A 58ª exposição internacional de arte, intitulada May You Live In Interesting Times, dirigida por Ralph Rugoff, aconteceu de 11 de maio a 24 de novembro de 2019. O título é uma frase de invenção inglesa que há muito tem sido erroneamente citada como uma antiga maldição chinesa que invoca períodos de incerteza, crise e turbulência; “tempos interessantes”, exatamente como os que vivemos hoje.
A exposição é, como sempre, realizada nos dois principais locais históricos, o Giardini di Castello e o Arsenale, mas também envolve locais de prestígio em Veneza, onde os representantes de muitas nações estão hospedados e onde exposições e eventos colaterais são organizados. Todos os futuros do mundo formam um grande e unificado caminho de exposição que se articula do Pavilhão Central dos Jardins ao Arsenale, incluindo as participações de 79 países e regiões.
O título desta expressão “tempos interessantes” evoca a ideia de tempos desafiadores ou mesmo “ameaçadores”, mas também pode ser simplesmente um convite a ver e considerar sempre o curso dos acontecimentos humanos na sua complexidade, um convite, portanto, que parece ser particularmente importante em momentos em que, muitas vezes, a simplificação excessiva parece prevalecer, gerada pelo conformismo ou pelo medo.
May You Live in Interesting Times, inclui obras de arte que refletem sobre os aspectos precários da existência hoje, incluindo diferentes ameaças às principais tradições, instituições e relações da “ordem do pós-guerra”. Mas reconheçamos desde o início que a arte não exerce suas forças no domínio da política. A arte não pode conter o surgimento de movimentos nacionalistas e governos autoritários em diferentes partes do mundo, por exemplo, nem pode aliviar o trágico destino dos povos deslocados em todo o mundo.
A 58ª Exposição Internacional de Arte destaca uma abordagem geral para fazer arte e uma visão da função social da arte que abrange o prazer e o pensamento crítico. A exposição centra-se no trabalho de artistas que desafiam hábitos de pensamento existentes e abrem leituras de objetos e imagens, gestos e situações.
Arte desse tipo surge de uma prática de entreter perspectivas múltiplas: de manter em mente noções aparentemente contraditórias e incompatíveis e de fazer malabarismos com diversas maneiras de dar sentido ao mundo. Artistas que pensam dessa maneira oferecem alternativas para o significado dos chamados fatos, sugerindo outras formas de conectá-los e contextualizá-los. Animado por uma curiosidade sem limites e humor penetrante, seu trabalho nos encoraja a olhar de soslaio para todas as categorias, conceitos e subjetividades não questionados.
Uma exposição de arte merece a nossa atenção, antes de mais nada, se pretende apresentar-nos a arte e os artistas como um desafio decisivo a todas as atitudes simplificadoras. De forma indireta, talvez a arte possa ser uma espécie de guia de como viver e pensar em ‘tempos interessantes’. Ela nos convida a considerar múltiplas alternativas e pontos de vista não familiares, e a discernir as maneiras pelas quais a “ordem” se tornou a presença simultânea de diversas ordens.
A Exposição em Giardini
A Exposição se desenvolve desde o Pavilhão Central (Giardini) até o Arsenale e conta com 79 participantes de todo o mundo. Local tradicional das Exposições de Arte da Bienal desde a primeira edição em 1895, os Giardini se erguem no extremo leste de Veneza e foram feitos por Napoleão no início do século XIX. Foi o sucesso das primeiras edições (mais de 200.000 visitantes em 1895, mais de 300.000 em 1899) que desencadearam a construção de pavilhões estrangeiros desde 1907, que foram acrescentados ao já construído Pavilhão Central. O Giardini agora hospeda 29 pavilhões de países estrangeiros, alguns deles projetados por arquitetos famosos como o Pavilhão da Áustria de Josef Hoffmann, o pavilhão holandês de Gerrit Thomas Rietveld ou o pavilhão finlandês, um pré-fabricado com um plano trapezoidal projetado por Alvar Aalto.
Como parte da reorganização expositiva dos locais da Bienal, em 2009 o histórico Pavilhão Central de Giardini se tornou uma estrutura multifuncional e versátil de 3.500 metros quadrados, centro de atividade permanente e marco para os outros Pavilhões Jardins. Abriga espaços interiores desenhados por artistas de renome internacional como Massimo Bartolini (Área Educacional “Sala F”), Rirkrit Tiravanija (Livraria) e Tobias Rehberger (Cafetaria).
A transformação do Pavilhão Central em Jardins Multifuncionais foi concluída em 2011 com a reorganização dos espaços expositivos e hall de entrada. A partir daí, o Pavilhão Central pode desfrutar de um espaço ideal e de condições microclimáticas para cada um dos diferentes e numerosos destinos, incluindo atividades educativas, workshops e projetos especiais. Uma parte importante do projeto de recuperação consistiu na conclusão da restauração do Salão Ottagonale, iniciada pela Câmara Municipal de Veneza em 2006, com a restauração das pinturas no interior da cúpula do Galileo Chini em 1909 e a restauração dos sistemas decorativos de paredes e pisos No terraço veneziano. O Salão, equipado com todos os serviços de recepção ao público,assim, torna-se um fulcro do Pavilhão na forma de um átrio monumental a partir do qual todas as novas áreas funcionais podem ser alcançadas.
luzes
Parte IV
Lara Favaretto
A prática artística multifacetada de Lara Favaretto engloba escultura, instalação e ação performativa, e muitas vezes é expressa por meio do humor negro e da irreverência. Um exemplo pode ser encontrado em sua série Momentary Monuments (2009-em andamento), que não pretende glorificar nenhum acontecimento histórico, nem fomentar sentimentos de identificação nacional. Os monumentos de Favaretto são menos ideológicos e mais tragicômicos, simplesmente apodrecem, desmoronam e se dissolvem de diferentes maneiras. Isso faz um esforço tremendo para construí-los um monumento em si, mas para a futilidade do esforço humano. A piada implícita na obra de Favaretto é que mesmo os objetos feitos dos materiais mais estáveis, destinados a congelar valores e ideologias para sempre, acabam desaparecendo.
Antoine Catala
Antoine Catala cria relações novas e lúdicas entre a linguagem e a realidade. Explorando as falhas de comunicação, ele procura desenterrar algumas das formas em que o significado é transmitido por meio de palavras, sinais, textos, emojis, especialmente em plataformas de comunicação. Por meio de suas obras textuais e instalações escultóricas, ele chama a atenção para como, muitas vezes sem pensar, a forma como a mensagem é transmitida, e não a própria mensagem, nos afeta.
Na entrada do Pavilhão Central nove grandes painéis revestidos de silicone colorido constituem a obra It’s Over (2019). À medida que o ar é lentamente bombeado para fora de cada painel, um texto em relevo é revelado, transmitindo mensagens ambiguamente tranquilizadoras: “Não se preocupe”, “Acabou”, “Tudo está bem”, “Tutto va bene”, “Ei, relaxe” , ou uma imagem de dois ursos de pelúcia se beijando. No Arsenale, a instalação The Heart Atrophies (2018-2019) propõe o equivalente contemporâneo de um rébus medieval, mostrando como os humanos sempre estiveram em uma relação estreita, adaptativa e flexível com os signos que os circundam.
Maria loboda
A transformação contínua de objetos e imagens por meio de suas trajetórias de transmissão e encontro está no cerne da prática de Maria Loboda. As obras de Loboda provocam desconfiança no supostamente evidente, mas também nos convidam a fazer amizade com as incertezas que eles – e as coisas que nos cercam – possuem. Loboda se interessa pela forma como as imagens são afetadas pelos contextos em que circulam, moldadas pela história dos olhares sobre elas.
Ryoji Ikeda
A prática do compositor e artista Ryoji Ikeda aproxima-se do minimalismo monumental, muitas vezes entrelaçando composições acústicas esparsas com visuais que tomam a forma de vastos campos de informação digitalmente renderizada. Eles se integram para formar a própria linguagem expansiva do artista, que se baseia em uma forma algorítmica de trabalho em que a matemática é utilizada como um meio de capturar e refletir o mundo natural ao nosso redor.
Haris Epaminonda
Haris Epaminonda trabalha com materiais encontrados, como esculturas, cerâmica, livros ou fotografias, que ela freqüentemente combina para construir cuidadosamente suas instalações características. Esses objetos se enredam em uma teia de significados históricos e pessoais desconhecidos do público e, provavelmente, também dela. Não que ela ignore essas histórias: elas estão implícitas, exercem seu poder intrinsecamente, enquanto suavemente se dobram em algo diferente à medida que se instalam em suas instalações. Ela os escolhe por seus qualia, suas qualidades experienciais irredutíveis, que os fazem brilhar e se tornarem visíveis.
Nicole Eisenman
Reverberações entre o histórico e o presente, entre a publicidade e a privacidade fornecem a força por trás das pinturas e esculturas de Nicole Eisenman. Sua antena para a dinâmica da vida contemporânea a leva à verdade inexorável de que o mundo continua cheio de homens maus movidos pelo poder, pela gula, pela avareza, pela sede de sangue e pela crença no dinheiro como um valor a ser considerado acima de todos os outros.
Em suas obras escultóricas, Eisenman representa essas forças como monstruosas, distorcidas e retorcidas, evisceradas e cancerosas. Seu compromisso inabalável com os detalhes do nosso momento, como visto em obras como Weeks on the Train (2015), Morning Studio (2016) e Dark Light (2017), os iPhones, jeans, moletons, laptops, bonés de beisebol e os o uso de caixotes de leite como móveis, coloca-a firmemente na venerável tradição do realismo e das cenas de gênero: quadros onde a membrana que separa a arte da vida é tornada o mais porosa possível.
Augustas Serapinas
Augustas Serapinas interessado na criação de pontos de vista alternativos, Eles contribuem para mais diversidade, o que muitas vezes falta nas instituições e no mundo da arte em geral … Ele tem um profundo respeito pela criatividade improvisada, e seu trabalho muitas vezes encontra inspiração comovente no dia a dia. Mesmo na escola de arte em sua Vilnius natal, Serapinas lutou contra os limites institucionais, encontrando um espaço escondido dentro da Academia para usar como um estúdio secreto e criando um buraco para si mesmo em um cano de água cavernoso que alimentava o rio Vilnelė. Em 2012, seu último ano na Academia de Artes de Vilnius, ele notou um grupo de crianças usando o espaço público ao redor como uma área de recreação e construiu estruturas de escalada dentro de seu estúdio para que elas descobrissem e incorporassem em seus jogos.
Cameron Jamie
Cameron Jamie produziu trabalhos em diversas mídias, de fotos e vídeos a desenhos, cerâmicas, esculturas e zines fotocopiados. A obra que mais lhe chamou a atenção nos primeiros anos de carreira, entretanto, foi Kranky Klaus (2002-2003), um vídeo que documenta a tradição do Natal alpino de Krampuslauf. Em uma aldeia rural austríaca, homens vestidos como bestas com chifres saem pelas ruas à noite, supostamente em busca de crianças e mulheres jovens que teriam sido travessas. As feras Krampus são um ritual culturalmente sancionado de coreografia.
Michael E. Smith
Uma sensação de assombração pós-humana permeia as esculturas, instalações, vídeos e pinturas ocasionais de Michael E. Smith. O artista normalmente usa em seu trabalho os tipos de objetos que podem ser encontrados em um depósito de lixo ou, na melhor das hipóteses, em uma loja de artigos usados; são artefatos que apresentam em suas superfícies evidências de terem sido usados, desgastados e, em última instância, quebrados por mãos humanas. O próprio fato de serem descartados os imbui de um pathos mordaz, revelando-os como não amados, impotentes e condenados a um purgatório material no qual se recusam a degradar ou desaparecer. Em outro lugar, animais mortos reais (ou partes deles) entram no vocabulário escultural de Smith, como se para sublinhar a qualidade mortal dos objetos feitos pelo homem com os quais estão combinados.
Ad Minoliti
Para Ad Minoliti, a pintura metafísica é o símbolo da utopia modernista e de tudo o que nela achava reprovável: a repressão de sua idealidade, o conservadorismo de suas estruturas rígidas e mesmo sua lógica binária implícita, em referência à ideia de Jacques Derrida de que O pensamento ocidental é baseado em oposições dualistas, como masculino-feminino, racional-emocional ou cultura da natureza. Seu esforço artístico tem sido criar um espaço alternativo de representação para se opor a essa postura modernista. Ela encontrou um alter-homólogo dialético do espaço da pintura metafísica no mundo imaginário da casa de bonecas.
Uma invenção do século 17, a casa de bonecas foi inicialmente criada como uma ferramenta pedagógica para instruir as meninas em seus papéis como donas-de-casa, administradoras de casas, donas de crianças e apoiadoras do marido – e meninos sobre a aceitação dessa divisão e filosofia do trabalho . Minoliti se apropria da estética da casa de boneca e seus adereços, combina-a com imagens modernistas que ecoam Kandinsky, Picasso ou Matisse, e então a desmonta, torce, muda e reconfigura novamente.
Jon Rafman
Nos movimentos modernistas, observou Jon Rafman, prevaleciam visões utópicas do futuro. A visão pós-moderna do capitalismo tardio, entretanto, tornou-se distópica. Para explorar essa mudança nas noções de futuro, o trabalho de Rafman emprega a imagem em movimento e os gráficos gerados por computador, evitando o otimismo róseo às vezes associado às novas tecnologias.
Arthur Jafa
Por três décadas, Arthur Jafa desenvolveu uma prática dinâmica em mídias como filme, escultura e performance. Ao longo de sua carreira, ele investiu em modos especificamente negros de expressividade e no desafio de como tornar o mundo (visual, conceitual, cultural, idiomático) do ponto de vista do ser negro – em toda sua alegria, horror, beleza dor, virtuosismo, alienação, poder e magia. Jafa reúne imagens baseadas em rede, fotografias históricas, retratos vernaculares, videoclipes, memes e imagens de notícias virais para destacar o absurdo e a necessidade das imagens na apreensão da raça.
Neïl Beloufa
Neïl Beloufa – cuja prática abrange cinema, escultura e instalações, passou boa parte da última década pensando no que está em jogo quando se apreende a realidade e sua representação. Sua prática se recusa a adotar qualquer posição de autoridade; é aguçado na observação e discreto no que transmite.
O artista se afasta constantemente de suas proposições como se dissesse ao espectador: ‘Este é o seu problema agora, você lida com ele’. Por exemplo, para assistir aos vídeos do Acordo Global (2018-2019), o espectador tem que se sentar em estruturas que lembram aparelhos de ginástica, que são desconfortáveis e restringem seus movimentos; simultaneamente, a configuração do espaço significa que cada espectador pode observar todos os outros observando os outros: você pode estar assistindo ao vídeo, mas alguém está sempre olhando para você.
Zhanna Kadyrova
Um dos aspectos mais marcantes da arte de Zhanna Kadyrova, que inclui fotografia, vídeo, escultura, performance e instalação, é sua experimentação com formas, materiais e significado. Ela costuma usar ladrilhos baratos para o mosaico, combinados com materiais de construção pesados, como concreto e cimento.
A versão de Segunda Mão (em andamento em 2014) em exibição no Pavilhão Central reaproveita ladrilhos de cerâmica de um hotel em Veneza para a construção de peças de roupa e linho. Para a Market (em andamento em 2017, exibida no Arsenale), uma barraca de comida equipada com tudo que um comerciante de rua precisa, ela faz linguiças e salames de concreto e pedra natural, e modela frutas e vegetais, bananas, melancias, romãs, beringelas, em mosaico robusto.
Ian Cheng
Ian Cheng usa técnicas de programação de computador para criar ambientes de vida definidos por suas habilidades de mutação e evolução. Ele estava desenvolvendo ‘simulações ao vivo’, ecossistemas virtuais vivos que começam com propriedades básicas programadas, mas são deixados para se desenvolverem sem controle autoral ou fim. É um formato para exercitar deliberadamente os sentimentos de confusão, ansiedade e dissonância cognitiva que acompanham a experiência de mudança implacável.
A criatura mais recente de Cheng, BOB (Bag of Beliefs) (2018-2019), apresentada no Pavilhão Central, é uma forma de IA (inteligência artificial) cuja personalidade, valores e corpo – que lembra uma serpente ou coral – estão crescendo continuamente . Os padrões de comportamento e o script de vida do BOB são alimentados por interações com humanos, que são capazes de influenciar as ações do BOB por meio de um aplicativo iOS. Life After BOB: First Tract (2019), apresentado no Arsenale, funciona como uma espécie de “pré-visualização” de um universo narrativo centrado em BOB.
Nairy Baghramian
Nairy Baghramian funde formas mecânicas e antropomórficas para criar objetos esculturais desconcertantes. Seu trabalho visualiza a escultura como uma criatura híbrida. Nem totalmente mecânicos, nem totalmente corpóreos, os objetos de Baghramian são difíceis de definir. Dwindlers, uma série de apêndices de vidro exibidos ao longo do corredor externo do Arsenale, força a pergunta: “O que é isso que estamos olhando? Uma coleção de dutos de ventilação danificados ou intestinos monstruosos? Ornamentos decorativos ou uma estrutura em ruínas?”.
No Pavilhão Central, ela exibe Maintainers (2019), uma colagem de elementos escultóricos interdependentes em agrupamentos firmemente montados (alumínio fundido bruto pressionado firmemente contra formas de cera que são suportadas por uma barra de cortiça e suportes laqueados). Sólida e obstinada, a colagem de formas anima uma tensão dinâmica entre o suporte material e o ataque – sem a cortiça e os suspensórios laqueados a obra poderia desmoronar.
Julie Mehretu
Telas anteriores de Julie Mehretu referiam-se a mapas, diagramas arquitetônicos e grades de planejamento urbano; o artista usou uma série de vetores e notações que apontavam para mobilidades globais – bem como desigualdades globais. Eles são estonteantemente complexos e magistrais no uso da escala e do espaço negativo; eles transmitem uma sensação de velocidade. Em suas últimas pinturas, ela abraça um tipo diferente de desorientação, produzindo trabalhos em que pinceladas aerografadas e elementos serigrafados são adicionados e apagados, invocando uma sensação de dissipação e perda. Embora os detalhes das pinturas de base não estejam mais disponíveis para o observador como informações pictóricas, essas imagens de origem ainda têm a capacidade de registrar em um nível emocional, dando o tom para a pintura concluída.
Henry Taylor
Descrevendo a sua prática de pintura como “voraz”, Henry Taylor povoa a sua obra com uma enorme diversidade de temas, desde os destituídos até aos de grande sucesso. Seja por meio de retratos íntimos de família e amigos, ou cenas de grupo politicamente influenciadas que unem diferentes geografias e histórias, o objetivo de Taylor é retratar honestamente a realidade da experiência negra e os trabalhos frequentemente iníquos da vida americana. Mas, apesar de seu olho aguçado para a injustiça e da incorporação frequente de referências da história da arte, as fotos de Taylor não são pesadas; suas formas em negrito e cores de bloco são imediatas, prendendo o espectador.
Jimmie Durham
Também incorporando elementos de escrita e performance, a prática de Jimmie Durham geralmente assume a forma de esculturas nas quais diversos itens do dia a dia e materiais naturais são montados em formas vívidas. O processo de produção, que Durham denomina de “combinações ilegais com objetos rejeitados”, pode ser visto como uma encarnação da atitude subversiva que permeia suas obras.
No Pavilhão Central, Durham exibe a Serpentina Negra, uma grande laje de rocha homônima cercada por uma estrutura de aço inoxidável – uma massa de meia tonelada desafiadora em sua fortaleza implacável. No Arsenale, cada escultura, feita a partir de combinações de peças de móveis, materiais industriais lisos ou roupas usadas, aproxima-se da escala do animal titular – mas as formas resultantes não são retratos dos seres, mas sim envolvimentos poéticos que desafiam a noção tradicional do Iluminismo de a separação entre humanos e natureza.
Rula Halawani
As imagens fantasmagóricas de Rula Halawani capturam as consequências da violência periódica que transformou seu país em uma zona de guerra. Baseando-se tanto em sua experiência como fotojornalista quanto em suas lembranças da vida sob a ocupação israelense, Halawani procura em uma paisagem agora desconhecida os vestígios desbotados da Palestina histórica. Por meio da fotografia, as implicações espaciais da ocupação são refletidas não apenas por meio da representação de estruturas políticas no ambiente construído, mas de forma mais distinta no vazio de espaços negativos e ilusões sombrias.
Soham Gupta
Em seus retratos fantasmagóricos, Soham Gupta ilumina a vida noturna de Calcutá, revelando como vivem alguns dos habitantes mais vulneráveis da cidade. Em sua série Angst, acompanhamos essas figuras noturnas à medida que se movem pelos mundos que habitam, tornando-se personagens vívidos no imaginário do fotógrafo. Gupta pensa em seus retratos como resultado de um processo colaborativo, extraído de interações íntimas nas quais ele e seus súditos confiam um no outro. O fotógrafo tem uma afinidade instintiva com aqueles que vivem à margem da sociedade; ele caminha entre eles, identificando-se com suas dores e lutas.
Depois de passar algum tempo com cada assunto, Gupta faz relatos biográficos de suas histórias. As fotos de Gupta conferem aos impotentes uma agência expressiva. Mais do que a documentação de uma cidade e de seu povo, as fotografias são a expressão de um estado psicológico enraizado em algo mais essencial. Uma sensação de vulnerabilidade e solidão é pontuada por momentos de alegria e espontaneidade. Enquanto os gritos e dores de agonia podem ser silenciados pela imagem fotográfica, as fotos de Gupta expressam vividamente os vários tons de humanidade que só podem ser vistos durante a noite.
Lee Bul
Tendo crescido como filha de ativistas de esquerda durante a ditadura militar da Coreia do Sul, Lee Bul experimentou os efeitos de um regime repressivo em um país em rápida transformação econômica e cultural. Seus primeiros trabalhos, que datam do final dos anos 1980, foram performances de rua para as quais ela fez e usou fantasias monstruosas de ‘esculturas macias’ enfeitadas com saliências e vísceras pendentes. Estas foram seguidas por suas esculturas Cyborg em corpos femininos transformados em máquinas, formando híbridos incompletos sem cabeças e membros. Eles, por sua vez, a levaram a explorar ideias de paisagens futurísticas inspiradas nos sonhos, ideais e utopias concebidos em mangás e animes japoneses, na bioengenharia e na arquitetura visionária de Bruno Taut (1880-1938).
Lara Favaretto
A prática artística multifacetada de Lara Favaretto engloba escultura, instalação e ação performativa, e muitas vezes é expressa por meio do humor negro e da irreverência. Um exemplo pode ser encontrado em sua série Momentary Monuments (2009-em andamento), que não pretende glorificar nenhum acontecimento histórico, nem fomentar sentimentos de identificação nacional. Os monumentos de Favaretto são menos ideológicos e mais tragicômicos – eles simplesmente apodrecem, desmoronam e se dissolvem de maneiras diferentes. Isso faz um esforço tremendo para construí-los um monumento em si, mas para a futilidade do esforço humano. A piada implícita na obra de Favaretto é que mesmo os objetos feitos dos materiais mais estáveis, destinados a congelar valores e ideologias para sempre, acabam desaparecendo.
Lawrence Abu Hamdan
Descrevendo-se como um “ouvido privado”, Lawrence Abu Hamdan enfoca a política de escuta, o impacto legal e religioso do som, a voz humana e o silêncio. Sua prática surgiu de uma formação musical DIY, mas atualmente abrange filmes, instalações audiovisuais e ensaios de áudio ao vivo, um termo que ele prefere para “palestra-performance”, pois descreve melhor o entrelaçamento de voz e conteúdo, e do discurso e as condições em que é pronunciado. Ele trata a voz humana como um material politizado, facilmente compreensível por governos ou empresas de dados.
Parte V
Teresa Margolles
Teresa Margolles treina uma lente feminista sobre as brutalidades da narcoviolência que permeiam seu país natal, o México. Tendo estudado medicina forense e cofundado o coletivo de artistas inspirado no death metal SEMEFO, Margolles tem, ao longo de sua prática, tematizado a negligência governamental, o custo social e econômico da criminalização das drogas e as texturas, cheiros e restos físicos específicos.
Sun Yuan e Peng Yu
O casal de artistas Sun Yuan e Peng Yu iniciou sua colaboração em 2000. Em 2009, eles criaram a instalação Sun Yuan Peng Yu, um autorretrato que descreve a relação e a dinâmica de sua aliança artística. Um círculo de fumaça recorrente foi persistentemente dispersado por uma vassoura movida por um braço mecânico que continuava varrendo o ar; a fumaça reaparecia persistentemente, apenas para se dissolver quando a vassoura batia novamente.
Para Sun e Peng, o momento de encontro entre os dois componentes, e a dissolução de um pelo outro, simboliza um momento de criação artística conjunta em sua forma de trabalhar. Quase todas as instalações de Sun Yuan e Peng Yu são voltadas para solicitar maravilhas e tensão dos espectadores. O ato de olhar por parte dos espectadores é um elemento constitutivo de suas obras recentes, que muitas vezes envolvem a encenação de espetáculos intimidantes.
Christian Marclay
As obras de Christian Marclay são feitas a partir de objetos, imagens e sons já existentes, dos quais ele se apropria e manipula. Suas explorações na relação entre som e imagem o levaram a aplicar técnicas de sampling aos filmes de Hollywood. Ele criou montagens de clipes para formar novas narrativas e projeções em várias telas.
Ele usou objetos encontrados, imagens e sons, os colou e tentou criar algo novo e diferente com o que estava disponível. Ser totalmente original e começar do zero sempre pareceu fútil. Ele estava mais interessado em pegar algo que existia e fazia parte do meu entorno, cortar, torcer, transformar em algo diferente; apropriando-se dele e tornando-o seu através de manipulações e justaposições.
Frida Orupabo
A preocupação central de Frida Orupabo é a representação do corpo feminino negro, especialmente no que se refere à circulação de imagens na cultura midiática. Ela combina fotografias encontradas e imagens de seu arquivo pessoal para criar colagens digitais que exploram temas de raça, gênero, identidade, sexualidade, o olhar e violência colonial. Orupabo, que é uma artista autodidata e socióloga treinada, originalmente começou a fazer upload e streaming de suas colagens em plataformas de mídia social como meio de obter material de referência e intervir no ciclo infinito de imagens que constroem o corpo feminino negro produzido pela história da arte, colonialismo, ciência e cultura popular.
Cyprien Gaillard
Fazendo da entropia do feito pelo homem e do natural sua preocupação central, Cyprien Gaillard faz uma crítica incisiva da ideia de progresso por meio de seus vídeos, esculturas, fotografia, colagens e arte pública. Um observador nômade, Gaillard caminha por ambientes urbanos e também por paisagens naturais, em busca de sinais do tempo profundo embutidos em seu entorno. Ele traz fragmentos do mundo externo para dentro, formando justaposições anacrônicas, combinando imagens de destruição e reconstrução, renovação e degradação.
A prática de Gaillard é uma arqueologia visual da decadência, seja a erosão das formas físicas ou do significado social e histórico. Muitas vezes colapsando o tempo em sua obra, Gaillard luta contra o romantismo das ruínas, sugerindo um olhar desinteressado através do qual os vestígios de eventos e lugares podem ser compreendidos por meio de uma estrutura unificada de tempo cíclico.
Danh Vo
O eclético círculo de colaboradores de Danh Vo para a Biennale Arte 2019 inclui seu namorado, seu sobrinho, seu pai e seu ex-professor. Nas instalações de Vo, a história encontra a própria biografia do artista por meio de objetos simbólicos carregados, como ícones culturais ou imagens religiosas danificadas, e o envolvimento literal e metafórico de seus familiares e amigos.
Eslavos e tártaros
Fundado em 2006, Slavs and Tatars começou como um clube do livro e evoluiu para um coletivo de artistas cuja prática multifacetada, no entanto, permaneceu muito próxima da linguagem, tanto de forma literal quanto figurativa. Seu trabalho, que vai de esculturas e instalações a apresentações de palestras e publicações, é uma abordagem de pesquisa não convencional para a riqueza cultural e a complexidade da área geográfica delimitada entre duas barreiras simbólicas e físicas: o antigo Muro de Berlim e o Grande Muralha da China. Esta vasta terra é onde o Oriente e o Ocidente colidem, fundindo-se e redefinindo um ao outro.
Liu Wei
Os primeiros trabalhos de Liu Wei frequentemente lidavam com arquitetura urbana, paisagens urbanas e objetos do cotidiano, e representavam vários aspectos do mundo físico, empregando um esquema geométrico recorrente em pinturas e instalações. Ao longo das últimas duas décadas, ele trabalhou com uma variedade estonteante de materiais – de cachorros de couro de boi a livros, de aparelhos eletrônicos domésticos a porcelana chinesa e materiais de construção descartados. Suas recentes instalações em grande escala evocam a formalidade e o esplendor dos cenários modernistas, repletos de formas e formas geométricas.
Apichatpong Weerasethakul
As obras de Apichatpong Weerasethakul estão imersas na vida social, na cultura divergente e na política tumultuada de sua Tailândia nativa, enquanto as arenas transitórias de dormir, sonhar e memória recorrem como espaços para exploração, liberação e subversão silenciosa. Esses temas tecem seu caminho para a interação complexa de luz, som e tela de Synchronicity (2018), feito com o artista japonês Tsuyoshi Hisakado (1981, Japão) e exibido no Arsenale, em cujo ambiente os espaços de limiar de Weerasethakul recebem forma física.
Duas obras no Pavilhão Central sinalizam uma mudança significativa para Weerasethakul, que pela primeira vez trabalhou fora da Tailândia, na Colômbia, para seu atual projeto Memoria. A topografia da Colômbia e suas cicatrizes de décadas de guerra civil têm uma afinidade visceral com Weerasethakul; os traumas da memória coletiva fazem parte do tecido da vida cotidiana, tanto quanto em Nabua.
Handiwirman Saputra
Nos últimos dez anos, Handiwirman Saputra criou uma série de esculturas e pinturas enigmáticas intituladas No Roots, No Shoots, acionadas por objetos aleatórios que encontrou na vida cotidiana. O ímpeto para algumas dessas obras foi um trecho de rio perto de sua casa, onde raízes expostas de bosques de bambu e árvores estavam emaranhadas com o lixo doméstico. Saputra ficou intrigado não apenas com as coisas que descobriu lá, mas também com as associações entre elas.
Kemang Wa Lehulere
O trabalho em camadas ricas de Kemang Wa Lehulere incentiva os visitantes a se reunirem em torno dele em contemplação compartilhada. Essa noção de coletivo é a chave para a prática mais ampla do artista: ele se tornou um artista em seus vinte e tantos anos, depois de muitos anos de experiência como ativista na Cidade do Cabo. Fundou a Gugulective em 2006, uma plataforma artística de performance e intervenção social.
Ambas as instalações expostas no Arsenale e no Pavilhão Central são feitas de madeira recuperada e metal de carteiras e cadeiras escolares. Cada elemento dessas obras se reúne em uma teia de associações, referências e histórias porque, para Wa Lehulere, a biografia pessoal e a história coletiva são inextricáveis.
Gauri Gill
Viajando mais longe, Gill viu novas “colônias suburbanas existentes em um terreno baldio de escombros, imitações de castelos ingleses com as casas improvisadas de trabalhadores migrantes ao seu redor”. Seu Deadpan arquitetônico abrange painéis de desenvolvedores que vendem sonhos inatingíveis; exibições educacionais sobre edificação e construção; palmeiras falsas plantadas entre árvores reais; uma deusa presidindo uma unidade de ar condicionado; um novo prédio, coberto com lonas rasgadas, em processo de demolição na Mahatma Gandhi Road; pacotes de lixo apodrecendo ao lado da Grand Trunk Road; e arranha-céus inexpressivos, em todos os lugares.
Michael Armitage
Localizadas em algum lugar entre uma realidade fantástica e o caos político da vida moderna, as pinturas de Michael Armitage tecem vários fios narrativos. Como um observador atento de dinâmicas sociais complexas, ele subverte os códigos convencionais de representação por meio da linguagem da pintura narrativa. Ampliando questões de desigualdade e incerteza política, a beleza pitoresca de seus quadros vívidos desmente uma realidade sinistra em que a colisão de detalhes suntuosos e cores vibrantes fornece uma visão sobre os costumes sociais e ideologias políticas que governam a vida cotidiana em Nairóbi.
Jesse Darling
As esculturas de Jesse Darling são feridas, nervosas e instáveis, mas também estão cheias de vida. Feitas com materiais de uso diário de baixo custo, essas montagens despretensiosas evocam corpos com uma pungência incomum; eles também são decididamente não monumentais. Incapaz de usar a maior parte do braço direito devido a uma doença neurológica, Darling foi atingido pelas ideologias herdadas e pelo machismo capaz que inicialmente informaram sua compreensão da escultura: idéias de ‘trabalho duro’ e ‘o gesto’.
Khyentse Norbu
No trabalho de Khyentse Norbu como artista e cineasta, as questões filosóficas do contexto desempenham um papel central. Há uma sugestão de que a compreensão e a interpretação estão sempre abertas a mudanças e que há espaço para uma visão mais ampla. Conhecido no mundo budista como Dzongsar Khyentse Rinpoche, Norbu é um lama tibetano e butanês, respeitado por seus ensinamentos e escritos.
Alexandra Bircken
A prática de Alexandra Bircken é construída em torno da forma humana. Seus trabalhos incorporam uma variedade incomum de materiais, desde itens manufaturados como silicone, meias de náilon, armas e maquinários, até materiais orgânicos, incluindo lã, couro, galhos e frutas secas. Despojados de seu propósito anterior, eles são montados em arranjos extraordinários e desconfortáveis, cada um funcionando com tensões opostas.
No Pavilhão Central, Bircken apresenta seis obras que entrelaçam temáticas de género, poder e vulnerabilidade, animal e máquina. São obras que lembram nossa vulnerabilidade, nossa fisicalidade e as ferramentas arrogantes que criamos para nos proteger de fora e uns dos outros. No Arsenale os artistas exibem a instalação visceral, apocalíptica e dinâmica ESKALATION (2016), uma visão distópica de como pode ser o fim da humanidade.
Nabuqi
Nabuqi está profundamente comprometido em explorar os aspectos estéticos e materiais dos objetos esculpidos; para o artista é importante que a imitação do exterior seja realizada através de um assemblage de objetos manufaturados cujas qualidades originais sejam fielmente mantidas: “Queria recuperar o estado e as propriedades iniciais dos materiais, ao invés de comprometê-los com minhas próprias mãos. O que significa não mostrar uma obra meticulosamente criada no espaço expositivo.Também queria construir um ambiente que fosse tanto exterior (exterior) como interior (interior).
Todos os materiais aqui utilizados são de natureza decorativa, supostamente simulando ou estimulando uma espécie de realidade, ou alimentando uma imaginação de uma estética: uma estética virtual, agradável e hospitaleira “. Tal recriação da realidade pode ser percebida como parte da realidade, e isso desencadeia as mesmas ressonâncias emocionais no público como se eles tivessem encontrado o real? Suas obras de arte tentam responder a essas perguntas.
Shilpa Gupta
Shilpa Gupta trabalha em torno da existência física e ideológica das fronteiras, revelando suas funções simultaneamente arbitrárias e repressivas. Sua prática baseia-se nas zonas intersticiais entre os estados-nação, divisões étnico-religiosas e estruturas de vigilância – entre as definições de legal e ilegal, pertencimento e isolamento. Situações cotidianas são destiladas em gestos conceituais sucintos; como texto, ação, objeto e instalação, através dos quais Gupta aborda os poderes imperceptíveis que ditam nossas vidas como cidadãos ou apátridas.
Andra Ursuţa
Compulsões obsessivas e desejos violentos; submissão ao domínio sexual e político; a fragilidade da existência humana; identidade como construção e ficção: estes são alguns dos temas que sustentam os cenários niilistas e tragicômicos explorados nas esculturas e instalações de Andra Ursuţa. Baseando-se no paradoxo e na ironia, o trabalho do artista se baseia em acontecimentos políticos, clichês e alegorias, bem como em memórias pessoais, na tentativa de expor e romper a dinâmica de poder que perpetua as fronteiras precárias entre violação e banalidade, indiferença e empatia, abjeção e humor.
Christine e Margaret Wertheim
Christine and Margaret Wertheim’s Crochet Coral Reef sits somewhere between sculpture and a device for learning, a botanical, biological model. Such three-dimensional models were once made out of glass; in the Wertheims’ project, the forms are made in crochet. Yarn, thread, wire, old video-tape, beads, one stitch upon another, all combine gradually to make a series of coral reefs. An elegant alliance of science and art, the Crochet Coral Reef reflects the twins’ biography: Margaret, trained as a physicist, is an acclaimed science author; Christine, a poet and former painter, is a professor of critical studies.
Uma noite, em 2005, na sala de estar das irmãs Wertheim, olhando para as formas lanosas espalhadas sobre a mesa de centro, Christine proferiu as palavras: “Poderíamos fazer um recife de coral de crochê!”. Margaret postou um convite para participar do projeto online, e modelos pequenos e grandes começaram a aparecer pelo correio, para combinar com os formulários que as irmãs estavam fazendo. O que surgiu foi uma proposta expansiva: o Crochet Coral Reef como algo que ocupa e representa tempo e imaginação, e colaboração não hierárquica. Até o momento, mais de 10.000 participantes já crochetaram coletivamente mais de quarenta recifes satélite em diferentes cidades e países.
Suki Seokyeong Kang
Incorporando pintura, escultura, vídeo e o que o artista descreveu como ‘ativação’, a prática multivariada de Suki Seokyeong Kang centra-se no lugar e no papel do indivíduo hoje. Kang baseia-se em aspectos da herança cultural coreana, bem como em sua própria história pessoal para reimaginar estruturas ideológicas e imaginar arenas politizadas nas quais as partes interessadas com poder podem articular e exercer sua agência no espaço-tempo do presente.
Otobong Nkanga
Fazendo referência ao (muitas vezes violento) movimento e troca de minerais, energia, bens e pessoas, o trabalho de Otobong Nkanga é um lembrete de que objetos e ações não existem isoladamente: há sempre uma conexão, sempre um impacto. “Nenhum de nós existe em um estado estático”, disse o artista. “As identidades estão em constante evolução. As identidades africanas são múltiplas. Quando vejo, por exemplo, as culturas nigeriana, senegalesa, queniana, francesa ou indiana, não se pode falar sobre uma identidade específica sem falar sobre os impactos coloniais e o impacto dessa troca – do comércio, dos bens e da cultura ”.
Alex Da Corte
As obras envolventes de Alex Da Corte testemunham um ato magnético de criação de mundos. Ele coreografa uma dança de objetos que significam e implicam, sem serem essas coisas. Ele conta histórias por meio de códigos e símbolos, nos quais um turbilhão de Americana apropriada, montada, encenada e trabalhada é infundida simultaneamente com referências culturais de alto e baixo nível e achados de loja de valores.
No Pavilhão Central, os espectadores se tornam gigantes vendo as pessoas viverem suas vidas tranquilas dentro das casas do The Decorated Shed (2019), uma réplica exata de uma miniatura de uma vila suburbana americana – da popular série de televisão Mister Rogers ‘Neighborhood – apresentada em um Federal- mesa de mogno estilo, com a adição de sinalização de rede de restaurantes corporativos. No Arsenale, o Rubber Pencil Devil com iluminação neon miniaturiza os espectadores enquanto eles se sentam em bancos e assistem a versões adultas de grandes dimensões e saturação excessiva de programas de TV familiares em que uma série de personagens executa uma coreografia hipnoticamente lenta.
Parte VI
Halil Altındere
Halil Altındere examina a política do cotidiano em seus vídeos, fotografias, instalações e pinturas. Observador atento dos mecanismos sociopolíticos e de sua intromissão no indivíduo, ele freqüentemente usa os próprios meios pelos quais a autoridade é afirmada e a diferença é circunscrita pelas instituições do Estado-nação. Cartões de identidade, selos postais, notas, capas de jornais, slogans militaristas e fotos de líderes políticos são apropriados para subverter a manipulação e a normalização social ou política.
Vindo de ascendência curda e tendo crescido durante o auge do conflito turco-curdo, Altındere aborda a negligência e os maus tratos às minorias em várias obras. Nos últimos anos, Altındere se envolveu com a crise global de refugiados em várias obras, incluindo Space Refugee (2016), uma série inspirada no encontro do artista com Muhammed Ahmed Faris, o primeiro e único cosmonauta da Síria, que viajou ao espaço com uma equipe soviética em 1987.
Yin Xiuzhen
Desde o início dos anos 1990, Yin Xiuzhen trabalha com materiais reciclados para criar esculturas ambiciosas carregadas de referências sociais. Refletindo o desenvolvimento, consumo e globalização excessivos que definiram amplamente a China pós-1989, em suas obras ela junta têxteis macios a uma série de itens – muitas vezes de texturas e conotações drasticamente contrastantes – como malas, fragmentos de concreto, detritos, metais e objetos industriais.
Carol Bove
A escultura de Carol Bove vira de cabeça para baixo as linhas simples do modernismo. Sua sintaxe formal é uma linguagem adequada de dobras, amassados, torques, dobras, amassados, vincos e outras dobras que animam a superfície escultural. O artista chamou essas obras de “esculturas de colagem”, tipo de atividade que navega por uma tensão produtiva entre o formado industrialmente e o meramente encontrado, entre o obsoleto e o recém-cunhado.
A fricção física de seu material é animada por uma paleta ousada de cores doces de vermelhos, amarelos, rosas e verdes colocados em contraste dinâmico com seu aço bruto não tratado. O acabamento liso de seus potes de tinta com a materialidade áspera desbotada de seus objetos encontrados. Nesse modo, a cor da superfície promove a ilusão de que seus tubos de aço são construídos a partir de uma substância macia e maleável. As hábeis torções, dobras e curvas de Bove exigem uma abordagem cinestésica do observador: elas forçam o corpo, o olho e a mente a deslocar, mover e circunavegar o trabalho. Se esses objetos contassem uma história, seria um relato de movimento e pressão, força e suavidade.
Avery Singer
As pinturas de Avery Singer exploram os limites do meio. Em vez de pintar com pincéis, ela usa SketchUp, um software de modelagem 3-D popular entre arquitetos e engenheiros, para criar composições digitais que são projetadas e retocadas na tela. Ao retratar visuais neutros em termos de gênero e formas não sexualizadas, Singer destaca a ambigüidade da identidade, reduzindo as características faciais a uma série de linhas, grades e formas geométricas.
Nos últimos dois anos, Singer introduziu cores em sua paleta de grisaille. O doce Calder (Saturday Night) (2017), junto com um grupo de pinturas que contrastam com as imagens semi-abstratas e suaves em exibição no Pavilhão Central. Enquanto joga com os limites da representação, a busca contínua de Singer para expandir as possibilidades da pintura também luta contra teorias redutivas e suposições sobre o gênero dos artistas.
Njideka Akunyili Crosby
As pinturas de Njideka Akunyili Crosby refletem sua experiência como membro da diáspora nigeriana contemporânea, retratando uma identidade cultural e nacional específica que é desconhecida para muitos, embora instantaneamente reconhecível para aqueles que seguiram um caminho semelhante. Tendo emigrado para estudar nos Estados Unidos quando adolescente, Akunyili Crosby se move com confiança (embora talvez não sem atritos internalizados) entre diversos contextos estéticos, intelectuais, econômicos e políticos, e é a colisão e o desalinhamento desses contextos que dá a suas pinturas tensão e pungência.
A artista pinta retratos e interiores domésticos que costumam ser representados por ela e sua família. Essas cenas são ao mesmo tempo planas e infinitamente profundas, com janelas e portas que se abrem para outros espaços, enquanto os espaços descritos nessas fotos são indeterminados; certos detalhes – como um radiador de ferro fundido, por exemplo – indicam um clima frio (como Nova York, onde o artista viveu por um tempo), enquanto outros, como uma lamparina de parafina sobre uma mesa, são retirados do Akunyili Crosby’s memórias da Nigéria.
Anthony Hernandez
O trabalho fotográfico de Anthony Hernandez é duro e não sentimental. Nas últimas três décadas, uma questão prevalente tem incomodado o fotógrafo: como imaginar as ruínas contemporâneas da cidade e o duro impacto da vida urbana em seus cidadãos menos favorecidos? Hernandez abordou essa questão focalizando o que o fotógrafo Lewis Baltz chamou de “as paisagens dos derrotados” – campos de sem-teto, escritórios de desemprego, pátios de destruição de automóveis, abrigos de ônibus e outros espaços abandonados encontrados nos arredores da cidade. Nem romântico nem nostálgico, o trabalho de Hernandez detalhou os locais e espaços onde a promessa de felicidade do capitalismo azedou.
Zanele Muholi
Conhecida pelo trabalho Faces and Phases (2006 em andamento), um arquivo em evolução de retratos de lésbicas negras sul-africanas, Zanele Muholi é uma fotógrafa que trabalha ferozmente contra o silenciamento e a invisibilidade. Preferindo ser referido como um “ativista visual” ao invés de um artista, Muholi é co-fundador do Fórum para o Empoderamento das Mulheres, assim como Inkanyiso, uma plataforma para o ativismo queer e visual.
A importância da autorrepresentação é central para Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness (2012 em andamento), uma série de autorretratos sem remorso que a artista pretende construir em 365 imagens de um ano na vida de uma lésbica negra no sul África. A série inclui obras onde o artista está desafiador ou diretamente encontrando o olhar do espectador, à vista no Arsenale, e estampas menores de gelatina de prata onde Muholi a evita e frustra, à vista no Pavilhão Central.
Stan Douglas
Os filmes, vídeos, fotografias e instalações cinematográficas de Stan Douglas frequentemente dizem respeito ao que ele chama de “histórias especulativas”, retratando momentos cruciais em que os eventos poderiam ter tomado uma direção muito diferente. Douglas considera as fotografias “como filmes sem imagens em movimento” e as cria quase da mesma forma que uma cena de filme. Ele reencena eventos particulares, submetendo-os a um longo processo de pesquisa antes de reencená-los com cenários, atores e iluminação meticulosa.
Korakrit Arunanondchai
Trabalhando entre performance, vídeo e instalação, Korakrit Arunanondchai cria uma zona em que família, superstição, espiritualidade, história, política e arte se entrelaçam. Sua série interligada com a história em uma sala cheia de pessoas com nomes engraçados começou em 2013. O personagem central recorrente, um pintor tailandês fictício, é retratado em situações que refletem a interação entre as crenças tradicionais, o ambiente natural e os desenvolvimentos na tecnologia, política e cultura de uma Tailândia em mudança.
A instalação escultural apresentada no Pavilhão Central é uma série de formas “pós-naturais” semelhantes a árvores, enquanto o Arsenale hospeda uma instalação de três telas feita com Alex Gvojic (1984, EUA). As galerias se vestem como espaços de potencialidades e encontros. Recentemente, ele construiu cenários misteriosos de floresta: o habitat de criaturas semelhantes a ratos que podem sobreviver ao Antropoceno.
Ed Atkins
Ed Atkins faz todos os tipos de circunvoluções no autorretrato. Ele escreve profecias elípticas e desconfortavelmente íntimas, desenha caricaturas horríveis e faz vídeos realistas gerados por computador que geralmente apresentam figuras masculinas em meio a crises psíquicas inexplicáveis. No Arsenale, a instalação Old Food (2017-2019) é amassada de historicidade, melancolia e estupidez. Aqui, Atkins expandiu seu terreno emo, temperando a figuração autobiográfica afetando com questões e citações mais amplas.
Os desenhos que constituem Bloom (numerados de um a dez e mostrados no Pavilhão Central) apresentam tarântulas desembarcando com as mãos hesitantes ou empoleiradas em um pé posado, cada uma com a cabeça encolhida de Ed Atkins onde deveria estar o abdômen das aranhas. Envolto em fios de cabelo aracnídeo, o rosto de Atkins rompe a quarta parede e nos olha boquiabertos, com uma expressão ambivalente e questionavelmente consciente.
Gabriel rico
As a collector of discarded cultural objects, a self-proclaimed ontologist, a trained architect and researcher of human experience with an affinity for animals, Gabriel Rico could be said to have “hungry eyes”. His questioning, exploring, and collecting leads to a post-Surrealist / Arte povera approach that mines a range of materials, from taxidermy and natural objects to neon shapes and other remnants of manmade items. This results in thought-provoking sculptures that address the relationship between environment, architecture, and the future ruins of civilisation.
Em toda a obra de Rico, a beleza da história está nos detalhes. Os componentes refletem os desafios enfrentados por um local específico, o México, e simultaneamente refletem nossas preocupações globais comuns. Rico considera a fragilidade do espaço, tanto formal quanto filosoficamente, apresentando o momento precário que é agora.
Anicka Yi
Demarcações desestabilizadoras entre o orgânico e o sintético, a ciência e a ficção, o humano e o não humano, as criações multiformes de Anicka Yi são sustentadas pelo que o artista descreve como a “biopolítica dos sentidos”. O novo corpo de trabalho de Yi centra-se em investigações recentes sobre “biologizar a máquina”, enquanto ela se concentra no sensorium da máquina e contempla como novos canais de comunicação podem ser estabelecidos entre entidades de inteligência artificial (IA) e formas de vida orgânicas.
Kahlil Joseph
Navegando suavemente pelas águas entre o mainstream e o museu, a prática híbrida do artista e cineasta Kahlil Joseph abrange o cinema, as artes visuais e as mídias culturais. Seus filmes absorventes e videoinstalações envolventes misturam qualquer dicotomia entre alta e baixa cultura, entre cinema e arte contemporânea.
Andreas Lolis
Andreas Lolis cria objetos trompe-l’oeil em mármore. Nos últimos anos, ele criou uma série de esculturas baseadas no chão que imitam objetos efêmeros que ele viu nas esquinas ou bancos de parque – sacos de lixo hiper-reais, caixas de papelão e engradados de madeira. Muitas dessas esculturas apresentam sinais de desgaste aparente – suas superfícies amassadas ou manchadas, lascadas ou quebradas. Ao reproduzir detritos em um meio altamente clássico, ele intencionalmente perturba sistemas convencionais de valor e status. Lolis, que trabalhou exclusivamente com mármore ao longo de sua carreira, descreveu sua relação com o material como devocional. Sua atenção intensa aos detalhes significa que cada objeto em tamanho natural é capaz de enganar o olho quase inteiramente.
Tomás saraceno
A pesquisa de Tomás Saraceno é alimentada por uma miríade de mundos. Sua Arachnophilia Society, Aerocene Foundation, projetos comunitários e instalações interativas exploram formas sustentáveis de habitar o meio ambiente por meio de disciplinas (arte, arquitetura, ciências naturais, astrofísica, filosofia, antropologia, engenharia) e sensibilidades.
Em todos esses projetos, Saraceno se engaja com as formas de vida que existem ao nosso redor e, em uma era de convulsão ecológica, nos estimula a sintonizar nossas perspectivas com outras espécies e sistemas, seja no nível micro ou macro, das colônias de aranhas ao gravitacional ondas, e se envolver com formas híbridas e alternativas de habitar nosso planeta compartilhado.
Maria loboda
A transformação contínua de objetos e imagens por meio de suas trajetórias de transmissão e encontro está no cerne da prática de Maria Loboda. As obras de Loboda provocam desconfiança no supostamente evidente, mas também nos convidam a fazer amizade com as incertezas que eles – e as coisas que nos cercam – possuem. Loboda se interessa pela forma como as imagens são afetadas pelos contextos em que circulam, moldadas pela história dos olhares sobre elas.
Tarek Atoui
Fazendo uma ponte entre música e arte contemporânea, a prática de Tarek Atoui expande noções de escuta por meio de performances sonoras participativas e colaborativas. Influenciado pelo legado de formas abertas apresentadas por artistas na década de 1960, que ampliou a compreensão da música e a aproximou do reino das artes visuais, Atoui concebe e coordena ambientes complexos para cultivar o som. Por meio de suas instalações, performances e colaborações, ele quebra noções esperadas de performance, tanto para o performer quanto para o público, sugerindo formas multimodais de experiência: visual, auditiva e somática.
Anthea Hamilton
Uma sensação de estranhamento permeia o trabalho de Anthea Hamilton. Referências vintage da cultura popular, moda e design se abrem em ambientes imersivos e objetos misteriosos, seus significados originais esvaziados e transformados em suas esculturas e instalações. As distâncias temporais da arte e da cultura das décadas anteriores podem ser enganosas: o lapso de tempo pode tornar certas referências comemorativas, kitsch e até neutras.
No trabalho de Hamilton, os elementos benignos da moda e do design são reconsiderados. Em trabalhos anteriores, ela usou designers históricos, celebridades e tendências da moda icônicas para ampliar suas implicações e também virá-las do avesso. Provocações surgem por meio da repetição e do desdobramento do vazio e da superfície. Os resultados são quase claustrofóbicos, opressivos nos desejos revelados pelas transformações de Hamilton.
Jeppe Hein
Os bancos sociais modificados de Jeppe Hein encorajam a exploração e a experimentação por meio de uma variedade de atividades, da brincadeira ao descanso. Eles são a reação contrária a qualquer ferramenta arquitetônica que dita o movimento dos corpos no espaço. Para os Giardini, o artista produziu um conjunto de quatro bancos que parecem crescer das lagoas ciano, girando no ar como trilhos de trem de brinquedo. Localizados no gramado entre os pavilhões brasileiro, polonês e romeno, os Bancos Sociais Modificados para Veneza (2019) criam um espaço de interação social e convidam à desaceleração.
Outras instalações
Pavilhões Nacionais nos Giardini
Ao lado do atual Pavilhão Central, cujo primeiro núcleo foi construído em 1894 e desde então ampliado e restaurado diversas vezes, no grande parque foram construídos 29 pavilhões, construídos em diversos momentos por nações expositoras. Cercados pela área verde do parque, os pavilhões representam uma antologia de alto valor na arquitetura do século 20, em nome de muitos executivos, incluindo Aalto, Hoffmann, Rietveld, Scarpa e Stirling.
Biblioteca da Bienal
A Biblioteca da Bienal desde 2009 é parte integrante do Pavilhão Central de Giardini. A restauração foi concluída em 2010 com a abertura da grande sala de leitura, rodeada por uma galeria de dois níveis, na qual estão dispostos mais de 800 metros de estantes. A sala de leitura também é utilizada para conferências e workshops.
A Biblioteca é especializada em arte contemporânea, com especial enfoque na documentação e no aprofundamento das atividades da Fundação, preservando todos os catálogos das atividades da Bienal e recolhendo material bibliográfico relacionado com as disciplinas de arquitetura, artes visuais, cinema, dança, fotografia, música, teatro . Graças ao seu patrimônio de mais de 151.000 volumes e 3.000 periódicos, é uma das principais bibliotecas de arte contemporânea da Itália.
O patrimônio da biblioteca, proveniente do acervo do livro da ASAC, está em constante desenvolvimento e atualização por meio de compras, doações e, sobretudo, intercâmbios com as principais instituições de produção, pesquisa e preservação da arte contemporânea, nacional e internacional. Desde 2009, por meio do Pavilhão do Livro, a Biblioteca também recebe e adquire volumes doados por artistas e arquitetos participantes de mostras de arte e de arquitetura. Os livros recolhidos graças a este projeto realizado pela Fundação La Biennale são o resultado da colaboração constante com os diretores da mostra de arte e arquitetura.
Livraria
Projetada pelo artista Rirkrit Tiravanija, a biblioteca do Giardini é um espaço pequeno e prático, sem detalhes e decorações redundantes.
Cantina
Desenhado por Tobias Rehberger e pintado de acordo com o estilo pictórico particular Razzle Dazzle (usado especialmente em navios de guerra durante a Primeira Guerra Mundial), o refeitório é um lugar para sentar para encontrar um pouco de refresco e onde nos deixar ser (agradavelmente) desorientados por tecem formas geométricas de cores contrastantes que se interrompem e se cruzam, criando um padrão óptico complexo e animado.
Uma cafeteria-obra de arte, cujo projeto para a criação de Was du liebst, bringt dich auch zum Weinen, premiou Rehberger com o Leão de Ouro de melhor artista na La Biennale Arte 2009.
Bienal de Veneza 2019
A 58ª Bienal de Veneza foi uma exposição internacional de arte contemporânea realizada entre maio e novembro de 2019. A Bienal de Veneza acontece a cada dois anos em Veneza, Itália. O diretor artístico Ralph Rugoff fez a curadoria de sua exposição central, May You Live in Interesting Times, e 90 países contribuíram com pavilhões nacionais.
A Bienal de Veneza é uma exposição bienal internacional de arte realizada em Veneza, Itália. Muitas vezes descrita como “as Olimpíadas do mundo da arte”, a participação na Bienal é um evento de prestígio para artistas contemporâneos. O festival se tornou uma constelação de shows: uma exposição central com curadoria do diretor artístico daquele ano, pavilhões nacionais hospedados por nações individuais e exposições independentes em Veneza. A organização matriz da Bienal também hospeda festivais regulares em outras artes: arquitetura, dança, cinema, música e teatro.
Fora da exposição internacional central, nações individuais produzem seus próprios shows, conhecidos como pavilhões, como sua representação nacional. As nações que possuem seus edifícios de pavilhão, como os 30 alojados no Giardini, são responsáveis por seus próprios custos de manutenção e construção. Nações sem edifícios dedicados criam pavilhões no Arsenale de Veneza e palácios por toda a cidade.
La Biennale di Venezia foi fundada em 1895. Paolo Baratta é seu presidente desde 2008, e antes disso de 1998 a 2001. La Biennale, que está na vanguarda da pesquisa e promoção de novas tendências da arte contemporânea, organiza exposições, festivais e pesquisas em todos os seus setores específicos: Artes (1895), Arquitetura (1980), Cinema (1932), Dança (1999), Música (1930) e Teatro (1934). Suas atividades estão documentadas no Arquivo Histórico de Arte Contemporânea (ASAC), recentemente reformado por completo.
Em todos os setores tem havido mais oportunidades de investigação e produção dirigidas à geração mais jovem de artistas, em contacto direto com professores conceituados; isso se tornou mais sistemático e contínuo por meio do projeto internacional Biennale College, agora executado nas seções de Dança, Teatro, Música e Cinema.