Dessin animé

Un dessin animé est un film destiné au cinéma, à la télévision ou à un écran d’ordinateur, réalisé à l’aide de dessins séquentiels, par opposition aux animations en général, qui comprennent des films réalisés avec de l’argile, des marionnettes et d’autres moyens. Les dessins animés sont toujours créés à des fins commerciales, éducatives et personnelles.

Souvent, les toons reçoivent des objets inhabituels, et les pièges que les personnages tendent les uns aux autres se terminent souvent par une chute comique, grâce à de nombreux retournements de situation.

Il s’agit généralement de courts métrages, utilisant l’ironie, l’exagération, la caricature et surtout l’imagination. Les dessins animés privilégient toujours l’humour, n’accordent généralement pas beaucoup d’importance à la vie des personnages: seul le moment de l’action et les éléments comptent pour aboutir à la fin du bâillon.

Quant au style graphique et à l’animation: déformations très importantes des personnages (stretching, grands yeux, quatre doigts, technique de squash et stretch). Cette particularité des personnages est cruciale dans les scénarios, car elle permet de faire vivre toutes ces situations illogiques et drôles.

Quant au scénario: l’exagération des situations et des émotions exprimées par les personnages, la violence de ceux-ci qui ne sont jamais dramatisés: les personnages sont souvent ressuscités après avoir souffert des situations qui auraient conduit à leur mort en temps normal; contrairement au style Disney, qui tourne parfois à la tragédie (contes de fées, la mort de la mère de Bambi).

Histoire:
Dans les peintures rupestres paléolithiques, les premiers exemples de tentatives pour capturer le phénomène du mouvement dans un dessin sont les peintures de cavernes paléolithiques, où les animaux sont souvent représentés avec des jambes multiples dans des positions superposées, essayant clairement de transmettre la perception du mouvement.

Le phénakistoscope (1832), le zootrope (1834) et le praxinoscope (1877), ainsi que le flip book commun, étaient des dispositifs d’animation précoce pour produire des mouvements à partir de dessins séquentiels utilisant des moyens technologiques, mais ne se développaient pas avant l’apparition du film cinématographique. .

La première projection animée a été créée en France par Charles-Émile Reynaud, professeur de sciences français. Reynaud crée le Praxinoscope en 1877 et le Théâtre Optique en décembre 1888. Le 28 octobre 1892, il projette la première animation en public, Pauvre Pierrot, au Musée Grévin à Paris. Ce film est également remarquable en tant que premier exemple connu de perforations de film utilisées. Ses films n’ont pas été photographiés, mais dessinés directement sur la bande transparente. En 1900, plus de 500 000 personnes ont assisté à ces projections.

La première projection animée (photographiée) fut Humorous Phases of Funny Faces (1906) du dessinateur de presse J. Stuart Blackton, l’un des co-fondateurs de la Vitagraph Company. Dans le film, les dessins au trait d’un dessinateur de deux visages ont été «animés» (ou sont venus à la vie) sur un tableau noir. Les deux visages sourirent et clignèrent de l’œil, et l’homme fumant du cigare souffla de la fumée sur le visage de la dame; De plus, un clown de cirque a conduit un petit chien à sauter dans un cerceau.

La première projection animée dans le sens traditionnel (c.-à-d. Sur film cinématographique) était Fantasmagorie par le réalisateur français Émile Cohl en 1908. Cela a été suivi par deux autres films, Le Cauchemar du fantoche et le Un Drame chez les fantoches [Un drame de marionnettes, appelé The Love Affair dans Toyland pour la libération américaine et Mystical Love-Making pour la libération britannique], tous terminés en 1908.

Gertie le dinosaure (1914) de Winsor McCay est l’un des tout premiers dessins animés à succès. Il est considéré comme le premier exemple d’animation de personnages. Au début, les dessins animés étaient en noir et blanc et silencieux. Félix le chat et Oswald le lapin chanceux sont des exemples notables.

Des années 1920 aux années 1960, les dessins animés théâtraux ont été produits en grand nombre, et généralement montré avant un long métrage dans une salle de cinéma. Disney (distribué par Pat Powers, puis Columbia, puis United Artists, puis RKO, puis indépendamment), Fleischer (distribué par Paramount), Warner Bros., MGM, et UPA (distribué par Columbia) étaient les plus grands studios produisant ces 5 à 10 minutes “shorts”. Walter Lantz (distribué par Universal), DePatie-Freleng (distribué par United Artists), Charles Mintz Studios (plus tard Screen Gems) (distribué par Columbia), Famous Studios (distribué par Paramount) et Terrytoons (distribué par 20th Century) Renard).

Le premier dessin animé à utiliser une bande-son était en 1926 avec My Old Kentucky Home de Max Fleischer. Cependant, les Fleischers utilisaient un système sonore De Forest et le son n’était pas complètement synchronisé avec le film. Mickey Mouse, le dessin animé de Walt Disney en 1928, Steamboat Willie, fut le premier à utiliser une piste de clic pendant la session d’enregistrement, ce qui produisit un meilleur synchronisme. “Mickey Mousing” est devenu un terme pour toute action de film (animation ou action en direct) parfaitement synchronisée avec la musique. La musique utilisée est originale la plupart du temps, mais la citation musicale est souvent employée. Les personnages animés exécutaient généralement l’action dans des “boucles”, c’est-à-dire que les dessins étaient répétés encore et encore.

Bien que d’autres producteurs aient déjà réalisé des films en 2 bandes, Disney produisit en 1932 le premier dessin animé en 3 bandes, Technicolor, Flowers and Trees. Les techniciens du studio Fleischer inventèrent le rotoscoping, dans lequel les animateurs tracent l’action en direct pour faire de l’animation regarde plus réaliste. Cependant, la rotoscopie a rendu l’animation plus raide et la technique a été utilisée plus tard pour étudier les mouvements des humains et des animaux, plutôt que de tracer et de copier directement les mouvements filmés.

Plus tard, d’autres technologies cinématographiques ont été adaptées pour l’animation, telles que les caméras multiplaniques avec The Old Mill (1937), le son stéréophonique dans Fantasia (1940), les processus panoramiques avec Lady and the Tramp (1955) et même 3D. avec Lumber Jack-Rabbit.

Aujourd’hui, l’animation traditionnelle utilise des méthodes traditionnelles, mais est assistée par des ordinateurs dans certaines régions. Cela donne à l’animateur de nouveaux outils non disponibles qui n’ont pas pu être obtenus en utilisant des techniques anciennes.

Processus productif:

Pré-production
Idée
Un texte de très peu de lignes décrivant les personnages, le cadre et l’heure à laquelle se déroule un court métrage.

Assujettir
Conte qui raconte l’histoire du court métrage; présente les caractères et décrit le réglage.

Scénario de film
Texte divisé en scènes (c.-à-d. Les scènes du court métrage) où vous décrivez ce qui se passe, ce que disent les personnages, etc.

La réalisation d’un dessin animé, ainsi que d’un film, prévoit d’abord la rédaction du storyboard, afin de traduire le texte du scénario en dessins. Le storyboard est très similaire au brouillon d’une bande dessinée, mais sans nuages; les dialogues, le cas échéant, sont placés sous la scène, avec les annotations, tandis que le dessin est rugueux, plein de traits non résolus, et c’est parce que les dessins sont nombreux, mais surtout il n’a pas à être beau en soi, mais pour montrer les coups de la meilleure façon.

Le storyboard est progressivement modifié, jusqu’à la version finale, avec la comparaison de l’équipe d’artistes avec le réalisateur; par exemple, les peintres de l’arrière-plan doivent savoir où peindre et laisser des espaces blancs réservés aux personnages.

Dans la publicité, le storyboard est utilisé pour soumettre un spot publicitaire au client avant de le filmer. Contrairement aux storyboards pour les scripts de films, ceux-ci sont plus détaillés et soigneusement colorés, car ils sont déjà une présentation au client. Ce recueil de dessins et d’annotations est ensuite affiné avec l’équipe qui travaillera sur l’enregistrement, c’est-à-dire les acteurs et les scénaristes.

Production exécutive
Incision des entrées
Avant de commencer le travail d’animation, il est utilisé pour enregistrer une piste audio préliminaire, qui servira de guide pour les animateurs. Cette piste contient uniquement les voix, utiles aux animateurs pour ajuster avec la quantité de dessins.

La piste audio complète comprendra les voix-off, les effets sonores et la musique, mais ne sera effectuée que dans la phase de post-production.

videoboard
Étape après le storyboard et l’enregistrement des voix; il s’agit d’un montage réalisé à l’aide des vignettes du storyboard et des voix de la piste audio préliminaire.

Animatic ou Leica Reel
Avant d’approuver définitivement le storyboard, une animation très approximative est réalisée, constituée principalement de dessins fixes, avec des mouvements courts et mal articulés, et des changements de cadrage. Cette réalisation est connue sous le nom d’Animatic et constitue la dernière vérification de la validité du storyboard.

Un autre nom équivalent, aujourd’hui moins utilisé, est leica reel; elle découle du fait que, par le passé, les produits Leica étaient largement utilisés en cinématographie.

Contexte
L’arrière-plan de la bande dessinée traditionnelle a été peint sur une feuille blanche, où dans le cas, il comprend également des parties des personnages.

Dessin, animation et timing
Le timing est littéralement la mesure des temps des différentes scènes, fondamentale pour établir la quantité correcte de dessins pour chaque séquence.

Les dessins sont réalisés en utilisant différentes méthodes: à partir des premiers dessins animés, image par image, incluant à la fois le sujet et le fond; utilisation du rodovetro, feuille d’acétate transparente, qui permet de redessiner uniquement les caractères en mouvement et de laisser les fonds fixes; jusqu’à aujourd’hui, lorsque les dessins sont réalisés sur des feuilles de papier semi-transparent, pour ensuite être scannées et assemblées au moyen de l’ordinateur électronique. L’animateur dessine successivement les images pour donner le mouvement aux personnages une fois les montures montées l’une après l’autre.

Les dessins sont déjà réalisés de manière à se fondre dans l’arrière-plan avec des ombres et des soustractions.

Disposition
Dans les temps anciens, pour étaler les cadres individuels, les feuilles de rodovetro, avec les caractères dessinés ci-dessus, ont été placés dans un cadre avec le fond, éclairé et impressionné dans le film un par un.

Plus moderne, les personnages et les arrière-plans sont scannés, rendus numériques et combinés pour former l’ordinateur court.

Post-production
Assemblage et correction
Les scènes créées de cette manière sont assemblées pour composer le résultat final.

Dans les productions modernes, il est également possible d’ajuster de petites erreurs ou de corriger les couleurs, ou d’uniformiser les couleurs des différentes scènes, en les corrigeant numériquement

Doublage, effets sonores et musique
Le doublage, comme déjà écrit, est enregistré avant de dessiner le dessin animé. Le doublage est généralement enregistré dans une salle d’enregistrement soigneusement insonorisée, où les acteurs vocaux sont présents, seuls, avec les lignes écrites et, sur l’écran, les animations complétées et assemblées, afin de suivre les lèvres des personnages. Ensuite, lorsque le doublage comprend plus d’une personne, assurez-vous de les mettre ensemble, de s’entendre avec les temps. Le doublage est très important dans un dessin animé, étant donné l’absence d’acteurs et la présence de personnages sans leur propre voix.

Enfin, des effets sonores et de la musique sont ajoutés, également réalisés avec des animations d’écran.

Télévision:
La concurrence de la télévision a attiré l’attention des spectateurs à la fin des années 1950, et la bande dessinée a commencé à décliner. Aujourd’hui, les dessins animés destinés au public américain sont produits principalement pour la télévision.

L’animation de la télévision américaine des années 1950 a présenté des styles d’animation assez limités, mis en évidence par le travail de Jay Ward sur Crusader Rabbit. Chuck Jones a inventé le terme «radio illustrée» pour se référer au style de mauvaise qualité de la plupart des dessins animés de télévision qui dépendait plus de leurs bandes sonores que visuels. Parmi les autres émissions remarquables des années 50, mentionnons Gerald McBoing Boing de l’UPA, Huckleberry Hound de Hanna-Barbera et Quick Draw McGraw, et retransmis de nombreux dessins de théâtre classiques de Walter Lantz, Warner Bros., MGM et Disney.

Le dessin animé Hanna-Barbera, The Flintstones, a été la première série d’animation primetime réussie aux États-Unis, de 1960 à 1966 (et en rediffusion depuis). Alors que de nombreux réseaux ont suivi le succès de la série en programmant d’autres dessins au début des années 1960, dont Scooby-Doo, Where You You !, The Jetsons, Top Cat et The Alvin Show, aucun de ces programmes n’a survécu plus d’un an (sauf Scooby- Doo, qui, bien qu’il ne soit pas un dessin animé de prime time, a réussi à rester à flot pendant plus de quatre décennies). Cependant, les réseaux ont trouvé le succès en organisant ces spectacles comme des caricatures du samedi matin, atteignant des publics plus petits avec plus d’unité démographique parmi les enfants. L’animation télévisée pour les enfants a prospéré le samedi matin, sur les chaînes câblées comme Nickelodeon, Disney Channel / Disney XD et Cartoon Network, PBS Kids, et dans les créneaux horaires de l’après-midi.

Les contraintes d’ordonnancement du processus d’animation TV, notamment les problématiques de gestion des ressources, ont conduit au développement de diverses techniques connues maintenant sous le nom d’animation limitée. L’animation plein cadre (“on ones”) est devenue rare dans son utilisation en dehors des productions théâtrales aux États-Unis.

Les dessins animés de prime-time pour un public mature étaient pratiquement inexistants dans le courant dominant des États-Unis jusqu’aux années 1990, lorsque The Simpsons a inauguré une nouvelle ère d’animation pour adultes. Maintenant, des programmes «d’animation pour adultes», comme Aeon Flux, Beavis et Butt-head, South Park, Family Guy, The Cleveland Show, American Dad !, Bob’s Burgers, Aqua Teen Hunger Force (actuellement connu sous le nom de Aqua TV Show Show), et Futurama ont augmenté le nombre de sitcoms animées aux heures de grande écoute et en soirée à la télévision américaine. En outre, les œuvres animées d’autres pays (notamment le Japon) ont eu des niveaux de diffusion différents aux États-Unis depuis les années 1960.

Animation commerciale:
L’animation a été très populaire dans les publicités télévisées, à la fois en raison de son attrait graphique, et l’humour qu’il peut fournir. Certains personnages animés dans les publicités ont survécu pendant des décennies, comme Snap, Crackle et Pop dans les publicités pour les céréales de Kellogg.

En 1957, “Louie the Fly” fait sa première apparition à la télévision australienne en tant qu’antagoniste de dessin animé pour Mortein, une marque australienne d’insecticide ménager et a été dessiné et animé par Geoffry Morgan Pike. Dans un jingle créé par Bryce Courtenay, il a été utilisé dans des publicités télévisées animées depuis 1962, il chante fièrement sa propre saleté, prétendant n’avoir peur de personne sauf “l’homme à la canette de Mortein”.

Le légendaire directeur de l’animation Tex Avery a été le producteur des premières publicités de Raid “Kills Bugs Dead” en 1966, qui ont été très réussies pour l’entreprise. Le concept a été utilisé dans de nombreux pays depuis.