Un cartone animato è un film per il cinema, la televisione o lo schermo di un computer, realizzato con disegni sequenziali, al contrario delle animazioni in generale, che includono film realizzati con argilla, burattini e altri mezzi. I cartoni animati sono ancora creati per scopi commerciali, educativi e personali.

Spesso i toon ricevono oggetti insoliti, e le insidie ​​che i personaggi tendono a vicenda spesso finiscono in una caduta comica, grazie a molti rovesci della situazione.

Di solito è cortometraggi, usando l’ironia, l’esagerazione, la caricatura e soprattutto l’immaginazione. I cartoni animati favoriscono sempre l’umorismo, generalmente non danno molta importanza alla vita dei personaggi: solo il momento dell’azione e gli elementi contano fino alla fine del bavaglio.

Per quanto riguarda lo stile grafico e l’animazione: deformazioni molto importanti dei personaggi (stretching, occhi grandi, quattro dita, tecnica di squash e stretch). Questa particolarità dei personaggi è cruciale negli scenari, perché rende possibile vivere con queste situazioni illogiche e divertenti di ogni genere.

Per quanto riguarda lo scenario: l’esagerazione delle situazioni e delle emozioni espresse dai personaggi, la violenza di questi che non sono mai drammatizzati: i personaggi sono spesso risorti dopo situazioni di sofferenza che avrebbero portato alla loro morte in tempi normali; a differenza dello stile Disney, che a volte si trasforma in tragedia (fiabe, morte della madre di Bambi).

Storia:
Primi esempi di tentativi di catturare il fenomeno del movimento in un disegno ancora si possono trovare in pitture rupestri paleolitiche, dove gli animali sono spesso raffigurati con gambe multiple in posizioni sovrapposte, cercando chiaramente di trasmettere la percezione del movimento.

Il phenakistoscope (1832), zoetrope (1834) e praxinoscope (1877), oltre al comune flip book, erano i primi dispositivi di animazione per produrre movimento da disegni sequenziali usando mezzi tecnologici, ma non si svilupparono ulteriormente fino all’avvento del film .

La prima proiezione animata (proiezione) è stata creata in Francia, da Charles-Émile Reynaud, che era un insegnante di scienze francese. Reynaud creò il Praxinoscope nel 1877 e il Théâtre Optique nel dicembre 1888. Il 28 ottobre 1892 progettò la prima animazione in pubblico, Pauvre Pierrot, al Musée Grévin di Parigi. Questo film è anche degno di nota come il primo esempio noto di perforazione del film in uso. I suoi film non sono stati fotografati, ma disegnati direttamente sulla striscia trasparente. Nel 1900 più di 500.000 persone avevano partecipato a queste proiezioni.

La prima proiezione animata (fotografata) fu Humorous Phases of Funny Faces (1906) del fumettista J. Stuart Blackton, uno dei co-fondatori della Vitagraph Company arrivò. Nel film, i disegni a tratteggio di due volti di un fumettista sono stati “animati” (o hanno preso vita) su una lavagna. Le due facce sorridevano e facevano l’occhiolino, e l’uomo che fumava sigarette soffiava fumo in faccia alla signora; inoltre, un clown del circo ha portato un piccolo cane a saltare attraverso un cerchio.

La prima proiezione animata in senso tradizionale (cioè film in movimento) è stata Fantasmagorie del regista francese Émile Cohl nel 1908. A questo hanno fatto seguito altri due film, Le Cauchemar du fantoche [The Puppet’s Nightmare, ora perso] e Un Drame chez les fantoches [A Puppet Drama, intitolato The Love Affair in Toyland per l’uscita americana e Mystical Love-Making per l’uscita britannica], il tutto completato nel 1908.

Uno dei primi cartoni animati animati di successo fu Gertie the Dinosaur (1914) di Winsor McCay. È considerato il primo esempio di vera animazione dei personaggi. Inizialmente, i cartoni animati erano in bianco e nero e silenziosi. Felix the Cat e Oswald the Lucky Rabbit sono esempi notevoli.

Dagli anni ’20 agli anni ’60, le vignette teatrali sono state prodotte in grandi quantità, e di solito vengono mostrate prima di un lungometraggio in un cinema. Disney (distribuito da Pat Powers, poi Columbia, poi United Artists, poi RKO, quindi indipendente), Fleischer (distribuito da Paramount), Warner Bros., MGM e UPA (distribuito dalla Columbia) sono stati i più grandi studi che hanno prodotto questi 5- a 10 minuti “pantaloncini”. Altri studi includevano Walter Lantz (distribuito da Universal), DePatie-Freleng (distribuito da United Artists), Charles Mintz Studios (successivamente Screen Gems) (distribuito dalla Columbia), Famous Studios (distribuito da Paramount) e Terrytoons (distribuito dal XX secolo Volpe).

Il primo cartone animato ad utilizzare una colonna sonora fu nel 1926 con My Old Kentucky Home di Max Fleischer. Tuttavia i Fleischers hanno utilizzato un sistema audio De Forest e il suono non è stato completamente sincronizzato con il film. Steamboat Willie di Walt Disney del 1928 con protagonista Mickey Mouse è stato il primo ad utilizzare una traccia di click durante la sessione di registrazione, che ha prodotto un sincronismo migliore. “Mickey Mousing” è diventato un termine per qualsiasi azione cinematografica (animata o live action) perfettamente sincronizzata con la musica. La musica utilizzata è la maggior parte delle volte originale, ma viene spesso utilizzata la citazione musicale. I personaggi animati solitamente eseguivano l’azione in “cicli”, cioè i disegni venivano ripetuti più e più volte.

Sebbene altri produttori avessero già realizzato film con il colore a due strisce, nel 1932 Disney ha prodotto il primo cartone animato in Technicolor a 3 strisce, Fiori e alberi. I tecnici dello studio Fleischer hanno inventato il rotoscoping, in cui gli animatori tracciano l’azione dal vivo per realizzare l’animazione sembra più realistico. Tuttavia, il rotoscoping ha reso l’animazione rigida e la tecnica è stata successivamente utilizzata più per lo studio del movimento umano e animale, piuttosto che per tracciare e copiare direttamente i movimenti filmati.

Successivamente, altre tecnologie cinematografiche furono adattate per l’uso in animazione, come le telecamere multi-piano con The Old Mill (1937), il suono stereofonico in Fantasia (1940), i processi widescreen con la lungometraggio Lady and the Tramp (1955), e persino 3D con Lumber Jack-Rabbit.

Oggi l’animazione tradizionale utilizza metodi tradizionali, ma è supportata da computer in determinate aree. Ciò fornisce all’animatore nuovi strumenti non disponibili che non potrebbero essere ottenuti usando tecniche antiche.

Processo produttivo:

Pre-produzione
Idea
Un testo di pochissime righe che descrivono i personaggi, l’ambientazione e il momento in cui si svolge un cortometraggio.

Soggetto
Tale che racconta la storia del cortometraggio; presenta i personaggi e descrive l’impostazione.

Sceneggiatura
Testo diviso in scene (cioè le scene del corto) in cui descrivi cosa succede, cosa dicono i personaggi, ecc.

La realizzazione di un disegno animato, oltre a un film, prevede la stesura dello storyboard come primo passo, per tradurre il testo della sceneggiatura in disegni. Lo storyboard è molto simile alla bozza di un fumetto, ma senza nuvole; i dialoghi, se ce ne sono, sono posti sotto la scena, insieme alle annotazioni, mentre il disegno è grezzo, pieno di tratti irrisolti, e questo perché i disegni sono molti, ma soprattutto non deve essere bello di per sé, ma per mostrare i colpi nel modo migliore.

Lo storyboard viene progressivamente modificato, fino alla versione finale, con il confronto del team di artisti con il regista; per esempio, i pittori degli sfondi devono sapere dove dipingere e dove invece lasciare spazi bianchi riservati ai personaggi.

Nella pubblicità lo storyboard viene utilizzato per inviare un spot commerciale al cliente prima di filmarlo. A differenza degli storyboard per sceneggiature di film, questi sono più dettagliati e colorati con cura, in quanto sono già una presentazione al cliente. Questo compendio fatto di disegni e annotazioni viene poi affinato con il team che lavorerà alla registrazione, ovvero attori e sceneggiatori.

Produzione esecutiva
Incisione delle voci
Prima di iniziare il lavoro di animazione, viene utilizzato per registrare una traccia audio preliminare, che fungerà da guida per gli animatori. Questa traccia contiene solo le voci, utili agli animatori per adattarsi alla quantità dei disegni.

La traccia audio completa includerà voci fuori campo, effetti sonori e musica, ma verrà eseguita solo nella fase di post-produzione.

videoboard
Passo dopo lo storyboard e la registrazione delle voci; consiste in un montaggio realizzato utilizzando le vignette dello storyboard e le voci della traccia audio preliminare.

Mulinello animato o Leica
Prima di approvare definitivamente lo storyboard, viene realizzata un’animazione molto approssimativa, composta principalmente da disegni fissi, con movimenti brevi e scarsamente articolati e modifiche di framing. Questa realizzazione è conosciuta come Animatic ed è l’ultima verifica della validità dello storyboard.

Un altro nome equivalente, oggi meno utilizzato, è il leica reel; deriva dal fatto che in passato c’era un largo uso dei prodotti Leica nella cinematografia.

sfondo
Lo sfondo del cartone tradizionale è stato dipinto su un foglio bianco, dove nel caso include anche parti dei personaggi.

Disegno, animazione e tempismo
Il tempismo è letteralmente la misurazione dei tempi delle varie scene, fondamentale per stabilire la corretta quantità di disegni per ogni sequenza.

I disegni sono realizzati con metodi diversi: dai primi cartoni in fotogramma per fotogramma, includendo sia il soggetto che lo sfondo; utilizzo del rodovetro, foglio di acetato trasparente, che consente di ridisegnare solo i personaggi in movimento e di lasciare gli sfondi fissi; fino ad oggi, quando i disegni sono fatti su fogli di carta semitrasparente, per essere poi scansionati e assemblati per mezzo del computer elettronico. L’animatore disegna i fotogrammi in successione per dare ai personaggi il movimento una volta che i fotogrammi sono montati rapidamente uno dopo l’altro.

I disegni sono già realizzati in modo tale da fondersi con lo sfondo con ombre e sottrazioni.

disposizione
Nei tempi antichi per stendere le cornici individuali i fogli di rodovetro, con i personaggi disegnati sopra, venivano posti in una cornice insieme allo sfondo, illuminati e impressi nel film uno per uno.

Più moderno i personaggi e gli sfondi sono scansionati, realizzati in digitale e combinati per formare il computer breve.

Post produzione
Assemblaggio e correzione
Le scene create in questo modo vengono assemblate insieme per comporre il risultato finale.

Nelle produzioni moderne è anche possibile regolare piccoli errori o correggere i colori o uniformare i colori delle varie scene correggendole digitalmente

Doppiaggio, effetti sonori e musica
Il doppiaggio, come già scritto, viene registrato prima di disegnare il cartone. Il doppiaggio è solitamente registrato in una sala di registrazione attentamente insonorizzata, dove i doppiatori sono presenti, da soli, con le linee scritte e, sullo schermo, le animazioni completate e assemblate, per seguire le labbra dei personaggi. Poi, quando il doppiaggio include più di una persona, assicurati di metterle insieme, per andare d’accordo con i tempi. Il doppiaggio è molto importante in un cartone animato, data l’assenza di attori e la presenza di personaggi senza la propria voce.

Infine, vengono aggiunti effetti sonori e musica, realizzati anche con animazioni dello schermo.

Televisione:
La concorrenza della televisione attirò il pubblico lontano dalle sale cinematografiche alla fine degli anni ’50 e il cartone animato iniziò il suo declino. Oggi i cartoni animati per il pubblico americano sono prodotti principalmente per la televisione.

L’animazione televisiva americana degli anni ’50 prevedeva stili di animazione piuttosto limitati, evidenziati dal lavoro di Jay Ward su Crusader Rabbit. Chuck Jones ha coniato il termine “radio illustrata” per riferirsi allo stile scadente della maggior parte dei cartoni televisivi che dipendevano più dalle loro colonne sonore che dalle immagini. Altri programmi degni di nota degli anni ’50 comprendono Gerald McBoing Boing della UPA, Huckleberry Hound di Hanna-Barbera e Quick Draw McGraw e ritrasmissione di molti cartoni animati classici da Walter Lantz, Warner Bros., MGM e Disney della Universal.

La vignetta di Hanna-Barbera, The Flintstones, è stata la prima serie animata di successo in prima serata negli Stati Uniti, dal 1960 al 1966 (e in repliche da allora). Mentre molte reti seguivano il successo dello show programmando altre vignette nei primi anni ’60, tra cui Scooby-Doo, Where Are You !, The Jetsons, Top Cat e The Alvin Show, nessuno di questi programmi è sopravvissuto più di un anno (salva Scooby- Doo, che, pur non essendo un cartone animato in prima serata, è riuscito a rimanere a galla per oltre quattro decenni). Tuttavia, le reti hanno trovato successo eseguendo questi spettacoli come cartoni del sabato mattina, raggiungendo un pubblico più ristretto con una maggiore unità demografica tra i bambini. L’animazione televisiva per i bambini è fiorita sabato mattina, su canali via cavo come Nickelodeon, Disney Channel / Disney XD e Cartoon Network, PBS Kids, e in time slot consecutivi nel pomeriggio.

I vincoli di programmazione del processo di animazione TV, in particolare i problemi di gestione delle risorse, hanno portato allo sviluppo di varie tecniche conosciute ora come animazione limitata. L’animazione a fotogramma intero (“su quelli”) è diventata rara nel suo utilizzo al di fuori delle produzioni teatrali negli Stati Uniti.

Le vignette in prima serata per un pubblico maturo erano praticamente inesistenti nel mainstream degli Stati Uniti fino al successo degli anni ’90, quando i Simpson inaugurarono una nuova era di animazione per adulti. Ora programmi di “animazione per adulti”, come Aeon Flux, Beavis e Butt-head, South Park, Family Guy, The Cleveland Show, American Dad !, Bob’s Burgers, Aqua Teen Hunger Force (attualmente noto come Aqua TV Show Show), e Futurama hanno aumentato il numero di sitcom animate in prima serata e in televisione americana. Inoltre, le opere di animazione di altri paesi (in particolare il Giappone) hanno avuto livelli diversi di airplay negli Stati Uniti dagli anni ’60.

Animazione commerciale:
L’animazione è stata molto popolare negli spot televisivi, sia per l’aspetto grafico che per l’umorismo che può offrire. Alcuni personaggi animati in spot pubblicitari sono sopravvissuti per decenni, come Snap, Crackle e Pop in pubblicità per i cereali di Kellogg.

Nel 1957, “Louie the Fly” fece la sua prima apparizione sulla TV australiana come antagonista dei cartoni animati per Mortein, un marchio australiano di insetticidi domestici e fu disegnato e animato da Geoffry Morgan Pike. In un jingle creato da Bryce Courtenay, è stato utilizzato negli spot televisivi animati dal 1962, canta con orgoglio della propria sporcizia, affermando di aver paura di nessuno tranne “l’uomo con la lattina di Mortein”.

Il leggendario regista di animazione Tex Avery è stato il produttore dei primi spot di Raid “Kills Bugs Dead” nel 1966, che hanno avuto molto successo per la compagnia. Il concetto è stato utilizzato in molti paesi da allora.