Ein Zeichentrickfilm ist ein Film für das Kino, Fernsehen oder Computerbildschirm, der mit sequenziellen Zeichnungen erstellt wird, im Gegensatz zu Animationen im Allgemeinen, die Filme mit Lehm, Puppen und anderen Mitteln enthalten. Zeichentrickfilme werden immer noch für kommerzielle, pädagogische und persönliche Zwecke erstellt.
Oft erhalten die Toons ungewöhnliche Objekte, und die Fallstricke, die die Charaktere einander zuwenden, enden oft in einem komischen Fall, dank vieler Umkehrungen der Situation.
Es sind meist Kurzfilme mit Ironie, Übertreibung, Karikatur und vor allem Vorstellungskraft. Cartoons bevorzugen immer Humor, in der Regel nicht viel Wert auf das Leben der Charaktere: nur der Moment der Aktion und die Elemente zählen bis zum Ende des Gags.
Was den grafischen Stil und die Animation betrifft: sehr wichtige Verformungen der Figuren (Dehnung, große Augen, vier Finger, Squash- und Strecktechnik). Diese Besonderheit der Charaktere ist entscheidend in den Szenarien, weil es ermöglicht, mit diesen vielen unlogischen und lustigen Situationen leben zu können.
Was das Szenario betrifft: die Übertreibung der Situationen und Emotionen, die von den Charakteren ausgedrückt werden, deren Gewalt niemals dramatisiert wird: Die Charaktere werden oft wiederbelebt, nachdem sie in Situationen gelitten haben, die in normalen Zeiten zu ihrem Tod geführt hätten; im Gegensatz zum Disney-Stil, der sich manchmal in eine Tragödie verwandelt (Märchen, Tod der Mutter von Bambi).
Geschichte:
Frühe Beispiele für Versuche, das Bewegungsphänomen in eine stille Zeichnung einzufangen, finden sich in paläolithischen Höhlenmalereien, in denen Tiere oft mit mehreren Beinen in überlagerten Positionen dargestellt werden, wobei eindeutig versucht wird, die Wahrnehmung von Bewegung zu vermitteln.
Das Phenakistoskop (1832), das Zoetrop (1834) und das Praxinoskop (1877), sowie das gewöhnliche Daumenkino, waren frühe Animationsgeräte, die mit technischen Mitteln aus sequentiellen Zeichnungen Bewegungen erzeugten, die sich aber erst mit dem Aufkommen des Kinofilms weiterentwickelten .
Die erste animierte Projektion (Screening) wurde in Frankreich von Charles-Émile Reynaud, einem französischen Wissenschaftslehrer, entwickelt. Reynaud schuf das Praxinoskop 1877 und das Théâtre Optique im Dezember 1888. Am 28. Oktober 1892 projizierte er die erste öffentliche Animation, Pauvre Pierrot, im Musée Grévin in Paris. Dieser Film ist auch bemerkenswert als der erste bekannte Fall von Filmperforationen, die verwendet werden. Seine Filme wurden nicht fotografiert, sondern direkt auf den transparenten Streifen gezeichnet. Im Jahr 1900 hatten mehr als 500.000 Menschen diese Vorführungen besucht.
Die erste (fotografierte) animierte Projektion war „Humorous Phases of Funny Faces“ (1906) des Zeitungszeichners J. Stuart Blackton, einer der Mitbegründer der Vitagraph Company. In dem Film wurden die Strichzeichnungen zweier Gesichter eines Zeichners auf einer Tafel „belebt“ (oder zum Leben erweckt). Die zwei Gesichter lächelten und zwinkerten, und der Zigarren rauchende Mann blies Rauch in das Gesicht der Dame; auch ein Zirkusclown führte einen kleinen Hund durch einen Reifen springen.
Die erste animierte Projektion im traditionellen Sinne (also auf Kinofilmen) war Fantasmagorie des französischen Regisseurs Émile Cohl aus dem Jahr 1908. Es folgten zwei weitere Filme, Le Cauchemar du fantoche [Der Marionettennachttraum] und Un Drame chez les fantoches [Ein Puppenspiel, The Love Affair in Toyland für die amerikanische Veröffentlichung und Mystical Love-Making für die britische Veröffentlichung], alle im Jahr 1908 abgeschlossen.
Eine der ersten erfolgreichen Zeichentrickfilme war Gertie the Dinosaur (1914) von Winsor McCay. Es gilt als das erste Beispiel für eine echte Charakteranimation. Anfangs waren Zeichentrickfilme schwarz-weiß und still. Felix the Cat und Oswald the Lucky Rabbit sind bemerkenswerte Beispiele.
Von den 1920er bis 1960er Jahren wurden Theater-Karikaturen in großen Stückzahlen produziert und normalerweise vor einem Spielfilm in einem Kino gezeigt. Disney (vertrieben von Pat Powers, dann Columbia, dann United Artists, dann RKO, dann unabhängig), Fleischer (vertrieben von Paramount), Warner Bros., MGM und UPA (vertrieben von Columbia) waren die größten Studios, die diese 5- bis produzierten 10-minütige „Shorts“. Weitere Studios waren Walter Lantz (vertrieben von Universal), DePatie-Freleng (vertrieben von United Artists), Charles Mintz Studios (später Screen Gems) (vertrieben von Columbia), Famous Studios (vertrieben von Paramount) und Terrytoons (vertrieben von 20th Century Fuchs).
Der erste Cartoon, der einen Soundtrack benutzte, war 1926 mit Max Fleischers My Old Kentucky Home. Die Fleischers verwendeten jedoch ein De Forest-Soundsystem und der Ton war nicht vollständig mit dem Film synchronisiert. Walt Disneys Steamboat Willie aus dem Jahr 1928 mit Mickey Mouse war der erste, der während der Aufnahmesession eine Klickspur verwendete, die eine bessere Synchronität erzeugte. „Mickey Mousing“ wurde zu einem Begriff für jede Filmhandlung (animierte oder Live-Action), die perfekt mit Musik synchronisiert war. Die verwendete Musik ist die meiste Zeit Original, aber oft wird musikalisches Zitat verwendet. Animierte Charaktere führten die Aktion üblicherweise in „Schleifen“ aus, d. H. Zeichnungen wurden immer wieder wiederholt.
Obwohl andere Produzenten früher Filme mit 2-Streifen-Farbe gemacht hatten, produzierte Disney 1932 die erste Zeichentrickserie in 3-Streifen Technicolor, Flowers and Trees. Techniker im Fleischer Studio erfanden das Rotoskopieren, bei dem Animatoren Live-Action verfolgen, um Animation zu machen sehen Sie realistischer aus. Das Rotoscoping machte die Animation jedoch steif und die Technik wurde später mehr für das Studium der Bewegung von Menschen und Tieren verwendet, anstatt gefilmte Bewegungen direkt zu verfolgen und zu kopieren.
Später wurden andere Filmtechnologien für den Einsatz in der Animation adaptiert, wie zum Beispiel Multiplane-Kameras mit The Old Mill (1937), Stereo-Sound in Fantasia (1940), Widescreen-Verfahren mit der Spielfilmlänge Lady and the Tramp (1955) und sogar 3D mit Lumber Jack-Rabbit.
Heutzutage verwendet traditionelle Animation traditionelle Methoden, wird jedoch von Computern in bestimmten Bereichen unterstützt. Dies gibt dem Animator neue Tools, die mit alten Techniken nicht erreicht werden können.
Produktiver Prozess:
Vorproduktion
Idee
Ein Text von sehr wenigen Zeilen, der die Charaktere, die Einstellung und die Zeit beschreibt, in der ein kurzer Film stattfindet.
Gegenstand
Geschichte, die die Geschichte des Kurzfilms erzählt; präsentiert die Charaktere und beschreibt die Einstellung.
Drehbuch
Text unterteilt in Szenen (dh die Szenen des Kurzfilms), in dem du schilderst was passiert, was die Charaktere sagen usw.
Die Realisierung einer animierten Zeichnung sowie eines Films sieht die Erstellung des Storyboards als ersten Schritt vor, um den Text des Skripts in Zeichnungen zu übersetzen. Das Storyboard ist dem Entwurf eines Comicbuches sehr ähnlich, aber ohne Wolken; die Dialoge, wenn überhaupt, werden zusammen mit den Anmerkungen unter die Szene gestellt, während die Zeichnung grob ist, voller ungelöster Züge, und zwar deshalb, weil die Zeichnungen viele sind, aber vor allem nicht an sich schön sein müssen, aber um die Aufnahmen am besten zu zeigen.
Das Storyboard wird progressiv bis zur finalen Version modifiziert, mit dem Vergleich des Künstlerteams mit dem Regisseur; Zum Beispiel müssen die Maler der Hintergründe wissen, wo sie malen sollen und wo stattdessen weiße Räume bleiben, die für die Charaktere reserviert sind.
In der Werbung wird das Storyboard verwendet, um dem Kunden vor dem Filmen einen Werbespot vorzulegen. Im Gegensatz zu Storyboards für Drehbücher sind diese detaillierter und farbintensiver, da sie bereits eine Präsentation für den Kunden darstellen. Dieses Kompendium aus Zeichnungen und Annotationen wird dann mit dem Team verfeinert, das an der Aufnahme arbeiten wird, also Schauspielern und Drehbuchautoren.
Executive Produktion
Inzision der Einträge
Vor Beginn der Animationsarbeit wird eine vorläufige Audiospur aufgenommen, die den Animatoren als Anleitung dient. Diese Spur enthält nur die Stimmen, die den Animatoren zur Anpassung an die Anzahl der Zeichnungen nützlich sind.
Die komplette Audiospur umfasst Voiceovers, Soundeffekte und Musik, wird jedoch nur in der Postproduktionsphase gespielt.
Videoboard
Schritt nach dem Storyboard und der Aufnahme der Stimmen; Es besteht aus einer Montage, die anhand der Vignetten des Storyboards und der Stimmen der vorläufigen Audiospur realisiert wurde.
Animatic oder Leica Reel
Bevor das Storyboard definitiv genehmigt wird, wird eine sehr angenäherte Animation realisiert, die hauptsächlich aus festen Zeichnungen besteht, mit kurzen und schlecht artikulierten Bewegungen und Framing-Änderungen. Diese Erkenntnis wird als Animatic bezeichnet und ist die letzte Überprüfung der Gültigkeit des Storyboards.
Ein anderer gleichwertiger Name, heute weniger benutzt, ist leica reel; Das liegt daran, dass Leica-Produkte in der Vergangenheit häufig in der Kinematografie verwendet wurden.
Hintergrund
Der Hintergrund in der traditionellen Karikatur wurde auf ein weißes Blatt gemalt, wo in dem Fall auch Teile der Charaktere enthalten sind.
Zeichnung, Animation und Timing
Das Timing ist buchstäblich die Messung der Zeiten der verschiedenen Szenen, grundlegend, um die richtige Anzahl von Zeichnungen für jede Sequenz zu ermitteln.
Die Zeichnungen werden mit verschiedenen Methoden erstellt: von den ersten Cartoons in Bild für Bild, inklusive Thema und Hintergrund; Verwendung der rodovetro, transparenter Acetatfolie, die es erlaubt, nur die sich bewegenden Zeichen neu zu zeichnen und die Hintergründe fixiert zu lassen; bis heute, wenn die Zeichnungen auf lichtdurchlässigem, halbtransparentem Papier gemacht werden, um dann mittels des elektronischen Computers gescannt und zusammengesetzt zu werden. Der Animator zeichnet die Bilder nacheinander, um den Figuren die Bewegung zu geben, sobald die Bilder schnell hintereinander montiert sind.
Die Zeichnungen sind bereits so gestaltet, dass sie mit Schatten und Subtraktionen in den Hintergrund übergehen.
Layout
In den alten Zeiten, um die einzelnen Rahmen zu legen, wurden die Blätter von rodovetro, mit den oben gezeichneten Charakteren, in einem Rahmen zusammen mit dem Hintergrund gelegt, belichtet und in den Film einzeln eingeprägt.
Moderner werden die Charaktere und Hintergründe gescannt, digital gemacht und zum Computer-Kurz zusammengefasst.
Nach Produktion
Montage und Korrektur
Die auf diese Weise erstellten Szenen werden zusammengefügt, um das Endergebnis zu erstellen.
In modernen Produktionen ist es auch möglich, kleine Fehler zu korrigieren oder Farbkorrekturen vorzunehmen oder die Farben der verschiedenen Szenen auszugleichen und sie digital zu korrigieren
Synchronisation, Soundeffekte und Musik
Die Synchronisation, wie bereits geschrieben, wird vor dem Zeichnen des Zeichentrickfilms aufgezeichnet. Das Synchronisieren wird normalerweise in einem sorgfältig schallgedämpften Aufnahmeraum aufgenommen, in dem die Sprecher selbständig mit den geschriebenen Zeilen und auf dem Bildschirm die Animationen vervollständigt und zusammengesetzt sind, um den Lippen der Figuren zu folgen. Wenn dann die Synchronisation mehr als eine Person umfasst, achten Sie darauf, dass Sie sie zusammenfügen, um mit der Zeit zurecht zu kommen. Die Synchronisation ist in einem Zeichentrickfilm sehr wichtig, angesichts der Abwesenheit von Schauspielern und der Präsenz von Charakteren ohne eigene Stimme.
Schließlich werden Soundeffekte und Musik hinzugefügt, die ebenfalls mit Bildschirmanimationen erstellt werden.
Fernsehen:
Die Konkurrenz des Fernsehens zog in den späten 1950er Jahren das Publikum aus den Kinos, und der Theater-Cartoon begann seinen Niedergang. Heute werden Zeichentrickfilme für amerikanisches Publikum hauptsächlich für das Fernsehen produziert.
Die amerikanische Fernsehanimation der 1950er Jahre zeigte recht begrenzte Animationsstile, hervorgehoben durch die Arbeit von Jay Ward auf Crusader Rabbit. Chuck Jones prägte den Begriff „illustriertes Radio“, um sich auf den schäbigen Stil der meisten Fernseh-Cartoons zu beziehen, die mehr von ihren Soundtracks als von Visuals abhingen. Weitere bemerkenswerte Programme der 1950er Jahre umfassen UPAs Gerald McBoing Boing, Hanna-Barberas Huckleberry Hound und Quick Draw McGraw sowie die Wiederholung vieler klassischer Theater-Cartoons von Universal’s Walter Lantz, Warner Bros., MGM und Disney.
Der Hanna-Barbera-Cartoon „The Flintstones“ war die erste erfolgreiche Primetime-Zeichentrickserie in den Vereinigten Staaten, die von 1960 bis 1966 lief (und seither wiederholt). Während viele Netzwerke den Erfolg der Show verfolgten, indem sie in den frühen 1960er Jahren andere Cartoons planten, darunter Scooby-Doo, Where Are You !, The Jetsons, Top Cat und The Alvin Show, überlebte keines dieser Programme mehr als ein Jahr (außer Scooby- Doo, der, obwohl er kein Primetime-Cartoon ist, es geschafft hat, über vier Jahrzehnte über Wasser zu bleiben). Netzwerke fanden jedoch Erfolg, indem sie diese Shows als Zeichentrickfilme am Samstagmorgen veranstalteten und damit ein kleineres Publikum mit mehr demografischer Einigkeit unter Kindern erreichten. Fernsehanimation für Kinder blühte am Samstagmorgen, auf Kabelkanälen wie Nickelodeon, Disney Channel / Disney XD und Cartoon Network, PBS Kids, und in Syndicated Nachmittag Timeslots.
Die Planungseinschränkungen des TV-Animationsprozesses, insbesondere Fragen der Ressourcenverwaltung, führten zur Entwicklung verschiedener Techniken, die heute als begrenzte Animation bekannt sind. Full-Frame-Animation („on one“) wurde selten außerhalb von Theaterproduktionen in den Vereinigten Staaten verwendet.
Erstklassige Cartoons für ein erwachsenes Publikum waren im Mainstream der Vereinigten Staaten praktisch nicht existent, bis in den 1990er Jahren die Simpsons eine neue Ära der Animation für Erwachsene einleiteten. Nun, „Erwachsenen Animation“ Programme, wie Aeon Flux, Beavis und Butt-Kopf, South Park, Family Guy, die Cleveland Show, American Dad !, Bob Burger, Aqua Teen Hunger Force (derzeit bekannt als Aqua TV Show Show), und Futurama haben die Anzahl der animierten Sitcoms zum amerikanischen Primetime- und Abendfernsehen erhöht. Darüber hinaus haben animierte Werke aus anderen Ländern (insbesondere Japan) seit den 1960er Jahren in den Vereinigten Staaten unterschiedlich viel gespielt.
Kommerzielle Animation:
Animation ist in Fernsehwerbespots sehr beliebt, sowohl wegen ihrer grafischen Anziehungskraft als auch wegen ihres Komforts. Einige animierte Charaktere in Werbespots haben Jahrzehnte überdauert, wie Snap, Crackle und Pop in Werbung für Kellogg’s Cerealien.
Im Jahr 1957, „Louie the Fly“ machte seinen ersten Auftritt im australischen Fernsehen als Zeichentrick Antagonist für Mortein, eine australische Marke von Haushalts-Insektizid und wurde von Geoffry Morgan Pike gezeichnet und animiert. In einem von Bryce Courtenay kreierten Jingle wird er seit 1962 in animierten TV-Werbespots verwendet, stolz singt er von seiner eigenen Schmutzigkeit und behauptet, sich vor niemandem zu fürchten, außer „der Mann mit der Dose von Mortein“.
Der legendäre Animationsdirektor Tex Avery war der Produzent der ersten Raid „Kills Bugs Dead“ Werbespots im Jahr 1966, die sehr erfolgreich für das Unternehmen waren. Das Konzept wird seither in vielen Ländern eingesetzt.