Una caricatura animada es una película para el cine, la televisión o la pantalla de la computadora, que se realiza utilizando dibujos secuenciales, a diferencia de las animaciones en general, que incluyen películas hechas con arcilla, títeres y otros medios. Los dibujos animados animados todavía se crean con fines comerciales, educativos y personales.
A menudo, los toons reciben objetos inusuales, y las trampas con las que los personajes se tienden a menudo terminan en una caída cómica, gracias a muchos cambios de situación.
Por lo general, se trata de cortometrajes, que utilizan la ironía, la exageración, la caricatura y especialmente la imaginación. Las caricaturas siempre favorecen el humor, generalmente no le dan mucha importancia a la vida de los personajes: solo el momento de la acción y los elementos cuentan hasta el final de la mordaza.
En cuanto al estilo gráfico y la animación: deformaciones muy importantes de los personajes (estiramiento, ojos grandes, cuatro dedos, técnica de squash y estiramiento). Esta particularidad de los personajes es crucial en los escenarios, ya que hace posible vivir en vivo con todo tipo de situaciones ilógicas y divertidas.
En cuanto al escenario: la exageración de las situaciones y emociones expresadas por los personajes, la violencia de estos que nunca se dramatizan: los personajes a menudo resucitan después de sufrir situaciones que habrían llevado a su muerte en tiempos normales; a diferencia del estilo de Disney, que a veces se convierte en tragedia (cuentos de hadas, muerte de la madre de Bambi).
Historia:
Los primeros ejemplos de intentos de capturar el fenómeno del movimiento en un dibujo inmóvil se pueden encontrar en las pinturas rupestres paleolíticas, donde los animales a menudo se representan con múltiples piernas en posiciones superpuestas, tratando claramente de transmitir la percepción del movimiento.
El fenaquistóscope (1832), Zootropo (1834) y el praxinoscopio (1877), así como el libro invertido común, fueron primeros dispositivos de animación para producir movimiento a partir de dibujos secuenciales utilizando medios tecnológicos, pero no se desarrollaron hasta la llegada de la película cinematográfica .
La primera proyección animada (proyección) fue creada en Francia por Charles-Émile Reynaud, que era un profesor de ciencias francés. Reynaud creó el Praxinoscope en 1877 y el Théâtre Optique en diciembre de 1888. El 28 de octubre de 1892, proyectó la primera animación en público, Pauvre Pierrot, en el Musée Grévin de París. Esta película también es notable como la primera instancia conocida de perforaciones de película que se utilizan. Sus películas no fueron fotografiadas, sino dibujadas directamente sobre la tira transparente. En 1900, más de 500,000 personas habían asistido a estas proyecciones.
La primera proyección animada (fotografiada) fue Humorous Phases of Funny Faces (1906) del dibujante de periódicos J. Stuart Blackton, uno de los cofundadores de Vitagraph Company. En la película, los dibujos de dos caras de un dibujante se «animaban» (o volvían a la vida) en una pizarra. Las dos caras sonrieron y parpadearon, y el hombre que fumaba cigarro soplaba humo en la cara de la dama; también, un payaso de circo llevó a un perro pequeño a saltar a través de un aro.
La primera proyección animada en el sentido tradicional (es decir, en la película cinematográfica) fue Fantasmagorie del director francés Émile Cohl en 1908. Le siguieron dos películas más, Le Cauchemar du fantoche [La pesadilla del títere, ahora perdida] y Un Drame chez les fantoches [Un drama de marionetas, llamado The Love Affair in Toyland para la versión estadounidense y Mystical Love-Making para la versión británica], todo completado en 1908.
Una de las primeras caricaturas animadas exitosas fue Gertie the Dinosaur (1914) de Winsor McCay. Se considera el primer ejemplo de animación de verdadero personaje. Al principio, las caricaturas animadas eran en blanco y negro y silenciosas. Felix the Cat y Oswald the Lucky Rabbit son ejemplos notables.
Desde la década de 1920 hasta la década de 1960, las caricaturas teatrales se produjeron en grandes cantidades, y por lo general se muestran antes de un largometraje en una sala de cine. Disney (distribuido por Pat Powers, luego Columbia, luego United Artists, luego RKO, luego de forma independiente), Fleischer (distribuido por Paramount), Warner Bros., MGM y UPA (distribuido por Columbia) fueron los estudios más grandes que produjeron estos 5- 10 minutos de «pantalones cortos». Otros estudios incluyen Walter Lantz (distribuido por Universal), DePatie-Freleng (distribuido por United Artists), Charles Mintz Studios (más tarde Screen Gems) (distribuido por Columbia), Famous Studios (distribuido por Paramount) y Terrytoons (distribuido por 20th Century Zorro).
La primera caricatura en usar una banda sonora fue en 1926 con My Fleet’s Old Kentucky Home de Max Fleischer. Sin embargo, los Fleischer usaron un sistema de sonido De Forest y el sonido no estaba completamente sincronizado con la película. El personaje de dibujos animados de 1928, Steamboat Willie, protagonizado por Mickey Mouse, de Walt Disney, fue el primero en utilizar una pista de clic durante la sesión de grabación, lo que produjo un mejor sincronismo. «Mickey Mousing» se convirtió en un término para cualquier acción de película (animada o en vivo) que estuviera perfectamente sincronizada con la música. La música utilizada es original la mayor parte del tiempo, pero la cita musical a menudo se emplea. Los personajes animados suelen realizar la acción en «bucles», es decir, los dibujos se repiten una y otra vez.
Aunque otros productores habían hecho películas antes utilizando color de 2 tiras, Disney produjo la primera caricatura en 3 tiras Technicolor, Flowers and Trees, en 1932. Técnicos en el estudio Fleischer inventaron la rotoscopia, en la que los animadores rastrean la acción en vivo para hacer animación parece más realista. Sin embargo, la rotoscopia hizo que la animación se viera rígida y la técnica se usó más tarde para estudiar el movimiento de humanos y animales, en lugar de rastrear y copiar directamente los movimientos filmados.
Más tarde, otras tecnologías cinematográficas fueron adaptadas para su uso en animación, como cámaras multiplano con The Old Mill (1937), sonido estereofónico en Fantasia (1940), procesos de pantalla panorámica con la larga duración de Lady and the Tramp (1955) e incluso 3D con Lumber Jack-Rabbit.
Hoy en día, la animación tradicional usa métodos tradicionales, pero es asistida por computadoras en ciertas áreas. Esto le da al animador nuevas herramientas no disponibles que no podrían lograrse usando técnicas antiguas.
Proceso productivo:
Preproducción
Idea
Un texto de muy pocas líneas que describe los personajes, el escenario y el momento en que se lleva a cabo una película corta.
Tema
Cuento que cuenta la historia del cortometraje; presenta los personajes y describe la configuración.
Guión
Texto dividido en escenas (es decir, las escenas del corto) donde se describe lo que sucede, lo que dicen los personajes, etc.
La realización de un dibujo animado, así como una película, prevé la redacción del guión gráfico como primer paso, para traducir el texto del guión en dibujos. El guión gráfico es muy similar al borrador de un cómic, pero sin nubes; los diálogos, si los hay, se colocan debajo de la escena, junto con las anotaciones, mientras que el dibujo es áspero, lleno de rasgos no resueltos, y esto se debe a que los dibujos son muchos, pero sobre todo no tiene que ser hermoso en sí mismo, pero para mostrar los tiros de la mejor manera.
El guión gráfico se modifica progresivamente, hasta la versión final, con la comparación del equipo de artistas con el director; por ejemplo, los pintores de los fondos deben saber dónde pintar y en su lugar dejar espacios en blanco reservados para los personajes.
En publicidad, el guión gráfico se utiliza para enviar un spot comercial al cliente antes de filmarlo. A diferencia de los guiones gráficos para guiones cinematográficos, estos son más detallados y están cuidadosamente coloreados, ya que ya son una presentación para el cliente. Este compendio de dibujos y anotaciones se refina luego con el equipo que trabajará en la grabación, es decir, actores y guionistas.
Producción ejecutiva
Incisión de las entradas
Antes de comenzar el trabajo de animación, se utiliza para grabar una pista de audio preliminar, que servirá de guía para los animadores. Esta pista contiene solo las voces, útiles para los animadores para ajustarse a la cantidad de dibujos.
La pista de audio completa incluirá grabaciones de voz, efectos de sonido y música, pero solo se realizará en la fase de postproducción.
videoboard
Paso después del guión gráfico y la grabación de las voces; consiste en un montaje realizado utilizando las viñetas del guión gráfico y las voces de la pista de audio preliminar.
Animatic o Leica Reel
Antes de aprobar el guión gráfico definitivamente, se realiza una animación muy aproximada, compuesta principalmente de dibujos fijos, con movimientos cortos y mal articulados, y cambios de encuadre. Esta realización se conoce como Animatic y es la última verificación de la validez del guión gráfico.
Otro nombre equivalente, hoy menos utilizado, es leica reel; se deriva del hecho de que en el pasado hubo un amplio uso de los productos de Leica en la cinematografía.
Fondo
El fondo de la caricatura tradicional se pintó en una hoja blanca, donde, en el caso, también incluye partes de los personajes.
Dibujo, animación y sincronización
El tiempo es literalmente la medición de los tiempos de las diversas escenas, fundamental para establecer la cantidad correcta de dibujos para cada secuencia.
Los dibujos se hacen usando diferentes métodos: desde los primeros dibujos en cuadro por cuadro, incluyendo tanto el sujeto como el fondo; uso del rodovetro, lámina de acetato transparente, que permite volver a dibujar solo los caracteres en movimiento y dejar los fondos fijos; hasta el día de hoy, cuando los dibujos se realizan en hojas de papel liviano, semitransparente, para luego ser escaneados y ensamblados por medio de la computadora electrónica. El animador dibuja los cuadros en sucesión para dar a los personajes el movimiento una vez que los cuadros se montan rápidamente uno detrás del otro.
Los dibujos ya están hechos de tal manera que se funden en el fondo con sombras y sustracciones.
Diseño
En la antigüedad para diseñar los marcos individuales, las láminas de rodovetro, con los personajes dibujados arriba, se colocaban en un marco junto con el fondo, iluminados e impresos en la película uno por uno.
Más modernamente, los personajes y los fondos se escanean, se digitalizan y se combinan para formar una computadora corta.
Post-producción
Montaje y corrección
Las escenas creadas de esta manera se ensamblan juntas para componer el resultado final.
En las producciones modernas también es posible ajustar pequeños errores o corregir el color, o igualar los colores de las distintas escenas, corrigiéndolo digitalmente
Doblaje, efectos de sonido y música
El doblaje, como ya se ha escrito, se graba antes de dibujar la caricatura. El doblaje generalmente se graba en una sala de grabación cuidadosamente insonorizada, donde los actores de voz están presentes, por sí mismos, con las líneas escritas y, en la pantalla, las animaciones completadas y ensambladas, para seguir los labios de los personajes. Luego, cuando el doblaje incluya a más de una persona, asegúrese de juntarlas, de llevarse bien con los tiempos. El doblaje es muy importante en una caricatura, dada la ausencia de actores y la presencia de personajes sin su propia voz.
Finalmente, se agregan efectos de sonido y música, también hechos con animaciones de pantalla.
Televisión:
La competencia de la televisión alejó al público de los cines a fines de la década de 1950, y la caricatura teatral comenzó a declinar. Hoy, los dibujos animados para el público estadounidense se producen principalmente para televisión.
La animación de la televisión estadounidense de la década de 1950 presentaba estilos de animación bastante limitados, destacados por el trabajo de Jay Ward en Crusader Rabbit. Chuck Jones acuñó el término «radio ilustrada» para referirse al estilo de mala calidad de la mayoría de los dibujos animados de televisión que dependían más de sus bandas sonoras que de los visuales. Otros programas notables de 1950 incluyen Gerald McBoing Boing de UPA, Huckleberry Hound de Hanna-Barbera y Quick Draw McGraw, y la retransmisión de muchos dibujos animados teatrales clásicos de Walter Lantz de Universal, Warner Bros., MGM y Disney.
La caricatura de Hanna-Barbera, The Flintstones, fue la primera serie animada exitosa en primetime en los Estados Unidos, desde 1960 hasta 1966 (y en repeticiones desde entonces). Si bien muchas redes siguieron el éxito del programa programando otras caricaturas a principios de la década de 1960, incluyendo Scooby-Doo, Where Are You !, The Jetsons, Top Cat y The Alvin Show, ninguno de estos programas sobrevivió más de un año (salvo Scooby- Doo, que, a pesar de no ser una caricatura de primetime, ha logrado mantenerse a flote durante más de cuatro décadas). Sin embargo, las redes tuvieron éxito al ejecutar estos programas como caricaturas de los sábados por la mañana, llegando a audiencias más pequeñas con más unidad demográfica entre los niños. Las animaciones televisivas para niños florecieron el sábado por la mañana, en canales de cable como Nickelodeon, Disney Channel / Disney XD y Cartoon Network, PBS Kids, y en horario de tarde sindicado por la tarde.
Las restricciones de programación del proceso de animación de TV, especialmente los problemas de gestión de recursos, llevaron al desarrollo de varias técnicas conocidas ahora como animación limitada. La animación de fotograma completo («on ones») se volvió rara en su uso fuera de las producciones teatrales en los Estados Unidos.
Las caricaturas de horario estelar para audiencias maduras prácticamente no existían en la corriente principal de los Estados Unidos hasta la década de 1990, cuando Los Simpson iniciaron una nueva era de animación para adultos. Ahora, programas de «animación para adultos», como Aeon Flux, Beavis y Butt-head, South Park, Family Guy, The Cleveland Show, American Dad !, Bob’s Burgers, Aqua Teen Hunger Force (actualmente conocido como Aqua TV Show Show), y Futurama han aumentado el número de comedias animadas en la televisión estadounidense de horario estelar y nocturno. Además, las obras animadas de otros países (especialmente Japón) han tenido diferentes niveles de radiodifusión en los Estados Unidos desde la década de 1960.
Animación comercial:
La animación ha sido muy popular en los comerciales de televisión, tanto por su atractivo gráfico como por el humor que puede brindar. Algunos personajes animados en comerciales han sobrevivido durante décadas, como Snap, Crackle y Pop en los anuncios de los cereales de Kellogg.
En 1957, «Louie the Fly» hizo su primera aparición en la televisión australiana como el antagonista de dibujos animados de Mortein, una marca australiana de insecticidas para el hogar, y fue dibujado y animado por Geoffry Morgan Pike. En un tintineo creado por Bryce Courtenay, que se ha utilizado en comerciales de televisión animados desde 1962, canta con orgullo su propia suciedad, alegando no tener miedo de nadie, excepto «el hombre con la lata de Mortein».
El legendario director de animación Tex Avery fue el productor de los primeros comerciales de Raid «Kills Bugs Dead» en 1966, que tuvieron mucho éxito para la compañía. El concepto ha sido utilizado en muchos países desde entonces.