughescall chamou-o de “melhor pintor de sua geração nos dois lados do Atlântico”. Mesmo assim, Werner Spies suspeitava do público judeu americano de uma “atração masoquista não detectada devido à perigosa e à beleza do escuro e queimado, o que é mostrado tão concretamente nas fotos”.

Depois da mandíbula com a entrega do prestigiado Prêmio Wolf de verão de 1990, o politicamente correto de sua arte, representado pelos descendentes das vítimas do Jerusalem Knesset, foi confirmado, silenciando tais alegações. Menos de 20 anos depois (2008), um de seus ex-críticos mais severos, Werner Spies, proferiu o discurso de louvor na cerimônia de entrega do prêmio de paz do comércio alemão do livro a Kiefer. Por ocasião da retrospectiva no Centre Pompidou 2015-2016 em Paris, a forma de “luto artístico”, que é particularmente apreciada na França, foi novamente questionada criticamente.

Premiado com inúmeros prêmios e honrarias, Kiefer é agora um dos artistas contemporâneos mais importantes do mundo. Ele está entre os dez primeiros na bússola artística dos 100 artistas contemporâneos mais procurados em todo o mundo há anos; Em 2015, ele foi classificado em 6º.

A exibição
As sete torres – pesando 90 toneladas cada e com altura entre 14 e 18 metros – são feitas de concreto armado, utilizando módulos angulares de contêineres para o transporte de mercadorias como elementos de construção. Anselm Kiefer inseriu livros de chumbo e cunhas entre os vários andares de cada torre, os quais, comprimidos sob o peso do concreto, garantem melhor a natureza estática das estruturas. Para o artista, o uso desse metal tem não apenas um valor funcional, mas também um valor simbólico: o chumbo, de fato, é considerado na tradição como uma questão de melancolia. Os Sete Palácios Celestes representam um ponto de chegada de toda a obra do artista e resumem seus principais temas, projetando-os em uma nova dimensão fora do tempo: a interpretação da antiga religião judaica; a representação das ruínas do oeste após a Segunda Guerra Mundial; a projeção para um futuro possível a partir do qual o artista nos convida a olhar para o nosso presente.

Desde setembro de 2015, cinco telas grandes, criadas entre 2009 e 2013, enriquecem e ampliam a instalação permanente de Anselm Kiefer. O rearranjo, com curadoria de Vicente Todolí, repensa e dá um novo significado à obra do artista. As cinco grandes telas – Jaipur (2009); duas obras da série Cette obscuro clarté qui tombe des étoiles (2011); Alchemie (2012); Die Deutsche Heilslinie (2012-2013) – são exibidos no espaço Navate, que abriga a instalação permanente, dando um novo significado à obra-prima de Anselm Kiefer. As obras pictóricas formam, juntamente com as “torres”, uma única instalação – intitulada I Sette Palazzi Celesti 2004-2015 – que aborda temas já presentes na obra específica do local – as grandes construções arquitetônicas do passado, como uma tentativa do homem de ascendem ao divino e às constelações representadas por numeração astronômica – e também acrescentam algumas reflexões centrais na poética do artista, como a relação entre homem e natureza, referências à história do pensamento e da filosofia ocidentais.

Sefiroth
A primeira das sete torres a serem criadas, “Sefiroth”, também é a mais curta (14 metros). A torre culmina com uma pilha de sete livros principais e apresenta luzes de neon que formam os nomes hebraicos de Sefiroth, vistos na Cabala como representações das expressões e ferramentas de Deus e formando o próprio material da criação: Kether (coroa), Chochmah (sabedoria) ), Binah (compreensão), Chessed (bondade), Geburah (força), Tiffereth (beleza ou majestade), Netzach (eternidade ou vitória), Hod (esplendor), Yesod (fundação), Malkut (reino) e Daad ( compreensão e sabedoria).

Melancolia
“Melancolia” se destaca principalmente pela conclusão da última cobertura, um poliedro retirado da gravura com o mesmo nome criada em 1514 por Albrecht Dürer, que se tornou uma das imagens alegóricas mais famosas do artista. Os artistas foram definidos como “aqueles nascidos sob Saturno”, pois as pessoas acreditavam que o planeta da melancolia representava o caráter contemplativo e ambivalente do artista.

Na base da torre, existem as chamadas “estrelas cadentes”, pequenas folhas de vidro e tiras de papel marcadas com séries alfanuméricas que correspondem à classificação de corpos celestes da NASA.

Ararat
“Ararat” tem o nome da montanha na Ásia Menor, onde, segundo a tradição bíblica, a arca de Noé finalmente parou. A arca é representada por um pequeno modelo de chumbo presente no topo da torre, simbolizando um veículo de paz e salvação, mas também um navio de guerra e, portanto, um veículo de destruição e desolação.

Linhas de campo magnético
A torre mais imponente de toda a instalação tem 18 metros de altura e é caracterizada por uma série de filmes de chumbo que percorrem todo o caminho, alcançando a base e ficando ao lado de um rolo de filme vazio e uma câmera feita do mesmo material.

A escolha do chumbo, um material pelo qual a luz não pode passar (e, portanto, impede a produção de qualquer imagem), pode ser interpretada de diferentes maneiras: desde a tentativa nazista de apagar a cultura judaica e as minorias étnicas, até a batalha iconoclasta que periodicamente atravessa A cultura ocidental, da era bizantina até a era luterana e a concepção, freqüentemente citada por Kiefer, de que “toda obra de arte cancela as que a precedem”.

JH & WH
Essas duas torres são disseminadas na base de meteoritos que foram numerados com chumbo derretido em formas irregulares, simbolizando o mito da criação apresentado em vários textos da Cabala. As duas torres são igualmente complementares em suas coroas, culminando com a escrita em luz neon detalhando respectivamente as letras “JH” e “WH” que, quando unidas de acordo com as regras da fonética hebraica, formam o mundo “Yahweh”, um termo impronunciável em a tradição judaica.

Fotos de Torre das Quedas
A “Torre dei Quadri Cadenti” deve seu nome mais uma vez aos objetos presentes do topo à base da construção: uma série de caixilhos de madeira e chumbo contendo grossas folhas de vidro, muitas das quais foram quebradas em intervalos irregulares. Surpreendentemente, os quadros não exibem nenhuma imagem. Mais uma vez, Anselm Kiefer lida com o tema da falta de imagens e suas potencialmente múltiplas referências cruzadas.

Jaipur
O título desta pintura é retirado de Jaipur, uma cidade que Kiefer visitou durante suas inúmeras viagens pela Índia. A tela retrata uma paisagem noturna: na parte inferior, o artista pintou uma estrutura arquitetônica que lembra o espectador de uma pirâmide invertida; acima, um céu estrelado. As constelações visíveis no céu, conectadas com linhas, são numeradas utilizando o sistema de classificação da NASA. Do ponto de vista temático, esta obra de arte parece ser a mais intimamente ligada aos “Os Sete Palácios Celestiais”: a pirâmide se torna um símbolo da vã tentativa do homem de se aproximar do divino.

Cette obscure clarté qui tombe des étoiles
Nestas duas pinturas da série “Cette obscura clarté qui tombe des étoiles”, Kiefer retrata uma paisagem desértica, na qual ele põe sementes de girassol pretas – um elemento recorrente na obra do artista. Elas simbolizam estrelas caídas, pretas no branco, como se fossem impressões negativas. Adicionando diferentes materiais à superfície da pintura, o artista ultrapassa o limite entre pintura e escultura, parecendo convidar o espectador a entrar em seu mundo.

Alchemie
“Alquimia” é composta de duas telas dispostas lado a lado que retratam uma paisagem seca e árida, na qual a terra parece totalmente estéril. Uma “chuva” de sementes de girassol é o único sinal de vida e a esperança de rebrota. O elemento que liga as telas é um conjunto de balanças que contêm sal em um prato e sementes de girassol no outro: símbolos opostos de esterilidade e fertilidade. Estas são uma citação clara do interesse do artista na alquimia, uma ciência esotérica que visava transformar chumbo em ouro e uma alegoria da tensão do homem em relação à perfeição e ao divino.

Die Deutsche Heilslinie
A maior pintura da mostra do Pirelli HangarBicocca retrata simbólica e literalmente – como o título se comunica – a história da salvação alemã. Situado em uma trajetória de arco-íris que conecta a terra e o céu e atravessa toda a superfície, Kiefer transcreve, inserido em um caminho histórico-filosófico que vai do pensamento dos iluministas a Karl Marx, os nomes dos filósofos alemães que apoiaram a idéia de salvação através das ações de um líder. Na base da pintura, está a figura de um homem, retratado por trás enquanto olha solitário e sozinho, sobre uma paisagem que ecoa as pinturas românticas do artista Caspar David Friedrich. Ao redor são definidos os nomes dos pensadores que apoiaram a idéia de que a salvação pode ser alcançada através do reconhecimento da própria identidade individual

Pirelli HangarBicocca
O Pirelli HangarBicocca, também conhecido como HangarBicocca, é um espaço de exposições dedicado à arte moderna e contemporânea, localizado no bairro de Bicocca, em Milão. O edifício era originalmente uma planta industrial da empresa AnsaldoBreda, adquirida pela Pirelli em 2004 e posteriormente convertida em 1.500 metros quadrados de galerias de exposições.

O Pirelli HangarBicocca é uma fundação sem fins lucrativos, criada em 2004, criada e totalmente apoiada pela Pirelli, que transformou uma antiga planta industrial de Milão em uma instituição para produzir e promover a arte contemporânea.

Este centro dinâmico de experimentação e pesquisa abrange 15.000 metros quadrados, tornando-o um dos maiores espaços de exibição contíguos da Europa. Apresenta grandes shows solo todos os anos por artistas italianos e internacionais, com cada projeto concebido para trabalhar em estreita relação com a arquitetura do complexo e explorado em profundidade através de um calendário de eventos paralelos. A entrada no espaço e nos shows é totalmente gratuita, e os facilitadores estão à disposição para ajudar o público a se conectar com a arte. Desde 2013, Vicente Todolí é o diretor artístico da fundação.

O complexo, que já abrigou uma fábrica de locomotivas, inclui uma área para serviços públicos e atividades educacionais, e três espaços para exposições cujas características arquitetônicas originais do século XX foram deixadas claramente visíveis: Shed, Navate e Cubo. Além do programa de exposições e eventos culturais, o Pirelli HangarBicocca também abriga permanentemente uma das obras mais importantes de Anselm Kiefer, específicas para o local, “Os Sete Palácios Celestiais 2004-2015”, encomendada para a abertura do Pirelli HangarBicocca.