ヴェネツィア・ビエンナーレ 2019、イタリア、ジャルディーニでの展示

ラルフ・ルゴフ監督の第58回国際美術展は、2019年5月11日から11月24日まで開催されました.不確実性、危機および混乱の時期; まさに今を生きる私たちの「面白い時代」。

この展覧会は、いつものように、ジャルディーニ・ディ・カステッロとアルセナーレという2つの主要な史跡で上演されますが、ヴェネツィア中の有名な会場も含まれており、そこでは多くの国の代表者が主催し、展示会や付随イベントが開催されます.世界のすべての未来は、79 の国と地域の参加を含む、庭園の中央パビリオンからアルセナーレに至るまで、大きく統一された展示経路を形成しています。

この展覧会のタイトル「興味深い時代」は、挑戦的または「脅威的な」時代のアイデアを呼び起こしますが、それは単に、複雑さの中で人間の出来事のコースを常に見て、検討するための招待状でもあります.これは、順応主義や恐怖によって引き起こされる過度の単純化が蔓延しているように見えることがあまりにも多い時代に特に重要であるように思われる.

May You Live in Interesting Times には、「戦後秩序」の主要な伝統、制度、関係に対するさまざまな脅威を含む、今日の存在の不安定な側面を反映した作品が含まれています。しかし、最初に、芸術は政治の領域で力を発揮しないことを認めましょう。たとえば、芸術は、世界のさまざまな地域での民族主義運動や権威主義政府の台頭を食い止めることはできず、世界中の避難民の悲劇的な運命を緩和することもできません。

第58回国際美術展は、芸術を作るための一般的なアプローチと、喜びと批判的思考の両方を受け入れる芸術の社会的機能の見方に焦点を当てています.この展覧会は、既存の思考の習慣に挑戦し、オブジェクトやイメージ、ジェスチャー、状況の読み方を開くアーティストの作品に焦点を当てています。

この種の芸術は、複数の視点を楽しませる実践から生まれます。つまり、一見矛盾し相容れない概念を念頭に置き、世界を理解するためのさまざまな方法を巧みに操るということです。このように考えるアーティストは、いわゆる事実の意味に代わるものを提供し、それらを結び付け、文脈化する他の方法を提案します。彼らの作品は、無限の好奇心と鋭いウィットによって活気づけられており、疑問の余地のないカテゴリー、概念、主観性すべてに偏見を持たないように私たちに促します。

アートの展覧会は、何よりもまず、私たちにアートとアーティストを提示することを意図しているのであれば、過度に単純化された態度に対する決定的な挑戦として私たちに注目する価値があります. 間接的に言えば、アートは「面白い時代」の生き方や考え方の一種のガイドになり得るのかもしれません。それは、複数の選択肢と見慣れない視点を考慮し、「秩序」が多様な秩序の同時に存在するようになった方法を認識することを私たちに促します。

ジャルディーニの展覧会
展示会は中央パビリオン (ジャルディーニ) からアルセナーレまで展開され、世界中から 79 人の参加者が参加します。 1895 年の初版以来、ラ ビエンナーレ美術展の伝統的な場所であるジャルディーニは、ヴェネツィアの東端に位置し、19 世紀初めにナポレオンによって作られました。最初の版 (1895 年には 200,000 人以上、1899 年には 300,000 人以上の訪問者) の成功により、1907 年以降、外国のパビリオンが建設され、すでに建設されたセントラル パビリオンに追加されました。ジャルディーニには現在、外国の 29 のパビリオンがあり、その一部はヨーゼフ ホフマンのオーストリア パビリオン、ヘリット トーマス リートフェルトのオランダ パビリオン、アルヴァ アアルトが設計した台形プランで事前に製作されたフィンランド パビリオンなどの有名な建築家によって設計されています。

ラ ビエンナーレ会場の展示再編成の一環として、2009 年にジャルディーニの歴史的なセントラル パビリオンは、3,500 平方メートルの多機能で用途の広い構造となり、常設活動の中心であり、他のガーデン パビリオンのランドマークとなりました。マッシモ バルトリーニ (教育エリア「サラ F」)、リクリット ティラヴァニヤ (書店)、トビアス レーバーガー (カフェテリア) などの国際的に有名なアーティストによって設計されたインテリア スペースがあります。

2011年に展示スペースとエントランスホールの再編を行い、中央館から多機能庭園へと変貌を遂げました。それ以来、セントラル パビリオンは、教育活動、ワークショップ、特別プロジェクトなど、さまざまな目的地ごとに最適なスペースと微気候条件を楽しむことができます。回復プロジェクトの重要な部分は、2006 年にヴェネツィア市議会によって開始されたオッタゴナーレ ホールの修復の完了と、1909 年のガリレオ チニ ドーム内の絵画の修復、および装飾的な壁と床のシステムの修復で構成されました。ベネチアンテラスにて。公共のレセプションのためのすべてのサービスを備えたホール、したがって、すべての新しい機能領域に到達できる記念碑的なアトリウムの形でパビリオンの支点になります。

ハイライト

パート IV

ララ・ファヴァレット
ララ ファヴァレットの多面的なアートの実践には、彫刻、インスタレーション、パフォーマティブ アクションが含まれ、ブラック ジョークや不遜な表現で表現されることがよくあります。一例が彼女のシリーズ Momentary Monuments (2009-ongoing) に見られますが、これはいかなる歴史的出来事を美化することも、国民的アイデンティティの感情を助長することも意図していません。ファヴァレットのモニュメントは、イデオロギー的ではなく、より悲劇的なものであり、単に腐敗し、崩壊し、さまざまな方法で溶解します。これは、それ自体が記念碑を建設するための途方もない努力をしますが、人間の努力の無駄です。ファヴァレットの作品にある暗黙のジョークは、価値とイデオロギーを永遠に固めることを意図した、最も安定した素材で作られたオブジェクトでさえ、最終的には消えるということです。

アントワーヌ・カタラ
アントワーヌ・カタラは、言語と現実の間に新しく遊び心のある関係を作り出します。彼は、コミュニケーションのミスを探り、特にコミュニケーション プラットフォーム全体で、言葉、記号、テキスト、絵文字を介して意味が伝達される方法のいくつかを発見しようとしています。彼のテキスト作品と彫刻のインスタレーションを通して、彼はメッセージ自体ではなく、メッセージが伝達される方法が私たちにどのように影響を与えるか、しばしば無意識のうちに注意を向けます。

セントラル パビリオンの入り口にある、カラー シリコンで覆われた 9 つの大きなパネルは、作品「イッツ オーバー」(2019)を構成しています。各パネルからゆっくりと空気が排出されると、エンボス加工されたテキストが現れ、あいまいながらも安心できるメッセージを送信します: 「心配しないで」、「終了です」、「すべては大丈夫です」、「Tutto va bene」、「Hey、リラックス」 、または 2 つのテディベアがキスするイメージ。Arsenale のインスタレーション The Heart Atrophies (2018-2019) は、中世のリバスに相当する現代版を提案し、人間が常に周囲の兆候と密接で適応的で柔軟な関係にあったことを示しています。

マリア・ロボダ
伝達と遭遇の軌跡を通じて、オブジェクトとイメージの継続的な変換は、マリア ロボダの実践の中心にあります。ロボダの作品は、明白であると思われるものへの不信感を引き起こしますが、同時に、それらが持つ不確実性と私たちを取り巻くものとを友達にするように促します。ロボダは、画像が循環するコンテキストによって影響を受ける方法に興味を持っています。また、それらを注視する歴史によって形作られています。

池田亮司
作曲家兼アーティストの池田亮司の実践は、途方もないミニマリズムにアプローチし、疎な音響構成と、デジタルでレンダリングされた情報の広大なフィールドの形をとるビジュアルをしばしば織り交ぜています。これらが統合されて、アーティスト自身の拡張言語が形成されます。この言語は、私たちの周りの自然界を捉えて反映する手段として数学を利用するアルゴリズム的な方法に依存しています。

ハリス・エパミノンダ
Haris Epaminonda は、彫刻、陶器、本、写真などの見つけた素材を使用して作品を制作し、彼女の特徴的なインスタレーションを慎重に構築するためにそれらを組み合わせることがよくあります。これらのオブジェクトは、一般の人々やおそらく彼女にとっても未知の歴史的および個人的な意味の網に絡まっています。彼女がこれらの物語を無視しているわけではありません。それらは暗黙的であり、本質的に力を発揮し、彼女のインスタレーションに定着するにつれて、別の何かに柔らかく曲がります。彼女は彼らのクオリア、つまり彼らを輝かせて目に見えるようにする還元不可能な経験的資質のためにそれらを選びます。

ニコール・アイゼンマン
歴史と現在、公共性とプライバシーの間の反響が、ニコール アイゼンマンの絵画や彫刻の背後に力を与えています。現代生活のダイナミクスに対する彼女のアンテナは、世界は依然として権力、大食い、貪欲、血への渇望、そしてお金を他の何よりも価値のあるものとする信念に駆り立てられた邪悪な男で満ちているという容赦ない真実に彼女を導きます。

彼女の彫刻作品の中で、アイゼンマンはこれらの力を巨大で、歪んでねじれて、内臓で癌性であると表現しています。Weeks on the Train (2015)、Morning Studio (2016)、Dark Light (2017)、iPhone、ジーンズ、パーカー、ラップトップ、野球帽、家具としての牛乳箱の使用は、リアリズムとジャンルのシーンの由緒ある伝統にしっかりと彼女を置きます.芸術と生活を隔てる膜が可能な限り多孔質になっている写真.

オーガスタス・セラピナス
オーガスタス・セラピナスは、オルタナティヴな視点の創造に興味を持っています.彼らは、より多くの多様性を生み出します.日常にある心に響くインスピレーション。セラピナスは、故郷のヴィリニュスの美術学校でさえ、制度的な制限に反対し、アカデミー内に秘密のスタジオとして使用する隠しスペースを見つけ、ヴィルネレ川に注ぐ洞窟のような水道管に自分用のボルトホールを作りました。ヴィリニュス芸術アカデミーでの彼の最後の年となった 2012 年に、彼は周囲の公共スペースを遊び場として使用している子供たちのグループに気づき、スタジオ内にクライミング構造を構築して、彼らが発見してゲームに組み込むことができるようにしました。

キャメロン・ジェイミー
キャメロン ジェイミーは、写真やビデオから、ドローイング、セラミック、彫刻、コピーされた Zine まで、さまざまなメディアで作品を制作してきました。しかし、彼のキャリアの初期に最も大きな注目を集めた作品は、クランキー・クラウス (2002-2003) であり、クランプスラフのアルパイン・クリスマスの伝統を記録したビデオでした。オーストリアの田舎の村では、角のある獣に dressした男たちが夜道を through mar marし、いたずらしたとされる子供や若い女性を探していると思われる. クランプスの獣は、振付された文化的に認可された儀式です。

マイケル・E・スミス
マイケル E. スミスの彫刻、インスタレーション、ビデオ、時折の絵画には、ポストヒューマンの幽霊のような感覚が浸透しています。アーティストは通常​​、ゴミ捨て場や、せいぜい中古店で見つけられるような種類のオブジェクトを作品に使用します。これらは、人間の手によって使用され、磨耗し、最終的に壊れた形跡を表面に示すアーティファクトです。彼らが捨てられたという事実自体が、彼らに忌まわしき悲哀を吹き込み、彼らが愛されておらず、無力であり、堕落したり姿を消したりすることを拒否する物質的な煉獄に預けられていることを明らかにします。他の場所では、実際の死んだ動物 (またはそれらの一部) がスミスの彫刻的な語彙に入り、それらが組み合わされた人工物の死の質を強調するかのようです。

アド・ミノリティ
Ad Minoliti にとって、形而上絵画は、モダニズムのユートピアとその中で非難されるべきものすべての象徴です。西洋の考え方は、男性と女性、理性と感情、自然と文化などの二元論的な対立に基づいています。彼女の芸術的努力は、このモダニズムのスタンスに対抗するために、代替の表現空間を作り出すことでした。彼女は、ドールハウスの想像上の世界に形而上絵画の空間の弁証法的代替同族列を見つけました。

17 世紀に発明されたこのドールハウスは、当初は家庭教師、家業管理者、子供を産む人、夫の支援者としての役割を女の子に教え、男の子にはこの分業と哲学を受け入れる教育ツールとして作成されました。 . ミノリーティは、ドールハウスとその小道具の美学を流用し、カンディンスキー、ピカソ、またはマティスを反映したモダニズムのイメージと組み合わせて、それを分解し、ねじり、シフトし、新たに再構成します。

ジョン・ラフマン
モダニズム運動では、ジョン・ラフマンが観察した、未来のユートピア的なビジョンが蔓延していた. しかし、後期資本主義のポストモダンのビジョンは、暗黒郷になっている。未来の概念におけるこの変化を探求するために、ラフマンの作品は動画とコンピューターで生成されたグラフィックスを採用し、新しいテクノロジーに時々関連するバラ色の楽観主義を避けています。

アーサー・ジャファ
アーサー ジャファは 30 年にわたり、映画、彫刻、パフォーマンスなどのメディアを横断してダイナミックな実践を発展させてきました。彼のキャリアを通じて、彼は特に黒人の表現方法に投資してきました.また、黒人の立場から世界を(視覚的、概念的、文化的、慣習的に)どのように表現するかという課題に投資してきました。痛み、巧妙さ、疎外感、力、魔法。Jafa は、ネットワーク ベースの画像、歴史的な写真、現地の肖像画、ミュージック ビデオ、ミーム、バイラル ニュース映像を集めて、人種の不安における画像の不条理と必要性を強調しています。

ニール・ベロファ
映画、彫刻、インスタレーションにまたがるニール ベロファは、過去 10 年間の大半を費やして、現実とその表現を理解するときに何が危険にさらされているかを考えてきました。彼の慣習は、いかなる権威の地位も採用することを拒否します。それは観察においてシャープであり、それが伝えるものにおいて邪魔にならない.

芸術家は、まるで視聴者に「これはあなたの問題だ、あなたが対処する」と言うかのように、彼の命題から常に自分自身を削除します。たとえば、グローバル契約 (2018-2019) のビデオを見るために、視聴者はジムの設備を連想させる構造に座らなければならず、不快で動きが制限されます。同時に、空間の構成は、各視聴者が他のすべての視聴者を観察できることを意味します。あなたはビデオを見ているかもしれませんが、常に誰かがあなたを見ています。

ジャンナ・カディロワ
写真、ビデオ、彫刻、パフォーマンス、インスタレーションを含むジャンナ・カディロヴァの芸術の最も印象的な側面の1つは、形、素材、意味の実験です。彼女は、モザイクに安価なタイルを使用し、コンクリートやセメントなどの重量のある建設資材と組み合わせて使用​​することがよくあります。

セントラル パビリオンに展示されている Second Hand のバージョン (2014 年から継続中) は、ベニスのホテルで使用されていたセラミック タイルを再利用して、衣類やリネン類を作ります。ストリート トレーダーが必要とするすべてを備えた屋台マーケット (2017 年から継続中、Arsenale に展示) のために、彼女はコンクリートと天然石でソーセージとサラミを作り、果物や野菜、バナナ、スイカ、ザクロ、au fashion子などを作ります。分厚いモザイク。

イアン・チェン
Ian Cheng は、コンピューター プログラミングの手法を使用して、突然変異および進化する能力によって定義される生活環境を作成します。彼は「ライブ シミュレーション」を開発していました。これは、プログラムされた基本的なプロパティから始まりますが、権威の制御や終了なしに自己進化するままにされている生きた仮想エコシステムです。それは、容赦ない変化の経験に伴う混乱、不安、認知的不協和の感情を意図的に行使する形式です。

チェンの最新の生き物である BOB (Bag of Beliefs) (2018-2019) は、セントラル パビリオンに展示されており、その性格、価値観、身体 (ヘビやサンゴを連想させる) は継続的に成長しています。 . BOB の行動パターンとライフ スクリプトは、iOS アプリを介して BOB の行動に影響を与えることができる人間との相互作用によって支えられています。Life After BOB: First Tract (2019) は、Arsenale で発表され、BOB を中心とした物語の世界への一種の「プレビュー」として機能します。

ナイリー・バグラミアン
Nairy Baghramian は、機械的な形と擬人化された形を融合させて、複雑な彫刻のようなオブジェクトを作成しています。彼女の作品は、彫刻をハイブリッドな生き物として描いています。完全に機械的でも完全に肉体的でもなく、バグラミアンのオブジェクトを特定するのは困難です。アルセナーレの外廊下に展示された一連のガラス製の付属物であるドウィンドラーは、「私たちが見ているのは何ですか? 破損した換気ダクトまたは巨大な腸のコレクション? 装飾的な装飾品か、それとも破滅的な構造物ですか?」という質問を強制します。

中央パビリオンで、彼女はメンテナー (2019) を展示しています。これは、しっかりと組み立てられたグループ (コルクバーとラッカー仕上げの支柱で支えられたワックスの形に生の鋳造アルミニウムをしっかりと押し付けた) の相互依存する彫刻要素のコラージュです。堅固で頑固なフォームのコラージュは、素材のサポートと攻撃の間の動的な緊張をアニメーション化します.コルクとラッカーのブレースがなければ、作品は潜在的に崩壊する可能性があります.

ジュリー・メレトゥ
Julie Mehretu による以前のキャンバスは、地図、建築図、都市計画グリッドに言及していました。アーティストは、グローバルな移動性とグローバルな不公平性を示す一連のベクトルと表記法を使用しました。彼らは目がくらむほど複雑で、スケールとネガティブ スペースの使い方に長けています。それらは速度感を伝えます。彼女の最新の絵画では、異なるタイプの見当識障害を取り入れており、エアブラシによるストロークとスクリーン印刷の要素が追加および消去され、散逸と喪失感を呼び起こします。視聴者は下絵の詳細を絵の情報として利用することはできませんが、このソース画像は感情的なレベルで記録する能力があり、完成した絵のトーンを設定します。

ヘンリー・テイラー
ヘンリー テイラーは、彼の絵画の実践を「貪欲」と表現し、貧困層から目を見張るような成功者まで、多種多様な主題を作品に取り入れています。家族や友人の親密なポートレート、または異なる地理や歴史をつなぎ合わせた政治的に影響を受けたグループのシーンを通して、テイラーの目的は、黒人の経験の現実と、アメリカの生活のしばしば不吉な働きを正直に描くことです. しかし、彼の不正に対する鋭い眼差しと、美術史への言及が頻繁に組み込まれているにもかかわらず、テイラーの写真は重くありません。大胆なフォルムとブロックカラーが即座に引き込まれ、見る者を魅了します。

ジミー・ダーラム
ライティングとパフォーマンスの要素も取り入れたジミー ダーラムの作品は、多くの場合、さまざまな日用品や自然素材を鮮やかな形に組み合わせた彫刻の形をとっています。ダーラムが「拒否されたオブジェクトとの違法な組み合わせ」と呼んでいる制作プロセスは、彼の作品に満ちている破壊的な態度の具体化とみなすことができます。

セントラル パビリオンでは、ダーラムはブラック サーペンタインを展示しています。これは、ステンレス鋼のフレームに囲まれた大きな岩の板であり、その固執する不屈の精神に反抗する半トンの質量です。Arsenale では、家具の部品、滑らかな工業材料、または古着の組み合わせから作られた各彫刻は、名高い動物のスケールに近似していますが、結果として生じる形は、存在の肖像画ではなく、伝統的な啓蒙主義の概念に挑戦する詩的な絡み合いです。人間と自然の分離。

ルラ・ハラワニ
Rula Halawani の幽霊のような写真は、彼女の国を戦争地帯に変えた定期的な暴力の余波を捉えています。フォトジャーナリストとしての経歴とイスラエル占領下の生活の思い出の両方を利用して、ハラワニは、今では見慣れない風景を探索し、歴史的なパレスチナの色褪せの痕跡を探します。写真という媒体を通じて、占領の空間的意味は、構築された環境における政治的構造の表現を通してだけでなく、否定的な空間の空虚と陰鬱な幻想においてより明確に反映されます。

ソハム・グプタ
ソハム グプタは、幽霊のような肖像画の中で、コルカタのナイトライフに光を当て、街の最も脆弱な住民の一部がどのように生活しているかを明らかにしています。彼のシリーズ「Angst」では、彼らが住む世界を動き回るこれらの夜行性の人物を追い、写真家の想像力の中で鮮やかなキャラクターになります。グプタは、自分と被写体が互いに打ち明け合う親密な相互作用から引き出された、共同作業のプロセスの結果として自分の肖像画を描いていると考えています。写真家は、社会の端にいる人々に本能的に親近感を抱いています。彼は彼らの間を歩き回り、彼らの痛みや葛藤に気づきます。

各主題に時間を費やした後、Gupta は彼らのストーリーを伝記的に説明します。グプタの写真は、無力な人に表現力を吹き込みます。写真は、都市とその人々の記録以上に、より本質的な何かに根ざした心理状態の表現です。脆弱性と孤独感は、喜びと自発性の瞬間によって中断されます。写真によって苦悩の叫びや苦しみが静まり返る一方で、グプタの写真は、夜にしか見ることのできない人間の様々な陰影を鮮やかに表現しています。

イ・ブル
韓国の軍事独裁政権時代に左翼活動家の娘として育ったイ・ブルは、急速な経済的および文化的変化を遂げている国の抑圧的な政権の影響を経験した. 1980 年代後半からの彼女の初期の作品は、大道芸で、突起と垂れ下がった内臓で飾られた巨大な「ソフトスカルプチュア」の衣装を作り、身に着けていました。これらに続いて、彼女のサイボーグの彫刻が、女性の身体を機械に変化させ、頭と手足のない不完全なハイブリッドを形成しました。彼らは次に、日本の漫画やアニメ、バイオエンジニアリング、ブルーノ・タウト (1880-1938) の先見の明のある建築で構想された夢、理想、ユートピアに触発された未来的な都市景観のアイデアを探求するように導きました。

ララ・ファヴァレット
ララ ファヴァレットの多面的なアートの実践には、彫刻、インスタレーション、パフォーマティブ アクションが含まれ、ブラック ジョークや不遜な表現で表現されることがよくあります。一例が彼女のシリーズ Momentary Monuments (2009-ongoing) に見られますが、これはいかなる歴史的出来事を美化することも、国民的アイデンティティの感情を助長することも意図していません。ファヴァレットのモニュメントは、イデオロギー的ではなく、より悲劇的なものであり、単に腐敗し、崩壊し、さまざまな方法で溶解します。これは、それ自体が記念碑を建設するための途方もない努力をしますが、人間の努力の無駄です。ファヴァレットの作品にある暗黙のジョークは、価値とイデオロギーを永遠に固めることを意図した、最も安定した素材で作られたオブジェクトでさえ、最終的には消えるということです。

ローレンス・アブ・ハムダン
ローレンス・アブ・ハムダンは自身を「個人の耳」と称し、傾聴の政治、音の法的および宗教的影響、人間の声、沈黙に焦点を当てています。彼の練習はDIY音楽のバックグラウンドから始まりましたが、現在は映画、オーディオビジュアルインスタレーション、ライブオーディオエッセイにまたがっています.言説とそれが発声される条件。彼は人間の声を、政府やデータ会社が簡単に把握できる政治的な素材として扱っています。

パート V

テレサ・マルゴレス
Teresa Margolles は、母国メキシコに蔓延している麻薬暴力の残忍さをフェミニストのレンズで訓練します。法医学を学び、デスメタルにインスパイアされたアーティストの集団 SEMEFO を共同設立した Margolles は、その実践を通じて、政府の怠慢、麻薬の犯罪化による社会的および経済的コスト、および特定のテクスチャー、匂い、身体的遺物をテーマ化してきました。

スン・ユアン & ペン・ユ
アーティストのスン ユアンとペン ユアンは、2000 年にコラボレーションを開始しました。2009 年には、彼らの芸術的提携の関係とダイナミクスを描いた自画像であるインスタレーション「スン ユアン ペン ユー」を制作しました。繰り返し発生する煙の円は、空気中を掃除し続ける機械式アームで動くほうきによって持続的に分散されました。煙はしつこく再び現れますが、ほうきが再び当たると消えます。

Sun と Peng にとって、2 つのコンポーネントが出会い、お互いが溶解する瞬間は、彼らの働き方における共同の芸術的創造の瞬間を象徴していました。Sun Yuan と Peng Yu のほぼすべてのインスタレーションは、観客に驚異と緊張感を求めることに熱心です。観客の側を見るという行為は、彼らの最近の作品の構成要素であり、しばしば威圧的な眼鏡の演出を含みます。

クリスチャン・マークレー
クリスチャン・マークレーの作品は、すでに存在するオブジェクト、イメージ、サウンドから作られ、それらを彼が流用して操作します。音と画像の関係を探求した結果、サンプリング技術をハリウッド映画に適用するようになりました。彼はクリップのモンタージュを作成して、新しい物語と複数の画面の投影を形成しました。

彼は、ファウンド オブジェクト、イメージ、サウンドを使用し、それらをコラージュして、利用可能なもので新しい、異なるものを作成しようとしました。完全にオリジナルでゼロから始めることは、常に無駄に思えました。彼は、私の周囲に存在し、私の周りにあるものを切り取ったり、ねじったり、別の何かに変えたりすることにもっと興味を持っていました。それを流用し、操作と並置によって彼のものにする.

フリーダ・オルパボ
フリーダ・オルパボの中心的な関心事は、黒人女性の身体の描写であり、特にメディア文化におけるイメージの流通に関連している. 彼女は見つけた写真と個人のアーカイブからの画像を組み合わせて、人種、性別、アイデンティティ、セクシュアリティ、視線、植民地時代の暴力などのテーマを探求するデジタル コラージュを作成します。独学のアーティストであり、訓練を受けた社会学者でもあるオルパボは、もともとは、ソース素材を入手し、美術史​​によって生み出された黒人女性の身体を構成するイメージの無限のサイクルに介入する手段として、ソーシャル メディア プラットフォームに彼女のコラージュをアップロードおよびストリーミングし始めました。植民地主義、科学、大衆文化。

シプリアン・ガイヤール
シプリアン ガイヤールは、人間が作ったものと自然の両方のエントロピーを彼の中心的な関心事として取り上げ、ビデオ、彫刻、写真、コラージュ、パブリック アートを通じて、進歩という概念を鋭く批判しています。遊牧民の観察者であるガイヤールは、都市環境や自然の風景を歩き回り、周囲に埋め込まれた深い時間の兆候を探します。彼は外の世界の断片を内部に持ち込み、時代錯誤な並置を形成し、破壊と再構築、再生と劣化のイメージを組み合わせます。

ガイヤールの実践は、物理的形態の侵食であろうと、社会的および歴史的意味の侵食であろうと、腐敗の視覚的考古学です。作品の中で時を刻むことが多いが、ガイヤールは廃墟のロマンチシズムと闘い、無関心な眼差しを通して、循環する時間の統一された枠組みを通して出来事や場所の名残を理解することができると示唆している.

ダン・ヴォ
2019 年のビエンナーレ アルテ ビエンナーレに参加するダン ボーのさまざまな協力者には、彼のボーイフレンド、甥、父親、元教授が含まれます。Vo のインスタレーションでは、文化的アイコンや損傷した宗教的イメージなどのチャージされた象徴的なオブジェクトや、彼の家族や友人の文字通りの、比喩的な関与を通じて、歴史がアーティスト自身の伝記と出会います。

スラブ人とタタール人
2006 年に設立された Slavs and Tatars は、読書クラブとして始まり、アーティスト集団へと進化しました。その多面的な実践は、文字通りの方法と比喩的な方法の両方で言語に非常に近いままです。彫刻やインスタレーションから講演会や出版物に至るまで、彼らの作品は、旧ベルリンの壁と万里の長城という 2 つの象徴的かつ物理的な障壁に囲まれた地理的地域の文化的豊かさと複雑さに対する型破りな研究アプローチです。この広大な大地は、東西が衝突し、融合して再定義する場所です。

リュウ・ウェイ
Liu Wei の初期の作品は、都市の建築、都市の風景、日常のオブジェクトを扱うことが多く、絵画やインスタレーションで繰り返される幾何学的スキーマを使用することにより、物理的な世界のさまざまな側面を表現していました。過去 20 年間にわたり、彼は、牛革の犬用チューから本まで、家庭用電子機器から中国の磁器や廃棄された建材まで、驚くほど多種多様な素材を扱ってきました。彼の最近の大規模なインスタレーションは、幾何学的な形と形で満たされたモダニズムの舞台セットの形式と素晴らしさを呼び起こします。

アピチャッポン・ウィーラセタクン
アピチャッポン・ウィーラセタクンの作品は、彼の母国タイの社会生活、多様な文化、激動の政治に染み込んでおり、眠り、夢、記憶の一時的なアリーナは、探検、解放、静かな転覆のためのスペースとして繰り返されます。これらの主題は、光、音、スクリーンの複雑な相互作用に織り込まれ、日本人アーティストの久門毅(1981、日本)と制作し、Arsenale で展示された Synchronicity(2018)で、Weerasethakul の敷居スペースが物理的な形で表現されます。

セントラル パビリオンでの 2 つの作品は、彼の現在のプロジェクト メモリアのために、初めてタイ国外のコロンビアで仕事をしているウィーラセタクルにとって重要な変化を示しています。コロンビアの地形と何十年にもわたる内戦の傷跡は、ウィーラセタクンに本能的な親和性を持っています。集合的記憶のトラウマは、ナブアと同じように、日常生活の構造の一部です。

ハンディヴィルマン・サプトラ
Handiwirman Saputra は、過去 10 年間で、日常生活で見つけたランダムなオブジェクトをきっかけに、No Roots, No Shoots というタイトルの謎めいた彫刻や絵画のシリーズを制作してきました。これらの作品のいくつかのきっかけは、彼の家の近くの川で、竹林や木々のむき出しの根が家庭のゴミと絡み合っていた. サプトラはそこで発見したものだけでなく、それらの間の関連性にも興味をそそられました。

ケマン ワ レフレレ
Kemang Wa Lehulere の豊かな層の作品は、訪問者がその周りに集まって一緒に熟考することを促します。この集団の概念は、アーティストの幅広い実践の鍵です.彼は、ケープタウンでの長年の活動家としての経験を経て、20 代後半にアーティストになりました。彼は 2006 年にパフォーマンスと社会的介入のための芸術的プラットフォームである Gugulective を設立しました。

Arsenale と Central Pavilion に展示されているインスタレーションは、学校の机と椅子から回収された木材と金属でできています。Wa Lehulere にとって、個人の伝記と集合的な歴史は切り離せないため、これらの作品の各要素は連想、参照、および物語の網の中に集まっています。

ガウリ・ギル
さらに遠くを旅して、ギルは新しい郊外の「がれきの荒野に存在する植民地、移民労働者の仮設住宅が周囲にあるイギリスの模造城」を見た。彼女の建築的なデッドパンは、達成不可能な夢を売り込む開発者の溜め込みを網羅しています。建物と建設に関する教育的な展示。本物の木の間に植えられた偽のヤシ。エアコンユニットの上に立つ女神。マハトマ ガンジー ロードで解体中の、破れたシートで覆われた新しい建物。グランド・トランク・ロードのそばで腐ったゴミの束。そしてどこにでもある特徴のない高層ビル。

マイケル・アーミテージ
空想的な現実と現代生活の政治的混沌との間に位置するマイケル アーミテージの絵画は、複数の物語の糸を織り交ぜています。複雑な社会的ダイナミクスの鋭敏な観察者として、彼は物語の絵画の言語を通じて従来の表現の規範を覆します。不平等と政治的不確実性の問題を拡大して、彼の鮮やかなタブローの絵のような美しさは、豪華なディテールと鮮やかな色の衝突がナイロビの日常生活を支配する社会的慣習と政治的イデオロギーへの洞察を提供する不吉な現実を覆します.

ジェシー・ダーリング
ジェシー ダーリングの彫刻は、傷つき、臆病で、不安定ですが、生命に満ちています。低価格の日常的な素材で作られたこれらの気取らない集合体は、身体に異常な刺激を呼び起こします。それらは決定的に記念碑的でもありません。神経疾患のために右腕のほとんどを使うことができなかったダーリンは、彫刻についての理解を最初に伝えていた継承されたイデオロギーと能力者のマチ​​スモに心を打たれた.「ハードワーク」と「ジェスチャー」のアイデア.

キェンツェー・ノルブ
アーティストおよび映画製作者としてのキェンツェー・ノルブの作品では、文脈の哲学的問題が中心的な役割を果たしています。理解と解釈は常に変更可能であり、より広い視野の余地があるという提案があります。仏教界ではゾンサー キェンツェー リンポチェとして知られているノルブは、チベットとブータンのラマであり、その教えと執筆で尊敬されています。

アレクサンドラ・ビルケン
アレクサンドラ ビルケンの実践は、人間の形を中心に構築されています。彼女の作品には、シリコン、ナイロン タイツ、武器、機械などの工業製品から、ウール、レザー、枝、ドライ フルーツなどのオーガニック素材まで、さまざまな珍しい素材が組み込まれています。以前の目的が剥奪され、これらは異常で不快な配置に組み立てられ、それぞれが対立する緊張とともに生きています。

セントラル パビリオンでは、ビルケンはジェンダー、権力と脆弱性、動物と機械のテーマを織り交ぜた 6 つの作品を展示します。これらは、私たちの脆弱性、身体性、そして私たちが外部やお互いから自分自身を守るために作成する傲慢なツールを思い起こさせる作品です。Arsenale では、アーティストたちは本能的で終末論的でダイナミックなインスタレーション ESKALATION (2016) を展示します。これは、人類の終焉がどのように見えるかについての暗黒郷の視点です。

ナブキ
Nabuqi は、彫刻されたオブジェクトの審美的および物質的な側面を探求することに深く取り組んでいます。アーティストにとって、アウトドアの模倣は、元の品質が忠実に保持されている製造されたオブジェクトの集まりによって実現されることが重要です。「素材の初期状態と特性を自分の手で妥協するのではなく、回復したかったのです。ということは、細かいところまで作りこまれた作品を展示スペースに見せるのではなく、屋外(外部)と内部(内部)の両方に通じる環境を作りたいと考えていました。

ここで使用されているすべての素材は本質的に装飾的であり、ある種の現実をシミュレートまたは刺激するか、美学の想像力を育むと思われます:仮想美学、快適でもてなし」このような現実のレクリエーションは、現実の一部として認識されますか?それは、まるで本物に遭遇したかのように、観客に同じ感情的な共鳴を引き起こすのでしょうか?彼女の作品は、そのような質問に答えようとしています。

シルパ・グプタ
シルパ・グプタは、境界の物理的およびイデオロギー的な存在に取り組み、同時に arbitrary arbitrary arbitrary意的で抑圧的な機能を明らかにします。彼女の実践は、国民国家、民族と宗教の分裂、監視の構造、つまり合法と非合法、帰属と孤立の定義の間の中間ゾーンを利用しています。日常の状況は、簡潔な概念的なジェスチャーにまとめられます。テキスト、アクション、オブジェクト、インスタレーションとして、グプタは、市民または無国籍の個人としての私たちの生活に影響を与える知覚できない力に対処します。

アンドラ・ウルスオア
強迫観念と暴力的欲求; 性的および政治的支配への服従; 人間存在のもろさ。構築とフィクションとしてのアイデンティティ:これらは、アンドラ・ウルスザの彫刻とインスタレーションで探求された虚無的で悲劇的なシナリオを支えるいくつかのテーマです。パラドックスと皮肉にひねりながら、アーティストの作品は、政治的出来事、決まり文句、 all all all話、そして個人的な記憶を利用して、違反と陳腐さ、無関心と共感、嫌悪感と平凡の間の不安定な境界を永続させる力のダイナミクスを暴露し、混乱させようとしています。ユーモア。

クリスティーヌ & マーガレット・ヴェルトハイム
Christine と Margaret Wertheim の Crochet Coral Reef は、彫刻と学習用の装置、植物、生物学的モデルの間のどこかに位置しています。このような 3 次元モデルは、かつてガラスでできていました。 Wertheims のプロジェクトでは、フォームはかぎ針編みで作られています。毛糸、糸、針金、古いビデオテープ、ビーズ、縫い合わせなどが徐々に組み合わさり、一連のサンゴ礁ができあがります。科学と芸術の優雅な同盟であるクロシェ コーラル リーフは、双子の伝記を反映しています。マーガレットは、物理学者として訓練を受けており、高い評価を得ている科学作家です。詩人で元画家のクリスティーヌは、批判的研究の教授です。

2005 年のある晩、ヴェルトハイム姉妹のリビング ルームで、コーヒー テーブルに散らばる羊毛の形を眺めながら、クリスティーヌは「私たちはサンゴ礁を編むことができた!」という言葉を口にしました。マーガレットは、オンラインでプロジェクトに参加するための招待状を投稿し、姉妹が作成していたフォームと組み合わせるために、大小のモデルがメールで表示され始めました. 浮かび上がったのは、広範な提案でした。時間と想像力を必要とし、それを表すものとしてのクロシェ コーラル リーフ、および非階層的なコラボレーションです。現在までに、10,000 人以上の参加者が、さまざまな都市や国で 40 以上のサテライト リーフを編んでいます。

スキ・ソギョン・カン
絵画、彫刻、ビデオ、そしてアーティストが「活性化」と表現したものを組み込んだ、カン・ソギョンの多変量の実践は、今日の個人の場所と役割に焦点を当てています。カンは、韓国の文化遺産と彼女自身の個人的な歴史の側面を利用して、イデオロギー構造を再考し、権限を与えられた利害関係者が現在の時空で自らの意思を明確にし、行使できる政治化されたアリーナを構想しています。

オトボン・ンカンガ
Otobong Nkanga の作品は、鉱物、エネルギー、商品、人々の (しばしば暴力的な) 動きと交換を参照して、オブジェクトとアクションが孤立して存在するのではないことを思い出させます。常につながりがあり、常に影響があります。「静的な状態で私たちの誰も存在しない」とアーティストは言いました。「アイデンティティは絶えず進化しています。アフリカのアイデンティティは複数あります。たとえば、ナイジェリア、セネガル、ケニア、フランス、インドの文化を見ると、植民地時代の影響とこの交換の影響について語らずに特定のアイデンティティについて語ることはできません。 – 貿易と商品と文化」.

アレックス・ダ・コルテ
アレックス ダ コルテの没入型の作品は、磁気的な世界を作る行為を証明しています。彼は、それらのものではなく、意味と暗示するオブジェクトのダンスを振り付けます。彼はコードとシンボルを通して物語を語ります。その中で、アメリカーナの旋風が、高尚と低価格の文化的言及とドル店の発見と同時に吹き込まれています。

セントラル パビリオンでは、視聴者が巨人になり、人々がザ デコレイテッド シェッド (2019) の家の中で静かな生活を送っているのを見ています。企業のレストラン チェーンの看板を追加したスタイルのマホガニー テーブル。Arsenale では、ネオンに照らされたラバーペンシルデビルが、ベンチに座って、さまざまなキャラクターが催眠術のようにゆっくりとした振り付けを行う、おなじみのテレビ番組の特大で過飽和な成人向けバージョンを見ている視聴者をミニアチューメントします。

パートVI

ハリル・アルトゥンデーレ
Halil Altındere は、ビデオ、写真、インスタレーション、絵画の中で日常の政治を精査しています。社会政治的メカニズムとそのメカニズムによる個人への侵入を鋭敏に観察する彼は、権威が主張され、国民国家の制度によって差異が制限されるまさにその手段を使用することがよくあります。身分証明書、切手、紙幣、新聞の一面、軍国主義のスローガン、政治指導者の写真は、社会的または政治的操作と正常化を覆すために流用されています。

クルド人の出身で、トルコ・クルド紛争の最盛期に育ったアルトゥンデーレは、多数の作品で少数派の無視と虐待に触れています。近年、アルトゥンデーレは複数の作品で世界的な難民危機に取り組んでいます。 Space Refugee (2016) は、シリアの最初で唯一の宇宙飛行士であるムハンマド・アフメド・ファリスとの出会いに触発されたシリーズです。 1987年。

陰 X Xuz鎮
1990 年代初頭から、Yin Xiuzhen はリサイクル素材を使って社会的な参考資料を盛り込んだ野心的な彫刻を制作してきました。1989 年以降の中国で大きく定義された過度の開発、消費、およびグローバル化を反映して、彼女の作品では、スーツケース、コンクリートの破片、破片、金属などの一連のアイテムと柔らかいテキスタイルを組み合わせています。工業用オブジェクト。

キャロル・ボーヴ
キャロル・ボーヴの彫刻は、モダニズムのクリーンなラインを一変させます。彼女の正式な構文は、曲がり、へこみ、ねじれ、ねじれ、しわ、折り目、および彫刻の表面をアニメーション化する他の折り目の熟達した言語です。アーティストはこれらの作品を「コラージュ彫刻」と呼んでおり、工業的に形成されたものと単に発見されたもの、時代遅れのものと新しく鋳造されたものの間で生産的な緊張をナビゲートする活動の一種です.

彼女の素材の物理的な摩擦は、赤、黄、ピンク、緑の大胆なキャンディーカラーのパレットを介してアニメーション化され、未処理の荒鋼とのダイナミックなコントラストで配置されています。彼女のペイント ジャーの滑らかな仕上げと、彼女が見つけたオブジェクトの粗く色あせた物質性。このモードでは、表面の色によって、彼女の鋼管が柔らかくて可鍛性のある物質でできているという錯覚が生まれます。Bove の巧妙なねじれ、折り目、曲げは、鑑賞者に運動美学的アプローチを要求します。それらは、身体、目、そして心を動かして、作品を移動させ、動かし、回り込ませます。これらのオブジェクトが物語を語るとしたら、それは動きと圧力、力と柔らかさの説明になります。

エイブリー・シンガー
エイブリー シンガーの絵画は、媒体の限界を探ります。彼女はブラシでペイントする代わりに、建築家やエンジニアに人気の 3D モデリング ソフトウェアである SketchUp を使用して、キャンバスに投影してエアブラシをかけたデジタル コンポジションを作成します。シンガーは、ジェンダーニュートラルな外観と性的でない形を描くことで、顔の特徴を一連の線、グリッド、幾何学的な形に減らすことで、アイデンティティの曖昧さを強調しています。

過去 2 年間で、シンガーは彼女のグリザイユ パレットに色を導入しました。キャンディー色のカルダー (サタデー ナイト) (2017) と、セントラル パビリオンにある落ち着いた半抽象画と対照的な絵画のグループ。表現の限界と戯れながら、絵画の可能性を広げようとするシンガーの継続的な探求は、アーティストのジェンダーに関する還元的な理論や仮定との戦いでもあります。

ニデカ・アクニリ・クロスビー
Njideka Akunyili Crosby の絵画は、同時代のナイジェリアのディアスポラの一員としての彼女の経験を反映しており、多くの人にとってはなじみのない特定の文化的および国家的アイデンティティを描いています。 10 代の頃にアメリカに留学した Akunyili Crosby は、美的、知的、経済的、政治的なさまざまな文脈の間で自信を持って (おそらく内面化された摩擦がないわけではありませんが) 動きます。緊張と切ない。

アーティストは、通常、自分と彼女の家族を描いた肖像画や家庭的なインテリアを描きます。これらのシーンは、平面であると同時に無限の奥行きがあり、窓や出入り口は他の空間に通じていますが、これらの写真に描かれている空間は不確定です。たとえば、鋳鉄製のラジエーターなどの特定の詳細は、寒い気候 (アーティストが一時期住んでいたニューヨークなど) を示していますが、テーブルに置かれたパラフィン ランプなどは、アクニリ クロスビーの作品から引き出されています。ナイジェリアの思い出。

アンソニー・ヘルナンデス
Anthony Hernandez の写真作品はハードで非情です。過去 30 年間、写真家はよくある質問に悩まされてきました。現代の都市の廃墟と、恵まれない市民に対する都市生活の過酷な影響をどのように描写するか? ヘルナンデスは、写真家ルイス・バルツが「敗北者の風景」と呼んだものに焦点を当てることでこの問題にアプローチしました.ホームレスのキャンプ、失業者事務所、自動解体場、バスシェルター、および都市の郊外にあるその他の放置されたスペース. ロマンチックでもノスタルジックでもなく、ヘルナンデスの作品は、資本主義の幸福の約束が損なわれた場所と空間を詳しく説明しています。

ザネレ・ムホリ
南アフリカの黒人レズビアンのポートレートの進化を続けるアーカイブ、Faces and Phases (2006-ongoing) の作品で知られる Zanele Muholi は、ミューティングと不可視性に猛反対する写真家です。アーティストではなく「視覚活動家」と呼ばれることを好むムホリは、女性のエンパワーメントのためのフォーラムと、クィアと視覚活動のプラットフォームである Inkanyiso の共同創設者です。

自己表現の重要性は、Somnyama Ngonyama、Hail the Dark Lioness (2012-ongoing) の中心であり、アーティストが南部の黒人レズビアンの 1 年間の 365 枚の画像に構築することを意図している、謝罪のない一連の自画像シリーズです。アフリカ。このシリーズには、アルセナーレでの鑑賞時にアーティストが反抗的または直接的に鑑賞者の視線に直面する作品や、中央パビリオンで鑑賞中にムホリがそれを避けてイライラさせている小さなシルバー ゼラチン プリントが含まれます。

スタン・ダグラス
スタン・ダグラスの映画、ビデオ、写真、そして映画のインスタレーションは、彼が「投機的な歴史」と呼ぶものに関係することがよくあり、出来事が非常に異なる方向に進んだかもしれない重要な瞬間を描いています。ダグラスは写真を「動画のない映画のようなもの」と考え、映画のワンシーンとほぼ同じ方法で写真を作成します。彼は特定のイベントを再現し、長い研究プロセスを経てから、セット、俳優、細心の注意を払った照明でそれらを再現します。

コラクリット・アルナノンチャイ
Korakrit Arunanondchai は、パフォーマンス、ビデオ、インスタレーションの間で作業を行い、家族、迷信、精神性、歴史、政治、芸術が絡み合うゾーンを作成します。 2013年より、変な名前の人々が集まった部屋で歴史と連動するシリーズを開始。 繰り返される主人公、架空のタイの画家が、伝統的な信仰、自然環境、テクノロジーの発展の相互作用を反映したシチュエーションで描かれている。変わりゆくタイの政治、文化。

セントラル パビリオンに展示された彫刻のインスタレーションは、一連の「ポストナチュラル」の木のような形であり、アルセナーレはアレックス グボジック (1984 年、米国) による 3 つのスクリーン インスタレーションを主催しています。ギャラリーは、可能性と出会いの空間として装われています。最近、彼は奇妙な森の環境を構築しました。それは、人新世を生き延びたかもしれないネズミのような生き物の生息地です。

エド・アトキンス
Ed Atkins は、あらゆる種類の自画像のたたみ込みを行います。彼は、不愉快なほど親密で楕円形の予言を書き、恐ろしい風刺画を描き、説明のつかない精神的危機の苦しみの中にいる男性をフィーチャーしたリアルなコンピューター生成ビデオを作成します。 Arsenale では、Old Food (2017-2019) のインスタレーションに、歴史性、憂鬱、愚かさが詰め込まれています。ここで、アトキンスは彼のエモの領域を拡大し、より広範な問題と引用で自伝的構成に影響を与えるテンパリングを行っています。

ブルーム (1 から 10 の番号が付けられ、中央パビリオンに示されている) を構成する図面には、仮の手を下ろすか、ポーズをとった足に止まっているタランチュラが描かれています。くも形の髪をまとったアトキンスの顔が第四の壁を突き破り、私たちを gみつけ、両義的で疑わしい意識の表情を浮かべた。

ガブリエル・リコ
廃棄された文化財の収集家であり、自称オントロジストであり、訓練を受けた建築家であり、動物に親近感を持つ人間の経験の研究者であるガブリエル・リコは、「飢えた目」を持っていると言えます。彼の質問、調査、収集は、剥製や自然物からネオンの形やその他の人工物の残骸に至るまで、さまざまな素材を採掘するポストシュールレアリスト/アルテ・ポーヴェラのアプローチにつながります。その結果、環境、建築、そして文明の将来の廃墟との関係に対処する、考えさせられる彫刻が生まれます。

リコのすべての作品において、物語の美しさは細部に宿っています。これらのコンポーネントは、特定の場所であるメキシコが直面している課題を反映すると同時に、私たちが共有する世界的な懸念と共鳴しています。リコは、形式的にも哲学的にも空間の脆弱性を考慮し、現在の不安定な瞬間を表現しています。

アニカ・イー
オーガニックと合成、サイエンスとフィクション、人間と非人間の間の境界を不安定にするアニカ・イーの変幻自在の作品は、アーティストが「感覚の生政治」と表現するものによって支えられています。Yi の新しい仕事の中心は、「機械の生物化」に関する最近の調査であり、彼女は機械の感覚に焦点を当て、人工知能 (AI) エンティティと有機生命体との間に新しいコミュニケーション チャネルをどのように確立できるかを熟考しています。

カリル・ジョセフ
メインストリームと美術館の間をスムーズに行き来するアーティスト兼映画製作者のカリル ジョセフのハイブリッドな実践は、映画、ビジュアル アート、文化メディアにまたがっています。彼の魅力的な映画と没入型のビデオ インスタレーションは、ハイ カルチャーとロー カルチャー、映画とコンテンポラリー アートの間のあらゆる二分法を混乱させます。

アンドレアス・ロリス
Andreas Lolis は、大理石でトロンプ・ルイユのオブジェを作成しています。過去数年にわたって、彼は街角や公園のベンチで見た、超リアルなゴミ袋、段ボール箱、木箱など、一時的なオブジェクトを模倣した一連の床ベースの彫刻を作成してきました。これらの彫刻の多くは、表面が潰れたり汚れたり、欠けたり破損したりした明らかな摩耗の兆候を示しています。ハイクラシカルな媒体で残骸を再現することにより、彼は意図的に従来の価値と地位のシステムを混乱させます。生涯を通じて大理石のみを扱ってきた Lolis は、素材との関係を献身的なものとして説明しています。彼の細部へのこだわりは、実物大の各オブジェクトがほぼ完全に目を欺くことができることを意味します。

トマス・サラセノ
Tomás Saraceno の研究は、無数の世界によって養われています。彼の Arachnophilia Society、Aerocene Foundation、コミュニティ プロジェクト、インタラクティブなインスタレーションは、分野 (芸術、建築、自然科学、天体物理学、哲学、人類学、工学) と感性をつなぐことにより、環境に生息する持続可能な方法を探ります。

これらすべてのプロジェクトで、サラセノは私たちの周りに存在する生命の形態に取り組み、生態学的な激動の時代に、クモのコロニーから重力に至るまで、ミクロまたはマクロレベルで、他の種やシステムに視点を合わせるように私たちを奨励しています。波に乗り、私たちの共有する惑星に生息するハイブリッドで代替的な方法に取り組みます。

マリア・ロボダ
伝達と遭遇の軌跡を通じて、オブジェクトとイメージの継続的な変換は、マリア ロボダの実践の中心にあります。ロボダの作品は、明白であると思われるものへの不信感を引き起こしますが、同時に、それらが持つ不確実性と私たちを取り巻くものとを友達にするように促します。ロボダは、画像が循環するコンテキストによって影響を受ける方法に興味を持っています。また、それらを注視する歴史によって形作られています。

タレク・アトウイ
音楽と現代美術の橋渡しをするタレク・アトウイの実践は、参加型の共同音響パフォーマンスを通じて、聞くことの概念を拡張します。1960年代にアーティストが提示したオープンフォームの遺産に影響され、音楽の理解を拡大し、視覚芸術の領域に近づけ、音を育むための複雑な環境を考案し、調整します。彼はインスタレーション、パフォーマンス、コラボレーションを通じて、パフォーマーと観客の両方にとって期待されるパフォーマンスの概念を打ち破り、視覚的、聴覚的、身体的体験のマルチモーダルな方法を提案します。

アンシア・ハミルトン
アンシア・ハミルトンの作品全体に疎外感が漂っている。大衆文化、ファッション、デザインからのヴィンテージの参照は、没入型の環境と不気味なオブジェクトに開かれ、元の意味は空になり、彼女の彫刻やインスタレーションの中で変換されます.過去数十年の芸術や文化からの時間的な距離は誤解を招く可能性があります.時間の経過は、特定の参照をお祝い、キッチュ、さらには中立的なものにする可能性があります.

ハミルトンの作品の中で、ファッションとデザインの良性の要素が再考されます。これまでの作品で、彼女は歴史的なデザイナー、有名人、象徴的なファッション トレンドを借りて、それらの意味を増幅し、それらをひっくり返しました。挑発は、空白と表面の繰り返しと展開によってもたらされます。結果は、ほとんど閉所恐怖症であり、ハミルトンの変化が明らかにする欲望の中で抑圧的です。

イェッペ・ハイン
イェッペ・ハインのモディファイド・ソーシャル・ベンチは、遊びから休息まで、さまざまな活動を通じて探求と実験を促します。それらは、空間での体の動きを指示するあらゆる建築ツールに対する反作用です。ジャルディーニのために、アーティストはシアンのラグーンから成長しているように見える 4 つのベンチのセットを作成し、おもちゃの列車の線路のように空中をループします。ブラジル、ポーランド、ルーマニアのパビリオンの間の芝生に位置するヴェネツィアのモディファイド ソーシャル ベンチ (2019) は、社交的な交流のためのスペースを作り、減速を招きます。

その他の施設

ジャルディーニの国立パビリオン
最初の核が 1894 年に建てられ、その後何度か拡張と修復が行われた今日のセントラル パビリオンに加えて、大きな公園には 29 のパビリオンが建てられ、展示国によってさまざまな時期に建てられました。公園の緑に囲まれたパビリオンは、アアルト、ホフマン、リートフェルト、スカルパ、スターリングなど、多くの経営者の名前で、20 世紀の建築における価値の高いアンソロジーを表しています。

ビエンナーレ図書館
2009 年以来、ラ ビエンナーレ ライブラリーは、ジャルディーニの中央パビリオンの不可欠な部分です。修復は 2010 年に完了し、800 メートルを超える棚が配置された 2 階建てのギャラリーに囲まれた大きな閲覧室が開設されました。閲覧室は、会議やワークショップにも使用されます。

図書館は現代美術を専門とし、財団の活動の文書化と深化に特に重点を置いており、ビエンナーレ活動のすべてのカタログを保存し、建築、視覚芸術、映画、ダンス、写真、音楽、演劇の分野に関連する書誌資料を収集しています. 151,000 冊以上の蔵書と 3,000 冊以上の定期刊行物を所有する本の遺産のおかげで、イタリアの現代美術を代表する図書館の 1 つとなっています。

ASAC ブック アーカイブに由来するこの図書館の遺産は、購入、寄付、そして何よりも現代、国内および国際的な芸術の生産、研究、保存の主要機関との交流を通じて、常に開発および更新されています。2009 年以降、図書館はブック パビリオンを通じて、美術展や建築展に参加するアーティストや建築家から寄贈された書籍を受け入れ、取得しています。ラ ビエンナーレ財団によって実現されたこのプロジェクトのおかげで収集された本は、芸術と建築の展示会のディレクターとの絶え間ない協力の結果です。

書店
アーティストのリクリット ティラヴァニヤがデザインしたジャルディーニのライブラリは、冗長なディテールや装飾のない、小さくて実用的なスペースです。

カフェテリア
Tobias Rehberger によって設計され、Razzle Dazzle (特に第一次世界大戦中に軍艦で使用された) という特定の絵画スタイルに従って描かれたこのカフェテリアは、座ってリフレッシュしたり、(楽しいことに) 混乱する場所を見つけたりする場所です。対照的な色の幾何学的な形を織り交ぜながら中断し、交差させて、複雑で生き生きとした光学パターンを作成します。

Was du Leebst, Bringt dich auch zum Weinen の創作のためにデザインされたカフェテリアの芸術作品は、La Biennale Arte 2009 で最高のアーティストとして Rehberger に金獅子賞を授与しました。

ヴェネツィア・ビエンナーレ2019
第58回ヴェネツィア・ビエンナーレは、2019年5月から11月にかけて開催された国際現代美術展です。 ヴェネツィア・ビエンナーレは、イタリアのベニスで隔年開催されます。芸術監督のラルフ・ルゴフは、その中心的な展示会をキュレーションし、興味深い時代に生き、90か国がナショナル・パビリオンに寄稿しました。

ヴェネツィア・ビエンナーレは、イタリアのベニスで開催される国際美術ビエンナーレです。 「アート界のオリンピック」とよく言われるビエンナーレへの参加は、現代アーティストにとって名誉あるイベントです。フェスティバルは、その年の芸術監督によってキュレーションされた中央展示会、各国が主催する国立パビリオン、ヴェネツィア中の独立した展示会など、さまざまなショーの集まりになっています。ビエンナーレの親組織は、建築、ダンス、映画、音楽、演劇など、他の芸術分野でも定期的にフェスティバルを開催しています。

中央の国際展示会の外では、各国が自国の代表としてパビリオンと呼ばれる独自のショーを開催しています。ジャルディーニにある 30 棟の建物など、パビリオンの建物を所有する国は、維持費と建設費も自分で負担する必要があります。専用の建物を持たない国では、ヴェネツィアのアルセナーレにパビリオンやパラッツォが街中に作られています。

La Biennale di Venezia は 1895 年に設立されました。Paolo Baratta は 2008 年から会長を務め、それ以前は 1998 年から 2001 年まで会長を務めています。芸術 (1895 年)、建築 (1980 年)、映画 (1932 年)、ダンス (1999 年)、音楽 (1930 年)、演劇 (1934 年)。その活動は、最近完全に改装された現代美術史料館 (ASAC) に文書化されています。

すべての分野で、有名な教師と直接連絡を取りながら、若い世代のアーティストに向けた研究と制作の機会が増えています。これは、国際プロジェクトのビエンナーレ カレッジを通じて、より体系的かつ継続的に行われ、現在はダンス、シアター、ミュージック、シネマの各セクションで運営されています。