La 58e exposition d’art internationale, intitulée May You Live In Interesting Times, dirigée par Ralph Rugoff, a eu lieu du 11 mai au 24 novembre 2019. Le titre est une expression d’invention anglaise qui a longtemps été citée à tort comme une ancienne malédiction chinoise qui invoque périodes d’incertitude, de crise et de troubles; « époques intéressantes », exactement comme celles dans lesquelles nous vivons aujourd’hui.

L’exposition est, comme toujours, mise en scène dans les deux principaux sites historiques, les Giardini di Castello et l’Arsenale, mais implique également des lieux prestigieux à travers Venise, où les représentants de nombreuses nations sont hébergés et où des expositions et des événements collatéraux sont organisés. Tous les futurs du monde forment un parcours d’exposition large et unifié qui s’articule du Pavillon Central des Jardins à l’Arsenale, incluant la participation de 79 pays et régions.

Le titre de cette expression de l’Exposition « temps intéressants » évoque l’idée de temps difficiles voire « menaçants », mais il pourrait aussi être simplement une invitation à toujours voir et considérer le cours des événements humains dans leur complexité, une invitation, ainsi, à semble être particulièrement important à une époque où, trop souvent, la simplification excessive semble prévaloir, générée par le conformisme ou la peur.

May You Live in Interesting Times, comprend des œuvres d’art qui reflètent les aspects précaires de l’existence d’aujourd’hui, y compris les différentes menaces qui pèsent sur les traditions, les institutions et les relations clés de « l’ordre d’après-guerre ». Mais reconnaissons d’emblée que l’art n’exerce pas ses forces dans le domaine de la politique. L’art ne peut pas endiguer la montée des mouvements nationalistes et des gouvernements autoritaires dans différentes parties du monde, par exemple, ni atténuer le sort tragique des personnes déplacées à travers le monde.

La 58e exposition internationale d’art met en lumière une approche générale de la création artistique et une vision de la fonction sociale de l’art englobant à la fois le plaisir et la pensée critique. L’exposition se concentre sur le travail d’artistes qui remettent en question les habitudes de pensée existantes et ouvrent nos lectures d’objets et d’images, de gestes et de situations.

L’art de ce genre naît d’une pratique consistant à divertir de multiples perspectives : à garder à l’esprit des notions apparemment contradictoires et incompatibles, et à jongler avec diverses façons de donner un sens au monde. Les artistes qui pensent de cette manière proposent des alternatives au sens de soi-disant faits en suggérant d’autres manières de les relier et de les contextualiser. Animés d’une curiosité sans bornes et d’un esprit perçant, leur travail nous encourage à regarder de travers toutes les catégories, concepts et subjectivités incontestés.

Une exposition d’art mérite d’abord notre attention si elle entend nous présenter l’art et les artistes comme un défi décisif à toutes les attitudes simplificatrices. D’une manière indirecte, peut-être que l’art peut être une sorte de guide sur la façon de vivre et de penser dans des « moments intéressants ». Il nous invite à considérer des alternatives multiples et des points de vue inconnus, et à discerner les façons dont « l’ordre » est devenu la présence simultanée d’ordres divers.

L’exposition à l’Arsenale
L’Exposition se développe du Pavillon Central (Giardini) à l’Arsenale et comprend 79 participants du monde entier. Initié en 1980, l’Aperto a commencé comme un événement marginal pour les jeunes artistes et les artistes d’origine nationale non représentés par les pavillons nationaux permanents. Ceci est généralement mis en scène dans l’Arsenale et fait désormais partie du programme officiel de la biennale.

A partir de 1999, l’exposition internationale se tient à la fois au Pavillon Central et à l’Arsenale. Toujours en 1999, une rénovation d’un million de dollars a transformé la zone de l’Arsenale en un ensemble de chantiers navals, de hangars et d’entrepôts rénovés, faisant plus que doubler l’espace d’exposition de l’Arsenale des années précédentes.

Partie I

Soham Gupta
Dans ses portraits fantomatiques, Soham Gupta met en lumière la vie nocturne de Calcutta, révélant comment vivent certains des habitants les plus vulnérables de la ville. Dans sa série Angst, nous suivons ces figures nocturnes qui se déplacent dans les mondes qu’elles habitent, devenant des personnages vivants dans l’imaginaire du photographe. Gupta pense ses portraits comme le résultat d’un processus collaboratif, tiré d’interactions intimes dans lesquelles lui et ses sujets se confient l’un à l’autre. Le photographe a une affinité instinctive avec ceux qui existent en marge de la société ; il marche parmi eux, s’identifiant à leurs douleurs et leurs luttes.

Après avoir passé du temps avec chaque sujet, Gupta fait des récits biographiques de leurs histoires. Les photographies de Gupta imprègnent les impuissants d’une agence expressive. Plus qu’une documentation d’une ville et de ses habitants, les photographies sont l’expression d’un état psychologique enraciné dans quelque chose de plus essentiel. Un sentiment de vulnérabilité et de solitude est ponctué de moments de joie et de spontanéité. Alors que les cris et les douleurs de l’agonie peuvent être réduits au silence par l’image photographique, les photographies de Gupta expriment de manière vivante les différentes nuances de l’humanité qui ne peuvent être vues que pendant la nuit.

Anthony Hernandez
Le travail photographique d’Anthony Hernandez est dur et non sentimental. Au cours des trois dernières décennies, une question prédominante a troublé le photographe : comment imaginer les ruines contemporaines de la ville et le dur impact de la vie urbaine sur ses citoyens les moins favorisés ? Hernandez a abordé cette question en se concentrant sur ce que le photographe Lewis Baltz a appelé « les paysages des vaincus » – camps de sans-abri, bureaux de chômage, chantiers de démolition d’automobiles, abribus et autres espaces négligés trouvés à la périphérie de la ville. Ni romantique ni nostalgique, le travail de Hernandez a détaillé les sites et les espaces où la promesse de bonheur du capitalisme s’est aigri.

Christian Marclay
Les œuvres de Christian Marclay sont faites d’objets, d’images et de sons déjà existants, qu’il s’approprie et manipule. Ses explorations de la relation entre le son et l’image l’ont amené à appliquer des techniques d’échantillonnage aux films hollywoodiens. Il a créé des montages de clips pour former de nouveaux récits et projections sur plusieurs écrans. « J’ai toujours utilisé des objets trouvés, des images et des sons, et les ai collés ensemble, et j’ai essayé de créer quelque chose de nouveau et de différent avec ce qui était disponible. Être totalement original et repartir de zéro m’a toujours semblé futile. J’étais plus intéressé à prendre quelque chose qui existait et faisait partie de mon environnement, pour le découper, le tordre, le transformer en quelque chose de différent ; se l’approprier et le faire mien par des manipulations et des juxtapositions ».

Zanele Muholi
Connue pour l’œuvre Faces and Phases (2006-en cours), une archive en évolution de portraits de lesbiennes noires sud-africaines, Zanele Muholi est une photographe qui travaille farouchement contre la mise en sourdine et l’invisibilité. Préférant être qualifiée de « activiste visuel » plutôt que d’artiste, Muholi est co-fondatrice du Forum pour l’autonomisation des femmes, ainsi que d’Inkanyiso, une plate-forme pour l’activisme queer et visuel.

L’importance de l’auto-représentation est au cœur de Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness (2012-en cours), une série d’autoportraits sans vergogne que l’artiste entend construire en 365 images d’une année dans la vie d’une lesbienne noire du Sud Afrique. La série comprend des œuvres où l’artiste rencontre avec défi ou directement le regard du spectateur, exposées dans l’Arsenale, et des tirages gélatino-argentiques plus petits où Muholi l’évite et le frustre, exposés dans le pavillon central.

Ed Atkins
Ed Atkins fait toutes sortes de circonvolutions d’autoportrait. Il écrit des prophéties elliptiques inconfortablement intimes, dessine d’horribles caricatures et réalise des vidéos réalistes générées par ordinateur qui présentent souvent des personnages masculins en proie à des crises psychiques inexplicables. Dans l’Arsenale, l’installation Old Food (2017-2019) est bourrée d’historicité, de mélancolie et de bêtise. Ici, Atkins a élargi son terrain emo, tempérant affectant la figuration autobiographique avec des problèmes et des citations plus larges.

Les dessins qui constituent Bloom (numérotés de un à dix et montrés dans le pavillon central) présentent des tarentules débarquant des mains hésitantes ou se perchant autrement sur un pied posé, chacune avec la tête rétrécie d’Ed Atkins où l’abdomen des araignées devrait être. Auréolé de poils d’arachnide, le visage d’Atkins brise le quatrième mur et nous regarde bouche bée, arborant une expression ambivalente et douteusement consciente.

Tavares Strachan
Un thème qui revient dans les collages de Tavares Strachan (avec le rastafarisme, le sport et l’exploration polaire) est celui du voyage dans l’espace ; les astronautes et les fusées spatiales enflammées figurent dans plusieurs œuvres. À la suite d’une subvention du Art + Technology Lab du Los Angeles County Museum of Art en 2014, Strachan s’est vu offrir l’opportunité de travailler avec SpaceX, la société privée de technologie aérospatiale. Il a commencé des recherches sur Robert Henry Lawrence Jr., le premier astronaute afro-américain, décédé dans un accident d’entraînement en 1967, et qui est resté largement invisible dans l’histoire standard des voyages spatiaux américains. Le résultat de ce projet est exposé à l’Arsenale.

L’œuvre présentée dans le Pavillon central est liée au concept d’encyclopédie imprimée : aujourd’hui, à l’ère d’Internet et de Wikipédia, elle est doublement redondante. Sa manifestation la plus célèbre, l’Encyclopaedia Britannica, publiée pour la première fois en 1768, s’accroche néanmoins à une certaine autorité de l’ancien monde. Ayant grandi aux Bahamas – anciennement une colonie britannique – Tavares Strachan en est venu à comprendre l’Encyclopaedia Britannica comme un outil de conquête impériale, un outil qui s’approprie (et condense) le savoir comme moyen de signaler la domination culturelle. Strachan s’intéressa à tout ce que l’encyclopédie laissait de côté.

Gabriel Rico
En tant que collectionneur d’objets culturels mis au rebut, ontologue autoproclamé, architecte de formation et chercheur en expérience humaine avec une affinité pour les animaux, on pourrait dire que Gabriel Rico a « les yeux affamés ». Son questionnement, son exploration et sa collecte mènent à une approche post-surréaliste / Arte povera qui exploite une gamme de matériaux, de la taxidermie et des objets naturels aux formes néon et autres vestiges d’objets fabriqués par l’homme. Il en résulte des sculptures stimulantes qui abordent la relation entre l’environnement, l’architecture et les futures ruines de la civilisation.

Dans tout le travail de Rico, la beauté de l’histoire réside dans les détails. Les composants reflètent les défis auxquels est confronté un emplacement spécifique – le Mexique – et résonnent simultanément avec nos préoccupations mondiales communes. Rico considère la fragilité de l’espace, à la fois formellement et philosophiquement, en présentant le moment précaire qui est maintenant.

Shilpa Gupta
Shilpa Gupta travaille autour de l’existence physique et idéologique des frontières, révélant leurs fonctions à la fois arbitraires et répressives. Sa pratique s’appuie sur les zones interstitielles entre les États-nations, les divisions ethno-religieuses et les structures de surveillance – entre les définitions du légal et de l’illégal, de l’appartenance et de l’isolement. Les situations quotidiennes sont distillées dans des gestes conceptuels succincts ; comme texte, action, objet et installation, à travers lesquels Gupta aborde les pouvoirs imperceptibles qui dictent nos vies en tant que citoyens ou apatrides.

Jesse Chéri
Les sculptures de Jesse Darling sont blessées, nerveuses et instables, mais elles débordent également de vie. Fabriqués à partir de matériaux de tous les jours à bas prix, ces assemblages sans prétention évoquent des corps d’une poignante inhabituelle; elles sont aussi résolument non monumentales. Incapable d’utiliser la majeure partie de son bras droit en raison d’une maladie neurologique, Darling a été frappé par les idéologies héritées et le machisme capacitiste qui avaient initialement informé leur compréhension de la sculpture : les idées de « travail acharné » et « le geste ». Ils expliquent : « Maintenant, j’essaie de penser et de travailler vers une pratique de la sculpture non macho en rassemblant et en assemblant de petits objets dans des formulations narratives, et en apprenant à dessiner avec ma main gauche ».

Thérèse Margolles
Teresa Margolles pose un regard féministe sur les brutalités de la narcoviolence qui envahissent son pays d’origine, le Mexique. Ayant étudié la médecine légale et co-fondé le collectif d’artistes inspiré du death metal SEMEFO, Margolles a tout au long de sa pratique thématisé la négligence gouvernementale, le coût social et économique de la criminalisation des drogues, et les textures, odeurs et restes physiques spécifiques, la matérialité de décès.

Henri Taylor
Qualifiant sa pratique de la peinture de « vorace », Henry Taylor peuple son œuvre d’une énorme diversité de sujets, des plus démunis aux plus réussis. Que ce soit à travers des portraits intimes de famille et d’amis, ou des scènes de groupe aux influences politiques qui relient différentes géographies et histoires, l’objectif de Taylor est de dépeindre honnêtement la réalité de l’expérience noire et le fonctionnement souvent inique de la vie américaine. Mais malgré son sens aigu de l’injustice et l’incorporation fréquente de références à l’histoire de l’art, les images de Taylor ne sont pas lourdes ; leurs formes audacieuses et leurs couleurs de bloc sont immédiates, attirant le spectateur.

Njideka Akunyili Crosby
Les peintures de Njideka Akunyili Crosby reflètent son expérience en tant que membre de la diaspora nigériane contemporaine, dépeignant une identité culturelle et nationale spécifique qui n’est pas familière à beaucoup, mais immédiatement reconnaissable à ceux qui ont suivi un chemin similaire. Ayant émigré pour étudier aux États-Unis à l’adolescence, Akunyili Crosby se déplace avec confiance (mais peut-être pas sans friction intériorisée) entre divers contextes esthétiques, intellectuels, économiques et politiques, et c’est la collision et le désalignement de ces contextes qui donnent à ses peintures leur tension et émotion.

L’artiste peint des portraits et des intérieurs domestiques qui mettent généralement en scène elle-même et sa famille. Ces scènes sont à la fois plates et d’une profondeur illimitée, avec des fenêtres et des portes ouvrant sur d’autres espaces, tandis que les espaces décrits dans ces images sont indéterminés ; certains détails – comme un radiateur en fonte par exemple – indiquent un climat froid (comme à New York, où l’artiste a vécu un temps), tandis que d’autres, comme une lampe à pétrole posée sur une table, sont tirés de l’œuvre d’Akunyili Crosby. souvenirs du Nigéria.

Kemang Wa Lehulere
L’œuvre riche en strates de Kemang Wa Lehulere encourage les visiteurs à se rassembler autour d’elle dans une contemplation partagée. Cette notion de collectif est au cœur de la pratique plus large de l’artiste : il est devenu artiste à la fin de la vingtaine, après de nombreuses années d’expérience en tant qu’activiste au Cap. Il a créé Gugulective en 2006, une plateforme artistique de performance et d’intervention sociale. Les installations exposées dans l’Arsenale et dans le pavillon central sont toutes deux réalisées à partir de bois de récupération et de métal provenant de bancs et de chaises d’école. Chaque élément de ces œuvres s’articule dans un tissu d’associations, de références et d’histoires car pour Wa Lehulere, biographie personnelle et histoire collective sont indissociables.

Apichatpong Weerasethakul
Les œuvres d’Apichatpong Weerasethakul sont imprégnées de la vie sociale, de la culture divergente et de la politique tumultueuse de sa Thaïlande natale, tandis que les arènes transitoires du sommeil, du rêve et de la mémoire se reproduisent comme des espaces d’exploration, de libération et de subversion silencieuse. Ces sujets se frayent un chemin dans l’interaction complexe de la lumière, du son et de l’écran de Synchronicity (2018), réalisé avec l’artiste japonais Tsuyoshi Hisakado (1981, Japon) et présenté dans l’Arsenale, dans l’environnement duquel les espaces de seuil de Weerasethakul prennent une forme physique.

Un certain nombre d’œuvres se rapportent aux rencontres de l’artiste avec le passé traumatique de Nabua, une ville du nord-est de la Thaïlande, où les agriculteurs rebelles ont été brutalement réprimés et tués par l’armée thaïlandaise dans les années 1960. Deux œuvres dans le pavillon central signalent un changement significatif pour Weerasethakul, qui a pour la première fois travaillé hors de Thaïlande, en Colombie, pour son projet actuel Memoria. La topographie de la Colombie et ses cicatrices de décennies de guerre civile ont une affinité viscérale pour Weerasethakul ; les traumatismes de la mémoire collective font partie du tissu de la vie quotidienne, tout comme ils le sont à Nabua.

Yin Xiuzhen
Depuis le début des années 1990, Yin Xiuzhen travaille avec des matériaux recyclés pour créer des sculptures ambitieuses chargées de références sociales. Reflétant le développement excessif, la consommation et la mondialisation qui ont largement défini la Chine d’après 1989, dans ses œuvres, elle associe des textiles doux à une gamme d’articles – souvent de textures et de connotations radicalement contrastées – tels que des valises, des fragments de béton, des débris, des métaux et objets industriels.

Suki Seokyeong Kang
Incorporant la peinture, la sculpture, la vidéo et ce que l’artiste a décrit comme « l’activation », la pratique multivariée de Suki Seokyeong Kang se concentre sur la place et le rôle de l’individu aujourd’hui. Kang s’appuie sur des aspects du patrimoine culturel coréen ainsi que sur sa propre histoire personnelle pour réinventer les structures idéologiques et envisager des arènes politisées dans lesquelles les parties prenantes habilitées peuvent articuler et exercer leur action dans l’espace-temps du présent.

Handiwirman Saputra
Au cours des dix dernières années, Handiwirman Saputra a créé une série de sculptures et de peintures énigmatiques intitulées No Roots, No Shoots, déclenchées par des objets aléatoires qu’il a trouvés dans la vie quotidienne. L’impulsion pour certains de ces travaux était un tronçon de rivière près de sa maison, où les racines exposées des bosquets de bambous et des arbres étaient enchevêtrées avec des ordures ménagères. Saputra a été intrigué non seulement par les choses qu’il a découvertes là-bas, mais par les associations entre elles : que je l’ai trouvé ».

Lee Bul
Ayant grandi en tant que fille de militants de gauche pendant la dictature militaire de la Corée du Sud, Lee Bul a subi les effets d’un régime répressif dans un pays en pleine transformation économique et culturelle. Ses premières œuvres, datant de la fin des années 1980, étaient des spectacles de rue pour lesquels elle fabriquait et portait de monstrueux costumes de « sculpture douce » ornés de protubérances et de viscères pendants.

Celles-ci ont été suivies par ses sculptures Cyborg dans lesquelles des corps féminins se sont transformés en machines, formant des hybrides incomplets sans tête ni membres. Ils l’ont à leur tour amenée à explorer des idées de paysages urbains futuristes inspirés des rêves, des idéaux et des utopies conçus dans les mangas et anime japonais, la bio-ingénierie et l’architecture visionnaire de Bruno Taut (1880-1938).

Sun Yuan et Peng Yu
Le couple d’artistes Sun Yuan et Peng Yu a commencé leur collaboration en 2000. En 2009, ils ont créé l’installation Sun Yuan Peng Yu, un autoportrait décrivant la relation et la dynamique de leur alliance artistique. Un cercle de fumée récurrent était constamment dispersé par un balai actionné par un bras mécanique qui continuait à balayer dans l’air; la fumée réapparaissait avec persistance, pour ne se dissoudre que lorsque le balai frappait à nouveau.

Pour Sun et Peng, le moment de la rencontre entre les deux composants, et la dissolution de l’un par l’autre, symbolisaient un moment de création artistique commune dans leur manière de travailler. Presque toutes les installations de Sun Yuan et Peng Yu cherchent à solliciter l’émerveillement et la tension des spectateurs. L’acte de regarder, parfois de jeter un coup d’œil, de la part des spectateurs est un élément constitutif de leurs œuvres récentes, qui impliquent souvent la mise en scène de spectacles intimidants.

Cameron Jamie
Cameron Jamie a produit des œuvres dans divers médias, des photographies et vidéos aux dessins, céramiques, sculptures et zines photocopiés. Cependant, l’œuvre qui lui a le plus attiré l’attention au cours des premières années de sa carrière est Kranky Klaus (2002-2003), une vidéo documentant la tradition de Noël alpin de Krampuslauf. Dans un village rural autrichien, des hommes déguisés en bêtes à cornes sillonnent les rues la nuit, soi-disant à la recherche d’enfants et de jeunes femmes qui auraient été vilaines. Les bêtes Krampus agressent ensuite physiquement leurs victimes dans ce qui est un rituel de violence chorégraphié – bien qu’apparemment réel – sanctionné par la culture.

Partie II

Maria Loboda
La transformation continue des objets et des images à travers leurs trajectoires de transmission et de rencontre est au cœur de la pratique de Maria Loboda. Les œuvres de Loboda suscitent la méfiance envers ce qui est supposé évident, mais nous invitent aussi à nous lier d’amitié avec les incertitudes qu’ils – et les choses qui nous entourent – ​​possèdent. Loboda s’intéresse à la manière dont les images sont affectées par les contextes dans lesquels elles circulent, façonnées par l’histoire des regards posés sur elles.

Rula Halawani
Les images fantomatiques de Rula Halawani capturent les séquelles de la violence périodique qui a transformé son pays en zone de guerre. S’appuyant à la fois sur son expérience de photojournaliste et sur ses souvenirs de la vie sous l’occupation israélienne, Halawani cherche dans un paysage désormais inconnu les traces décolorées de la Palestine historique. À travers le médium de la photographie, les implications spatiales de l’occupation se reflètent non seulement à travers la représentation des structures politiques dans l’environnement bâti, mais plus distinctement dans le vide des espaces négatifs et des illusions obscures.

Laurent Abou Hamdan
Se décrivant comme une « oreille privée », Lawrence Abu Hamdan se concentre sur la politique de l’écoute, l’impact juridique et religieux du son, la voix humaine et le silence. Sa pratique est née d’une formation en musique DIY, mais elle couvre actuellement le cinéma, les installations audiovisuelles et les essais audio en direct – un terme qu’il préfère à « conférence-performance », car il décrit mieux l’entrelacement de la voix et du contenu, et de la discours et les conditions dans lesquelles il est prononcé. Il traite de la voix humaine en tant que matériau politisé, facilement saisissable par les gouvernements ou les sociétés de données.

Julie Mehretu
Les toiles antérieures de Julie Mehretu faisaient référence à des cartes, des schémas architecturaux et des grilles d’urbanisme ; l’artiste a utilisé un éventail de vecteurs et de notations qui indiquaient les mobilités mondiales – ainsi que les inégalités mondiales. Ils sont d’une complexité et d’une maîtrise vertigineuses dans leur utilisation de l’échelle et de l’espace négatif ; ils transmettent une sensation de vélocité. Dans ses dernières peintures, elle embrasse un autre type de désorientation, produisant des œuvres dans lesquelles des traits à l’aérographe et des éléments sérigraphiés sont ajoutés et effacés, invoquant un sentiment de dissipation et de perte. Malgré les détails des sous-couches, cette imagerie source a toujours la capacité de s’inscrire à un niveau émotionnel, donnant le ton à la peinture achevée.

Gauri Gill
En voyageant plus loin, Gill a vu de nouvelles « colonies de banlieue existant dans un désert de débris, imitant des châteaux anglais avec les maisons de fortune de travailleurs migrants qui les entourent ». Son Deadpan architectural englobe les palissades de développeurs colportant des rêves inaccessibles; expositions éducatives sur le bâtiment et la construction; de faux palmiers plantés parmi de vrais arbres ; une déesse présidant au-dessus d’une unité de climatisation ; un nouveau bâtiment, recouvert de tôles déchirées, en cours de démolition sur Mahatma Gandhi Road ; des tas d’ordures pourrissant à côté de la Grand Trunk Road; et des gratte-ciel sans relief, partout.

Otobong Nkanga
Faisant référence au mouvement et à l’échange (souvent violents) de minéraux, d’énergie, de biens et de personnes, le travail d’Otobong Nkanga rappelle que les objets et les actions n’existent pas isolément : il y a toujours une connexion, toujours un impact. « Aucun de nous n’existe dans un état statique », a déclaré l’artiste. « Les identités sont en constante évolution. Les identités africaines sont multiples. Quand je regarde par exemple les cultures nigériane, sénégalaise, kenyane, française ou indienne, on ne peut pas parler d’une identité précise sans parler des impacts coloniaux et de l’impact de cet échange. – du commerce et des biens et de la culture ».

Michel Armitage
Situées quelque part entre une réalité fantastique et le chaos politique de la vie moderne, les peintures de Michael Armitage tissent de multiples fils narratifs. Fin observateur des dynamiques sociales complexes, il subvertit les codes conventionnels de la représentation à travers le langage de la peinture narrative. Magnifiant les problèmes d’inégalité et d’incertitude politique, la beauté pittoresque de ses tableaux vivants dément une réalité sinistre dans laquelle la collision de détails somptueux et de couleurs vibrantes donne un aperçu des mœurs sociales et des idéologies politiques qui régissent la vie quotidienne à Nairobi.

Haris Épaminonda
Haris Epaminonda travaille avec des matériaux trouvés tels que des sculptures, des poteries, des livres ou des photographies, qu’elle combine souvent pour construire avec soin ses installations caractéristiques. Ces objets sont enchevêtrés dans un réseau de significations historiques et personnelles inconnues du public et, probablement, d’elle aussi. Ce n’est pas qu’elle ignore ces histoires : elles sont implicites, elles exercent leur pouvoir intrinsèquement, tout en se pliant doucement en quelque chose de différent lorsqu’elles s’installent dans ses installations. Elle les choisit pour leurs qualia, leurs qualités expérientielles irréductibles, qui les font rayonner et devenir visibles.

Liu Wei
Les premières œuvres de Liu Wei traitaient souvent de l’architecture urbaine, des paysages urbains et des objets du quotidien, et représentaient divers aspects du monde physique en utilisant un schéma géométrique récurrent dans les peintures et les installations. Au cours des deux dernières décennies, il a travaillé avec un assortiment éblouissant de matériaux – des produits à mâcher en peau de bœuf aux livres, des appareils électroniques ménagers à la porcelaine chinoise et aux matériaux de construction mis au rebut. Ses récentes installations à grande échelle évoquent la formalité et la splendeur des décors modernistes, remplis de formes et de formes géométriques.

Alexandra Bircken
La pratique d’Alexandra Bircken est construite autour de la forme humaine. Ses œuvres incorporent une gamme inhabituelle de matériaux, allant des articles manufacturés tels que le silicone, les collants en nylon, les armes et les machines, aux matériaux organiques tels que la laine, le cuir, les branches et les fruits secs. Dépouillées de leur fonction première, celles-ci sont assemblées en des arrangements extraordinaires et inconfortables, chaque œuvre vivant de tensions opposées.

Dans l’Arsenale, les artistes exposent l’installation viscérale, apocalyptique et dynamique ESKALATION (2016), une vision dystopique de ce à quoi pourrait ressembler la fin de l’humanité. Dans le pavillon central, Bircken présente six œuvres qui entremêlent les thèmes du genre, du pouvoir et de la vulnérabilité, de l’animal et de la machine. Ce sont des œuvres qui rappellent notre vulnérabilité, notre physicalité et les outils orgueilleux que nous créons pour nous protéger de l’extérieur et les uns des autres.

Alex Da Corté
Les œuvres immersives d’Alex Da Corte témoignent d’un acte de création de mondes magnétiques. Il chorégraphie une danse d’objets qui signifient et impliquent, sans être ces choses. Il raconte des histoires à travers des codes et des symboles, dans lesquels un tourbillon d’Americana approprié, assemblé, mis en scène et fabriqué est imprégné simultanément de références culturelles haut et bas et de trouvailles de magasins à un dollar.

Dans l’Arsenale, le Rubber Pencil Devil, éclairé au néon, miniaturise les spectateurs alors qu’ils sont assis sur des bancs et regardent des versions pour adultes surdimensionnées et sursaturées de programmes télévisés familiers dans lesquels une série de personnages exécutent une chorégraphie hypnotiquement lente. Dans le pavillon central, les téléspectateurs deviennent des géants en regardant les gens vivre leur vie tranquille à l’intérieur des maisons de The Decorated Shed (2019), une réplique exacte d’un village de banlieue américain miniature – de la série télévisée populaire Mister Rogers’ Neighborhood – présenté sur un Federal- table en acajou de style, avec l’ajout d’une enseigne de chaîne de restaurants d’entreprise.

Khyentsé Norbu
Dans le travail de Khyentse Norbu en tant qu’artiste et cinéaste, les questions philosophiques de contexte jouent un rôle central. Il y a une suggestion que la compréhension et l’interprétation sont toujours ouvertes au changement, et qu’il y a place pour une vue plus large. Connu dans le monde bouddhiste sous le nom de Dzongsar Khyentse Rinpoché, Norbu est un lama tibétain et bhoutanais, respecté pour son enseignement et ses écrits.

Annonce Minoliti
Pour Ad Minoliti, la peinture métaphysique est le symbole de l’utopie moderniste et de tout ce qu’elle y trouve reprochable : la répressivité de son idéalité, le conservatisme de ses structures rigides, et même sa logique binaire implicite, en référence à l’idée de Jacques Derrida selon laquelle La pensée occidentale est fondée sur des oppositions dualistes telles que homme-femme, rationnel-émotionnel ou nature-culture. Son effort artistique a été de créer un espace alternatif de représentation pour contrer cette position moderniste. Elle a trouvé un alter-homologue dialectique de l’espace de la peinture métaphysique dans le monde imaginaire de la maison de poupée.

Invention du XVIIe siècle, la maison de poupée a été initialement créée comme un outil pédagogique pour instruire les filles sur leurs rôles en tant que ménagères, gouvernantes, mères d’enfants et soutiens de mari – et les garçons sur l’acceptation de cette division du travail et de cette philosophie. . Minoliti s’approprie l’esthétique de la maison de poupée et de ses accessoires, la compose avec une imagerie moderniste qui fait écho à Kandinsky, Picasso ou Matisse, puis la démonte, la tord, la déplace et la reconfigure à nouveau.

Jon Rafman
Dans les mouvements modernistes, a observé Jon Rafman, les visions utopiques du futur prévalaient. Cependant, la vision postmoderne du capitalisme tardif est devenue dystopique. Pour explorer ce changement dans les notions de futur, le travail de Rafman utilise l’image en mouvement et les graphiques générés par ordinateur, évitant l’optimisme rose parfois associé aux nouvelles technologies.

Ian Cheng
Ian Cheng utilise des techniques de programmation informatique pour créer des environnements de vie définis par leurs capacités à muter et à évoluer. Il développait des « simulations en direct », des écosystèmes virtuels vivants qui commencent par des propriétés programmées de base mais sont laissés à l’auto-évolution sans contrôle ni fin de l’auteur. C’est un format pour exercer délibérément les sentiments de confusion, d’anxiété et de dissonance cognitive qui accompagnent l’expérience d’un changement implacable.

La créature la plus récente de Cheng, BOB (Bag of Beliefs) (2018-2019), présentée dans le pavillon central, est une forme d’IA (intelligence artificielle) dont la personnalité, les valeurs et le corps – qui rappelle un serpent ou un corail – ne cessent de croître. . Les modèles de comportement et le scénario de vie de BOB sont alimentés par des interactions avec les humains, qui sont capables d’influencer les actions de BOB via une application iOS. Life After BOB : First Tract (2019), présenté à l’Arsenale, fonctionne comme une sorte d' »avant-première » d’un univers narratif centré autour de BOB.

Arthur Jafa
Pendant trois décennies, Arthur Jafa a développé une pratique dynamique à travers des médiums tels que le cinéma, la sculpture et la performance. Tout au long de sa carrière, il a été investi dans des modes d’expressivité spécifiquement noirs et dans le défi de savoir comment rendre le monde (visuellement, conceptuellement, culturellement, idiomatiquement) du point de vue de l’être noir – dans toute sa joie, son horreur, sa beauté, douleur, virtuosité, aliénation, pouvoir et magie. Jafa rassemble des images en réseau, des photographies historiques, des portraits vernaculaires, des clips musicaux, des mèmes et des séquences d’actualités virales pour souligner l’absurdité et la nécessité des images dans l’appréhension de la race.

Lara Favaretto
La pratique artistique à multiples facettes de Lara Favaretto englobe la sculpture, l’installation et l’action performative, et s’exprime souvent à travers l’humour noir et l’irrévérence. Un exemple peut être trouvé dans sa série Momentary Monuments (2009-en cours), qui ne sont pas destinés à glorifier un événement historique, ni à favoriser des sentiments d’identification nationale.

Les monuments de Favaretto sont moins idéologiques et plus tragi-comiques, ils pourrissent, s’effondrent et se dissolvent simplement de différentes manières. Cela fait de l’énorme effort pour les construire un monument en soi, mais à la futilité de l’effort humain. La blague implicite dans le travail de Favaretto est que même les objets faits des matériaux les plus stables, destinés à figer à jamais les valeurs et les idéologies, finissent par disparaître.

Andra Ursuţa
Compulsions obsessionnelles et désirs violents ; soumission à la domination sexuelle et politique; la fragilité de l’existence humaine ; identité comme construction et fiction : tels sont quelques-uns des thèmes qui sous-tendent les scénarios nihilistes et tragi-comiques explorés dans les sculptures et installations d’Andra Ursuţa. Axé sur le paradoxe et l’ironie, le travail de l’artiste puise dans des événements politiques, des clichés et des allégories, ainsi que des souvenirs personnels, pour tenter d’exposer et de perturber les dynamiques de pouvoir qui perpétuent les frontières précaires entre violation et banalité, indifférence et empathie, abjection humour.

Neil Beloufa
Neïl Beloufa – dont la pratique s’étend au cinéma, à la sculpture et aux installations – a passé la majeure partie de la dernière décennie à réfléchir à ce qui est en jeu lorsque l’on appréhende la réalité et sa représentation. Sa pratique refuse d’adopter toute position d’autorité ; il est à la fois vif dans l’observation et discret dans ce qu’il véhicule. L’artiste s’éloigne constamment de ses propositions comme pour dire au spectateur : « C’est ton problème maintenant, tu t’en occupes ».

Par exemple, pour regarder les vidéos de Global Agreement (2018-2019), présentées à l’Arsenale, le spectateur doit s’asseoir sur des structures rappelant les équipements de gymnastique, qui sont inconfortables et restreignent ses mouvements ; simultanément, la configuration de l’espace permet à chaque spectateur d’observer tout le monde en train d’observer les autres : vous regardez peut-être la vidéo, mais quelqu’un vous regarde toujours.

Ryoji Ikeda
La pratique du compositeur et artiste Ryoji Ikeda approche le minimalisme monumental, entremêlant souvent des compositions acoustiques clairsemées avec des visuels qui prennent la forme de vastes champs d’informations rendues numériquement. Ceux-ci s’intègrent pour former le propre langage expansif de l’artiste, qui repose sur une méthode de travail algorithmique où les mathématiques sont utilisées comme moyen de capturer et de refléter le monde naturel qui nous entoure.

Danh Vo
Le cercle éclectique de collaborateurs de Danh Vo pour la Biennale Arte 2019 comprend son petit ami, son neveu, son père et son ancien professeur. Dans les installations de Vo, l’histoire rencontre la propre biographie de l’artiste à travers des objets symboliques chargés tels que des icônes culturelles ou des images religieuses endommagées, et l’implication littérale et métaphorique des membres de sa famille et de ses amis.

Partie III

Tarek Atoui
Faisant le pont entre la musique et l’art contemporain, la pratique de Tarek Atoui élargit les notions d’écoute à travers des performances sonores participatives et collaboratives. Influencé par l’héritage des formes ouvertes présentées par les artistes dans les années 1960, qui ont élargi la compréhension de la musique et l’ont rapprochée du domaine des arts visuels, Atoui conçoit et coordonne des environnements complexes pour cultiver le son. A travers ses installations, performances et collaborations, il décompose les notions attendues de performance, tant pour le performeur que pour le public, suggérant des voies d’expérience multimodales : visuelles, sonores et somatiques.

Jimmie Durham
Incorporant également des éléments d’écriture et de performance, la pratique de Jimmie Durham prend le plus souvent la forme de sculptures dans lesquelles divers objets du quotidien et matériaux naturels sont assemblés en des formes vivantes. Le processus de production, ce que Durham qualifie de « combinaisons illégales avec des objets rejetés », peut être vu comme une incarnation de l’attitude subversive qui imprègne ses œuvres.

Dans l’Arsenale, chaque sculpture, façonnée à partir de combinaisons de pièces de mobilier, de matériaux industriels lisses ou de vêtements usagés, se rapproche de l’échelle de l’animal titulaire. la séparation entre l’homme et la nature. Dans le pavillon central, Durham présente Black Serpentine, une grande dalle de roche éponyme entourée d’un cadre en acier inoxydable – une masse d’une demi-tonne provocante dans sa force implacable.

Anicka Yi
Délimitations déstabilisantes entre l’organique et le synthétique, la science et la fiction, l’humain et le non-humain, les créations protéiformes d’Anicka Yi sont sous-tendues par ce que l’artiste qualifie de « biopolitique des sens ». Le nouveau corpus de travail de Yi se concentre sur des enquêtes récentes sur la « biologie de la machine » alors qu’elle se concentre sur le sensorium de la machine et envisage comment de nouveaux canaux de communication peuvent être établis entre les entités d’intelligence artificielle (IA) et les formes de vie organiques.

Zhanna Kadyrova
L’un des aspects les plus frappants de l’art de Zhanna Kadyrova, qui comprend la photographie, la vidéo, la sculpture, la performance et l’installation, est son expérimentation avec les formes, les matériaux et le sens. Elle utilise souvent du carrelage bon marché pour la mosaïque, combiné à des matériaux de construction lourds tels que le béton et le ciment.

Pour Market (2017-en cours, exposé à l’Arsenale), un stand de nourriture équipé de tout ce dont un commerçant de rue a besoin, elle fabrique des saucisses et des salamis en béton et en pierre naturelle, et façonne des fruits et légumes – bananes, pastèques, grenades, aubergines – en grosse mosaïque. La version de Second Hand (2014-en cours) présentée dans le pavillon central réutilise les carreaux de céramique d’un hôtel de Venise pour fabriquer des vêtements et du linge.

Slaves et Tatars
Fondé en 2006, Slavs and Tatars a commencé comme un club de lecture et s’est transformé en un collectif d’artistes dont la pratique multiforme est néanmoins restée très proche du langage, au sens propre comme au sens figuré. Leur travail, allant des sculptures et installations aux conférences-performances et publications, est une approche de recherche non conventionnelle de la richesse culturelle et de la complexité de l’espace géographique enfermé entre deux barrières symboliques et physiques : l’ancien mur de Berlin et la Grande Muraille de Chine. Ce vaste territoire est l’endroit où l’Est et l’Ouest se heurtent, se confondent et se redéfinissent.

Christoph Büchel
Le 18 avril 2015, le naufrage le plus meurtrier de la Méditerranée de mémoire d’homme s’est produit dans la Manche sicilienne, à 96 km au large des côtes libyennes et à 193 km au sud de l’île italienne de Lampedusa. Le bateau, acheté par des trafiquants libyens, était rempli de migrants, pour la plupart enfermés dans la cale et la salle des machines lorsqu’il est entré en collision avec un cargo portugais qui tentait de venir à son secours.

Barca Nostra, monument collectif et mémorial de la migration contemporaine, n’est pas seulement dédié aux victimes et aux personnes impliquées dans son rétablissement, mais représente également les politiques et politiques collectives qui créent ce genre de catastrophes. En mai 2018, une initiative de migrants à Palerme a lancé une pétition proposant une procession avec l’épave comme un cheval de Troie errant à travers les frontières nationales à travers l’Europe, luttant pour le droit humain à la libre mobilité.

Ludovica Carbotta
La pratique artistique multiforme de Ludovica Carbotta englobe la sculpture, le dessin, la performance, l’architecture et l’écriture. Elle s’intéresse à l’exploration physique de l’espace urbain, en construisant ce qu’elle appelle la « spécificité du site fictif » ; elle invente des lieux imaginaires ou imprègne des lieux réels de contextes fictifs, récupérant le rôle de l’imaginaire comme mode de construction du savoir.

Au cours des dernières années, elle a travaillé sur un projet d’envergure, divisé en plusieurs chapitres, intitulé Monowe, le nom d’une ville imaginaire habitée par une seule personne. À travers le point de vue et les expériences du seul habitant de Monowe et son acceptation possible des conditions de la ville, Carbotta explore l’isolement comme un état par lequel abandonner les normes sociales, les règles et les logiques qui ont été considérées comme allant de soi dans la société.

Tomás Saraceno
La recherche de Tomás Saraceno se nourrit d’une myriade de mondes. Son Arachnophilia Society, Aerocene Foundation, ses projets communautaires et ses installations interactives explorent des manières durables d’habiter l’environnement en reliant les disciplines (art, architecture, sciences naturelles, astrophysique, philosophie, anthropologie, ingénierie) et les sensibilités.

Dans tous ces projets, Saraceno s’engage avec les formes de vie qui existent tout autour de nous et, à une époque de bouleversements écologiques, nous encourage à accorder nos perspectives à d’autres espèces et systèmes – que ce soit au niveau micro ou macro, des colonies d’araignées à la gravitation. vagues – et s’engager dans des façons hybrides et alternatives d’habiter notre planète partagée.

Cyprien Gaillard
Faisant de l’entropie de l’humain et du naturel sa préoccupation centrale, Cyprien Gaillard effectue une critique pointue de l’idée de progrès à travers ses vidéos, sculptures, photographies, collages et art public. Observateur nomade, Gaillard parcourt aussi bien les milieux urbains que les paysages naturels, à la recherche de signes du temps profond incrustés dans son environnement. Il fait entrer à l’intérieur des fragments du monde extérieur, formant des juxtapositions anachroniques, mêlant des images de destruction et de reconstruction, de renouveau et de dégradation.

La pratique de Gaillard est une archéologie visuelle de la décadence, qu’il s’agisse de l’érosion des formes physiques ou de la signification sociale et historique. Faisant souvent s’effondrer le temps dans son œuvre, Gaillard combat le romantisme des ruines, suggérant un regard désintéressé à travers lequel les vestiges d’événements et de lieux peuvent être appréhendés à travers un cadre unifié de temps cyclique.

Halil Altındere
Halil Altındere scrute la politique du quotidien dans ses vidéos, photographies, installations et peintures. Fin observateur des mécanismes sociopolitiques et de leur empiètement sur l’individu, il utilise souvent les moyens mêmes par lesquels l’autorité s’affirme et la différence est circonscrite par les institutions de l’État-nation. Les cartes d’identité, les timbres-poste, les billets de banque, les premières pages des journaux, les slogans militaristes et les photos de dirigeants politiques sont utilisés pour subvertir la manipulation et la normalisation sociales ou politiques.

Issu d’un milieu kurde et ayant grandi au plus fort du conflit turco-kurde, Altındere aborde la négligence et le mauvais traitement des minorités dans de nombreux ouvrages. Ces dernières années, Altındere s’est engagé dans la crise mondiale des réfugiés dans plusieurs œuvres, dont Space Refugee (2016), une série inspirée de la rencontre de l’artiste avec Muhammed Ahmed Faris, le premier et unique cosmonaute syrien, qui a voyagé dans l’espace avec une équipe soviétique en 1987.

Biennale de Venise 2019
La 58e Biennale de Venise était une exposition internationale d’art contemporain qui s’est tenue entre mai et novembre 2019. La Biennale de Venise a lieu tous les deux ans à Venise, en Italie. Le directeur artistique Ralph Rugoff a organisé son exposition centrale, May You Live in Interesting Times, et 90 pays ont fourni des pavillons nationaux.

La Biennale de Venise est une exposition biennale d’art internationale qui se tient à Venise, en Italie. Souvent décrite comme « les olympiades du monde de l’art », la participation à la Biennale est un événement prestigieux pour les artistes contemporains. Le festival est devenu une constellation de spectacles : une exposition centrale organisée par le directeur artistique de cette année-là, des pavillons nationaux hébergés par des nations individuelles et des expositions indépendantes à travers Venise. L’organisation mère de la Biennale accueille également régulièrement des festivals dans d’autres arts : architecture, danse, cinéma, musique et théâtre.

En dehors de l’exposition internationale centrale, les nations individuelles produisent leurs propres spectacles, appelés pavillons, en tant que représentation nationale. Les nations propriétaires de leurs pavillons, comme les 30 logés sur les Giardini, sont également responsables de leurs propres coûts d’entretien et de construction. Les nations sans bâtiments dédiés créent des pavillons dans l’Arsenal de Venise et des palais dans toute la ville.

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques : Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives Historiques des Arts Contemporains (ASAC) qui ont été récemment entièrement rénovées.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des enseignants de renom ; cela est devenu plus systématique et continu à travers le projet international Biennale College, actuellement en cours dans les sections Danse, Théâtre, Musique et Cinéma.