С 11 мая по 24 ноября 2019 года проходила 58-я международная художественная выставка под названием May You Live In Interesting Times под руководством Ральфа Ругоффа. Название представляет собой английское изобретение, которое долгое время ошибочно считалось древним китайским проклятием, вызывающим периоды неопределенности, кризиса и потрясений; «интересные времена», в точности такие, в которых мы живем сегодня.

Выставка, как всегда, проводится в двух основных исторических местах, Джардини ди Кастелло и Арсенале, но также включает в себя престижные места по всей Венеции, где проживают представители многих народов и где проводятся выставки и сопутствующие мероприятия. Все мировые фьючерсы образуют большую и единую выставочную тропу, которая проходит от Центрального садового павильона до Арсенала, включая участие 79 стран и регионов.

Выражение «интересные времена» в названии выставки вызывает идею сложных или даже «угрожающих» времен, но это также может быть просто приглашением всегда видеть и рассматривать ход человеческих событий во всей их сложности, приглашением, таким образом, что кажется особенно важным во времена, когда слишком часто кажется, что преобладает чрезмерное упрощение, порожденное конформизмом или страхом.

«Живите в интересные времена», включает в себя произведения искусства, отражающие опасные аспекты современного существования, включая различные угрозы ключевым традициям, институтам и отношениям «послевоенного порядка». Но давайте с самого начала признаем, что искусство не проявляет свои силы в области политики. Искусство не может, например, остановить рост националистических движений и авторитарных правительств в разных частях мира, а также не может облегчить трагическую судьбу перемещенных народов по всему миру.

58-я Международная художественная выставка подчеркивает общий подход к созданию искусства и взгляд на социальную функцию искусства как на удовольствие и критическое мышление. Выставка сфокусирована на работах художников, которые бросают вызов существующим привычкам мышления и открывают наше прочтение объектов и образов, жестов и ситуаций.

Искусство такого рода вырастает из практики рассмотрения множества точек зрения: удержания в уме кажущихся противоречивыми и несовместимых понятий и манипулирования различными способами осмысления мира. Художники, которые думают таким образом, предлагают альтернативы значению так называемых фактов, предлагая другие способы их связи и контекстуализации. Их работа, вдохновленная безграничным любопытством и остроумием, побуждает нас косо смотреть на все неоспоримые категории, концепции и субъективности.

Выставка искусства заслуживает нашего внимания, прежде всего, если она направлена ​​на то, чтобы представить нам искусство и художников как решающий вызов всем чрезмерно упрощенным взглядам. Возможно, косвенным образом искусство может быть своего рода руководством к тому, как жить и думать в «интересные времена». Он предлагает нам рассмотреть множество альтернатив и незнакомых точек зрения, а также выявить способы, которыми «порядок» превратился в одновременное присутствие различных порядков.

Выставка в Джардини
Выставка простирается от Центрального павильона (Джардини) до Арсенале и включает 79 участников со всего мира. Традиционное место проведения художественных выставок Ла Биеннале с момента первого выпуска в 1895 году, Джардини возвышается на восточной окраине Венеции и были построены Наполеоном в начале девятнадцатого века. Успех первых выставок (более 200 000 посетителей в 1895 г. и более 300 000 в 1899 г.) послужил толчком к строительству иностранных павильонов с 1907 г., которые были добавлены к уже построенному Центральному павильону. В настоящее время в Джардини размещается 29 павильонов зарубежных стран, некоторые из которых спроектированы известными архитекторами, такими как Австрийский павильон Йозефа Хоффмана, голландский павильон Геррита Томаса Ритвельда или финский павильон, предварительно изготовленный с трапециевидным планом, разработанный Альваром Аалто.

В рамках выставочной реорганизации площадок Ла Биеннале в 2009 году исторический Центральный павильон в Джардини стал многофункциональным и универсальным сооружением площадью 3500 квадратных метров, центром постоянной деятельности и ориентиром для других садовых павильонов. В нем размещены внутренние помещения, спроектированные всемирно известными художниками, такими как Массимо Бартолини (Образовательная зона «Зала F»), Риркрит Тиравания (Книжный магазин) и Тобиас Ребергер (Кафетерий).

Преобразование Центрального павильона в Многофункциональный сад завершилось в 2011 году реорганизацией выставочных пространств и вестибюля. С этого момента Центральный павильон может наслаждаться оптимальным пространством и микроклиматическими условиями для каждого из различных и многочисленных направлений, включая образовательные мероприятия, семинары и специальные проекты. Важной частью проекта восстановления было завершение реставрации зала Оттагонале, инициированное городским советом Венеции в 2006 году, с реставрацией картин внутри купола Галилео Кини в 1909 году и реставрацией декоративных систем стен и пола. На венецианской террасе. Зал, оборудованный всеми удобствами для приема публики,Таким образом, становится точкой опоры Павильона в виде монументального атриума, из которого можно попасть во все новые функциональные зоны.

Особенности

Часть IV.

Лара Фаваретто
Многогранная художественная практика Лары Фаваретто включает в себя скульптуру, инсталляцию и перформативные действия, и часто выражается через черный юмор и непочтительность. Пример можно найти в ее серии «Мгновенные памятники» (с 2009 г. по настоящее время), которые не предназначены для прославления какого-либо исторического события или для развития чувства национальной идентификации. Памятники Фаваретто менее идеологичны и более трагикомичны, они просто гниют, разрушаются и растворяются по-разному. Это требует огромных усилий, чтобы построить им памятник сам по себе, но тщетности человеческих усилий. Неявная шутка в работах Фаваретто заключается в том, что даже предметы, сделанные из самых стабильных материалов, призванные навсегда закрепить ценности и идеологии, в конечном итоге исчезают.

Антуан Катала
Антуан Катала создает новые игровые отношения между языком и реальностью. Исследуя недопонимание, он пытается раскрыть некоторые способы передачи значения через слова, знаки, тексты, смайлы, особенно через коммуникационные платформы. Своими текстовыми работами и скульптурными инсталляциями он обращает внимание на то, как, зачастую бездумно, на нас влияет не само сообщение, а способ его передачи.

У входа в Центральный павильон девять больших панелей, покрытых цветным силиконом, составляют работу «Все кончено» (2019). Когда воздух медленно откачивается из каждой панели, появляется рельефный текст, передающий неоднозначно обнадеживающие сообщения: «Не волнуйтесь», «Все кончено», «Все в порядке», «Все в порядке», «Эй, расслабься». , или изображение двух целующихся мишек Тедди. В Арсенале инсталляция «Атрофии сердца» (2018–2019) предлагает современный эквивалент средневекового ребуса, показывающий, что люди всегда находились в тесных, адаптивных и гибких отношениях с окружающими их знаками.

Мария Лобода
Непрерывное преобразование объектов и образов посредством их траекторий передачи и встречи лежит в основе практики Марии Лободы. Работы Лободы вызывают недоверие к якобы очевидному, но также приглашают нас подружиться с неуверенностью, которой они — и вещами, которыми мы окружены — обладают. Лобода интересуется тем, как на изображения влияют контексты, в которых они циркулируют, сформированные историей взглядов на них.

Рёдзи Икеда
Композитор и художник Рёдзи Икеда приближается к монументальному минимализму, часто переплетая разреженные акустические композиции с визуальными эффектами, которые принимают форму обширных полей информации, переданной в цифровом виде. Они объединяются, чтобы сформировать собственный обширный язык художника, который основан на алгоритмическом способе работы, в котором математика используется как средство для захвата и отражения окружающего нас мира природы.

Харис Эпаминонда
Харис Эпаминонда работает с найденными материалами, такими как скульптуры, керамика, книги или фотографии, которые она часто комбинирует, чтобы тщательно построить свои характерные инсталляции. Эти объекты опутаны паутиной исторических и личных значений, неизвестных публике и, возможно, ей тоже. Дело не в том, что она игнорирует эти истории: они неявны, они внутренне проявляют свою силу, в то же время мягко сгибаясь во что-то иное, осваиваясь в ее установках. Она выбирает их за их квалиа, их несводимые эмпирические качества, которые заставляют их сиять и становиться видимыми.

Николь Эйзенман
Отношения между историческим и настоящим, между публичностью и приватностью создают силу, стоящую за картинами и скульптурами Николь Эйзенман. Ее антенна для динамики современной жизни приводит ее к неумолимой истине о том, что мир по-прежнему наполнен злыми людьми, движимыми властью, обжорством, алчностью, кровожадностью и своей верой в деньги как ценность, которую нужно ставить выше всех остальных.

В своих скульптурных работах Эйзенман представляет эти силы как чудовищные, искаженные и искривленные, выпотрошенные и злокачественные. Ее непоколебимая приверженность деталям нашего момента, как видно из таких работ, как Weeks on the Train (2015), Morning Studio (2016) и Dark Light (2017), iPhone, джинсы, толстовки, ноутбуки, бейсболки и Использование ящиков для молока в качестве мебели прочно укореняет ее в почтенных традициях реализма и жанровых сцен: картины, в которых мембрана, отделяющая искусство от жизни, сделана настолько пористой, насколько это возможно.

Аугустас Серапинас
Августас Серапинас заинтересован в создании альтернативных точек зрения. Они способствуют большему разнообразию, чего часто не хватает институтам и миру искусства в целом … Он глубоко уважает творческий подход к творчеству, и его работы часто находят острое вдохновение в повседневной жизни. Даже в художественной школе в своем родном Вильнюсе Серапинас боролся с институциональными ограничениями, находя в Академии скрытое пространство, которое можно было использовать в качестве секретной студии, и создавая себе убежище в пещеристой водопроводной трубе, впадающей в реку Вильняле. В 2012 году, на последнем курсе Вильнюсской академии художеств, он заметил группу детей, использующих окружающее общественное пространство в качестве игровой площадки, и построил в своей студии конструкции для лазания, чтобы они могли открывать для себя свои игры и использовать их в своих играх.

Кэмерон Джейми
Кэмерон Джейми создавал работы в различных средствах массовой информации, от фотографий и видео до рисунков, керамики, скульптуры и фотокопий журналов. Однако работой, которая привлекла к нему наибольшее внимание в первые годы его карьеры, был фильм «Кранки Клаус» (2002–2003), посвященный альпийской рождественской традиции Крампуслауфа. В сельской австрийской деревне мужчины, одетые как рогатые звери, маршируют по улицам ночью, якобы в поисках детей и молодых женщин, которые, как утверждается, были непослушными. Звери Крампуса — это санкционированный культурой хореографический ритуал.

Майкл Э. Смит
Ощущение пост-человеческих призраков пронизывает скульптуры, инсталляции, видео и иногда картины Майкла Э. Смита. Художник обычно использует в своих работах предметы, которые можно найти на свалке или, в лучшем случае, в магазине секонд-хенд; это артефакты, которые имеют на своей поверхности свидетельства того, что они использовались, изношены и в конечном итоге сломаны человеческими руками. Сам факт того, что от них отказались, наполняет их едким пафосом, показывая их нелюбимыми, бессильными и преданными материальному чистилищу, в котором они отказываются деградировать или исчезнуть. В другом месте настоящие мертвые животные (или их части) входят в скульптурный словарь Смита, как бы подчеркивая смертоносное качество созданных руками человека объектов, с которыми они сочетаются.

Ad Minoliti
Для Ад Минолити метафизическая живопись является символом модернистской утопии и всего того, что она находила в ней укоризненного: репрессивности ее идеальности, консерватизма ее жестких структур и даже ее неявной бинарной логики в отношении идеи Жака Деррида, что Западное мышление основано на дуалистических противопоставлениях, таких как мужское и женское, рационально-эмоциональное или природа-культура. Ее художественное стремление состояло в том, чтобы создать альтернативное пространство репрезентации, чтобы противостоять этой модернистской позиции. Она нашла диалектического альтер-гомолога пространства метафизической живописи в воображаемом мире кукольного домика.

Кукольный домик, изобретенный в 17 веке, изначально создавался как педагогический инструмент, чтобы обучать девочек их роли в качестве домработниц, управляющих домом, воспитателей детей и помощников мужа, а мальчиков — о принятии этого разделения труда и философии. . Минолити присваивает эстетику кукольного домика и его реквизита, соединяет его с модернистскими образами, которые перекликаются с Кандинским, Пикассо или Матиссом, а затем разбирает его, скручивает, сдвигает и заново реконфигурирует.

Джон Рафман
Джон Рафман заметил, что в модернистских движениях преобладали утопические представления о будущем. Однако постмодернистское видение позднего капитализма стало антиутопическим. Чтобы исследовать этот сдвиг в представлениях о будущем, Рафман использует движущееся изображение и компьютерную графику, избегая радужного оптимизма, который иногда ассоциируется с новыми технологиями.

Артур Джафа
В течение трех десятилетий Артур Джафа развивал динамическую практику в таких средах, как кино, скульптура и перформанс. На протяжении всей своей карьеры он был увлечен специфически черными способами выразительности и проблемой того, как представить мир (визуально, концептуально, культурно, идиоматически) с позиции черного существа — во всей его радости, ужасе, красоте боль, виртуозность, отчужденность, сила и магия. Джафа собирает сетевые изображения, исторические фотографии, портреты, музыкальные видеоклипы, мемы и вирусные новостные ленты, чтобы подчеркнуть абсурдность и необходимость изображений в представлении о расе.

Нил Белуфа
Нил Белуфа, чья практика охватывает кино, скульптуру и инсталляции, провел большую часть последнего десятилетия, размышляя о том, что стоит на кону, когда человек постигает реальность и ее репрезентацию. Его практика отказывается занимать какую-либо авторитетную позицию; он одновременно резок в наблюдении и ненавязчив в том, что передает.

Художник постоянно удаляется от своих предложений, как бы говоря зрителю: «Теперь это ваша проблема, вы с ней справитесь». Например, для просмотра видеороликов Global Agreement (2018-2019) зритель должен сидеть на конструкциях, напоминающих тренажеры, которые неудобны и ограничивают их движения; одновременно конфигурация пространства означает, что каждый зритель может наблюдать, как все остальные наблюдают за другими: вы можете смотреть видео, но кто-то всегда наблюдает за вами.

Жанна Кадырова
Один из самых ярких аспектов искусства Жанны Кадыровой, включающий фотографию, видео, скульптуру, перформанс и инсталляцию, — ее эксперименты с формами, материалами и смыслом. Она часто использует дешевую плитку для мозаики в сочетании с тяжелыми строительными материалами, такими как бетон и цемент.

В версии Second Hand (с 2014 г. по настоящее время), представленной в Центральном павильоне, керамическая плитка из отеля в Венеции используется для изготовления предметов одежды и постельного белья. Для Market (2017-текущий, экспонируется в Арсенале), продуктового ларька, оборудованного всем необходимым уличному торговцу, она делает сосиски и салями из бетона и натурального камня, а также модные фрукты и овощи, бананы, арбузы, гранаты, баклажаны. массивная мозаика.

Ян Ченг
Ян Ченг использует методы компьютерного программирования для создания среды обитания, определяемой их способностями к мутации и развитию. Он разрабатывал «живые симуляции», живые виртуальные экосистемы, которые начинаются с основных запрограммированных свойств, но оставлены для саморазвития без авторского контроля или завершения. Это формат преднамеренного проявления чувства замешательства, беспокойства и когнитивного диссонанса, которые сопровождают переживание неумолимых изменений.

Самое последнее существо Ченга, БОБ (Сумка убеждений) (2018-2019), представленное в Центральном павильоне, представляет собой разновидность ИИ (искусственного интеллекта), личность, ценности и тело которого — напоминающие змею или коралл — постоянно растут. . Поведенческие модели и жизненный сценарий БОБа подпитываются взаимодействием с людьми, которые могут влиять на действия БОБа через приложение для iOS. Life After BOB: First Tract (2019), представленная в Arsenale, представляет собой своего рода «предварительный просмотр» повествовательной вселенной, сосредоточенной вокруг BOB.

Наири Баграмян
Наири Баграмян соединяет механические и антропоморфные формы, создавая сложные скульптурные объекты. Ее работа представляет скульптуру как гибридное существо. Объекты Баграмяна, не являющиеся ни полностью механическими, ни полностью телесными, трудно определить. Dwindlers, серия стеклянных придатков, выставленных вдоль внешнего коридора Арсенала, заставляет задуматься: «На что мы смотрим? Собрание поврежденных вентиляционных каналов или чудовищных кишок? Декоративный орнамент или разрушенная конструкция?».

В Центральном павильоне она демонстрирует «Maintainers» (2019), коллаж из взаимозависимых скульптурных элементов в плотно собранных группах (необработанный литой алюминий, плотно прижатый к восковым формам, которые поддерживаются пробковой балкой и лакированными скобами). Твердый и упорный, коллаж форм оживляет динамическое напряжение между материальной поддержкой и атакой — без пробки и лакированных скоб произведение потенциально может рухнуть.

Джули Мехрету
Ранние полотна Джули Мехрету относились к картам, архитектурным схемам и градостроительным сеткам; художник использовал множество векторов и обозначений, которые указывали на глобальную мобильность, а также на глобальное неравенство. Они головокружительно сложны и мастерски используют масштаб и негативное пространство; они передают ощущение скорости. В своих последних картинах она использует другой тип дезориентации, создавая работы, в которых аэрографические штрихи и трафаретные элементы добавляются и стираются, вызывая ощущение рассеянности и утраты. Хотя детали подмалеков больше не доступны зрителю в качестве графической информации, это исходное изображение все еще может регистрироваться на эмоциональном уровне, задавая тон завершенной картине.

Генри Тейлор
Описывая свою практику рисования как «ненасытную», Генри Тейлор использует в своих работах огромное количество предметов, от бедных до невероятно успешных. Будь то интимные портреты семьи и друзей или политически настроенные групповые сцены, объединяющие воедино разные географические регионы и истории, цель Тейлора — честно изобразить реальность опыта Блэка и зачастую несправедливые проявления американской жизни. Но, несмотря на его острый взгляд на несправедливость и частое включение историко-художественных ссылок, картины Тейлора не тяжелые; их смелые формы и блочные цвета сразу же привлекают внимание зрителя.

Джимми Дарем
Джимми Дарем также включает элементы письма и перформанса и чаще всего принимает форму скульптур, в которых разнообразные предметы повседневного обихода и природные материалы объединяются в яркие формы. Процесс производства, который Дарем называет «незаконными комбинациями с отвергнутыми объектами», можно рассматривать как воплощение подрывной позиции, которой пронизаны его произведения.

В Центральном павильоне Дарем демонстрирует «Черный змей», большую одноименную каменную плиту, окруженную каркасом из нержавеющей стали — полутонную массу, вызывающую своей неумолимой стойкостью. В Арсенале каждая скульптура, созданная из комбинации частей мебели, гладких промышленных материалов или использованной одежды, приближается к масштабу титульного животного, но получающиеся формы не являются портретами существ, а скорее поэтическими запутанными элементами, которые бросают вызов традиционным представлениям эпохи Просвещения. разделение между людьми и природой.

Рула Халавани
Призрачные образы Рулы Халавани запечатлели последствия периодического насилия, превратившего ее страну в зону боевых действий. Опираясь как на свой опыт фотожурналистики, так и на воспоминания о жизни в условиях израильской оккупации, Халавани ищет в уже незнакомом ландшафте исчезающие следы исторической Палестины. Посредством фотографии пространственные последствия оккупации отражаются не только через репрезентацию политических структур в застроенной среде, но более отчетливо в пустоте негативных пространств и призрачных иллюзиях.

Сохам Гупта
В своих призрачных портретах Сохам Гупта проливает свет на ночную жизнь Калькутты, показывая, как живут некоторые из самых уязвимых жителей города. В его серии Angst мы следим за этими ночными фигурами, когда они перемещаются по мирам, в которых они обитают, становясь яркими персонажами в воображении фотографа. Гупта считает свои портреты результатом совместного процесса, основанного на интимных взаимодействиях, в которых он и его подданные доверяют друг другу. Фотограф инстинктивно близок к тем, кто живет на периферии общества; он ходит среди них, отождествляя себя с их болью и борьбой.

Проведя время с каждым предметом, Гупта составляет биографические записи их историй. Фотографии Гупты наделяют бессильного выразительным агентством. Фотографии — это больше, чем документация о городе и его людях, они являются выражением психологического состояния, коренящегося в чем-то более важном. Чувство уязвимости и одиночества перемежается моментами радости и непосредственности. В то время как крики и боль агонии могут быть заглушены фотографическим изображением, фотографии Гупты ярко выражают различные оттенки человечности, которые можно увидеть только ночью.

Ли Бул
Выросшая как дочь левых активистов во время военной диктатуры Южной Кореи, Ли Буль испытала на себе последствия репрессивного режима в стране, переживающей стремительные экономические и культурные преобразования. Ее самые ранние работы, датируемые концом 1980-х, были уличными представлениями, для которых она шила и носила чудовищные костюмы «мягкой скульптуры», украшенные выступами и свисающими внутренностями. За ними последовали ее скульптуры киборгов в женских телах, превращенных в машины, образующие неполные гибриды без голов и конечностей. Они, в свою очередь, побудили ее исследовать идеи футуристических городских пейзажей, вдохновленные мечтами, идеалами и утопиями, воплощенными в японской манге и аниме, биоинженерии и фантастической архитектуре Бруно Таута (1880-1938).

Лара Фаваретто
Многогранная художественная практика Лары Фаваретто включает в себя скульптуру, инсталляцию и перформативные действия, и часто выражается через черный юмор и непочтительность. Пример можно найти в ее серии «Мгновенные памятники» (с 2009 г. по настоящее время), которые не предназначены для прославления какого-либо исторического события или для развития чувства национальной идентификации. Памятники Фаваретто менее идеологичны и более трагикомичны — они просто гниют, разрушаются и растворяются по-разному. Это требует огромных усилий, чтобы построить им памятник сам по себе, но тщетности человеческих усилий. Неявная шутка в работах Фаваретто заключается в том, что даже предметы, сделанные из самых стабильных материалов, призванные навсегда закрепить ценности и идеологии, в конечном итоге исчезают.

Лоуренс Абу Хамдан
Описывая себя как «частное ухо», Лоуренс Абу Хамдан сосредотачивается на политике слушания, правовом и религиозном влиянии звука, человеческого голоса и тишины. Его практика выросла из фона в музыке DIY, но в настоящее время она охватывает фильмы, аудиовизуальные инсталляции и живые аудио-эссе, термин, который он предпочитает «лекцию-выступление», поскольку он лучше описывает переплетение голоса и контента, а также дискурс и условия, в которых он произносится. Он рассматривает человеческий голос как политизированный материал, легко доступный правительствам или информационным компаниям.

Часть V

Тереза ​​Марголлес
Тереза ​​Марголлес направляет феминистские взгляды на жестокость наркомании, которая пронизывает ее родную страну Мексику. Изучив судебную медицину и соучредившая вдохновленный дэт-металом коллектив артистов SEMEFO, Марголлес на протяжении всей своей практики тематизировала правительственную халатность, социальные и экономические издержки криминализации наркотиков, а также конкретные текстуры, запахи и физические останки.

Сунь Юань и Пэн Юй
Пара художников Сунь Юань и Пэн Ю начали свое сотрудничество в 2000 году. В 2009 году они создали инсталляцию Сунь Юань Пэн Ю, автопортрет, описывающий отношения и динамику их художественного союза. Повторяющийся дымовой круг постоянно рассеивался метлой, приводимой в движение механической рукой, которая продолжала метать в воздухе; дым постоянно появлялся снова, только чтобы раствориться, когда метла ударила снова.

Для Сунь и Пэна момент встречи двух компонентов и растворение одного в другом символизировал момент совместного художественного творчества в их способе работы. Почти все инсталляции Сунь Юаня и Пэн Юй направлены на то, чтобы вызывать у зрителей чудеса и напряжение. Взгляд со стороны зрителей является неотъемлемым элементом их недавних работ, которые часто включают постановку устрашающих зрелищ.

Кристиан Марклай
Работы Кристиана Марклая созданы из уже существующих объектов, изображений и звуков, которые он присваивает и манипулирует. Его исследования взаимосвязи между звуком и изображением привели его к применению техники сэмплирования в голливудских фильмах. Он создавал монтаж клипов для формирования новых повествований и многоэкранных проекций.

Он использовал найденные объекты, изображения и звуки, собирал их вместе и пытался создать что-то новое и отличное от того, что было доступно. Быть полностью оригинальным и начинать с нуля всегда казалось бесполезным. Его больше интересовало то, что существовало и было частью моего окружения, чтобы разрезать это, скрутить, превратить во что-то другое; присвоить его и сделать своим с помощью манипуляций и сопоставлений.

Фрида Орупабо
Основная задача Фриды Орупабо — изображение черного женского тела, особенно в том, что касается обращения изображений в медиа-культуре. Она комбинирует найденные фотографии и изображения из своего личного архива для создания цифровых коллажей, исследующих темы расы, пола, идентичности, сексуальности, взгляда и колониального насилия. Орупабо, художник-самоучка и обученный социолог, изначально начала загружать и транслировать свои коллажи на платформы социальных сетей как средство получения исходного материала и вмешательства в бесконечный цикл изображений, которые создают черное женское тело, созданное историей искусства. колониализм, наука и популярная культура.

Сиприен Гайяр
Делая энтропию как созданного человеком, так и естественного своей главной заботой, Сиприен Гайяр резко критикует идею прогресса в своих видео, скульптурах, фотографиях, коллажах и публичном искусстве. Кочевой наблюдатель, Гайяр путешествует как по городам, так и по природным ландшафтам, ища признаки глубокого времени, встроенные в его среду. Он вносит внутрь фрагменты внешнего мира, образуя анахроничные сопоставления, сочетая образы разрушения и реконструкции, обновления и деградации.

Практика Гайяра — это визуальная археология разложения, будь то эрозия физических форм или социального и исторического значения. Часто сокращая время в своих работах, Гайяр борется с романтизмом руин, предлагая бескорыстный взгляд, через который остатки событий и мест можно понять через единую структуру циклического времени.

Дан Во
Эклектичный круг сотрудников Дан Во на Biennale Arte 2019 включает его бойфренда, племянника, отца и бывшего профессора. В инсталляциях Во история встречается с собственной биографией художника через заряженные символические объекты, такие как культурные иконы или поврежденные религиозные образы, а также буквальное и метафорическое участие членов его семьи и друзей.

Славяне и татары
Основанный в 2006 году, «Славяне и татары» начинали как книжный клуб и превратились в коллектив художников, чья многогранная практика, тем не менее, оставалась очень близкой к языку, как в прямом, так и в переносном смысле. Их работы, от скульптур и инсталляций до лекций и публикаций, представляют собой нетрадиционный исследовательский подход к культурному богатству и сложности географической области, заключенной между двумя символическими и физическими барьерами: бывшей Берлинской стеной и Великой китайской стеной. Эта огромная земля — ​​это место, где сталкиваются Восток и Запад, сливаясь и переопределяя друг друга.

Лю Вэй
Ранние работы Лю Вэя часто касались городской архитектуры, городских пейзажей и предметов повседневного обихода и представляли различные аспекты физического мира, используя повторяющуюся геометрическую схему в картинах и инсталляциях. На протяжении последних двух десятилетий он работал с великолепным ассортиментом материалов — от собачьих жеваний из бычьей шкуры до книг, от бытовых электронных устройств до китайского фарфора и выброшенных строительных материалов. Его недавние масштабные инсталляции напоминают о формальности и великолепии модернистских декораций, наполненных геометрическими формами и формами.

Апичатпонг Вирасетакул
Работы Апичатпонга Вирасетакула пропитаны социальной жизнью, разнородной культурой и бурной политикой его родного Таиланда, в то время как временные арены сна, сновидений и воспоминаний повторяются как пространства для исследования, освобождения и тихой подрывной деятельности. Эти предметы вплетаются в сложную игру света, звука и экрана Synchronicity (2018), созданную с японским художником Цуёси Хисакадо (1981, Япония) и продемонстрированную в Арсенале, в среде которого пороговые пространства Вирасетакула обретают физическую форму.

Две работы в Центральном павильоне знаменуют собой значительный сдвиг для Вирасетакула, который впервые работал за пределами Таиланда, в Колумбии, над своим текущим проектом Memoria. Топография Колумбии и ее шрамы от десятилетий гражданской войны имеют внутреннее сходство с Вирасетакул; травмы коллективной памяти являются неотъемлемой частью повседневной жизни, как и в Набуа.

Handiwirman Saputra
За последние десять лет Хандивирман Сапутра создал серию загадочных скульптур и картин под названием «Нет корней, нет побегов», вызванных случайными предметами, которые он находил в повседневной жизни. Толчком для некоторых из этих работ послужил участок реки возле его дома, где обнаженные корни бамбуковых рощ и деревьев были переплетены с бытовым мусором. Сапутра был заинтригован не только тем, что он там обнаружил, но и связями между ними.

Кеманг Ва Лехулере
Богато многослойная работа Кеманг Ва Лехулере побуждает посетителей собираться вокруг нее для совместного созерцания. Это представление о коллективе является ключом к более широкой практике художника: он стал художником, когда ему за двадцать, после многолетнего опыта работы в качестве активиста в Кейптауне. В 2006 году он основал Gugulective, художественную платформу для перформанса и социального вмешательства.

Обе инсталляции, выставленные в Арсенале и в Центральном павильоне, сделаны из вторичного дерева и металла со школьных парт и стульев. Каждый элемент в этих произведениях объединяется в паутину ассоциаций, ссылок и историй, потому что для Ва Лехулере личная биография и коллективная история неразрывны.

Гаури Гилл
Путешествуя дальше, Гилл увидел новые пригородные «колонии, существующие на пустоши из обломков, имитирующие английские замки с окружающими их самодельными домами рабочих-мигрантов». Ее архитектурный невозмутимость охватывает скопления разработчиков, торгующих недостижимыми мечтами; образовательные экспозиции о строительстве и строительстве; искусственные пальмы, посаженные среди настоящих деревьев; богиня, возглавляющая кондиционер; новое здание, покрытое порванной обшивкой, в процессе сноса на улице Махатмы Ганди; связки гниющего мусора у Гранд-Магистральной дороги; и повсюду безликие многоэтажки.

Майкл Армитаж
Картины Майкла Армитиджа, расположенные где-то между фантастической реальностью и политическим хаосом современной жизни, переплетают множество повествовательных нитей. Как острый наблюдатель сложной социальной динамики, он ниспровергает общепринятые коды репрезентации с помощью языка повествовательной живописи. Обостряя проблемы неравенства и политической неопределенности, живописная красота его ярких картин опровергает зловещую реальность, в которой столкновение роскошных деталей и ярких цветов дает представление о социальных нравах и политических идеологиях, которые управляют повседневной жизнью в Найроби.

Джесси Дарлинг
Скульптуры Джесси Дарлинга ранены, пугливы и неустойчивы, но они также полны жизни. Эти скромные сборки, сделанные из недорогих повседневных материалов, напоминают тела с необычной остротой; они также решительно немонументальны. Не имея возможности использовать большую часть своей правой руки из-за неврологического заболевания, Дарлинг был поражен унаследованными идеологиями и эйблистским мужеством, которые изначально сформировали их понимание скульптуры: идеями «тяжелой работы» и «жестов».

Кьенце Норбу
В работе Кьенце Норбу как художника и режиссера философские вопросы контекста играют центральную роль. Есть предположение, что понимание и интерпретация всегда открыты для изменений и что есть возможности для более широкого взгляда. Известный в буддийском мире как Дзонгсар Кьенце Ринпоче, Норбу — тибетский и бутанский лама, которого уважают за его учение и писательство.

Александра Биркен
Практика Александры Биркен построена вокруг человеческой формы. Ее работы включают необычный диапазон материалов: от промышленных изделий, таких как силикон, нейлоновые колготки, оружие и оборудование, до органических материалов, включая шерсть, кожу, ветки и сушеные фрукты. Лишенные своей прежней цели, они собраны в необычные и неудобные устройства, каждая из которых наполнена противоположными напряжениями.

В Центральном павильоне Биркен представляет шесть работ, в которых переплетаются темы пола, власти и уязвимости, животных и машин. Это работы, которые напоминают о нашей уязвимости, нашей физичности и о надменных инструментах, которые мы создаем, чтобы защитить себя извне и друг от друга. В Арсенале художники демонстрируют инстинктивную, апокалиптическую и динамичную инсталляцию ESKALATION (2016), антиутопический взгляд на то, как может выглядеть конец человечества.

Набуки
Набуки глубоко привержен исследованию эстетических и материальных аспектов скульптурных объектов; для художника важно, чтобы имитация природы была реализована посредством сборки произведенных объектов, чьи оригинальные качества точно сохранены: «Я хотел восстановить исходное состояние и свойства материалов, вместо того, чтобы нарушать их собственными руками. Это означает не показывать тщательно созданные произведения искусства в выставочном пространстве.Я также хотел создать среду, которая относится как к внешнему (внешнему), так и к внутреннему (внутреннему).

Все используемые здесь материалы носят декоративный характер, якобы имитирующий или стимулирующий некую реальность или питающий воображение эстетики: виртуальная эстетика, приятная и гостеприимная «. Может ли такое воссоздание реальности восприниматься как часть реальности, и вызывает ли это такой же эмоциональный резонанс у зрителей, как если бы они столкнулись с реальным? »Ее работы пытаются ответить на такие вопросы.

Шилпа Гупта
Шилпа Гупта работает над физическим и идеологическим существованием границ, раскрывая их одновременно произвольные и репрессивные функции. Ее практика опирается на промежуточные зоны между национальными государствами, этнорелигиозные разделения и структуры наблюдения — между определениями легального и незаконного, принадлежности и изоляции. Повседневные ситуации превращаются в лаконичные концептуальные жесты; как текст, действие, объект и инсталляция, посредством которых Гупта обращается к незаметным силам, которые диктуют нашу жизнь как граждан или лиц без гражданства.

Андра Урсута
Навязчивые компульсии и сильные желания; подчинение сексуальному и политическому доминированию; хрупкость человеческого существования; идентичность как конструкция и вымысел: вот некоторые из тем, лежащих в основе нигилистических и трагикомических сценариев, исследуемых в скульптурах и инсталляциях Андры Урсуны. Основываясь на парадоксе и иронии, художник использует политические события, клише и аллегории, а также личные воспоминания, пытаясь выявить и разрушить динамику власти, которая увековечивает ненадежные границы между нарушением и банальностью, безразличием и сопереживанием, отвращением и т. Д. юмор.

Кристина и Маргарет Вертхайм
Связанный крючком коралловый риф Кристины и Маргарет Вертхайм находится где-то между скульптурой и устройством для обучения, ботанической, биологической моделью. Такие трехмерные модели когда-то делались из стекла; в проекте Вертхаймса формы выполнены крючком. Пряжа, нитки, проволока, старая видеокассета, бусы, один стежок за другим — все постепенно соединяется, образуя серию коралловых рифов. Вязаный крючком коралловый риф, элегантный союз науки и искусства, отражает биографию близнецов: Маргарет, получившая образование физика, является признанным писателем в области науки; Кристин, поэтесса и бывший художник, является профессором критических исследований.

Однажды вечером 2005 года в гостиной сестер Вертхайм, глядя на шерстяные фигуры, разбросанные по кофейному столику, Кристина произнесла слова: «Мы могли бы связать коралловый риф крючком!». Маргарет разместила приглашение присоединиться к проекту в Интернете, и по почте стали появляться маленькие и большие модели, которые сочетались с формами, которые составляли сестры. В результате возникла экспансивная идея: вязаный крючком коралловый риф как нечто, что требует времени и воображения, а также неиерархического сотрудничества. На сегодняшний день более 10 000 участников вместе связали крючком более сорока спутниковых рифов в разных городах и странах.

Суки Сокён Кан
Сочетая живопись, скульптуру, видео и то, что художник назвал «активацией», многомерная практика Суки Сокён Кан сосредоточена на месте и роли человека сегодня. Кан опирается на аспекты корейского культурного наследия, а также на свою личную историю, чтобы переосмыслить идеологические структуры и представить себе политизированные арены, на которых уполномоченные заинтересованные стороны могут сформулировать и проявить свое влияние в пространстве-времени настоящего.

Отобонг Нканга
Ссылаясь на (часто насильственное) перемещение и обмен минералами, энергией, товарами и людьми, работа Отобонга Нканга является напоминанием о том, что объекты и действия не существуют изолированно: всегда есть связь, всегда есть воздействие. «Никто из нас не существует в статике», — сказал художник. «Идентичности постоянно развиваются. Африканские идентичности многочисленны. Когда я смотрю, например, на нигерийскую, сенегальскую, кенийскую, французскую или индийскую культуры, вы не можете говорить о конкретной идентичности, не говоря о колониальных последствиях и влиянии этого обмена. — торговли и товаров и культуры ».

Алекс да Корте
Иммерсивные работы Алекса Да Корте свидетельствуют об акте создания магнитного мира. Он ставит танец объектов, которые означают и подразумевают, но не являются этими вещами. Он рассказывает истории с помощью кодов и символов, в которых водоворот присваиваемой, собранной, инсценированной и обработанной Американы пронизан одновременно высокопарными и низкопробными культурными отсылками и находками из долларовых магазинов.

В Центральном павильоне зрители становятся гигантами, наблюдая, как люди живут своей тихой жизнью в домах The Decorated Shed (2019), точной копии миниатюрной пригородной американской деревни из популярного телесериала Mister Rogers ‘Neighborhood, представленного на федеральном канале. стол в стиле красного дерева, с добавлением вывесок корпоративной сети ресторанов. В «Арсенале» неоновый «каучуковый карандашный дьявол» превращает зрителей в миниатюру, когда они сидят на скамейках и смотрят огромные и перенасыщенные взрослые версии знакомых телепрограмм, в которых ряд персонажей исполняет гипнотически медленную хореографию.

Часть VI.

Халил Алтындере
Халил Алтындере исследует повседневную политику в своих видео, фотографиях, инсталляциях и картинах. Проницательный наблюдатель за социально-политическими механизмами и их посягательством на личность, он часто использует те самые средства, с помощью которых утверждается авторитет, а различия ограничиваются институтами национального государства. Удостоверения личности, почтовые марки, банкноты, первые полосы газет, милитаристские лозунги и фотографии политических лидеров используются для подрыва социальных или политических манипуляций и нормализации.

Происходя из курдов и выросший на пике турецко-курдского конфликта, Алтындере затрагивает пренебрежение и плохое обращение с меньшинствами в многочисленных работах. В последние годы Алтындере участвовал в глобальном кризисе беженцев в нескольких работах, в том числе в серии «Космический беженец» (2016), вдохновленной встречей художника с Мухаммедом Ахмедом Фарисом, первым и единственным космонавтом Сирии, который отправился в космос с советской командой в 1987 г.

Инь Сючжэнь
С начала 1990-х Инь Сючжэнь работает с переработанными материалами для создания амбициозных скульптур, наполненных социальными мотивами. Отражая чрезмерное развитие, потребление и глобализацию, которые в значительной степени определили Китай после 1989 года, в своих работах она объединяет мягкий текстиль с множеством предметов — часто резко контрастирующих текстур и коннотаций — таких как чемоданы, бетонные фрагменты, мусор, металлы и т. Д. промышленные объекты.

Кэрол Боув
Скульптура Кэрол Бове переворачивает четкие линии модернизма с ног на голову. Ее формальный синтаксис — искусный язык изгибов, вмятин, крутящих моментов, перегибов, складок, складок и других складок, оживляющих скульптурную поверхность. Художник назвал эти работы «скульптурами-коллажами» — видом деятельности, позволяющим разрешить продуктивное напряжение между промышленно сформированным и только что найденным, между устаревшим и недавно созданным.

Физическое трение ее материала оживляется смелой, конфетной палитрой красного, желтого, розового и зеленого цветов, которая динамично контрастирует с ее грубой необработанной сталью. Гладкая отделка ее банок с краской сочетается с грубой выцветшей материальностью найденных ею предметов. В этом режиме цвет поверхности создает иллюзию, что ее стальные трубы сделаны из мягкого, податливого вещества. Искусные повороты, складки и изгибы Бове требуют от зрителя кинестетического подхода: они заставляют тело, глаз и разум перемещаться, перемещаться и кружить в работе. Если бы эти объекты рассказывали историю, это было бы описание движения и давления, силы и мягкости.

Эйвери Сингер
Картины Эйвери Сингер исследуют пределы среды. Вместо того, чтобы рисовать кистями, она использует SketchUp, популярную среди архитекторов и инженеров программу трехмерного моделирования, для создания цифровых композиций, которые затем проецируются и наносятся на холст аэрографом. Изображая нейтральные в гендерном отношении лица и несексуальные формы, Зингер подчеркивает двусмысленность идентичности, сводя черты лица к серии линий, сеток и геометрических форм.

За последние два года Зингер добавила цвет в свою палитру гризайли. Конфетный «Колдер» («Субботняя ночь») (2017) вместе с группой картин, контрастирующих с приглушенными, полуабстрактными картинами, представленными в Центральном павильоне. Играя с ограничениями репрезентации, продолжающееся стремление Зингера расширить возможности живописи также борется с редуктивными теориями и предположениями о гендерной принадлежности художников.

Нджидека Акуньили Кросби
Картины Нджидеки Акуниили Кросби отражают ее опыт в качестве члена современной нигерийской диаспоры, изображая особую культурную и национальную идентичность, которая неизвестна многим, но мгновенно узнаваема для тех, кто пошел по тому же пути. Эмигрировав в Соединенные Штаты на учебу в подростковом возрасте, Акуниили Кросби уверенно движется (хотя, возможно, и не без внутренних трений) между различными эстетическими, интеллектуальными, экономическими и политическими контекстами, и именно столкновение и несовпадение этих контекстов придает ее картинам своеобразие. напряжение и острота.

Художница пишет портреты и домашние интерьеры, в которых обычно изображена она сама и ее семья. Эти сцены одновременно плоские и безгранично глубокие, с окнами и дверными проемами, открывающимися в другие пространства, в то время как пространства, описанные на этих картинах, неопределенны; некоторые детали — например, чугунный радиатор — указывают на холодный климат (например, в Нью-Йорке, где художник некоторое время жил), в то время как другие, такие как парафиновая лампа, установленная на столе, заимствованы из работы Акуньили Кросби. воспоминания о Нигерии.

Энтони Эрнандес
Фотографические работы Энтони Эрнандеса тяжелы и несентиментальны. В течение последних трех десятилетий фотографа беспокоил распространенный вопрос: как запечатлеть современные руины города и резкое воздействие городской жизни на его менее обеспеченных граждан? Эрнандес подошел к этому вопросу, сосредоточив внимание на том, что фотограф Льюис Бальц назвал «пейзажами побежденных» — лагерями для бездомных, бюро по трудоустройству, двориками для разрушения автомобилей, автобусными остановками и другими заброшенными местами на окраинах города. Ни романтика, ни ностальгия, работа Эрнандеса подробно описывает места и пространства, где обещание счастья капитализмом испортилось.

Занеле Мухоли
Занеле Мухоли, известный своей работой «Лица и фазы» (с 2006 г. по настоящее время), постоянно пополняющимся архивом портретов черных лесбиянок из Южной Африки, — это фотограф, который яростно борется с отключением звука и невидимостью. Предпочитая, чтобы его называли «визуальным активистом», а не художником, Мухоли является соучредителем Форума по расширению прав и возможностей женщин, а также Inkanyiso, платформы для квир-активности и визуальной активности.

Важность саморепрезентации занимает центральное место в Сомняма Нгоняма, «Да здравствует темная львица» (с 2012 г. по настоящее время), серии непримиримых автопортретов, которые художник намерен построить в 365 изображений года из жизни черной лесбиянки на Юге Африка. В серию входят работы, в которых художник вызывающе или прямо встречает взгляд зрителя, в Арсенале, и небольшие серебряно-желатиновые гравюры, где Мухоли избегает и расстраивает его, в Центральном павильоне.

Стэн Дуглас
Фильмы, видео, фотографии и кинематографические инсталляции Стэна Дугласа часто касаются того, что он называет «умозрительными историями», изображая поворотные моменты, когда события могли принять совсем другой оборот. Дуглас считает фотографии «похожими на фильмы без движущихся изображений» и создает их во многом так же, как сцену из фильма. Он воспроизводит определенные события, подвергая их долгому процессу исследования, прежде чем воссоздать их с помощью декораций, актеров и тщательного освещения.

Коракрит Арунанондчай
Работая между перформансом, видео и инсталляцией, Коракрит Арунанондчай создает зону, в которой переплетаются семья, суеверия, духовность, история, политика и искусство. Его взаимосвязанная серия с историей в комнате, заполненной людьми со смешными именами, началась в 2013 году. Повторяющийся центральный персонаж, вымышленный тайский художник, изображен в ситуациях, которые отражают взаимодействие между традиционными верованиями, природной средой и развитием технологий. политика и культура меняющегося Таиланда.

Скульптурная инсталляция, представленная в Центральном павильоне, представляет собой серию «пост-естественных» древовидных форм, а в Арсенале — трехэкранная инсталляция, созданная с Алексом Гвойичем (1984, США). Галереи одеты как пространство возможностей и встреч. Недавно он построил жуткие леса: среду обитания крысоподобных существ, которые могли пережить антропоцен.

Эд Аткинс
Эд Аткинс делает всевозможные изгибы автопортретов. Он пишет неприятные интимные, эллиптические пророчества, рисует ужасные карикатуры и делает реалистичные компьютерные видеоролики, в которых часто изображены мужские фигуры в муках необъяснимых психических кризисов. В Арсенале инсталляция «Старая еда» (2017–2019) наполнена историчностью, меланхолией и глупостью. Здесь Аткинс расширил свой эмоциональный ландшафт, добавив к автобиографической фигуре более широких вопросов и цитат.

На рисунках, составляющих Блум (пронумерованных от одного до десяти и показанных в Центральном павильоне), изображены тарантулы, высаживающиеся из робких рук или иным образом усаживающиеся на поставленную ногу, каждый со сморщенной головой Эда Аткинса там, где должно быть брюшко пауков. Оплетенное паукообразными волосами, лицо Аткинса ломает четвертую стену и пристально смотрит на нас с двойственным, сомнительно сознательным выражением лица.

Габриэль Рико
Можно сказать, что у Габриэля Рико как коллекционера выброшенных культурных ценностей, самопровозглашенного онтолога, опытного архитектора и исследователя человеческого опыта, связанного с тягой к животным, «голодные глаза». Его вопросы, исследования и коллекционирование приводят к пост-сюрреалистическому / Arte povera подходу, который добывает целый ряд материалов, от таксидермии и природных объектов до неоновых форм и других остатков рукотворных предметов. Это приводит к созданию скульптур, заставляющих задуматься, которые отражают взаимосвязь между окружающей средой, архитектурой и будущими руинами цивилизации.

Во всех работах Рико красота истории заключается в деталях. Компоненты отражают проблемы, стоящие перед конкретным регионом, Мексикой, и одновременно перекликаются с нашими общими глобальными проблемами. Рико рассматривает хрупкость пространства как формально, так и философски, представляя собой опасный момент, который наступил сейчас.

Аничка Йи
Дестабилизирующие границы между органическим и синтетическим, наукой и фантастикой, человеческим и нечеловеческим, разносторонние творения Аника Йи подкреплены тем, что художник описывает как «биополитику чувств». Новая работа Йи сосредоточена на недавних исследованиях «биологизации машины», поскольку она сосредотачивается на сенсориуме машины и размышляет о том, как можно установить новые каналы связи между объектами искусственного интеллекта (ИИ) и органическими формами жизни.

Халил Джозеф
Плавно перемещаясь между мейнстримом и музеем, художник и режиссер Калил Джозеф гибридная практика охватывает кино, визуальное искусство и культурные медиа. Его увлекательные фильмы и иммерсивные видеоинсталляции устраняют любую дихотомию между высокой и низкой культурой, между кино и современным искусством.

Андреас Лолис
Андреас Лолис создает объекты из мрамора. За последние несколько лет он создал серию напольных скульптур, имитирующих эфемерные объекты, которые он видел на углах улиц или скамейках в парке — гиперреалистичные мешки для мусора, картонные коробки и деревянные ящики. Многие из этих скульптур имеют признаки очевидного износа — их поверхности раздавлены или покрыты пятнами, сколы или сломаны. Воспроизводя обломки в высококлассной среде, он намеренно нарушает общепринятые системы ценностей и статуса. Лолис, который всю свою карьеру работал исключительно с мрамором, охарактеризовал свои отношения с материалом как религиозные. Его пристальное внимание к деталям означает, что каждый объект в натуральную величину способен почти полностью обмануть глаз.

Томас Сарасено
Исследования Томаса Сарасено подпитываются бесчисленными мирами. Его Общество арахнофилии, Фонд Aerocene, общественные проекты и интерактивные инсталляции исследуют устойчивые способы обитания в окружающей среде, объединяя дисциплины (искусство, архитектура, естественные науки, астрофизика, философия, антропология, инженерия) и чувствительность.

Во всех этих проектах Сарасено взаимодействует с формами жизни, которые существуют повсюду вокруг нас, и в эпоху экологических потрясений побуждает нас настраивать наши взгляды на другие виды и системы, будь то на микро или макро уровне, от колоний пауков до гравитационных. волны, и использовать гибридные и альтернативные способы обитания на нашей общей планете.

Мария Лобода
Непрерывное преобразование объектов и образов посредством их траекторий передачи и встречи лежит в основе практики Марии Лободы. Работы Лободы вызывают недоверие к якобы очевидному, но также приглашают нас подружиться с неуверенностью, которой они — и вещами, которыми мы окружены — обладают. Лобода интересуется тем, как на изображения влияют контексты, в которых они циркулируют, сформированные историей взглядов на них.

Тарек Атуи
Объединяя музыку и современное искусство, практика Тарека Атуи расширяет представления о слушании посредством совместных звуковых перформансов. Под влиянием наследия открытых форм, представленных художниками в 1960-х годах, которые расширили понимание музыки и приблизили ее к сфере визуального искусства, Атуи создает и координирует сложные среды для развития звука. Через свои инсталляции, перформансы и коллаборации он ломает ожидаемые представления о перформансе как для исполнителя, так и для аудитории, предлагая мультимодальные способы переживания: визуальный, слуховой и соматический.

Антея Гамильтон
В творчестве Антеи Гамильтон присутствует чувство отчужденности. Винтажные отсылки из популярной культуры, моды и дизайна открываются в иммерсивную среду и сверхъестественные объекты, их первоначальный смысл опорожняется и трансформируется в ее скульптурах и инсталляциях. Временные расстояния от искусства и культуры прошлых десятилетий могут вводить в заблуждение: по прошествии времени некоторые упоминания могут стать праздничными, китчевыми и даже нейтральными.

В работах Гамильтона переосмысляются безобидные элементы моды и дизайна. В своих предыдущих работах она позаимствовала у исторических дизайнеров, знаменитостей и знаковых модных тенденций, чтобы усилить их значение, а также вывернуть их наизнанку. Провокации возникают из-за повторения и развертывания пустоты и поверхности. Результат почти клаустрофобный, подавляющий желания, которые раскрывают преобразования Гамильтона.

Йеппе Хайн
Модифицированные социальные скамейки Jeppe Hein поощряют исследования и эксперименты с помощью различных занятий, от игры до отдыха. Они являются контрреакцией на любой архитектурный инструмент, который диктует движение тел в пространстве. Для Джардини художник создал набор из четырех скамеек, которые, кажется, растут из голубых лагун, петляя в воздухе, как рельсы игрушечного поезда. Модифицированные социальные скамейки для Венеции (2019), расположенные на лужайке между павильонами Бразилии, Польши и Румынии, создают пространство для социального взаимодействия и призывают к замедлению.

Другие средства

Национальные павильоны в Джардини
Наряду с сегодняшним Центральным павильоном, первое ядро ​​которого было построено в 1894 году и с тех пор несколько раз расширялось и реставрировалось, в большом парке было построено 29 павильонов, построенных в разное время странами-участницами. Окруженные зеленью парка, павильоны представляют собой антологию высокой ценности в архитектуре 20-го века, созданную по имени многих руководителей, в том числе Аалто, Хоффманна, Ритвельда, Скарпа и Стерлинга.

Библиотека биеннале
Библиотека Ла Биеннале с 2009 года является неотъемлемой частью Центрального павильона Джардини. Реставрация завершилась в 2010 году открытием большого читального зала, окруженного двухуровневой галереей, на которой разложено более 800 метров полок. Читальный зал также используется для проведения конференций и семинаров.

Библиотека специализируется на современном искусстве, уделяя особое внимание документации и углублению деятельности Фонда, сохраняя все каталоги мероприятий Биеннале и собирая библиографические материалы, относящиеся к дисциплинам архитектуры, изобразительного искусства, кино, танцев, фотографии, музыки, театра. . Благодаря книжному наследию, насчитывающему более 151 000 томов и 3 000 периодических изданий, это одна из ведущих библиотек современного искусства в Италии.

Наследие библиотеки, происходящее из книжного архива ASAC, постоянно развивается и обновляется за счет покупок, пожертвований и, прежде всего, обменов с основными учреждениями, занимающимися производством, исследованием и сохранением современного, национального и международного искусства. С 2009 года через Книжный павильон Библиотека также принимает и приобретает тома, подаренные художниками и архитекторами, участвующими в художественных выставках и архитектурных выставках. Книги, собранные благодаря этому проекту, реализованному Фондом Ла Биеннале, являются результатом постоянного сотрудничества с директорами выставки искусства и архитектуры.

Книжный магазин
Библиотека Джардини, спроектированная художником Риркритом Тираванией, представляет собой небольшое практичное пространство без лишних деталей и украшений.

Кафетерий
Спроектированный Тобиасом Ребергером и раскрашенный в соответствии с особым изобразительным стилем Razzle Dazzle (особенно используемым на военных кораблях во время Первой мировой войны), кафетерий — это место, где можно сесть, чтобы перекусить и позволить себе (приятно) дезориентироваться. плести геометрические формы контрастных цветов, которые прерываются и пересекаются, создавая сложный и живой оптический узор.

Кафетерий-произведение искусства, дизайн которого для создания Was du liebst, servet dich auch zum Weinen наградил Ребергера Золотым львом как лучший художник на La Biennale Arte 2009.

Венецианская биеннале 2019
58-я Венецианская биеннале — международная выставка современного искусства, проходившая с мая по ноябрь 2019 года. Венецианская биеннале проводится раз в два года в Венеции, Италия. Художественный руководитель Ральф Ругофф курировал ее центральную выставку «Живи в интересные времена», а 90 стран представили национальные павильоны.

Венецианская биеннале — это международная биеннале искусства, проводимая в Венеции, Италия. Участие в биеннале, которое часто называют «Олимпиадой мира искусства», является престижным событием для современных художников. Фестиваль превратился в созвездие шоу: центральная выставка, курируемая художественным руководителем того года, национальные павильоны, организованные отдельными странами, и независимые выставки по всей Венеции. Материнская организация Биеннале также регулярно проводит фестивали других видов искусства: архитектуры, танца, кино, музыки и театра.

Помимо центральной международной выставки, отдельные страны проводят свои собственные шоу, известные как павильоны, как свое национальное представительство. Страны, владеющие своими павильонами, такими как 30 домов на Джардини, также несут ответственность за свои расходы на содержание и строительство. Нации без специальных построек создают павильоны в Венецианском Арсенале и палаццо по всему городу.

Венецианская биеннале была основана в 1895 году. Паоло Баратта был ее президентом с 2008 года, а до этого с 1998 по 2001 год. Ла Биеннале, которая стоит в авангарде исследований и продвижения новых тенденций современного искусства, организует выставки, фестивали и исследования во всех отраслях: искусство (1895 г.), архитектура (1980 г.), кино (1932 г.), танец (1999 г.), музыка (1930 г.) и театр (1934 г.). Его деятельность задокументирована в Историческом архиве современного искусства (ASAC), который недавно был полностью отремонтирован.

Во всех секторах появилось больше возможностей для исследований и производства, адресованных молодому поколению художников, напрямую контактирующих с известными учителями; это стало более систематическим и непрерывным благодаря международному проекту «Колледж биеннале», который теперь проводится в секциях танцев, театра, музыки и кино.