만화 영화

애니메이션은 점토, 인형 및 기타 수단을 사용하여 만든 영화를 포함하는 애니메이션과 달리 순차적 인 그림을 사용하여 만든 영화, TV 또는 컴퓨터 화면을위한 영화입니다. 애니메이션 만화는 상업적, 교육적, 개인적 목적으로 제작되었습니다.

종종 툰 캐릭터는 특이한 물건을받으며 캐릭터의 함정은 종종 상황의 역전으로 인해 만화가 넘어 지기도합니다.

아이러니, 과장, 캐리커처 및 특히 상상력을 사용하여 단편 영화입니다. 만화는 항상 유머를 선호하며 일반적으로 캐릭터의 삶을 중요하게 여기지 않습니다. 행동의 순간과 개그가 끝날 때까지의 요소 수.

그래픽 스타일과 애니메이션 : 캐릭터의 매우 중요한 변형 (스트레칭, 큰 눈, 네 손가락, 스쿼시 및 스트레치 기법). 캐릭터의 이러한 특수성은 시나리오에서 매우 중요합니다. 왜냐하면 이러한 모든 종류의 비논리적이고 우스운 상황에서 살아갈 수 있기 때문입니다.

시나리오에 관해서는 캐릭터가 표현한 상황과 감정의 과장, 극적으로 묘사되지 않는 폭력, 캐릭터는 정상적인 시간에 죽음으로 이어진 상황을 겪은 후에 종종 부활합니다. 디즈니 스타일과는 달리, 때로는 비극 (동화, 밤비의 어머니의 죽음)으로 변합니다.

역사:
정지 그림에 움직임 현상을 포착하려는 시도의 초기 사례는 구석기 시대의 동굴 벽화에서 발견 할 수 있습니다. 구석기의 동굴 벽화에서는 동물들이 종종 겹쳐진 위치에 여러 다리로 묘사되어 명확하게 움직임의 인식을 전달하려고 시도합니다.

일반 플립 북과 함께 페나 키스트 스코프 (1832), 조에 트로픽 (1834) 및 프라 크노 픽 스코프 (1877)는 기술적 수단을 사용하여 순차적 인 그림에서 움직이는 초기 애니메이션 장치 였지만 영화 필름이 출현 할 때까지는 더 이상 발전하지 못했습니다 .

최초의 애니메이션 프로젝션 (상영)은 프랑스의 과학 교사 인 Charles-Émile Reynaud에 의해 프랑스에서 제작되었습니다. Reynaud는 1877 년 Praxinoscope를 만들었고 1888 년 12 월 Théâtre Optique를 만들었습니다. 1892 년 10 월 28 일 그는 파리의 Grévin Musee Grévin에서 첫 번째 애니메이션 인 Pauvre Pierrot을 공개했습니다. 이 필름은 사용 된 필름 천공의 최초의 예로서 주목할 만하다. 그의 영화는 촬영되지 않았지만 투명 필름에 직접 그려졌습니다. 1900 년에 50 만 명이 넘는 사람들이이 상영에 참가했습니다.

첫 번째 (촬영 된) 애니메이션 프로젝션은 Vitagraph Company의 공동 창립자 중 한 명인 J. Stuart Blackton이 출간 한 신문 만화가 인 Funny Faces (1906)의 Humorous Phases였습니다. 이 영화에서 만화가의 두 얼굴 선 그림은 칠판에 ‘생동감’을주었습니다. 두 사람의 얼굴이 미소지며 윙크를하고, 담배를 피우는 사람은 그 여자의 얼굴에 담배를 불었다. 또한, 서커스 광대는 작은 개가 농구대를 뛰어 넘는 것을 유도했습니다.

1908 년에 프랑스 영화 감독 Émile Cohl이 Fantasmagorie라는 전통 감각의 첫 번째 애니메이션 투영법을 발표했습니다. 그 다음으로 Le Cauchemar du fantoche [지금은 잃어버린]이라는 두 편의 영화와 Un Un Drame chez les fantoches [미국 출신을위한 Toyland의 Love Affair, 영국 출시를위한 신비한 사랑 만들기]라는 인형극은 모두 1908 년에 완성되었습니다.

첫 번째 성공적인 애니메이션 중 하나는 Winsor McCay의 Gertie the Dinosaur (1914)였습니다. 진정한 캐릭터 애니메이션의 첫 번째 예제로 간주됩니다. 처음에는 애니메이션 만화가 흑백으로 침묵했습니다. Felix the Cat과 Oswald the Lucky Rabbit은 주목할만한 사례입니다.

1920 년대부터 1960 년대까지 거대한 숫자로 제작 된 연극 만화는 영화 극장에서 장편 영화 이전에 상영되었습니다. 디즈니 (Pat Powers, 콜롬비아, 유나이티드 아티스트, 그 다음에는 독립적으로 RKO, 파라마운트를 통해 배포), 워너 브라더스, MGM, UPA (Columbia가 배포)는이 5- 10 분짜리 반바지. 다른 스튜디오에는 Walter Lantz (유니버설에 의해 배포 됨), DePatie-Freleng (United Artists에서 배포), Charles Mintz Studios (이후 Screen Gems) (컬럼비아에서 배포), Famous Studios (파라마운트에서 배포), Terrytoons (20 세기 여우).

사운드 트랙을 사용하는 첫 번째 만화는 Max Fleischer의 My Old Kentucky Home으로 1926 년에있었습니다. 그러나 Fleischers는 De Forest 사운드 시스템을 사용했으며 사운드는 영화와 완전히 동기화되지 않았습니다. 미키 마우스 주연의 월트 디즈니 (Walt Disney)의 1928 년 만화 증기선 윌리 (Steamboat Willie)는 녹음 세션 중에 클릭 트랙을 사용하여 처음으로 더 나은 동시성을 만들어 냈습니다. “Mickey Mousing”은 음악과 완벽하게 동기화 된 영화 액션 (애니메이션 또는 라이브 액션)의 용어가되었습니다. 사용 된 음악은 원래 대부분의 시간이지만 음악 인용이 종종 사용됩니다. 애니메이션 캐릭터는 일반적으로 ‘루프’에서 작업을 수행했습니다. 즉, 반복해서 그림을 반복했습니다.

다른 제작자들이 2 스트립 컬러를 사용하여 필름을 더 일찍 만들었지 만 디즈니는 1932 년에 3 줄짜리 Technicolor, Flowers and Trees에서 첫 번째 만화를 제작했습니다. Fleischer 스튜디오의 기술자들은 로토 스코핑을 발명했습니다. 좀 더 사실적으로 보입니다. 그러나 로토 스코핑은 애니메이션을 빳빳하게 보이게 만들었고 나중에는 촬영 된 움직임을 직접 추적하고 복사하는 대신 인간과 동물의 움직임을 연구하는 데 더 많이 사용되었습니다.

나중에 The Old Mill (1937)의 멀티 플레인 카메라, 판타지아의 스테레오 포닉 사운드 (1940), Lady와 Tramp (1955)의 와이드 스크린 프로세스, 심지어 3D 로의 애니메이션과 같은 다른 영화 기술이 애니메이션에 사용되었습니다. 목재 잭 래빗.

오늘날 전통적인 애니메이션은 전통적인 방법을 사용하지만 특정 영역의 컴퓨터가 도움을줍니다. 이로 인해 애니메이터는 이전 기술을 사용하여 달성 할 수 없었던 새로운 도구를 사용할 수 없게되었습니다.

생산적인 프로세스 :

생산 개시 이전
생각
단편 영화의 등장 인물, 설정 및 시간을 설명하는 몇 줄의 텍스트입니다.

제목
단편 영화의 이야기를 전하는 이야기. 문자를 제시하고 설정을 설명합니다.

영화 대본
텍스트는 장면 (즉, 단편의 장면)으로 나뉘어져 어떤 일이 일어 났는지, 등장 인물의 말 등을 설명합니다.

영화뿐만 아니라 움직이는 그림의 실현은 스크립트의 텍스트를 그림으로 번역하기위한 첫 번째 단계로 스토리 보드의 초안을 미리 예측합니다. 스토리 보드는 만화책의 초안과 매우 유사하지만 구름이 없습니다. 그림이 거칠고 미해결 된 특성으로 가득 찬 반면 그림이 많기 때문에 다이얼로그가 주석과 함께 장면 아래에 놓이게됩니다. 그러나 무엇보다 그림 자체는 아름답 지 않아도됩니다. 그러나 가장 좋은 방법으로 샷을 보여줄 수 있습니다.

스토리 보드는 예술가 팀과 감독의 비교를 통해 최종 버전까지 점진적으로 수정됩니다. 예를 들어, 배경의 화가는 페인트 할 곳을 알아야하고 대신 문자에 대해 예약 된 공백을 남겨 두어야합니다.

광고에서 스토리 보드는 촬영하기 전에 고객에게 상업 장소를 제출하는 데 사용됩니다. 영화 대본의 스토리 보드와는 달리, 이들은 이미 고객에게 프리젠 테이션을하고 있기 때문에보다 세밀하고 신중하게 색칠되어 있습니다. 그림과 주석으로 구성된이 개요는 레코딩 작업에 참여할 팀, 즉 배우와 시나리오 작가와 함께 세련됩니다.

경영진 생산
항목 절개
애니메이션 작업을 시작하기 전에 예비 오디오 트랙을 녹음하는 데 사용되어 애니메이터의 가이드 역할을합니다. 이 트랙에는 보이스 만 포함되어있어 애니메이터가 도면의 수량으로 조정할 때 유용합니다.

완전한 오디오 트랙에는 보이스 오버, 음향 효과 및 음악이 포함되지만 후반 작업 단계에서만 수행됩니다.

비디오 보드
스토리 보드 및 음성 녹음 후 단계. 그것은 스토리 보드의 그림과 예비 오디오 트랙의 목소리를 사용하여 구현 된 몽타주로 구성됩니다.

애니메이션 또는 Leica 릴
스토리 보드를 확실히 승인하기 전에 고정적 인 그림과 짧은 움직임, 틀린 움직임, 프레임 변경으로 구성된 매우 근사한 애니메이션이 실현됩니다. 이 실현은 Animatic으로 알려져 있으며 스토리 보드의 유효성에 대한 마지막 검증입니다.

또 다른 동등한 이름은 오늘날 사용 빈도가 낮은 라이카 릴입니다. 과거에는 영화 촬영에 Leica 제품을 광범위하게 사용했기 때문에 파생되었습니다.

배경
전통적인 만화의 배경은 흰색 시트에 그려져 있는데,이 경우에는 문자의 일부가 포함됩니다.

그림, 애니메이션 및 타이밍
타이밍이란 말 그대로 다양한 장면의 시간을 측정하는 것으로, 각 시퀀스에 대해 정확한 도면 수를 설정하는 데 필수적입니다.

그림은 여러 가지 방법으로 만들어집니다 : 첫 번째 만화부터 프레임과 프레임, 주제와 배경 모두 포함. 움직이는 캐릭터 만 다시 그리고 배경은 고정 된 채로 유지할 수있는 투명 아세테이트 시트 인 rodovetro를 사용합니다. 도면이 빛, 반투명 종이로 만들어지고 전자 컴퓨터로 스캔되고 조립 될 때까지 오늘날까지. 애니메이터는 연속적으로 프레임을 그려서 프레임이 차례로 빠르게 장착되면 문자가 움직 이도록합니다.

드로잉은 이미 그림자와 뺄셈을 배경으로 혼합되도록 만들어졌습니다.

형세
옛날에는 개별 프레임을 배치하기 위해 위에 그려진 캐릭터가있는 로코 베트로 시트가 배경과 함께 프레임에 배치되어 조명을 통해 하나씩 필름에 감동했습니다.

보다 현대적으로 캐릭터와 배경을 스캔하여 디지털로 만들어 결합하여 컴퓨터를 짧게 만듭니다.

포스트 프로덕션
조립 및 교정
이 방법으로 생성 된 장면은 함께 조합되어 최종 결과를 구성합니다.

현대 작품에서는 작은 오류를 조정하거나 색상 보정을하거나 다양한 장면의 색상을 균일하게 처리하여 디지털 방식으로 보정 할 수도 있습니다

더빙, 음향 효과 및 음악
이미 쓰여진대로 더빙은 만화를 그리기 전에 녹음됩니다. 더빙은 일반적으로 신디 사운드 레코딩 룸에 녹음됩니다. 레코딩 룸에서는 성우가 혼자 서면 선으로 표시되고 화면에 애니메이션이 완성되고 조립되어 캐릭터의 입술을 따라갑니다. 그런 다음 더빙에 둘 이상의 사람이 포함되어 있으면 시간을 맞추기 위해 서로 더해야합니다. 더빙은 만화에서 매우 중요합니다. 배우의 부재와 자신의 목소리가없는 인물의 존재를 감안할 때.

마지막으로, 사운드 효과와 음악이 추가되고 또한 스크린 애니메이션으로 만들어집니다.

텔레비전:
1950 년대 후반에 텔레비전과의 경쟁으로 관객이 영화관에서 멀어지면서 극장 만화가 쇠퇴하기 시작했습니다. 오늘날 미국 관객을위한 만화 애니메이션은 대부분 텔레비전 용으로 제작됩니다.

1950 년대의 미국 텔레비전 애니메이션은 십자군 토끼에 대한 Jay Ward의 작업으로 강조된 매우 제한된 애니메이션 스타일을 특징으로했습니다. Chuck Jones는 시각적 인 것보다는 사운드 트랙에 더 의존하는 대부분의 텔레비전 만화의 엉뚱한 스타일을 가리 키기 위해 “일러스트 라디오”라는 용어를 사용했습니다. 다른 주목할만한 1950 년대 프로그램으로는 UPA의 제럴드 맥 보잉 보잉 (Gerald McBoing Boing), 한나 바버라의 허클베리 하운드 (Huckleberry Hound)와 퀵 그리기 맥그로우 (Quick Draw McGraw)가 있으며, 유니버설의 월터 란츠, 워너 브라더스, MGM, 디즈니의 많은 고전 무대 만화가 재방송된다.

Hanna-Barbera 만화 인 The Flintstones는 1960 년에서 1966 년까지 (그리고 이후 재방송) 미국에서 성공한 최초의 애니메이션 시리즈입니다. Scooby-Doo, Where Are You !, The Jetsons, Top Cat 및 The Alvin Show를 포함하여 1960 년대 초 다른 만화를 계획함으로써 많은 네트워크가 쇼의 성공을 거뒀지만 이러한 프로그램 중 1 년 이상 살아남은 적이 없었습니다 (Scooby- Doo는 황금 시대의 만화가 아니 었음에도 불구하고 40 년 이상 떠있었습니다. 그러나이 쇼를 토요일 아침 만화로 운영함으로써 네트워크가 성공을 거두었으며 어린이들 사이에보다 많은 인구 통계 학적 단일성으로 소규모 관객에게 다가갔습니다. 토요일 아침, Nickelodeon, Disney Channel / Disney XD 및 Cartoon Network, PBS Kids와 같은 케이블 채널과 신디케이션 오후 시간대에서 아이들을위한 텔레비전 애니메이션이 번창했습니다.

TV 애니메이션 프로세스의 스케줄링 제약, 특히 리소스 관리 문제로 인해 제한된 애니메이션으로 알려진 다양한 기술이 개발되었습니다. 풀 프레임 애니메이션 ( “on ones”)은 미국의 연극 작품 이외의 용도로는 거의 사용되지 않았습니다.

성숙한 관중을위한 Primetime 만화는 The Simpsons이 성인 애니메이션의 새로운 시대를 열었을 때 1990 년대 히트 때까지 미국 주류에서 사실상 존재하지 않았습니다. Aeon Flux, Beavis, Butt-head, 사우스 파크, 패밀리 가이, Cleveland Show, American Dad !, Bob ‘s Burgers, Aqua Teen Hunger Force (현재 Aqua TV Show Show)와 같은 “성인 애니메이션”프로그램 Futurama는 프라임 타임 및 저녁 미국 TV에서 애니메이션 시트콤의 수가 증가했습니다. 또한 다른 나라 (특히 일본)의 애니메이션 작품은 1960 년대 이후 미국에서 다양한 수준의 항공 활동을하고 있습니다.

상업 애니메이션 :
애니메이션은 그래픽 광고와 유머 감각으로 TV 광고에서 매우 인기가있었습니다. 광고에서 애니메이션 캐릭터 중 일부는 Kellogg의 곡물에 대한 광고에서 Snap, Crackle 및 Pop과 같이 수십 년 동안 살아 남았습니다.

1957 년 “Louie the Fly”는 오스트레일리아 TV에서 가정용 살충제 호주 브랜드 인 Mortein의 만화 길항가로서 처음 등장했으며 Geoffry Morgan Pike가 그려 내고 애니메이션화되었습니다. 브라이스 코트니 (Bryce Courtenay)의 딸랑 딸랑 소리가 들려오면서 1962 년부터 애니메이션 TV 광고에 사용되어 왔으며, “자신이 더러움을 노래하며 자랑스럽게”모르 텐 캔을 가진 사람 “을 제외하고는 아무도 두려워하지 않는다고 주장했다.

전설적인 애니메이션 감독 Tex Avery는 1966 년에 처음으로 Raid “Kills Bugs Dead”광고를 제작했습니다.이 광고는 회사에서 매우 성공적이었습니다. 이 개념은 많은 국가에서 사용되어 왔습니다.