La 58e exposition d’art internationale, intitulée May You Live In Interesting Times, dirigée par Ralph Rugoff, a eu lieu du 11 mai au 24 novembre 2019. Le titre est une expression d’invention anglaise qui a longtemps été citée à tort comme une ancienne malédiction chinoise qui invoque périodes d’incertitude, de crise et de troubles; « époques intéressantes », exactement comme celles dans lesquelles nous vivons aujourd’hui.
L’exposition est, comme toujours, mise en scène dans les deux principaux sites historiques, les Giardini di Castello et l’Arsenale, mais implique également des lieux prestigieux à travers Venise, où les représentants de nombreuses nations sont hébergés et où des expositions et des événements collatéraux sont organisés. Tous les futurs du monde forment un parcours d’exposition large et unifié qui s’articule du Pavillon Central des Jardins à l’Arsenale, incluant la participation de 79 pays et régions.
Le titre de cette expression de l’Exposition « temps intéressants » évoque l’idée de temps difficiles voire « menaçants », mais il pourrait aussi être simplement une invitation à toujours voir et considérer le cours des événements humains dans leur complexité, une invitation, ainsi, à semble être particulièrement important à une époque où, trop souvent, la simplification excessive semble prévaloir, générée par le conformisme ou la peur.
May You Live in Interesting Times, comprend des œuvres d’art qui reflètent les aspects précaires de l’existence d’aujourd’hui, y compris les différentes menaces qui pèsent sur les traditions, les institutions et les relations clés de « l’ordre d’après-guerre ». Mais reconnaissons d’emblée que l’art n’exerce pas ses forces dans le domaine de la politique. L’art ne peut pas endiguer la montée des mouvements nationalistes et des gouvernements autoritaires dans différentes parties du monde, par exemple, ni atténuer le sort tragique des personnes déplacées à travers le monde.
La 58e exposition internationale d’art met en lumière une approche générale de la création artistique et une vision de la fonction sociale de l’art englobant à la fois le plaisir et la pensée critique. L’exposition se concentre sur le travail d’artistes qui remettent en question les habitudes de pensée existantes et ouvrent nos lectures d’objets et d’images, de gestes et de situations.
L’art de ce genre naît d’une pratique consistant à divertir de multiples perspectives : à garder à l’esprit des notions apparemment contradictoires et incompatibles, et à jongler avec diverses façons de donner un sens au monde. Les artistes qui pensent de cette manière proposent des alternatives au sens de soi-disant faits en suggérant d’autres manières de les relier et de les contextualiser. Animés d’une curiosité sans bornes et d’un esprit perçant, leur travail nous encourage à regarder de travers toutes les catégories, concepts et subjectivités incontestés.
Une exposition d’art mérite d’abord notre attention si elle entend nous présenter l’art et les artistes comme un défi décisif à toutes les attitudes simplificatrices. D’une manière indirecte, peut-être que l’art peut être une sorte de guide sur la façon de vivre et de penser dans des « moments intéressants ». Il nous invite à considérer des alternatives multiples et des points de vue inconnus, et à discerner les façons dont « l’ordre » est devenu la présence simultanée d’ordres divers.
L’exposition de Giardini
L’Exposition se développe du Pavillon Central (Giardini) à l’Arsenale et comprend 79 participants du monde entier. Site traditionnel des expositions d’art de la Biennale depuis la première édition en 1895, les Giardini s’élèvent à la limite orientale de Venise et ont été réalisés par Napoléon au début du XIXe siècle. C’est le succès des premières éditions (plus de 200 000 visiteurs en 1895, plus de 300 000 en 1899) qui déclenche la construction de pavillons étrangers dès 1907, qui viennent s’ajouter au Pavillon Central déjà construit. Les Giardini accueillent aujourd’hui 29 pavillons de pays étrangers, dont certains conçus par des architectes célèbres tels que le pavillon autrichien de Josef Hoffmann, le pavillon néerlandais de Gerrit Thomas Rietveld ou le pavillon finlandais, un préfabriqué avec un plan trapézoïdal conçu par Alvar Aalto.
Dans le cadre de la réorganisation des expositions des lieux de la Biennale, en 2009, le pavillon central historique de Giardini est devenu une structure multifonctionnelle et polyvalente de 3 500 mètres carrés, le centre d’activité permanent et le point de repère des autres pavillons des jardins. Il abrite des espaces intérieurs conçus par des artistes de renommée internationale tels que Massimo Bartolini (Espace éducatif « Sala F »), Rirkrit Tiravanija (Librairie) et Tobias Rehberger (Cafétéria).
La transformation du pavillon central en jardins multifonctionnels s’est achevée en 2011 avec la réorganisation des espaces d’exposition et du hall d’entrée. Dès lors, le Pavillon Central peut profiter de conditions spatiales et microclimatiques optimales pour chacune des différentes et nombreuses destinations, incluant des activités éducatives, des ateliers et des projets spéciaux. Une partie importante du projet de récupération consistait en l’achèvement de la restauration de la salle Ottagonale, initiée par le conseil municipal de Venise en 2006, avec la restauration des peintures à l’intérieur du dôme Galileo Chini en 1909 et la restauration des systèmes de murs et de sols décoratifs Dans la terrasse vénitienne. Le Hall, équipé de tous les services pour l’accueil du public,devient ainsi un point d’appui du Pavillon sous la forme d’un atrium monumental à partir duquel toutes les nouvelles zones fonctionnelles peuvent être atteintes.
Points forts
Partie IV
Lara Favaretto
La pratique artistique à multiples facettes de Lara Favaretto englobe la sculpture, l’installation et l’action performative, et s’exprime souvent à travers l’humour noir et l’irrévérence. Un exemple peut être trouvé dans sa série Momentary Monuments (2009-en cours), qui ne sont pas destinés à glorifier un événement historique, ni à favoriser des sentiments d’identification nationale. Les monuments de Favaretto sont moins idéologiques et plus tragi-comiques, ils pourrissent, s’effondrent et se dissolvent simplement de différentes manières. Cela fait de l’énorme effort pour les construire un monument en soi, mais à la futilité de l’effort humain. La blague implicite dans le travail de Favaretto est que même les objets faits des matériaux les plus stables, destinés à figer à jamais les valeurs et les idéologies, finissent par disparaître.
Antoine Catala
Antoine Catala crée des relations nouvelles et ludiques entre langage et réalité. En explorant les problèmes de communication, il cherche à découvrir certaines des manières dont le sens est transmis via les mots, les signes, les textes, les emojis, en particulier sur les plateformes de communication. À travers ses œuvres textuelles et ses installations sculpturales, il attire l’attention sur la façon dont, souvent sans réfléchir, la façon dont le message est transmis, plutôt que le message lui-même, nous affecte.
A l’entrée du Pavillon Central neuf grands panneaux recouverts de silicone coloré constituent l’œuvre It’s Over (2019). Au fur et à mesure que l’air s’échappe lentement de chaque panneau, un texte en relief se révèle, transmettant des messages ambigus et rassurants : « Ne vous inquiétez pas », « C’est fini », « Tout va bien », « Tutto va bene », « Hey, Relax » , ou une image de deux ours en peluche s’embrassant. Dans l’Arsenale, l’installation The Heart Atrophies (2018-2019) propose l’équivalent contemporain d’un rébus médiéval, montrant comment l’homme a toujours été en relation étroite, adaptative, flexible avec les signes qui l’entourent.
Maria Loboda
La transformation continue des objets et des images à travers leurs trajectoires de transmission et de rencontre est au cœur de la pratique de Maria Loboda. Les œuvres de Loboda suscitent la méfiance envers ce qui est supposé évident, mais nous invitent aussi à nous lier d’amitié avec les incertitudes qu’ils – et les choses qui nous entourent – possèdent. Loboda s’intéresse à la manière dont les images sont affectées par les contextes dans lesquels elles circulent, façonnées par l’histoire des regards posés sur elles.
Ryoji Ikeda
La pratique du compositeur et artiste Ryoji Ikeda approche le minimalisme monumental, entremêlant souvent des compositions acoustiques clairsemées avec des visuels qui prennent la forme de vastes champs d’informations rendues numériquement. Ceux-ci s’intègrent pour former le propre langage expansif de l’artiste, qui repose sur une méthode de travail algorithmique où les mathématiques sont utilisées comme moyen de capturer et de refléter le monde naturel qui nous entoure.
Haris Épaminonda
Haris Epaminonda travaille avec des matériaux trouvés tels que des sculptures, des poteries, des livres ou des photographies, qu’elle combine souvent pour construire avec soin ses installations caractéristiques. Ces objets sont enchevêtrés dans un réseau de significations historiques et personnelles inconnues du public et, probablement, d’elle aussi. Ce n’est pas qu’elle ignore ces histoires : elles sont implicites, elles exercent leur pouvoir intrinsèquement, tout en se pliant doucement en quelque chose de différent lorsqu’elles s’installent dans ses installations. Elle les choisit pour leurs qualia, leurs qualités expérientielles irréductibles, qui les font rayonner et devenir visibles.
Nicole Eisenman
Les réverbérations entre l’historique et le présent, entre le public et l’intimité fournissent la force derrière les peintures et les sculptures de Nicole Eisenman. Son antenne pour la dynamique de la vie contemporaine l’a conduite à la vérité inexorable que le monde reste rempli d’hommes malfaisants poussés par le pouvoir, la gourmandise, l’avarice, la soif de sang et leur croyance en l’argent comme valeur à considérer avant toute autre.
Dans ses œuvres sculpturales, Eisenman représente ces forces comme monstrueuses, déformées et tordues, éviscérées et cancéreuses. Son engagement indéfectible envers les détails de notre moment, comme en témoignent des œuvres telles que Weeks on the Train (2015), Morning Studio (2016) et Dark Light (2017), les iPhones, les jeans, les sweats à capuche, les ordinateurs portables, les casquettes de baseball et le l’utilisation de caisses de lait comme mobilier, l’inscrit résolument dans la vénérable tradition du réalisme et des scènes de genre : des tableaux où la membrane qui sépare l’art de la vie est rendue aussi poreuse que possible.
Augustas Serapinas
Augustas Serapinas s’intéresse à la création de points de vue alternatifs, Ils contribuent à plus de diversité, ce qui fait souvent défaut aux institutions et au monde de l’art en général… Il a un profond respect pour la créativité « faire-faire », et son travail trouve souvent inspiration poignante au quotidien. Même à l’école d’art de son Vilnius natal, Serapinas a repoussé les limites institutionnelles, trouvant un espace caché au sein de l’Académie à utiliser comme studio secret et se créant un trou de culasse dans une conduite d’eau caverneuse alimentant la rivière Vilnelė. En 2012, sa dernière année à l’Académie des Arts de Vilnius, il a remarqué un groupe d’enfants utilisant l’espace public environnant comme aire de jeux et a construit des structures d’escalade à l’intérieur de son studio pour qu’ils les découvrent et les intègrent dans leurs jeux.
Cameron Jamie
Cameron Jamie a produit des œuvres dans divers médias, des photographies et vidéos aux dessins, céramiques, sculptures et zines photocopiés. Cependant, l’œuvre qui lui a le plus attiré l’attention au cours des premières années de sa carrière est Kranky Klaus (2002-2003), une vidéo documentant la tradition de Noël alpin de Krampuslauf. Dans un village rural autrichien, des hommes déguisés en bêtes à cornes sillonnent les rues la nuit, soi-disant à la recherche d’enfants et de jeunes femmes qui auraient été vilaines. Les bêtes Krampus sont un rituel de chorégraphie sanctionné par la culture.
Michael E. Smith
Un sentiment de hantise post-humaine imprègne les sculptures, installations, vidéos et parfois peintures de Michael E. Smith. L’artiste utilise généralement dans son travail le genre d’objets que l’on pourrait trouver dans une décharge publique ou, au mieux, dans un magasin d’occasion ; ce sont des artefacts qui portent à leur surface des preuves d’avoir été utilisés, usés et finalement brisés par des mains humaines. Le fait même de leur rejet les imprègne d’un pathétique mordant, les révélant comme mal-aimés, impuissants et voués à un purgatoire matériel dans lequel ils refusent de se dégrader ou de disparaître. Ailleurs, de véritables animaux morts (ou des parties d’entre eux) entrent dans le vocabulaire sculptural de Smith, comme pour souligner la qualité mortelle des objets fabriqués par l’homme avec lesquels ils sont combinés.
Annonce Minoliti
Pour Ad Minoliti, la peinture métaphysique est le symbole de l’utopie moderniste et de tout ce qu’elle y trouve reprochable : la répressivité de son idéalité, le conservatisme de ses structures rigides, et même sa logique binaire implicite, en référence à l’idée de Jacques Derrida selon laquelle La pensée occidentale est fondée sur des oppositions dualistes telles que homme-femme, rationnel-émotionnel ou nature-culture. Son effort artistique a été de créer un espace alternatif de représentation pour contrer cette position moderniste. Elle a trouvé un alter-homologue dialectique de l’espace de la peinture métaphysique dans le monde imaginaire de la maison de poupée.
Invention du XVIIe siècle, la maison de poupée a été initialement créée comme un outil pédagogique pour instruire les filles sur leurs rôles en tant que ménagères, gouvernantes, mères d’enfants et soutiens de mari – et les garçons sur l’acceptation de cette division du travail et de cette philosophie . Minoliti s’approprie l’esthétique de la maison de poupée et de ses accessoires, la compose avec une imagerie moderniste qui fait écho à Kandinsky, Picasso ou Matisse, puis la démonte, la tord, la déplace et la reconfigure à nouveau.
Jon Rafman
Dans les mouvements modernistes, a observé Jon Rafman, les visions utopiques du futur étaient répandues. Cependant, la vision postmoderne du capitalisme tardif est devenue dystopique. Pour explorer ce changement dans les notions de futur, le travail de Rafman utilise l’image en mouvement et les graphiques générés par ordinateur, évitant l’optimisme rose parfois associé aux nouvelles technologies.
Arthur Jafa
Pendant trois décennies, Arthur Jafa a développé une pratique dynamique à travers des médiums tels que le cinéma, la sculpture et la performance. Tout au long de sa carrière, il a été investi dans des modes d’expressivité spécifiquement noirs et dans le défi de savoir comment rendre le monde (visuellement, conceptuellement, culturellement, idiomatiquement) du point de vue de l’être noir – dans toute sa joie, son horreur, sa beauté, douleur, virtuosité, aliénation, pouvoir et magie. Jafa rassemble des images en réseau, des photographies historiques, des portraits vernaculaires, des clips musicaux, des mèmes et des séquences d’actualités virales pour souligner l’absurdité et la nécessité des images dans l’appréhension de la race.
Neil Beloufa
Neïl Beloufa – dont la pratique englobe le cinéma, la sculpture et les installations, a passé la majeure partie de la dernière décennie à réfléchir à ce qui est en jeu lorsque l’on appréhende la réalité et sa représentation. Sa pratique refuse d’adopter toute position d’autorité ; il est à la fois vif dans l’observation et discret dans ce qu’il véhicule.
L’artiste s’éloigne sans cesse de ses propositions comme pour dire au spectateur : « C’est ton problème maintenant, tu t’en occupes ». Par exemple, pour regarder les vidéos de Global Agreement (2018-2019), le spectateur doit s’asseoir sur des structures rappelant les équipements de gymnastique, qui sont inconfortables et restreignent ses mouvements ; simultanément, la configuration de l’espace permet à chaque spectateur d’observer tout le monde en train d’observer les autres : vous regardez peut-être la vidéo, mais quelqu’un vous regarde toujours.
Zhanna Kadyrova
L’un des aspects les plus frappants de l’art de Zhanna Kadyrova, qui comprend la photographie, la vidéo, la sculpture, la performance et l’installation, est son expérimentation avec les formes, les matériaux et le sens. Elle utilise souvent du carrelage bon marché pour la mosaïque, combiné à des matériaux de construction lourds tels que le béton et le ciment.
La version de Second Hand (2014-en cours) présentée dans le pavillon central réutilise les carreaux de céramique d’un hôtel de Venise pour fabriquer des vêtements et du linge. Pour Market (2017-en cours, exposé à l’Arsenale), un stand de nourriture équipé de tout ce dont un commerçant de rue a besoin, elle fabrique des saucisses et des salamis en béton et en pierre naturelle, et façonne des fruits et légumes, des bananes, des pastèques, des grenades, des aubergines, en mosaïque épaisse.
Ian Cheng
Ian Cheng utilise des techniques de programmation informatique pour créer des environnements de vie définis par leurs capacités à muter et à évoluer. Il développait des « simulations en direct », des écosystèmes virtuels vivants qui commencent par des propriétés programmées de base mais sont laissés à l’auto-évolution sans contrôle ni fin de l’auteur. C’est un format pour exercer délibérément les sentiments de confusion, d’anxiété et de dissonance cognitive qui accompagnent l’expérience d’un changement implacable.
La créature la plus récente de Cheng, BOB (Bag of Beliefs) (2018-2019), présentée dans le pavillon central, est une forme d’IA (intelligence artificielle) dont la personnalité, les valeurs et le corps – qui rappelle un serpent ou un corail – ne cessent de croître. . Les modèles de comportement et le scénario de vie de BOB sont alimentés par des interactions avec les humains, qui sont capables d’influencer les actions de BOB via une application iOS. Life After BOB : First Tract (2019), présenté à l’Arsenale, fonctionne comme une sorte d' »avant-première » d’un univers narratif centré autour de BOB.
Nairy Baghramian
Nairy Baghramian fusionne des formes mécaniques et anthropomorphes pour créer des objets sculpturaux déroutants. Son travail envisage la sculpture comme une créature hybride. Ni entièrement mécaniques ni entièrement corporels, les objets de Baghramian sont difficiles à cerner. Dwindlers, une série d’appendices en verre exposés le long du couloir extérieur de l’Arsenale, force la question : « Qu’est-ce que nous regardons ? Un ensemble de conduits d’aération endommagés ou d’intestins monstrueux ? Ornementation décorative ou structure ruineuse ? ».
Dans le pavillon central, elle présente Maintainers (2019), un collage d’éléments sculpturaux interdépendants dans des groupements étroitement assemblés (aluminium moulé brut pressé contre des formes en cire soutenues par une barre de liège et des croisillons laqués). Solide et obstiné, le collage de formes anime une tension dynamique entre support matériel et attaque – sans le liège et les croisillons laqués, l’œuvre pourrait potentiellement s’effondrer.
Julie Mehretu
Les toiles antérieures de Julie Mehretu faisaient référence à des cartes, des schémas architecturaux et des grilles d’urbanisme ; l’artiste a utilisé un éventail de vecteurs et de notations qui indiquaient les mobilités mondiales – ainsi que les inégalités mondiales. Ils sont d’une complexité et d’une maîtrise vertigineuses dans leur utilisation de l’échelle et de l’espace négatif ; ils transmettent une sensation de vélocité. Dans ses dernières peintures, elle adopte un autre type de désorientation, produisant des œuvres dans lesquelles des traits à l’aérographe et des éléments sérigraphiés sont ajoutés et effacés, invoquant un sentiment de dissipation et de perte. Bien que les détails des sous-couches ne soient plus disponibles pour le spectateur en tant qu’informations picturales, cette imagerie source a toujours la capacité de s’inscrire à un niveau émotionnel, donnant le ton à la peinture achevée.
Henri Taylor
Décrivant sa pratique picturale comme « vorace », Henry Taylor peuple son œuvre d’une énorme diversité de sujets, des plus démunis aux plus réussis. Que ce soit à travers des portraits intimes de famille et d’amis, ou des scènes de groupe aux influences politiques qui relient différentes géographies et histoires, l’objectif de Taylor est de dépeindre honnêtement la réalité de l’expérience noire et le fonctionnement souvent inique de la vie américaine. Mais malgré son sens aigu de l’injustice et l’incorporation fréquente de références à l’histoire de l’art, les images de Taylor ne sont pas lourdes ; leurs formes audacieuses et leurs couleurs de bloc sont immédiates, attirant le spectateur.
Jimmie Durham
Incorporant également des éléments d’écriture et de performance, la pratique de Jimmie Durham prend le plus souvent la forme de sculptures dans lesquelles divers objets du quotidien et matériaux naturels sont assemblés en des formes vivantes. Le processus de production, ce que Durham qualifie de « combinaisons illégales avec des objets rejetés », peut être vu comme une incarnation de l’attitude subversive qui imprègne ses œuvres.
Dans le pavillon central, Durham présente Black Serpentine, une grande dalle de roche éponyme entourée d’un cadre en acier inoxydable – une masse d’une demi-tonne provocante dans sa force implacable. Dans l’Arsenale, chaque sculpture, façonnée à partir de combinaisons de pièces de mobilier, de matériaux industriels lisses ou de vêtements usagés, se rapproche de l’échelle de l’animal titulaire. la séparation entre l’homme et la nature.
Rula Halawani
Les images fantomatiques de Rula Halawani capturent les séquelles de la violence périodique qui a transformé son pays en zone de guerre. S’appuyant à la fois sur son expérience de photojournaliste et sur ses souvenirs de la vie sous l’occupation israélienne, Halawani cherche dans un paysage désormais inconnu les traces décolorées de la Palestine historique. À travers le médium de la photographie, les implications spatiales de l’occupation se reflètent non seulement à travers la représentation des structures politiques dans l’environnement bâti, mais plus distinctement dans le vide des espaces négatifs et des illusions obscures.
Soham Gupta
Dans ses portraits fantomatiques, Soham Gupta met en lumière la vie nocturne de Kolkata, révélant comment vivent certains des habitants les plus vulnérables de la ville. Dans sa série Angst, nous suivons ces figures nocturnes qui se déplacent dans les mondes qu’elles habitent, devenant des personnages vivants dans l’imaginaire du photographe. Gupta pense ses portraits comme le résultat d’un processus collaboratif, tiré d’interactions intimes dans lesquelles lui et ses sujets se confient l’un à l’autre. Le photographe a une affinité instinctive avec ceux qui existent en marge de la société ; il marche parmi eux, s’identifiant à leurs douleurs et leurs luttes.
Après avoir passé du temps avec chaque sujet, Gupta fait des récits biographiques de leurs histoires. Les photographies de Gupta imprègnent les impuissants d’une agence expressive. Plus qu’une documentation d’une ville et de ses habitants, les photographies sont l’expression d’un état psychologique enraciné dans quelque chose de plus essentiel. Un sentiment de vulnérabilité et de solitude est ponctué de moments de joie et de spontanéité. Alors que les cris et les douleurs de l’agonie peuvent être réduits au silence par l’image photographique, les photographies de Gupta expriment de manière vivante les différentes nuances de l’humanité qui ne peuvent être vues que pendant la nuit.
Lee Bul
Ayant grandi en tant que fille de militants de gauche pendant la dictature militaire de la Corée du Sud, Lee Bul a subi les effets d’un régime répressif dans un pays en pleine transformation économique et culturelle. Ses premières œuvres, datant de la fin des années 1980, étaient des spectacles de rue pour lesquels elle fabriquait et portait de monstrueux costumes de « sculpture douce » ornés de protubérances et de viscères pendants. Viennent ensuite ses sculptures Cyborg dans des corps féminins transformés en machines, formant des hybrides incomplets dépourvus de têtes et de membres. Ils l’ont à leur tour amenée à explorer des idées de paysages urbains futuristes inspirés des rêves, des idéaux et des utopies conçus dans les mangas et anime japonais, la bio-ingénierie et l’architecture visionnaire de Bruno Taut (1880-1938).
Lara Favaretto
La pratique artistique à multiples facettes de Lara Favaretto englobe la sculpture, l’installation et l’action performative, et s’exprime souvent à travers l’humour noir et l’irrévérence. Un exemple peut être trouvé dans sa série Momentary Monuments (2009-en cours), qui ne sont pas destinés à glorifier un événement historique, ni à favoriser des sentiments d’identification nationale. Les monuments de Favaretto sont moins idéologiques et plus tragi-comiques – ils pourrissent, s’effondrent et se dissolvent simplement de différentes manières. Cela fait de l’énorme effort pour les construire un monument en soi, mais à la futilité de l’effort humain. La blague implicite dans le travail de Favaretto est que même les objets faits des matériaux les plus stables, destinés à figer à jamais les valeurs et les idéologies, finissent par disparaître.
Laurent Abou Hamdan
Se décrivant comme une « oreille privée », Lawrence Abu Hamdan se concentre sur la politique de l’écoute, l’impact juridique et religieux du son, la voix humaine et le silence. Sa pratique est née d’une formation en musique DIY, mais elle couvre actuellement le cinéma, les installations audiovisuelles et les essais audio en direct, un terme qu’il préfère à « conférence-performance », car il décrit mieux l’entrelacement de la voix et du contenu, et de la discours et les conditions dans lesquelles il est prononcé. Il traite de la voix humaine en tant que matériau politisé, facilement saisissable par les gouvernements ou les sociétés de données.
Partie V
Thérèse Margolles
Teresa Margolles pose un regard féministe sur les brutalités de la narcoviolence qui envahissent son pays d’origine, le Mexique. Ayant étudié la médecine légale et co-fondé le collectif d’artistes inspiré du death metal SEMEFO, Margolles a thématisé tout au long de sa pratique la négligence gouvernementale, le coût social et économique de la criminalisation des drogues, et les textures, odeurs et restes physiques spécifiques.
Sun Yuan et Peng Yu
Le couple d’artistes Sun Yuan et Peng Yu a commencé leur collaboration en 2000. En 2009, ils ont créé l’installation Sun Yuan Peng Yu, un autoportrait décrivant la relation et la dynamique de leur alliance artistique. Un cercle de fumée récurrent était constamment dispersé par un balai actionné par un bras mécanique qui continuait à balayer dans l’air; la fumée réapparaissait avec persistance, pour ne se dissoudre que lorsque le balai frappait à nouveau.
Pour Sun et Peng, le moment de rencontre entre les deux composants, et la dissolution de l’un par l’autre, symbolisait un moment de création artistique commune dans leur manière de travailler. Presque toutes les installations de Sun Yuan et Peng Yu cherchent à solliciter l’émerveillement et la tension des spectateurs. L’acte de regarder de la part des spectateurs est un élément constitutif de leurs œuvres récentes, qui impliquent souvent la mise en scène de spectacles intimidants.
Christian Marclay
Les œuvres de Christian Marclay sont faites d’objets, d’images et de sons déjà existants, qu’il s’approprie et manipule. Ses explorations de la relation entre le son et l’image l’ont amené à appliquer des techniques d’échantillonnage aux films hollywoodiens. Il a créé des montages de clips pour former de nouveaux récits et projections sur plusieurs écrans.
Il a utilisé des objets trouvés, des images et des sons, et les a collés ensemble, et a essayé de créer quelque chose de nouveau et de différent avec ce qui était disponible. Être totalement original et repartir de zéro m’a toujours semblé futile. Il était plus intéressé à prendre quelque chose qui existait et faisait partie de mon environnement, à le découper, le tordre, le transformer en quelque chose de différent ; se l’approprier et se l’approprier par des manipulations et des juxtapositions.
Frida Orupabo
La préoccupation centrale de Frida Orupabo est la représentation du corps féminin noir, notamment en ce qui concerne la circulation des images dans la culture médiatique. Elle combine des photographies trouvées et des images de ses archives personnelles pour créer des collages numériques qui explorent les thèmes de la race, du genre, de l’identité, de la sexualité, du regard et de la violence coloniale. Orupabo, artiste autodidacte et sociologue de formation, a commencé à télécharger et à diffuser ses collages sur les plateformes de médias sociaux afin d’obtenir du matériel source et d’intervenir dans le cycle sans fin d’images qui construisent le corps féminin noir produit par l’histoire de l’art, le colonialisme, la science et la culture populaire.
Cyprien Gaillard
Faisant de l’entropie de l’humain et du naturel sa préoccupation centrale, Cyprien Gaillard effectue une critique pointue de l’idée de progrès à travers ses vidéos, sculptures, photographies, collages et art public. Observateur nomade, Gaillard parcourt aussi bien les milieux urbains que les paysages naturels, à la recherche de signes du temps profond incrustés dans son environnement. Il fait entrer à l’intérieur des fragments du monde extérieur, formant des juxtapositions anachroniques, mêlant des images de destruction et de reconstruction, de renouveau et de dégradation.
La pratique de Gaillard est une archéologie visuelle de la décadence, qu’il s’agisse de l’érosion des formes physiques ou de la signification sociale et historique. Faisant souvent s’effondrer le temps dans son œuvre, Gaillard combat le romantisme des ruines, suggérant un regard désintéressé à travers lequel les vestiges d’événements et de lieux peuvent être appréhendés à travers un cadre unifié de temps cyclique.
Danh Vo
Le cercle éclectique de collaborateurs de Danh Vo pour la Biennale Arte 2019 comprend son petit ami, son neveu, son père et son ancien professeur. Dans les installations de Vo, l’histoire rencontre la propre biographie de l’artiste à travers des objets symboliques chargés tels que des icônes culturelles ou des images religieuses endommagées, et l’implication littérale et métaphorique des membres de sa famille et de ses amis.
Slaves et Tatars
Fondé en 2006, Slavs and Tatars a commencé comme un club de lecture et s’est transformé en un collectif d’artistes dont la pratique multiforme est néanmoins restée très proche du langage, au sens propre comme au sens figuré. Leur travail, allant des sculptures et installations aux conférences-performances et publications, est une approche de recherche non conventionnelle de la richesse culturelle et de la complexité de l’espace géographique enfermé entre deux barrières symboliques et physiques : l’ancien mur de Berlin et la Grande Muraille de Chine. Ce vaste territoire est l’endroit où l’Est et l’Ouest se heurtent, se confondent et se redéfinissent.
Liu Wei
Les premières œuvres de Liu Wei traitaient souvent de l’architecture urbaine, des paysages urbains et des objets du quotidien, et représentaient divers aspects du monde physique en utilisant un schéma géométrique récurrent dans les peintures et les installations. Au cours des deux dernières décennies, il a travaillé avec un assortiment éblouissant de matériaux – des produits à mâcher en peau de bœuf aux livres, des appareils électroniques ménagers à la porcelaine chinoise et aux matériaux de construction mis au rebut. Ses récentes installations à grande échelle évoquent la formalité et la splendeur des décors modernistes, remplis de formes et de formes géométriques.
Apichatpong Weerasethakul
Les œuvres d’Apichatpong Weerasethakul sont imprégnées de la vie sociale, de la culture divergente et de la politique tumultueuse de sa Thaïlande natale, tandis que les arènes transitoires du sommeil, du rêve et de la mémoire se reproduisent comme des espaces d’exploration, de libération et de subversion silencieuse. Ces sujets se frayent un chemin dans l’interaction complexe de la lumière, du son et de l’écran de Synchronicity (2018), réalisé avec l’artiste japonais Tsuyoshi Hisakado (1981, Japon) et présenté dans l’Arsenale, dans l’environnement duquel les espaces de seuil de Weerasethakul prennent une forme physique.
Deux œuvres dans le pavillon central signalent un changement significatif pour Weerasethakul, qui a pour la première fois travaillé hors de Thaïlande, en Colombie, pour son projet actuel Memoria. La topographie de la Colombie et ses cicatrices de décennies de guerre civile ont une affinité viscérale pour Weerasethakul ; les traumatismes de la mémoire collective font partie du tissu de la vie quotidienne, tout comme ils le sont à Nabua.
Handiwirman Saputra
Au cours des dix dernières années, Handiwirman Saputra a créé une série de sculptures et de peintures énigmatiques intitulées No Roots, No Shoots, déclenchées par des objets aléatoires qu’il a trouvés dans la vie quotidienne. L’impulsion pour certains de ces travaux était un tronçon de rivière près de sa maison, où les racines exposées des bosquets de bambou et des arbres étaient enchevêtrées avec des ordures ménagères. Saputra était intrigué non seulement par les choses qu’il y découvrait, mais aussi par les associations entre elles.
Kemang Wa Lehulere
L’œuvre riche en strates de Kemang Wa Lehulere encourage les visiteurs à se rassembler autour d’elle dans une contemplation partagée. Cette notion de collectif est au cœur de la pratique plus large de l’artiste : il est devenu artiste à la fin de la vingtaine, après de nombreuses années d’expérience en tant qu’activiste au Cap. Il a créé Gugulective en 2006, une plateforme artistique de performance et d’intervention sociale.
Les installations exposées à l’Arsenale et au pavillon central sont toutes deux réalisées à partir de bois de récupération et de métal provenant de bancs et de chaises d’école. Chaque élément de ces œuvres s’articule dans un tissu d’associations, de références et d’histoires car pour Wa Lehulere, biographie personnelle et histoire collective sont indissociables.
Gauri Gill
En voyageant plus loin, Gill a vu de nouvelles « colonies de banlieue existant dans un désert de débris, imitant des châteaux anglais avec les maisons de fortune de travailleurs migrants qui les entourent ». Son Deadpan architectural englobe les palissades de développeurs colportant des rêves inaccessibles; expositions éducatives sur le bâtiment et la construction; de faux palmiers plantés parmi de vrais arbres ; une déesse présidant au-dessus d’une unité de climatisation ; un nouveau bâtiment, recouvert de tôles déchirées, en cours de démolition sur Mahatma Gandhi Road ; des tas d’ordures pourrissant à côté de la Grand Trunk Road; et des gratte-ciel sans relief, partout.
Michel Armitage
Situées quelque part entre une réalité fantastique et le chaos politique de la vie moderne, les peintures de Michael Armitage tissent de multiples fils narratifs. Fin observateur des dynamiques sociales complexes, il subvertit les codes conventionnels de la représentation à travers le langage de la peinture narrative. Magnifiant les problèmes d’inégalité et d’incertitude politique, la beauté pittoresque de ses tableaux vivants dément une réalité sinistre dans laquelle la collision de détails somptueux et de couleurs vibrantes donne un aperçu des mœurs sociales et des idéologies politiques qui régissent la vie quotidienne à Nairobi.
Jesse Chéri
Les sculptures de Jesse Darling sont blessées, nerveuses et instables, mais elles débordent également de vie. Fabriqués à partir de matériaux de tous les jours à bas prix, ces assemblages sans prétention évoquent des corps d’une poignante inhabituelle; elles sont aussi résolument non monumentales. Incapable d’utiliser la majeure partie de son bras droit en raison d’une maladie neurologique, Darling a été frappé par les idéologies héritées et le machisme capacitiste qui avaient initialement informé leur compréhension de la sculpture : les idées de « travail acharné » et « le geste ».
Khyentsé Norbu
Dans le travail de Khyentse Norbu en tant qu’artiste et cinéaste, les questions philosophiques de contexte jouent un rôle central. Il y a une suggestion que la compréhension et l’interprétation sont toujours ouvertes au changement, et qu’il y a place pour une vue plus large. Connu dans le monde bouddhiste sous le nom de Dzongsar Khyentse Rinpoché, Norbu est un lama tibétain et bhoutanais, respecté pour son enseignement et ses écrits.
Alexandra Bircken
La pratique d’Alexandra Bircken est construite autour de la forme humaine. Ses œuvres incorporent une gamme inhabituelle de matériaux, allant des articles manufacturés tels que le silicone, les collants en nylon, les armes et les machines, aux matériaux organiques tels que la laine, le cuir, les branches et les fruits secs. Dépouillées de leur fonction première, celles-ci sont assemblées en des arrangements extraordinaires et inconfortables, chaque œuvre vivant de tensions opposées.
Dans le pavillon central, Bircken présente six œuvres qui entremêlent les thèmes du genre, du pouvoir et de la vulnérabilité, de l’animal et de la machine. Ce sont des œuvres qui rappellent notre vulnérabilité, notre physicalité et les outils orgueilleux que nous créons pour nous protéger de l’extérieur et les uns des autres. Dans l’Arsenale, les artistes exposent l’installation viscérale, apocalyptique et dynamique ESKALATION (2016), une vision dystopique de ce à quoi pourrait ressembler la fin de l’humanité.
Nabuqi
Nabuqi est profondément engagé dans l’exploration des aspects esthétiques et matériels des objets sculptés ; pour l’artiste il est important que l’imitation de l’extérieur se réalise à travers un assemblage d’objets manufacturés dont les qualités d’origine sont fidèlement conservées : « J’ai voulu retrouver l’état initial et les propriétés des matériaux, au lieu de les compromettre de mes propres mains. Ce qui veut dire ne pas montrer une œuvre d’art méticuleusement créée dans l’espace d’exposition.Je voulais aussi construire un environnement qui relève à la fois de l’extérieur (externe) et de l’intérieur (interne).
Tous les matériaux utilisés ici sont de nature décorative, censés simuler ou stimuler une sorte de réalité, ou nourrir l’imaginaire d’une esthétique : une esthétique virtuelle, agréable et hospitalière ». Une telle recréation de la réalité peut-elle être perçue comme faisant partie de la réalité, et déclenche-t-il chez le spectateur les mêmes résonances émotionnelles que s’il avait rencontré le réel ?Ses œuvres tentent de répondre à de telles questions.
Shilpa Gupta
Shilpa Gupta travaille autour de l’existence physique et idéologique des frontières, révélant leurs fonctions à la fois arbitraires et répressives. Sa pratique s’appuie sur les zones interstitielles entre les États-nations, les divisions ethno-religieuses et les structures de surveillance – entre les définitions du légal et de l’illégal, de l’appartenance et de l’isolement. Les situations quotidiennes sont distillées dans des gestes conceptuels succincts ; comme texte, action, objet et installation, à travers lesquels Gupta aborde les pouvoirs imperceptibles qui dictent nos vies en tant que citoyens ou apatrides.
Andra Ursuţa
Compulsions obsessionnelles et désirs violents ; soumission à la domination sexuelle et politique; la fragilité de l’existence humaine ; identité comme construction et fiction : tels sont quelques-uns des thèmes qui sous-tendent les scénarios nihilistes et tragi-comiques explorés dans les sculptures et installations d’Andra Ursuţa. Axé sur le paradoxe et l’ironie, le travail de l’artiste s’appuie sur des événements politiques, des clichés et des allégories, ainsi que sur des souvenirs personnels, pour tenter d’exposer et de perturber les dynamiques de pouvoir qui perpétuent les frontières précaires entre violation et banalité, indifférence et empathie, abjection et humour.
Christine et Marguerite Wertheim
Crochet Coral Reef de Christine et Margaret Wertheim se situe quelque part entre la sculpture et un dispositif d’apprentissage, un modèle botanique et biologique. Ces modèles tridimensionnels étaient autrefois en verre; dans le projet des Wertheim, les formes sont réalisées au crochet. Laine, fil, fil de fer, vieille cassette vidéo, perles, point sur point, tout se combine peu à peu pour former une série de récifs coralliens. Alliance élégante de science et d’art, le Crochet Coral Reef reflète la biographie des jumeaux : Margaret, physicienne de formation, est une auteure scientifique acclamée ; Christine, poète et ancienne peintre, est professeur d’études critiques.
Un soir de 2005, dans le salon des sœurs Wertheim, en contemplant les formes laineuses éparpillées sur la table basse, Christine prononce les mots : « On pourrait crocheter un récif de corail ! ». Margaret a posté une invitation à rejoindre le projet en ligne, et des modèles petits et grands ont commencé à apparaître dans le courrier, à combiner avec les formes que les sœurs fabriquaient. Ce qui a émergé était une proposition expansive : le Crochet Coral Reef comme quelque chose qui prend et représente le temps et l’imagination, et une collaboration non hiérarchique. À ce jour, plus de 10 000 participants ont crocheté collectivement plus de quarante récifs satellites dans différentes villes et pays.
Suki Seokyeong Kang
Incorporant la peinture, la sculpture, la vidéo et ce que l’artiste a décrit comme « l’activation », la pratique multivariée de Suki Seokyeong Kang se concentre sur la place et le rôle de l’individu aujourd’hui. Kang s’appuie sur des aspects du patrimoine culturel coréen ainsi que sur sa propre histoire personnelle pour réinventer les structures idéologiques et envisager des arènes politisées dans lesquelles les parties prenantes habilitées peuvent articuler et exercer leur action dans l’espace-temps du présent.
Otobong Nkanga
Faisant référence au mouvement et à l’échange (souvent violents) de minéraux, d’énergie, de biens et de personnes, le travail d’Otobong Nkanga rappelle que les objets et les actions n’existent pas isolément : il y a toujours une connexion, toujours un impact. « Aucun de nous n’existe dans un état statique », a déclaré l’artiste. « Les identités sont en constante évolution. Les identités africaines sont multiples. Quand je regarde par exemple les cultures nigériane, sénégalaise, kenyane, française ou indienne, on ne peut pas parler d’une identité précise sans parler des impacts coloniaux et de l’impact de cet échange. – du commerce et des biens et de la culture ».
Alex Da Corté
Les œuvres immersives d’Alex Da Corte témoignent d’un acte de création de mondes magnétiques. Il chorégraphie une danse d’objets qui signifient et impliquent, sans être ces choses. Il raconte des histoires à travers des codes et des symboles, dans lesquels un tourbillon d’Americana approprié, assemblé, mis en scène et fabriqué est imprégné simultanément de références culturelles haut et bas et de trouvailles de magasins à un dollar.
Dans le pavillon central, les téléspectateurs deviennent des géants en regardant les gens vivre leur vie tranquille à l’intérieur des maisons de The Decorated Shed (2019), une réplique exacte d’un village de banlieue américain miniature – de la série télévisée populaire Mister Rogers’ Neighborhood – présenté sur un Federal- table en acajou de style, avec l’ajout d’une enseigne de chaîne de restaurants d’entreprise. Dans l’Arsenale, le Rubber Pencil Devil, éclairé au néon, miniaturise les spectateurs alors qu’ils sont assis sur des bancs et regardent des versions pour adultes surdimensionnées et sursaturées de programmes télévisés familiers dans lesquels une série de personnages exécutent une chorégraphie hypnotiquement lente.
Partie VI
Halil Altındere
Halil Altındere scrute la politique du quotidien dans ses vidéos, photographies, installations et peintures. Fin observateur des mécanismes sociopolitiques et de leur empiètement sur l’individu, il utilise souvent les moyens mêmes par lesquels l’autorité s’affirme et la différence est circonscrite par les institutions de l’État-nation. Les cartes d’identité, les timbres-poste, les billets de banque, les premières pages des journaux, les slogans militaristes et les photos de dirigeants politiques sont utilisés pour subvertir la manipulation et la normalisation sociales ou politiques.
Issu d’un milieu kurde et ayant grandi au plus fort du conflit turco-kurde, Altındere aborde la négligence et le mauvais traitement des minorités dans de nombreux ouvrages. Ces dernières années, Altındere s’est engagé dans la crise mondiale des réfugiés dans plusieurs œuvres, dont Space Refugee (2016), une série inspirée de la rencontre de l’artiste avec Muhammed Ahmed Faris, le premier et unique cosmonaute syrien, qui a voyagé dans l’espace avec une équipe soviétique en 1987.
Yin Xiuzhen
Depuis le début des années 1990, Yin Xiuzhen travaille avec des matériaux recyclés pour créer des sculptures ambitieuses chargées de références sociales. Reflétant le développement excessif, la consommation et la mondialisation qui ont largement défini la Chine d’après 1989, dans ses œuvres, elle associe des textiles doux à une gamme d’articles – souvent de textures et de connotations radicalement contrastées – tels que des valises, des fragments de béton, des débris, des métaux et objets industriels.
Carole Bové
La sculpture de Carol Bove bouleverse les lignes épurées du modernisme. Sa syntaxe formelle est un langage habile de courbures, de bosses, de couples, de plis, de froissements, de plis et d’autres plis qui animent la surface sculpturale. L’artiste a qualifié ces œuvres de « sculptures de collage », un type d’activité qui navigue dans une tension productive entre le formé industriellement et le simplement trouvé, entre l’obsolète et le nouveau.
La friction physique de son matériau est animée par une palette audacieuse de couleurs bonbon de rouges, jaunes, roses et verts placés en contraste dynamique avec son acier brut non traité. La finition lisse de ses pots de peinture avec la matérialité rugueuse et fanée de ses objets trouvés. Dans ce mode, la couleur de la surface favorise l’illusion que ses tubes d’acier sont construits à partir d’une substance douce et malléable. Les torsions, plis et virages habiles de Bove exigent une approche kinesthésique de la part du spectateur : ils forcent le corps, l’œil et l’esprit à se déplacer, à se déplacer et à faire le tour de l’œuvre. Si ces objets racontaient une histoire, ce serait un récit de mouvement et de pression, de force et de douceur.
Chanteur Avery
Les peintures d’Avery Singer explorent les limites du médium. Au lieu de peindre avec des pinceaux, elle utilise plutôt SketchUp, un logiciel de modélisation 3D populaire auprès des architectes et des ingénieurs, pour créer des compositions numériques qui sont ensuite projetées et aérographes sur toile. En représentant des visages non sexistes et des formes non sexualisées, Singer met en évidence l’ambiguïté identitaire en réduisant les traits du visage à une série de lignes, de grilles et de formes géométriques.
Au cours des deux dernières années, Singer a introduit la couleur dans sa palette de grisaille. Le Calder couleur bonbon (Saturday Night) (2017), ainsi qu’un groupe de peintures qui contrastent avec les images sourdes et semi-abstraites exposées dans le pavillon central. Tout en jouant avec les limites de la représentation, la quête continue de Singer pour élargir les possibilités de la peinture se bat également contre les théories réductrices et les hypothèses sur le genre des artistes.
Njideka Akunyili Crosby
Les peintures de Njideka Akunyili Crosby reflètent son expérience en tant que membre de la diaspora nigériane contemporaine, dépeignant une identité culturelle et nationale spécifique qui n’est pas familière à beaucoup, mais immédiatement reconnaissable à ceux qui ont suivi un chemin similaire. Ayant émigré pour étudier aux États-Unis à l’adolescence, Akunyili Crosby se déplace avec confiance (mais peut-être pas sans friction intériorisée) entre divers contextes esthétiques, intellectuels, économiques et politiques, et c’est la collision et le désalignement de ces contextes qui donnent à ses peintures leur tension et émotion.
L’artiste peint des portraits et des intérieurs domestiques qui mettent généralement en scène elle-même et sa famille. Ces scènes sont à la fois plates et d’une profondeur illimitée, avec des fenêtres et des portes ouvrant sur d’autres espaces, tandis que les espaces décrits dans ces images sont indéterminés ; certains détails – comme un radiateur en fonte par exemple – indiquent un climat froid (comme à New York, où l’artiste a vécu un temps), tandis que d’autres, comme une lampe à pétrole posée sur une table, sont tirés de l’œuvre d’Akunyili Crosby. souvenirs du Nigéria.
Anthony Hernandez
Le travail photographique d’Anthony Hernandez est dur et non sentimental. Au cours des trois dernières décennies, une question prédominante a troublé le photographe : comment imaginer les ruines contemporaines de la ville et le dur impact de la vie urbaine sur ses citoyens les moins favorisés ? Hernandez a abordé cette question en se concentrant sur ce que le photographe Lewis Baltz a appelé « les paysages des vaincus » – camps de sans-abri, bureaux de chômage, chantiers de démolition d’automobiles, abribus et autres espaces négligés trouvés à la périphérie de la ville. Ni romantique ni nostalgique, le travail d’Hernandez a détaillé les sites et les espaces où la promesse de bonheur du capitalisme s’est envenimée.
Zanele Muholi
Connue pour l’œuvre Faces and Phases (2006-en cours), une archive en évolution de portraits de lesbiennes noires sud-africaines, Zanele Muholi est une photographe qui travaille farouchement contre la mise en sourdine et l’invisibilité. Préférant être qualifiée de « activiste visuel » plutôt que d’artiste, Muholi est co-fondatrice du Forum pour l’autonomisation des femmes, ainsi que d’Inkanyiso, une plate-forme pour l’activisme queer et visuel.
L’importance de l’auto-représentation est au cœur de Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness (2012-en cours), une série d’autoportraits sans vergogne que l’artiste entend construire en 365 images d’une année dans la vie d’une lesbienne noire du Sud Afrique. La série comprend des œuvres où l’artiste rencontre avec défi ou directement le regard du spectateur, exposées dans l’Arsenale, et des tirages gélatino-argentiques plus petits où Muholi l’évite et le frustre, exposés dans le pavillon central.
Stan Douglas
Les films, vidéos, photographies et installations cinématographiques de Stan Douglas concernent souvent ce qu’il appelle des « histoires spéculatives », illustrant des moments charnières où les événements auraient pu prendre une tournure très différente. Douglas considère les photographies comme « comme des films sans images en mouvement » et les crée à peu près de la même manière qu’une scène de film. Il rejoue des événements particuliers, les soumet à un long travail de recherche avant de les reconstituer avec des décors, des acteurs et un éclairage méticuleux.
Korakrit Arunanondchai
Travaillant entre performance, vidéo et installation, Korakrit Arunanondchai crée une zone dans laquelle se mêlent famille, superstition, spiritualité, histoire, politique et art. Sa série liée à l’histoire dans une pièce remplie de personnes aux noms amusants a commencé en 2013. Le personnage central récurrent, un peintre thaïlandais fictif, est représenté dans des situations qui reflètent l’interaction entre les croyances traditionnelles, l’environnement naturel et les développements technologiques, politique et la culture d’une Thaïlande en mutation.
L’installation sculpturale présentée dans le pavillon central est une série de formes arborescentes « post-naturelles », tandis que l’Arsenale accueille une installation à trois écrans réalisée avec Alex Gvojic (1984, États-Unis). Les galeries sont habillées comme des espaces de potentiel et de rencontre. Récemment, il a construit des décors forestiers étranges : l’habitat de créatures ressemblant à des rats qui pourraient survivre à l’Anthropocène.
Ed Atkins
Ed Atkins fait toutes sortes de circonvolutions d’autoportrait. Il écrit des prophéties elliptiques inconfortablement intimes, dessine d’horribles caricatures et réalise des vidéos réalistes générées par ordinateur qui présentent souvent des personnages masculins en proie à des crises psychiques inexplicables. Dans l’Arsenale, l’installation Old Food (2017-2019) est bourrée d’historicité, de mélancolie et de bêtise. Ici, Atkins a élargi son terrain emo, tempérant affectant la figuration autobiographique avec des problèmes et des citations plus larges.
Les dessins qui constituent Bloom (numérotés de un à dix et montrés dans le pavillon central) présentent des tarentules débarquant des mains hésitantes ou se perchant autrement sur un pied posé, chacune avec la tête rétrécie d’Ed Atkins où l’abdomen des araignées devrait être. Auréolé de poils d’arachnide, le visage d’Atkins brise le quatrième mur et nous regarde bouche bée, arborant une expression ambivalente et douteusement consciente.
Gabriel Rico
En tant que collectionneur d’objets culturels mis au rebut, ontologue autoproclamé, architecte de formation et chercheur en expérience humaine avec une affinité pour les animaux, on pourrait dire que Gabriel Rico a « les yeux affamés ». Son questionnement, son exploration et sa collecte mènent à une approche post-surréaliste / Arte povera qui exploite une gamme de matériaux, de la taxidermie et des objets naturels aux formes néon et autres vestiges d’objets fabriqués par l’homme. Il en résulte des sculptures stimulantes qui abordent la relation entre l’environnement, l’architecture et les futures ruines de la civilisation.
Dans tout le travail de Rico, la beauté de l’histoire réside dans les détails. Les composants reflètent les défis auxquels est confronté un lieu spécifique, le Mexique, et résonnent simultanément avec nos préoccupations mondiales communes. Rico considère la fragilité de l’espace, à la fois formellement et philosophiquement, en présentant le moment précaire qui est maintenant.
Anicka Yi
Délimitations déstabilisantes entre l’organique et le synthétique, la science et la fiction, l’humain et le non-humain, les créations protéiformes d’Anicka Yi sont sous-tendues par ce que l’artiste qualifie de « biopolitique des sens ». Le nouveau corpus de travail de Yi se concentre sur des enquêtes récentes sur la « biologie de la machine » alors qu’elle se concentre sur le sensorium de la machine et envisage comment de nouveaux canaux de communication peuvent être établis entre les entités d’intelligence artificielle (IA) et les formes de vie organiques.
Kahlil Joseph
Naviguant en douceur entre le courant dominant et le musée, la pratique hybride de l’artiste et cinéaste Kahlil Joseph couvre le cinéma, les arts visuels et les médias culturels. Ses films captivants et ses installations vidéo immersives brouillent toute dichotomie entre haute et basse culture, entre cinéma et art contemporain.
Andréas Lolis
Andreas Lolis crée des objets en trompe-l’œil en marbre. Au cours des dernières années, il a créé une série de sculptures au sol qui imitent des objets éphémères qu’il a vus au coin des rues ou des bancs de parc – sacs poubelles hyperréalistes, boîtes en carton et caisses en bois. Beaucoup de ces sculptures présentent des signes d’usure apparente – leurs surfaces sont écrasées ou tachées, ébréchées ou cassées. En reproduisant des détritus dans un médium hautement classique, il trouble intentionnellement les systèmes conventionnels de valeur et de statut. Lolis, qui a travaillé uniquement avec le marbre tout au long de sa carrière, a décrit sa relation avec le matériau comme dévotionnelle. Son attention intense aux détails signifie que chaque objet grandeur nature est capable de tromper presque entièrement l’œil.
Tomás Saraceno
La recherche de Tomás Saraceno se nourrit d’une myriade de mondes. Son Arachnophilia Society, Aerocene Foundation, ses projets communautaires et ses installations interactives explorent des manières durables d’habiter l’environnement en reliant les disciplines (art, architecture, sciences naturelles, astrophysique, philosophie, anthropologie, ingénierie) et les sensibilités.
Dans tous ces projets, Saraceno s’engage avec les formes de vie qui existent tout autour de nous et, à une époque de bouleversements écologiques, nous encourage à accorder nos perspectives à d’autres espèces et systèmes, que ce soit au niveau micro ou macro, des colonies d’araignées à la gravitation vagues et s’engager dans des façons hybrides et alternatives d’habiter notre planète partagée.
Maria Loboda
La transformation continue des objets et des images à travers leurs trajectoires de transmission et de rencontre est au cœur de la pratique de Maria Loboda. Les œuvres de Loboda suscitent la méfiance envers ce qui est supposé évident, mais nous invitent aussi à nous lier d’amitié avec les incertitudes qu’ils – et les choses qui nous entourent – possèdent. Loboda s’intéresse à la manière dont les images sont affectées par les contextes dans lesquels elles circulent, façonnées par l’histoire des regards posés sur elles.
Tarek Atoui
Faisant le pont entre la musique et l’art contemporain, la pratique de Tarek Atoui élargit les notions d’écoute à travers des performances sonores participatives et collaboratives. Influencé par l’héritage des formes ouvertes présentées par les artistes dans les années 1960, qui ont élargi la compréhension de la musique et l’ont rapprochée du domaine des arts visuels, Atoui conçoit et coordonne des environnements complexes pour cultiver le son. A travers ses installations, performances et collaborations, il décompose les notions attendues de performance, tant pour le performeur que pour le public, suggérant des voies d’expérience multimodales : visuelle, sonore et somatique.
Anthéa Hamilton
Un sentiment d’éloignement traverse l’œuvre d’Anthea Hamilton. Les références vintage de la culture populaire, de la mode et du design s’ouvrent sur des environnements immersifs et des objets étranges, leurs significations originales vidées et transformées au sein de ses sculptures et installations. Les distances temporelles avec l’art et la culture des décennies passées peuvent être trompeuses : le laps de temps peut rendre certaines références festives, kitsch voire neutres.
Dans le travail de Hamilton, les éléments bénins de la mode et du design sont reconsidérés. Dans ses œuvres précédentes, elle a emprunté à des créateurs historiques, à des célébrités et à des tendances de mode emblématiques pour amplifier leurs implications et les inverser. Les provocations sont suscitées par la répétition et le déploiement du vide et de la surface. Les résultats sont presque claustrophobes, oppressants dans les désirs que révèlent les transformations d’Hamilton.
Jeppe Hein
Les bancs sociaux modifiés de Jeppe Hein encouragent l’exploration et l’expérimentation à travers une variété d’activités, du jeu au repos. Ils sont la contre-réaction à tout outil architectural qui dicte le mouvement des corps dans l’espace. Pour les Giardini, l’artiste a réalisé un ensemble de quatre bancs qui semblent sortir des lagons cyan, en boucle dans les airs comme des voies ferrées. Situés sur la pelouse entre les pavillons brésilien, polonais et roumain, les Bancs sociaux modifiés pour Venise (2019) créent un espace d’interaction sociale et invitent à la décélération.
Autres installations
Pavillons nationaux dans les Giardini
À côté de l’actuel pavillon central, dont le premier noyau a été construit en 1894 et depuis lors agrandi et restauré à plusieurs reprises, dans le grand parc ont été construits 29 pavillons, construits à différentes époques par les nations exposantes. Entourés par le cadre verdoyant du parc, les pavillons représentent une anthologie de grande valeur dans l’architecture du XXe siècle, pour le nom de nombreux dirigeants, dont Aalto, Hoffmann, Rietveld, Scarpa et Stirling.
Bibliothèque de la Biennale
La Bibliothèque de la Biennale depuis 2009 fait partie intégrante du Pavillon central de Giardini. La restauration s’est achevée en 2010 avec l’ouverture du grand salon de lecture, entouré d’une galerie à deux niveaux sur laquelle sont disposés plus de 800 mètres d’étagères. La salle de lecture est également utilisée pour des conférences et des ateliers.
La Bibliothèque est spécialisée dans l’art contemporain, avec un accent particulier sur la documentation et l’approfondissement des activités de la Fondation, en préservant tous les catalogues d’activités de la Biennale et en collectant du matériel bibliographique lié aux disciplines de l’architecture, des arts visuels, du cinéma, de la danse, de la photographie, de la musique, du théâtre. . Grâce à son patrimoine littéraire de plus de 151 000 volumes et 3 000 périodiques, c’est l’une des principales bibliothèques d’art contemporain en Italie.
Le patrimoine de la bibliothèque, issu des archives du livre de l’ASAC, est en constante évolution et mise à jour grâce à des achats, des dons et surtout des échanges avec les principales institutions de production, de recherche et de préservation des arts contemporains, nationaux et internationaux. Depuis 2009, à travers le Pavillon du Livre, la Bibliothèque accueille et acquiert également des volumes donnés par des artistes et architectes participant à des expositions d’art et d’architecture. Les livres collectés grâce à ce projet réalisé par la Fondation La Biennale sont le fruit d’une collaboration constante avec les directeurs de l’exposition d’art et d’architecture.
Librairie
Conçue par l’artiste Rirkrit Tiravanija, la bibliothèque de Giardini est un petit espace pratique sans détails ni décorations redondants.
Cafétéria
Conçue par Tobias Rehberger et peinte selon le style pictural particulier Razzle Dazzle (utilisé notamment sur les navires de guerre pendant la Première Guerre mondiale), la cafétéria est un endroit où s’asseoir pour se rafraîchir et se laisser (agréablement) dépayser par tissent des formes géométriques de couleurs contrastées qui s’interrompent et se croisent, créant un motif optique complexe et vivant.
Une cafétéria-œuvre d’art, dont la conception pour la création de Was du liebst, bringt dich auch zum Weinen a décerné à Rehberger le Lion d’or du meilleur artiste à La Biennale Arte 2009.
Biennale de Venise 2019
La 58e Biennale de Venise était une exposition internationale d’art contemporain qui s’est tenue entre mai et novembre 2019. La Biennale de Venise a lieu tous les deux ans à Venise, en Italie. Le directeur artistique Ralph Rugoff a organisé son exposition centrale, May You Live in Interesting Times, et 90 pays ont fourni des pavillons nationaux.
La Biennale de Venise est une exposition biennale d’art internationale qui se tient à Venise, en Italie. Souvent décrite comme « les olympiades du monde de l’art », la participation à la Biennale est un événement prestigieux pour les artistes contemporains. Le festival est devenu une constellation de spectacles : une exposition centrale organisée par le directeur artistique de cette année-là, des pavillons nationaux hébergés par des nations individuelles et des expositions indépendantes à travers Venise. L’organisation mère de la Biennale accueille également régulièrement des festivals dans d’autres arts : architecture, danse, cinéma, musique et théâtre.
En dehors de l’exposition internationale centrale, les nations individuelles produisent leurs propres spectacles, appelés pavillons, en tant que représentation nationale. Les nations propriétaires de leurs pavillons, comme les 30 logés sur les Giardini, sont également responsables de leurs propres coûts d’entretien et de construction. Les nations sans bâtiments dédiés créent des pavillons dans l’Arsenal de Venise et des palais dans toute la ville.
La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques : Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives Historiques des Arts Contemporains (ASAC) qui ont été récemment entièrement rénovées.
Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des enseignants de renom ; cela est devenu plus systématique et continu à travers le projet international Biennale College, actuellement en cours dans les sections Danse, Théâtre, Musique et Cinéma.