Die 58. internationale Kunstausstellung mit dem Titel May You Live In Interesting Times unter der Leitung von Ralph Rugoff fand vom 11. Mai bis 24. November 2019 statt. Der Titel ist ein Satz englischer Erfindung, der lange fälschlicherweise als alter chinesischer Fluch zitiert wurde, der sich auf Zeiten der Unsicherheit, Krise und Aufruhr; „interessante Zeiten“, genau wie wir heute leben.
Die Ausstellung findet wie immer an den beiden wichtigsten historischen Stätten, den Giardini di Castello und dem Arsenale, statt, umfasst aber auch renommierte Orte in ganz Venedig, an denen Vertreter vieler Nationen zu Gast sind und Ausstellungen und Begleitveranstaltungen stattfinden. Die gesamte Zukunft der Welt bildet einen großen und einheitlichen Ausstellungsweg, der sich vom Zentralpavillon der Gärten bis zum Arsenale mit den Beteiligungen von 79 Ländern und Regionen artikuliert.
Der Titel dieses Ausstellungsausdrucks „interessante Zeiten“ evoziert die Vorstellung von herausfordernden oder gar „bedrohlichen“ Zeiten, könnte aber auch einfach eine Einladung sein, den Verlauf des menschlichen Geschehens immer in seiner Vielschichtigkeit zu sehen und zu bedenken, eine Einladung also, dass erscheint besonders wichtig in Zeiten, in denen allzu oft eine durch Konformismus oder Angst erzeugte Vereinfachung zu herrschen scheint.
Mögen Sie in interessanten Zeiten leben, umfassen Kunstwerke, die prekäre Aspekte der heutigen Existenz reflektieren, einschließlich verschiedener Bedrohungen für wichtige Traditionen, Institutionen und Beziehungen der „Nachkriegsordnung“. Aber lassen Sie uns von vornherein anerkennen, dass die Kunst ihre Kräfte nicht im Bereich der Politik ausübt. Kunst kann zum Beispiel weder den Aufstieg nationalistischer Bewegungen und autoritärer Regierungen in verschiedenen Teilen der Welt aufhalten noch das tragische Schicksal vertriebener Völker auf der ganzen Welt lindern.
Die 58. Internationale Kunstausstellung beleuchtet eine allgemeine Herangehensweise an das Schaffen von Kunst und eine Sicht auf die gesellschaftliche Funktion von Kunst, die sowohl Freude als auch kritisches Denken umfasst. Die Ausstellung konzentriert sich auf die Arbeit von Künstlern, die bestehende Denkgewohnheiten hinterfragen und unsere Lesart von Objekten und Bildern, Gesten und Situationen öffnen.
Kunst dieser Art erwächst aus einer Praxis, mehrere Perspektiven zu unterhalten: scheinbar widersprüchliche und unvereinbare Vorstellungen im Gedächtnis zu behalten und verschiedene Wege zu jonglieren, um der Welt einen Sinn zu geben. Künstler, die so denken, bieten Alternativen zur Bedeutung sogenannter Fakten, indem sie andere Wege der Verknüpfung und Kontextualisierung vorschlagen. Beseelt von grenzenloser Neugier und stechendem Witz, ermutigt uns ihre Arbeit dazu, alle unbestrittenen Kategorien, Konzepte und Subjektivitäten schief zu betrachten.
Eine Kunstausstellung ist vor allem dann unsere Aufmerksamkeit wert, wenn sie uns Kunst und Künstler als entscheidende Herausforderung für alle vereinfachenden Haltungen präsentieren will. Auf indirekte Weise kann Kunst vielleicht eine Art Leitfaden für das Leben und Denken in „interessanten Zeiten“ sein. Es lädt uns ein, mehrere Alternativen und ungewohnte Blickwinkel in Betracht zu ziehen und zu erkennen, wie „Ordnung“ zur gleichzeitigen Präsenz verschiedener Ordnungen geworden ist.
Die Ausstellung in Giardini
Die Ausstellung entwickelt sich vom Zentralpavillon (Giardini) bis zum Arsenale und umfasst 79 Teilnehmer aus der ganzen Welt. Die Giardini, die seit der ersten Ausgabe im Jahr 1895 traditioneller Ort der Kunstausstellungen der Biennale ist, erheben sich am östlichen Rand von Venedig und wurden zu Beginn des 19. Jahrhunderts von Napoleon gebaut. Der Erfolg der Erstausgaben (über 200.000 Besucher im Jahr 1895, über 300.000 im Jahr 1899) löste seit 1907 den Bau von Auslandspavillons aus, die an den bereits errichteten Zentralpavillon angebaut wurden. Die Giardini beherbergen heute 29 Pavillons des Auslands, einige davon entworfen von berühmten Architekten wie Josef Hoffmanns Österreich-Pavillon, Gerrit Thomas Rietvelds niederländischem Pavillon oder dem finnischen Pavillon, ein Fertigteil mit trapezförmigem Grundriss von Alvar Aalto.
Im Rahmen der Ausstellungsreorganisation der La Biennale-Locations wurde der historische Zentralpavillon der Giardini 2009 zu einem multifunktionalen und vielseitigen Gebäude von 3.500 Quadratmetern, das Zentrum der ständigen Aktivität und Wahrzeichen für die anderen Gartenpavillons wurde. Es beherbergt Innenräume, die von international renommierten Künstlern wie Massimo Bartolini (Educational Area „Sala F“), Rirkrit Tiravanija (Buchhandlung) und Tobias Rehberger (Cafeteria) gestaltet wurden.
Der Umbau des Zentralpavillons zum Multifunktionsgarten wurde 2011 mit der Neuordnung der Ausstellungsräume und der Eingangshalle abgeschlossen. Von da an kann der Zentralpavillon optimale räumliche und mikroklimatische Bedingungen für jede der verschiedenen und zahlreichen Destinationen genießen, einschließlich Bildungsaktivitäten, Workshops und Sonderprojekten. Ein wichtiger Teil des Sanierungsprojekts bestand in der Fertigstellung der 2006 vom Stadtrat von Venedig initiierten Restaurierung des Ottagonale-Saals mit der Restaurierung der Gemälde in der Kuppel von Galileo Chini im Jahr 1909 und der Restaurierung der dekorativen Wand- und Bodensysteme Auf der venezianischen Terrasse. Die Halle, ausgestattet mit allen Dienstleistungen für den Empfang der Öffentlichkeit,wird so zum Dreh- und Angelpunkt des Pavillons in Form eines monumentalen Atriums, von dem aus alle neuen Funktionsbereiche erreichbar sind.
Höhepunkte
Teil IV
Lara Favaretto
Lara Favarettos facettenreiche Kunstpraxis umfasst Skulptur, Installation und performative Aktion und wird oft durch schwarzen Humor und Respektlosigkeit ausgedrückt. Ein Beispiel dafür findet sich in ihrer Serie Momentary Monuments (2009-laufend), die kein historisches Ereignis verherrlichen oder nationale Identifikation fördern soll. Die Denkmäler von Favaretto sind weniger ideologisch und eher tragikomisch, sie verrotten, kollabieren und lösen sich auf unterschiedliche Weise auf. Das macht den enormen Aufwand, sie selbst zu einem Denkmal zu errichten, aber zur Vergeblichkeit menschlichen Bemühens. Der implizite Witz in Favarettos Werk ist, dass selbst Objekte aus den stabilsten Materialien, die Werte und Ideologien für immer erstarren sollen, irgendwann verschwinden.
Antoine Catala
Antoine Catala schafft neue und spielerische Beziehungen zwischen Sprache und Realität. Er untersucht Missverständnisse und versucht, einige der Arten aufzudecken, wie Bedeutungen über Wörter, Zeichen, Texte und Emojis übertragen werden, insbesondere über Kommunikationsplattformen. Durch seine Textarbeiten und skulpturalen Installationen macht er darauf aufmerksam, wie, oft gedankenlos, die Art und Weise der Botschaft und nicht die Botschaft selbst auf uns einwirkt.
Am Eingang des Zentralpavillons bilden neun große, mit farbigem Silikon überzogene Paneele die Arbeit It’s Over (2019). Während die Luft langsam aus jedem Panel herausgepumpt wird, kommt ein geprägter Text zum Vorschein, der zweideutig beruhigende Botschaften überträgt: „Mach dir keine Sorgen“, „Es ist vorbei“, „Alles ist in Ordnung“, „Tutto va bene“, „Hey, entspann dich“ , oder ein Bild von zwei küssenden Teddybären. Im Arsenale schlägt die Installation The Heart Atrophies (2018-2019) das zeitgenössische Äquivalent eines mittelalterlichen Rebus vor und zeigt, wie der Mensch seit jeher in einer engen, anpassungsfähigen und flexiblen Beziehung zu den ihn umgebenden Zeichen stand.
Maria Loboda
Die kontinuierliche Transformation von Objekten und Bildern durch ihre Trajektorien der Übertragung und Begegnung steht im Mittelpunkt von Maria Lobodas Praxis. Lobodas Arbeiten wecken Misstrauen gegenüber dem vermeintlich Offensichtlichen, laden uns aber auch ein, sich mit den Unsicherheiten anzufreunden, die sie – und die Dinge, von denen wir umgeben sind – besitzen. Loboda interessiert sich für die Beeinflussung von Bildern durch die Kontexte, in denen sie zirkulieren, geprägt von der Geschichte der Blicke auf sie.
Ryoji Ikeda
Der Komponist und Künstler Ryoji Ikeda nähert sich in seiner Praxis dem monumentalen Minimalismus und verwebt oft spärliche akustische Kompositionen mit Visuals, die die Form riesiger Felder digital gerenderter Informationen annehmen. Diese integrieren sich, um die eigene expansive Sprache des Künstlers zu bilden, die auf einer algorithmischen Arbeitsweise beruht, bei der Mathematik als Mittel verwendet wird, um die natürliche Welt um uns herum zu erfassen und zu reflektieren.
Haris Epaminonda
Haris Epaminonda arbeitet mit gefundenen Materialien wie Skulpturen, Keramik, Büchern oder Fotografien, die sie oft kombiniert, um ihre charakteristischen Installationen sorgfältig zu konstruieren. Diese Objekte sind in ein Geflecht historischer und persönlicher Bedeutungen verstrickt, das der Öffentlichkeit und wahrscheinlich auch ihr unbekannt ist. Es ist nicht so, dass sie diese Geschichten ignoriert: Sie sind implizit, sie üben ihre Kraft intrinsisch aus, während sie sich sanft in etwas anderes verbiegen, während sie sich in ihren Installationen niederlassen. Sie wählt sie wegen ihrer Qualia aus, ihrer nicht reduzierbaren Erfahrungsqualitäten, die sie zum Leuchten und Sichtbarwerden bringen.
Nicole Eisenmann
Schwingungen zwischen Historie und Gegenwart, zwischen Öffentlichkeit und Privatheit sind die Kraft hinter den Gemälden und Skulpturen von Nicole Eisenman. Ihr Gespür für die Dynamik des zeitgenössischen Lebens führt sie zu der unerbittlichen Wahrheit, dass die Welt voller böser Männer ist, die von Macht, Völlerei, Geiz, Blutdurst und ihrem Glauben an Geld als einen Wert, der über allen anderen zu stehen ist, getrieben werden.
In ihren skulpturalen Arbeiten stellt Eisenman diese Kräfte als monströs, verzerrt und verdreht, ausgeweidet und krebserregend dar. Ihr unerschütterliches Engagement für die Details unseres Augenblicks, wie sie in Werken wie Weeks on the Train (2015), Morning Studio (2016) und Dark Light (2017), den iPhones, Jeans, Hoodies, Laptops, Baseballcaps und den Die Verwendung von Milchkisten als Möbel stellt sie fest in die altehrwürdige Tradition von Realismus und Genreszenen: Bilder, in denen die Membran, die Kunst vom Leben trennt, möglichst porös gemacht wird.
Augustas Serapinas
Augustas Serapinas interessiert sich für die Schaffung alternativer Sichtweisen, Sie sorgen für mehr Vielfalt, die in Institutionen und der Kunstwelt im Allgemeinen oft fehlt… Er hat großen Respekt vor Make-Do-Kreativität und seine Arbeit findet oft ergreifende Inspiration im Alltag. Selbst an der Kunstschule in seiner Heimatstadt Vilnius drängte Serapinas gegen die institutionellen Grenzen, fand einen versteckten Raum in der Akademie, um ihn als geheimes Atelier zu nutzen, und schuf sich ein Loch in einer höhlenartigen Wasserleitung, die in den Fluss Vilnel mündet. Im Jahr 2012, seinem letzten Jahr an der Vilnius Academy of Arts, bemerkte er eine Gruppe von Kindern, die den umliegenden öffentlichen Raum als Spielbereich nutzten, und baute Kletterstrukturen in seinem Studio, die sie entdecken und in ihre Spiele integrieren konnten.
Cameron Jamie
Cameron Jamie hat Arbeiten in verschiedenen Medien produziert, von Fotografien und Videos bis hin zu Zeichnungen, Keramik, Skulpturen und fotokopierten Zines. Die größte Aufmerksamkeit in den Anfangsjahren seiner Karriere brachte ihm jedoch Kranky Klaus (2002-2003), ein Video, das die alpenländische Weihnachtstradition des Krampuslaufs dokumentiert. In einem ländlichen österreichischen Dorf marschieren nachts als gehörnte Bestien verkleidete Männer durch die Straßen, angeblich auf der Suche nach Kindern und jungen Frauen, die unartig gewesen sein sollen. Die Krampus-Bestien sind ein kulturell sanktioniertes Ritual der Choreografie.
Michael E. Smith
Die Skulpturen, Installationen, Videos und gelegentlichen Gemälde von Michael E. Smith sind von einem Gefühl posthumaner Gespenstheit durchdrungen. Typischerweise verwendet der Künstler in seinen Arbeiten Gegenstände, die man auf einer Mülldeponie oder bestenfalls in einem Second-Hand-Laden findet; es handelt sich um artefakte, die auf ihren oberflächen den nachweis tragen, dass sie von menschenhand benutzt, abgenutzt und schließlich zerbrochen wurden. Allein die Tatsache, dass sie weggeworfen werden, erfüllt sie mit einem beißenden Pathos, das sie als ungeliebt, ohnmächtig und in ein materielles Fegefeuer überführt, in dem sie sich weigern, sich zu zersetzen oder zu verschwinden. An anderer Stelle treten tatsächlich tote Tiere (oder Teile davon) in Smiths skulpturales Vokabular ein, als wollten sie die tödliche Qualität der von Menschenhand geschaffenen Objekte, mit denen sie kombiniert werden, unterstreichen.
Ad-Minoliti
Für Ad Minoliti ist die metaphysische Malerei das Symbol der modernistischen Utopie und all dessen, was sie an ihr vorwurfsvoll fand: die Repressivität ihrer Idealität, der Konservatismus ihrer starren Strukturen und sogar ihre implizite binäre Logik in Anlehnung an Jacques Derridas Idee, dass Westliches Denken basiert auf dualistischen Gegensätzen wie männlich-weiblich, rational-emotional oder Natur-Kultur. Ihr künstlerisches Bestreben war es, dieser modernistischen Haltung einen alternativen Repräsentationsraum entgegenzusetzen. In der imaginären Welt des Puppenhauses fand sie einen dialektischen Alter-Homologen des Raumes der metaphysischen Malerei.
Das Puppenhaus, eine Erfindung des 17. Jahrhunderts, wurde ursprünglich als pädagogisches Werkzeug geschaffen, um Mädchen in ihre Rollen als Hausfrauen, Hausverwalterinnen, Kinderträgerinnen und Ehegatten zu lehren – und Jungen über die Akzeptanz dieser Arbeitsteilung und Philosophie . Minoliti eignet sich die Ästhetik des Puppenhauses und seiner Requisiten an, kombiniert es mit modernistischen Bildern, die Kandinsky, Picasso oder Matisse widerspiegeln, und nimmt es dann auseinander, verdreht es, verschiebt es und konfiguriert es neu.
Jon Rafman
In modernistischen Bewegungen, so hat Jon Rafman beobachtet, herrschten utopische Zukunftsvisionen vor. Die spätkapitalistische postmoderne Vision ist jedoch zu einer dystopischen geworden. Um diesen Wandel der Zukunftsvorstellungen zu erforschen, verwendet Rafmans Arbeit das bewegte Bild und computergenerierte Grafiken und vermeidet den rosigen Optimismus, der manchmal mit neuen Technologien verbunden ist.
Arthur Jafa
Seit drei Jahrzehnten hat Arthur Jafa eine dynamische Praxis in Medien wie Film, Skulptur und Performance entwickelt. Während seiner gesamten Karriere beschäftigte er sich mit spezifisch schwarzen Ausdrucksformen und der Herausforderung, die Welt (visuell, konzeptionell, kulturell, idiomatisch) aus dem Blickwinkel des schwarzen Seins zu gestalten – in all ihrer Freude, ihrem Schrecken, ihrer Schönheit, Schmerz, Virtuosität, Entfremdung, Macht und Magie. Jafa versammelt netzwerkbasierte Bilder, historische Fotografien, einheimische Porträts, Musikvideos, Meme und virales Nachrichtenmaterial, um die Absurdität und Notwendigkeit von Bildern bei der Wahrnehmung von Rassen hervorzuheben.
Neïl Beloufa
Neïl Beloufa – dessen Praxis Film, Skulptur und Installationen umfasst, hat den größten Teil des letzten Jahrzehnts damit verbracht, darüber nachzudenken, was auf dem Spiel steht, wenn man die Realität und ihre Repräsentation begreift. Seine Praxis weigert sich, eine Autoritätsposition einzunehmen; es ist sowohl scharf in der Beobachtung als auch unauffällig in dem, was es vermittelt.
Der Künstler entfernt sich ständig von seinen Vorschlägen, als wollte er dem Betrachter sagen: „Das ist jetzt dein Problem, du beschäftigst dich damit“. Um beispielsweise die Videos von Global Agreement (2018-2019) anzusehen, muss der Zuschauer auf Strukturen sitzen, die an Fitnessgeräte erinnern, die unbequem sind und seine Bewegungen einschränken; gleichzeitig ermöglicht die konfiguration des raums, dass jeder betrachter jeden beobachten kann, der andere beobachtet: Sie sehen zwar das Video, aber jemand beobachtet Sie ständig.
Zhanna Kadyrova
Einer der auffälligsten Aspekte von Zhanna Kadyrovas Kunst, die Fotografie, Video, Skulptur, Performance und Installation umfasst, ist ihr Experimentieren mit Formen, Materialien und Bedeutungen. Sie verwendet oft billige Fliesen für Mosaike, kombiniert mit schweren Baumaterialien wie Beton und Zement.
Die im Zentralpavillon zu sehende Version von Second Hand (2014-laufend) nutzt Keramikfliesen aus einem Hotel in Venedig, um Kleidungsstücke und Wäsche zu konstruieren. Für Market (2017-laufend, ausgestellt im Arsenale), einen mit allem ausgestatteten Imbissstand für den Straßenhändler, stellt sie Würstchen und Salami aus Beton und Naturstein her und fertigt Obst und Gemüse, Bananen, Wassermelonen, Granatäpfel, Auberginen, in klobiges Mosaik.
Ian Cheng
Ian Cheng verwendet Techniken aus der Computerprogrammierung, um Lebensumgebungen zu schaffen, die durch ihre Fähigkeit zur Mutation und Entwicklung definiert sind. Er entwickelte „Live-Simulationen“, lebende virtuelle Ökosysteme, die mit grundlegenden programmierten Eigenschaften beginnen, sich aber ohne Autorität oder Ende selbst weiterentwickeln. Es ist ein Format, um bewusst die Gefühle von Verwirrung, Angst und kognitiver Dissonanz auszuüben, die die Erfahrung unnachgiebiger Veränderung begleiten.
Chengs neueste Kreatur, BOB (Bag of Beliefs) (2018-2019), die im Zentralpavillon präsentiert wird, ist eine Form der KI (künstliche Intelligenz), deren Persönlichkeit, Werte und Körper – der an eine Schlange oder Koralle erinnert – ständig wachsen . Die Verhaltensmuster und das Lebensskript von BOB werden durch Interaktionen mit Menschen angetrieben, die über eine iOS-App die Handlungen von BOB beeinflussen können. Life After BOB: First Tract (2019), präsentiert im Arsenale, fungiert als eine Art „Vorschau“ auf ein erzählerisches Universum, das sich um BOB dreht.
Nairy Baghramian
Nairy Baghramian verschmilzt mechanische und anthropomorphe Formen zu verblüffenden skulpturalen Objekten. Ihre Arbeit stellt sich die Skulptur als hybrides Wesen vor. Die Objekte von Baghramian sind weder vollständig mechanisch noch vollständig körperlich festzunageln. Dwindlers, eine Reihe von Glasanhängen, die entlang des Außengangs des Arsenale ausgestellt sind, forciert die Frage: „Was ist das, was wir sehen? Eine Ansammlung beschädigter Lüftungskanäle oder monströse Eingeweide? Dekorative Ornamente oder ein ruinöses Bauwerk?“.
Im Zentralpavillon zeigt sie Maintainers (2019), eine Collage aus ineinandergreifenden skulpturalen Elementen in dicht aneinandergereihten Gruppierungen (rohes gegossenes Aluminium, das fest gegen Wachsformen gepresst wird, die von einer Korkstange und lackierten Streben getragen werden). Solide und eigensinnig belebt die Formencollage eine dynamische Spannung zwischen materieller Unterstützung und Angriff – ohne Kork und lackierte Streben könnte die Arbeit möglicherweise zusammenbrechen.
Julie Mehretu
Frühere Leinwände von Julie Mehretu bezogen sich auf Karten, Architekturdiagramme und städtebauliche Raster; der Künstler verwendete eine Reihe von Vektoren und Notationen, die auf globale Mobilitäten – sowie auf globale Ungerechtigkeiten – hinwiesen. Sie sind schwindelerregend komplex und meisterhaft im Umgang mit Maßstab und negativem Raum; sie vermitteln ein Gefühl von Geschwindigkeit. In ihren neuesten Gemälden greift sie eine andere Art der Orientierungslosigkeit auf und produziert Werke, in denen Airbrush-Striche und Siebdruckelemente hinzugefügt und gelöscht werden, was ein Gefühl von Zerstreuung und Verlust heraufbeschwört. Auch wenn die Details der Untermalungen dem Betrachter nicht mehr als Bildinformation zur Verfügung stehen, hat diese Bildsprache dennoch die Fähigkeit, auf emotionaler Ebene zu registrieren und den Ton für das fertige Gemälde vorzugeben.
Henry Taylor
Henry Taylor beschreibt seine Malpraxis als „gefräßig“ und bevölkert sein Werk mit einer enormen Vielfalt von Themen, von mittellosen bis hin zu blendend erfolgreichen. Ob durch intime Porträts von Familie und Freunden oder politisch geprägte Gruppenszenen, die unterschiedliche Geographien und Geschichten miteinander verbinden, Taylors Ziel ist es, die Realität der schwarzen Erfahrung und die oft ungerechten Abläufe des amerikanischen Lebens ehrlich darzustellen. Aber trotz seines scharfen Blicks für Ungerechtigkeit und der häufigen Einbindung kunsthistorischer Bezüge sind Taylors Bilder nicht schwer; Ihre kräftigen Formen und Blockfarben sind unmittelbar und ziehen den Betrachter in ihren Bann.
Jimmie Durham
Jimmie Durhams Arbeit umfasst auch Elemente des Schreibens und der Performance und nimmt meistens die Form von Skulpturen an, in denen verschiedene Alltagsgegenstände und natürliche Materialien zu lebendigen Formen zusammengefügt werden. Der Produktionsprozess, den Durham als „illegale Kombinationen mit abgelehnten Objekten“ bezeichnet, kann als Verkörperung der subversiven Haltung gesehen werden, die seine Arbeiten durchdringt.
Im Central Pavilion zeigt Durham Black Serpentine, eine große gleichnamige Felsplatte, die von einem Edelstahlrahmen umgeben ist – eine halbe Tonne, die in ihrer unerbittlichen Stärke trotzt. Im Arsenale nähert sich jede Skulptur, die aus Kombinationen von Möbelteilen, glatten Industriematerialien oder gebrauchter Kleidung entsteht, dem Maßstab des Titeltiers an – doch die resultierenden Formen sind keine Porträts der Wesen, sondern eher poetische Verschränkungen, die die traditionelle Vorstellung der Aufklärung in Frage stellen die Trennung zwischen Mensch und Natur.
Rula Halawani
Rula Halawanis gespenstische Bilder fangen die Nachwirkungen der periodischen Gewalt ein, die ihr Land in ein Kriegsgebiet verwandelte. Mit ihrem Hintergrund als Fotojournalistin und ihren Erinnerungen an das Leben unter israelischer Besatzung sucht Halawani in einer heute unbekannten Landschaft nach den verblassenden Spuren des historischen Palästina. Durch das Medium Fotografie spiegeln sich die räumlichen Implikationen der Besatzung nicht nur in der Darstellung politischer Strukturen in der gebauten Umwelt, sondern deutlicher in der Leere negativer Räume und schattenhafter Illusionen.
Soham Gupta
In seinen geisterhaften Porträts beleuchtet Soham Gupta das Nachtleben von Kalkutta und zeigt, wie einige der verletzlichsten Einwohner der Stadt leben. In seiner Serie Angst folgen wir diesen nachtaktiven Figuren, wie sie sich durch die Welten bewegen, die sie bewohnen und zu lebendigen Charakteren in der Fantasie des Fotografen werden. Gupta sieht seine Porträts als Ergebnis eines kollaborativen Prozesses, entstanden aus intimen Interaktionen, in denen er und seine Motive sich einander anvertrauen. Der Fotograf hat eine instinktive Affinität zu denen am Rande der Gesellschaft; er geht zwischen ihnen umher und identifiziert sich mit ihren Schmerzen und Kämpfen.
Nachdem Gupta Zeit mit jedem Thema verbracht hat, macht er biografische Berichte über ihre Geschichten. Guptas Fotografien verleihen den Ohnmächtigen eine ausdrucksstarke Wirkung. Die Fotografien sind mehr als eine Dokumentation einer Stadt und ihrer Menschen, sie sind Ausdruck eines psychologischen Zustands, der im Wesentlichen verwurzelt ist. Ein Gefühl von Verletzlichkeit und Einsamkeit wird von Momenten der Freude und Spontaneität unterbrochen. Während die Schreie und Schmerzen der Qual durch das fotografische Bild zum Schweigen gebracht werden können, drücken Guptas Fotografien die verschiedenen Schattierungen der Menschheit lebendig aus, die nur während der Nacht zu sehen sind.
Lee Bul
Aufgewachsen als Tochter linker Aktivisten während der Militärdiktatur Südkoreas, erlebte Lee Bul die Auswirkungen eines repressiven Regimes in einem Land, das sich in einem rasanten wirtschaftlichen und kulturellen Wandel befindet. Ihre frühesten Arbeiten aus den späten 1980er Jahren waren Straßenaufführungen, für die sie monströse „weiche Skulpturen“-Kostüme mit Vorsprüngen und baumelnden Eingeweiden anfertigte und trug. Es folgten ihre Cyborg-Skulpturen in zu Maschinen verwandelten weiblichen Körpern, die unvollständige Hybriden ohne Köpfe und Gliedmaßen bildeten. Diese wiederum führten sie dazu, Ideen für futuristische Stadtlandschaften zu erforschen, die von den Träumen, Idealen und Utopien inspiriert wurden, die in japanischen Mangas und Animes, Bioengineering und der visionären Architektur von Bruno Taut (1880-1938) konzipiert wurden.
Lara Favaretto
Lara Favarettos facettenreiche Kunstpraxis umfasst Skulptur, Installation und performative Aktion und wird oft durch schwarzen Humor und Respektlosigkeit ausgedrückt. Ein Beispiel dafür findet sich in ihrer Serie Momentary Monuments (2009-laufend), die kein historisches Ereignis verherrlichen oder nationale Identifikation fördern soll. Die Denkmäler von Favaretto sind weniger ideologisch und eher tragikomisch – sie verrotten, kollabieren und lösen sich auf unterschiedliche Weise auf. Das macht den enormen Aufwand, sie selbst zu einem Denkmal zu errichten, aber zur Vergeblichkeit menschlichen Bemühens. Der implizite Witz in Favarettos Werk ist, dass selbst Objekte aus den stabilsten Materialien, die Werte und Ideologien für immer erstarren sollen, irgendwann verschwinden.
Lawrence Abu Hamdan
Lawrence Abu Hamdan beschreibt sich selbst als „privates Ohr“ und konzentriert sich auf die Politik des Zuhörens, die rechtliche und religiöse Wirkung von Klang, die menschliche Stimme und das Schweigen. Seine Praxis entstand aus einem Hintergrund in der DIY-Musik, umfasst jedoch derzeit Film, audiovisuelle Installationen und Live-Audio-Essays, einen Begriff, den er der „Lecture-Performance“ vorzieht, da er die Verflechtung von Stimme und Inhalt besser beschreibt, und der Diskurs und die Bedingungen, unter denen er ausgesprochen wird. Er beschäftigt sich mit der menschlichen Stimme als politisiertem Material, das von Regierungen oder Datenunternehmen leicht greifbar ist.
Teil V
Teresa Margolles
Teresa Margolles richtet eine feministische Linse auf die Brutalitäten der Narkogewalt, die ihr Heimatland Mexiko durchdringen. Nach ihrem Studium der Gerichtsmedizin und Mitbegründerin des Death-Metal-inspirierten Künstlerkollektivs SEMEFO hat Margolles in ihrer gesamten Praxis staatliche Fahrlässigkeit, die sozialen und wirtschaftlichen Kosten der Kriminalisierung von Drogen sowie die spezifischen Texturen, Gerüche und physischen Überreste thematisiert.
Sun Yuan & Peng Yu
Das Künstlerpaar Sun Yuan und Peng Yu begann ihre Zusammenarbeit im Jahr 2000. 2009 schufen sie die Installation Sun Yuan Peng Yu, ein Selbstporträt, das die Beziehung und Dynamik ihrer künstlerischen Allianz beschreibt. Ein wiederkehrender Rauchkreis wurde beharrlich von einem Besen zerstreut, der von einem mechanischen Arm angetrieben wurde, der weiter in der Luft fegte; der Rauch würde ständig wieder auftauchen, nur um sich aufzulösen, wenn der Besen wieder aufschlug.
Für Sun und Peng symbolisierte der Moment der Begegnung der beiden Komponenten und deren Auflösung durch die andere einen Moment des gemeinsamen künstlerischen Schaffens in ihrer Arbeitsweise. Fast alle Installationen von Sun Yuan und Peng Yu sind darauf aus, bei den Zuschauern Wunder und Spannung hervorzurufen. Der Blick des Publikums ist ein konstitutives Element ihrer jüngsten Arbeiten, die oft die Inszenierung einschüchternder Spektakel beinhalten.
Christian Marclay
Christian Marclays Arbeiten bestehen aus bereits existierenden Objekten, Bildern und Klängen, die er sich aneignet und manipuliert. Seine Erforschungen der Beziehung zwischen Ton und Bild führten ihn dazu, Sampling-Techniken auf Hollywood-Filme anzuwenden. Er erstellte Montagen von Clips, um neue Erzählungen und Projektionen auf mehreren Bildschirmen zu bilden.
Er verwendete Fundstücke, Bilder und Töne, collagierte sie zusammen und versuchte, aus dem Vorhandenen etwas Neues und Anderes zu schaffen. Ganz originell zu sein und bei Null anzufangen schien immer sinnlos. Er war mehr daran interessiert, etwas Existierendes und Teil meiner Umgebung zu nehmen, es zu zerschneiden, zu verdrehen, in etwas anderes zu verwandeln; sich durch Manipulationen und Gegenüberstellungen anzueignen und zu seinem zu machen.
Frida Orupabo
Frida Orupabos zentrales Anliegen ist die Darstellung des schwarzen weiblichen Körpers, insbesondere in Bezug auf die Verbreitung von Bildern in der Medienkultur. Sie kombiniert gefundene Fotografien und Bilder aus ihrem persönlichen Archiv zu digitalen Collagen, die sich mit den Themen Rasse, Geschlecht, Identität, Sexualität, Blick und koloniale Gewalt auseinandersetzen. Die autodidaktische Künstlerin und ausgebildete Soziologin Orupabo begann ursprünglich, ihre Collagen auf Social-Media-Plattformen hochzuladen und zu streamen, um Quellenmaterial zu beschaffen und in den endlosen Kreislauf von Bildern einzugreifen, die den von der Kunstgeschichte produzierten schwarzen weiblichen Körper konstruieren. Kolonialismus, Wissenschaft und Populärkultur.
Cyprien Gaillard
Cyprien Gaillard macht die Entropie sowohl des vom Menschen Geschaffenen als auch des Natürlichen zu seinem zentralen Anliegen und übt in seinen Videos, Skulpturen, Fotografien, Collagen und Kunst im öffentlichen Raum eine pointierte Kritik an der Idee des Fortschritts. Als nomadischer Beobachter wandert Gaillard sowohl durch städtische Umgebungen als auch durch natürliche Landschaften auf der Suche nach Spuren tiefer Zeit, die in seiner Umgebung eingebettet sind. Er bringt Fragmente der Außenwelt ins Innere, bildet anachronistische Gegenüberstellungen, kombiniert Bilder von Zerstörung und Wiederaufbau, Erneuerung und Erniedrigung.
Gaillards Praxis ist eine visuelle Archäologie des Verfalls, sei es die Erosion physischer Formen oder der sozialen und historischen Bedeutung. Gaillard, der in seinen Arbeiten oft die Zeit zusammenbricht, bekämpft die Romantik der Ruinen und suggeriert einen desinteressierten Blick, durch den die Überreste von Ereignissen und Orten durch einen einheitlichen Rahmen zyklischer Zeit verstanden werden können.
Danh Vo
Danh Vos vielseitiger Mitarbeiterkreis für die Biennale Arte 2019 umfasst seinen Freund, seinen Neffen, seinen Vater und seinen ehemaligen Professor. In Vos Installationen trifft Geschichte auf die eigene Biografie des Künstlers durch aufgeladene symbolische Objekte wie kulturelle Ikonen oder beschädigte religiöse Bilder und die buchstäbliche und metaphorische Beteiligung seiner Familienmitglieder und Freunde.
Slawen und Tataren
2006 gegründet, begann Slavs and Tatars als Buchclub und entwickelte sich zu einem Künstlerkollektiv, dessen vielfältige Praxis der Sprache jedoch im wörtlichen wie im übertragenen Sinne sehr nahe geblieben ist. Ihre Arbeit, die von Skulpturen und Installationen bis hin zu Lecture-Performances und Publikationen reicht, ist ein unkonventioneller Forschungsansatz zum kulturellen Reichtum und der Komplexität des geografischen Gebiets, das zwischen zwei symbolischen und physischen Barrieren eingeschlossen ist: der ehemaligen Berliner Mauer und der Chinesischen Mauer. In diesem riesigen Land treffen Ost und West aufeinander, verschmelzen und definieren sich neu.
Liu Wei
Liu Weis frühe Arbeiten beschäftigten sich oft mit urbaner Architektur, Stadtlandschaften und Alltagsgegenständen und repräsentierten verschiedene Aspekte der physischen Welt, indem sie ein wiederkehrendes geometrisches Schema in Gemälden und Installationen verwendeten. In den letzten zwei Jahrzehnten hat er mit einer schillernden Auswahl an Materialien gearbeitet – von Hundekauartikeln aus Ochsenhaut bis hin zu Büchern, von elektronischen Haushaltsgeräten bis hin zu chinesischem Porzellan und ausrangierten Baumaterialien. Seine jüngsten großformatigen Installationen erinnern an die Formalität und Pracht modernistischer Bühnenbilder, gefüllt mit geometrischen Formen und Formen.
Apichatpong Weerasethakul
Apichatpong Weerasethakuls Werke sind durchdrungen vom gesellschaftlichen Leben, der divergenten Kultur und der turbulenten Politik seiner Heimat Thailand, während die vergänglichen Arenen des Schlafens, Träumens und der Erinnerung als Räume für Erkundung, Befreiung und stille Subversion wiederkehren. Diese Sujets fädeln sich in das komplexe Zusammenspiel von Licht, Ton und Leinwand von Synchronicity (2018) ein, das mit dem japanischen Künstler Tsuyoshi Hisakado (1981, Japan) entstand und im Arsenale präsentiert wird, in dessen Umfeld Weerasethakuls Schwellenräume physische Gestalt annehmen.
Zwei Arbeiten im Zentralpavillon signalisieren für Weerasethakul, der zum ersten Mal außerhalb Thailands in Kolumbien für sein aktuelles Projekt Memoria arbeitet, einen bedeutenden Wandel. Kolumbiens Topographie und die Narben des jahrzehntelangen Bürgerkriegs haben eine tiefe Affinität zu Weerasethakul; die Traumata des kollektiven Gedächtnisses gehören zum Alltagsgefüge, ähnlich wie in Nabua.
Handiwirman Saputra
In den letzten zehn Jahren hat Handiwirman Saputra eine Reihe rätselhafter Skulpturen und Gemälde mit dem Titel No Roots, No Shoots geschaffen, ausgelöst durch zufällige Gegenstände, die er im Alltag gefunden hat. Der Anstoß für einige dieser Arbeiten war ein Flussabschnitt in der Nähe seines Hauses, wo freiliegende Wurzeln von Bambushainen und Bäumen mit Hausmüll verstrickt waren. Saputra war nicht nur fasziniert von den Dingen, die er dort entdeckte, sondern auch von den Assoziationen zwischen ihnen.
Kemang Wa Lehulere
Das vielschichtige Werk von Kemang Wa Lehulere regt die Besucher an, sich in gemeinsamer Kontemplation darum zu versammeln. Dieser Begriff des Kollektivs ist der Schlüssel für die breitere Praxis des Künstlers: Er wurde Ende Zwanzig, nach langjähriger Erfahrung als Aktivist in Kapstadt, zum Künstler. 2006 gründete er Gugulective, eine künstlerische Plattform für Performance und soziale Intervention.
Sowohl die im Arsenale als auch im Zentralpavillon ausgestellten Installationen bestehen aus geborgenem Holz und Metall von Schulbänken und -stühlen. Jedes Element dieser Arbeiten fügt sich in einem Netz aus Assoziationen, Referenzen und Geschichten zusammen, denn für Wa Lehulere sind persönliche Biografie und kollektive Geschichte untrennbar miteinander verbunden.
Gauri Gill
Als Gill weiter in die Ferne reiste, sah Gill neue Vorstadtkolonien, die in einer Trümmerwüste existierten, englische Schlösser imitieren mit den provisorischen Häusern von Wanderarbeitern, die sie umgeben. Ihre architektonische Deadpan umfasst die Horten von Entwicklern, die unerreichbare Träume verkaufen; Bildungsausstellungen über Bauen und Bauen; falsche Palmen, die zwischen echten Bäumen gepflanzt wurden; eine Göttin, die über einer Klimaanlage präsidiert; ein neues Gebäude in der Mahatma Gandhi Road, das mit zerrissenen Planen bedeckt ist und gerade abgerissen wird; Müllbündel, die neben der Grand Trunk Road verrotten; und funktionslose Hochhäuser, überall.
Michael Armitage
Irgendwo zwischen einer fantastischen Realität und dem politischen Chaos des modernen Lebens angesiedelt, verweben die Gemälde von Michael Armitage mehrere Erzählstränge. Als aufmerksamer Beobachter komplexer sozialer Dynamiken unterwandert er konventionelle Repräsentationscodes durch die Sprache der narrativen Malerei. Die malerische Schönheit seiner lebendigen Tableaus, die Ungleichheit und politische Unsicherheit verherrlichend, täuscht über eine düstere Realität hinweg, in der die Kollision von üppigen Details und leuchtenden Farben einen Einblick in die gesellschaftlichen Sitten und politischen Ideologien gibt, die das tägliche Leben in Nairobi bestimmen.
Jesse Liebling
Jesse Darlings Skulpturen sind verwundet, schreckhaft und unsicher, aber sie strotzen auch vor Leben. Aus kostengünstigen Alltagsmaterialien gefertigt, erinnern diese bescheidenen Assemblagen an Körper mit einer ungewöhnlichen Schärfe; sie sind auch entschieden nicht monumental. Aufgrund einer neurologischen Erkrankung war Darling nicht in der Lage, den größten Teil ihres rechten Arms zu benutzen.
Khyentse Norbu
In Khyentse Norbus Werk als Künstler und Filmemacher spielen philosophische Kontextfragen eine zentrale Rolle. Es wird suggeriert, dass Verständnis und Interpretation immer offen für Veränderungen sind und dass Raum für eine breitere Sicht vorhanden ist. In der buddhistischen Welt als Dzongsar Khyentse Rinpoche bekannt, ist Norbu ein tibetischer und bhutanischer Lama, der für seine Lehren und Schriften respektiert wird.
Alexandra Bircken
Die Praxis von Alexandra Bircken ist um die menschliche Form herum aufgebaut. Ihre Arbeiten umfassen eine ungewöhnliche Palette von Materialien, von hergestellten Gegenständen wie Silikon, Nylonstrumpfhosen, Waffen und Maschinen bis hin zu organischen Materialien wie Wolle, Leder, Ästen und Trockenfrüchten. Ihrem früheren Zweck entkleidet, werden sie zu außergewöhnlichen und unbequemen Arrangements zusammengestellt, von denen jedes Werk von gegensätzlichen Spannungen lebt.
Im Zentralpavillon präsentiert Bircken sechs Arbeiten, die die Themen Gender, Macht und Verletzlichkeit, Tier und Maschine miteinander verweben. Dies sind Werke, die an unsere Verletzlichkeit, unsere Körperlichkeit und die überheblichen Werkzeuge erinnern, die wir schaffen, um uns vor Außen und voreinander zu schützen. Im Arsenale zeigt die Künstlerin die viszerale, apokalyptische und dynamische Installation ESKALATION (2016), einen dystopischen Blick darauf, wie das Ende der Menschheit aussehen könnte.
Nabuqi
Nabuqi ist der Erforschung der ästhetischen und materiellen Aspekte von skulpturalen Objekten zutiefst verpflichtet; Für den Künstler ist es wichtig, dass die Nachahmung der Außenwelt durch eine Assemblage von Manufakturobjekten realisiert wird, deren ursprüngliche Qualitäten originalgetreu erhalten bleiben: „Ich wollte den Ausgangszustand und die Eigenschaften der Materialien wiederherstellen, anstatt diese mit meinen eigenen Händen zu kompromittieren. Das heißt, kein akribisch erstelltes Kunstwerk im Ausstellungsraum zu zeigen, sondern auch eine Umgebung zu schaffen, die sowohl den Außenraum (außen) als auch den Innenraum (innen) betrifft.
Alle hier verwendeten Materialien sind dekorativer Natur, sollen eine Art von Realität simulieren oder anregen oder eine Imagination einer Ästhetik fördern: eine virtuelle Ästhetik, angenehm und gastfreundlich“. Kann eine solche Nachbildung der Realität als Teil der Realität wahrgenommen werden, und löst es beim Publikum die gleichen emotionalen Resonanzen aus, als ob es dem Realen begegnet wäre?Ihre Kunstwerke versuchen, auf solche Fragen eine Antwort zu geben.
Shilpa Gupta
Shilpa Gupta beschäftigt sich mit der physischen und ideologischen Existenz von Grenzen und enthüllt ihre gleichzeitig willkürlichen und repressiven Funktionen. Ihre Praxis schöpft aus den Zwischenräumen zwischen Nationalstaaten, ethno-religiösen Spaltungen und Überwachungsstrukturen – zwischen Definitionen von legal und illegal, Zugehörigkeit und Isolation. Alltägliche Situationen werden zu prägnanten konzeptuellen Gesten destilliert; als Text, Aktion, Objekt und Installation, mit denen Gupta die unmerklichen Kräfte anspricht, die unser Leben als Bürger oder Staatenlose bestimmen.
Andra Ursuţa
Obsessive Zwänge und heftige Wünsche; Unterwerfung unter sexuelle und politische Dominanz; die Zerbrechlichkeit der menschlichen Existenz; Identität als Konstruktion und Fiktion: Dies sind einige der Themen, die den nihilistischen und tragikomischen Szenarien zugrunde liegen, die in Andra Ursuţas Skulpturen und Installationen untersucht werden. Die Arbeit der Künstlerin basiert auf Paradox und Ironie und greift auf politische Ereignisse, Klischees und Allegorien sowie persönliche Erinnerungen zurück, um die Machtdynamiken aufzudecken und zu durchbrechen, die die prekären Grenzen zwischen Verletzung und Banalität, Gleichgültigkeit und Empathie, Ablehnung und Humor.
Christine & Margaret Wertheim
Das Crochet Coral Reef von Christine und Margaret Wertheim liegt irgendwo zwischen Skulptur und Lerngerät, einem botanischen, biologischen Modell. Solche dreidimensionalen Modelle waren einst aus Glas; im Projekt der Wertheims werden die Formen gehäkelt. Garn, Faden, Draht, altes Videoband, Perlen, ein Stich auf den anderen, all das verbindet sich nach und nach zu einer Reihe von Korallenriffen. Das Crochet Coral Reef ist eine elegante Allianz aus Wissenschaft und Kunst und spiegelt die Biografie der Zwillinge wider: Margaret, ausgebildet als Physikerin, ist eine gefeierte Wissenschaftsautorin; Christine, Dichterin und ehemalige Malerin, ist Professorin für Kritische Studien.
Eines Abends im Jahr 2005 sagte Christine im Wohnzimmer der Schwestern Wertheim mit Blick auf die wolligen Formen, die auf dem Couchtisch verstreut waren, die Worte: „Wir könnten ein Korallenriff häkeln!“. Margaret postete online eine Einladung, an dem Projekt teilzunehmen, und kleine und große Models erschienen in der Post, um sich mit den Formen zu kombinieren, die die Schwestern machten. Was dabei herauskam, war ein weitreichendes Angebot: das Crochet Coral Reef als etwas, das Zeit und Vorstellungskraft braucht und repräsentiert, und eine nicht hierarchische Zusammenarbeit. Bis heute haben mehr als 10.000 Teilnehmer gemeinsam über vierzig Satellitenriffe in verschiedenen Städten und Ländern gehäkelt.
Suki Seokyeong Kang
Die multivariate Praxis von Suki Seokyeong Kang, die Malerei, Skulptur, Video und das, was der Künstler als „Aktivierung“ bezeichnet hat, einbezieht, konzentriert sich auf den Platz und die Rolle des Individuums heute. Kang nutzt Aspekte des koreanischen Kulturerbes sowie ihre eigene persönliche Geschichte, um ideologische Strukturen neu zu erfinden und politisierte Arenen vorzustellen, in denen befähigte Akteure ihre Handlungsfähigkeit in der Raum-Zeit der Gegenwart artikulieren und ausüben können.
Otobong Nkanga
Otobong Nkangas Werk verweist auf die (oft gewaltsame) Bewegung und den Austausch von Mineralien, Energie, Gütern und Menschen und erinnert daran, dass Objekte und Handlungen nicht isoliert existieren: Es gibt immer eine Verbindung, immer eine Wirkung. „Keiner von uns existiert in einem statischen Zustand“, sagte der Künstler. „Identitäten entwickeln sich ständig weiter. Afrikanische Identitäten sind vielfältig. Wenn ich mir zum Beispiel nigerianische, senegalesische, kenianische, französische oder indische Kulturen ansehe, kann man nicht über eine spezifische Identität sprechen, ohne über die kolonialen Auswirkungen und die Auswirkungen dieses Austauschs zu sprechen.“ – von Handel und Gütern und Kultur“.
Alex Da Corte
Die immersiven Arbeiten von Alex Da Corte zeugen von einem Akt magnetischer Welterschaffung. Er choreografiert einen Tanz von Objekten, die bedeuten und andeuten, ohne diese Dinge zu sein. Er erzählt Geschichten durch Codes und Symbole, in denen ein Wirbelwind angeeigneter, zusammengestellter, inszenierter und gestalteter Americana gleichzeitig mit hoch- und anspruchslosen kulturellen Referenzen und Fundstücken aus Dollargeschäften durchdrungen wird.
Im Central Pavilion werden die Zuschauer zu Giganten, die zusehen, wie die Menschen ihr ruhiges Leben in den Häusern von The Decorated Shed (2019) führen, einer exakten Nachbildung eines amerikanischen Vorstadtdorfes im Miniaturformat – aus der beliebten Fernsehserie Mister Rogers‘ Neighbourhood – präsentiert auf einem Federal-Pavillon. Mahagoni-Tisch mit zusätzlicher Beschilderung für Unternehmensrestaurantketten. Im Arsenale verkleinert der neonbeleuchtete Rubber Pencil Devil die Zuschauer, die auf Bänken sitzen und übergroße und übersättigte Erwachsenenversionen bekannter Fernsehsendungen ansehen, in denen verschiedene Charaktere eine hypnotisch langsame Choreografie ausführen.
Teil VI
Halil Altındere
Halil Altındere hinterfragt in seinen Videos, Fotografien, Installationen und Malereien die Politik des Alltags. Als scharfer Beobachter gesellschaftspolitischer Mechanismen und deren Eingriffe in das Individuum nutzt er oft gerade die Mittel, mit denen Autorität behauptet und Differenz durch die Institutionen des Nationalstaats eingegrenzt wird. Personalausweise, Briefmarken, Banknoten, Titelseiten von Zeitungen, militaristische Parolen und Fotos politischer Führer werden angeeignet, um gesellschaftliche oder politische Manipulation und Normalisierung zu unterlaufen.
Mit kurdischem Hintergrund und auf dem Höhepunkt des türkisch-kurdischen Konflikts aufgewachsen, thematisiert Altındere in zahlreichen Werken die Vernachlässigung und Misshandlung von Minderheiten. In den letzten Jahren hat sich Altındere in mehreren Werken mit der globalen Flüchtlingskrise beschäftigt, darunter Space Refugee (2016), eine Serie, die von der Begegnung des Künstlers mit Muhammed Ahmed Faris, Syriens erstem und einzigem Kosmonauten, der mit einem sowjetischen Team ins All reiste, inspiriert wurde 1987.
Yin Xiuzhen
Seit Anfang der 1990er Jahre arbeitet Yin Xiuzhen mit recycelten Materialien, um ambitionierte Skulpturen voller sozialer Bezüge zu schaffen. Als Spiegel der exzessiven Entwicklung, des Konsums und der Globalisierung, die China nach 1989 maßgeblich prägten, verbindet sie in ihren Arbeiten weiche Textilien mit einer Reihe von Objekten – oft mit drastisch kontrastierenden Texturen und Konnotationen – wie Koffern, Betonfragmenten, Schutt, Metallen und Industrieobjekte.
Carol Bove
Carol Boves Skulptur stellt die klaren Linien der Moderne auf den Kopf. Ihre formale Syntax ist eine geschickte Sprache von Biegungen, Dellen, Torsionen, Knicken, Knautschen, Knicken und anderen Falten, die die skulpturale Oberfläche beleben. „Collage-Skulpturen“ nennt der Künstler diese Arbeiten, eine Tätigkeit, die in einer produktiven Spannung zwischen dem industriell Geformten und dem bloß Gefundenen, zwischen dem Veralteten und dem Neugeprägten navigiert.
Die körperliche Reibung ihres Materials wird durch eine kräftige, bonbonfarbene Palette von Rot-, Gelb-, Rosa- und Grüntönen belebt, die in dynamischem Kontrast zu ihrem rauen, unbehandelten Stahl stehen. Das glatte Finish ihrer Farbdosen mit der rauen, verblichenen Materialität ihrer Fundstücke. In diesem Modus fördert die Oberflächenfarbe die Illusion, dass ihre Stahlrohre aus einer weichen, formbaren Substanz bestehen. Boves geschickte Drehungen, Falten und Krümmungen verlangen vom Betrachter eine kinästhetische Herangehensweise: Sie zwingen Körper, Auge und Geist, das Werk zu verschieben, zu bewegen und zu umrunden. Wenn diese Objekte eine Geschichte erzählen würden, wäre es ein Bericht über Bewegung und Druck, Kraft und Weichheit.
Avery Sänger
Avery Singers Malerei lotet die Grenzen des Mediums aus. Anstatt mit Pinseln zu malen, verwendet sie stattdessen SketchUp, eine bei Architekten und Ingenieuren beliebte 3D-Modellierungssoftware, um digitale Kompositionen zu erstellen, die dann auf Leinwand projiziert und mit Airbrush bearbeitet werden. Durch die Darstellung geschlechtsneutraler Gesichter und nicht sexualisierter Formen hebt Singer die Mehrdeutigkeit der Identität hervor, indem sie Gesichtszüge auf eine Reihe von Linien, Rastern und geometrischen Formen reduziert.
In den letzten zwei Jahren hat Singer Farbe in ihre Grisaille-Palette eingeführt. Der bonbonfarbene Calder (Saturday Night) (2017) sowie eine Gruppe von Gemälden, die im Kontrast zu den gedeckten, halbabstrakten Bildern im Zentralpavillon stehen. Im Spiel mit den Grenzen der Repräsentation kämpft Singers fortwährendes Bestreben, die Möglichkeiten der Malerei zu erweitern, auch gegen reduktive Theorien und Annahmen über das Geschlecht der Künstler.
Njideka Akunyili Crosby
Die Gemälde von Njideka Akunyili Crosby spiegeln ihre Erfahrung als Mitglied der zeitgenössischen nigerianischen Diaspora wider und zeigen eine spezifische kulturelle und nationale Identität, die vielen unbekannt ist, aber für diejenigen, die einen ähnlichen Weg eingeschlagen haben, sofort erkennbar ist. Als Teenager zum Studium in die Vereinigten Staaten ausgewandert, bewegt sich Akunyili Crosby selbstbewusst (wenn auch vielleicht nicht ohne verinnerlichte Reibungen) zwischen verschiedenen ästhetischen, intellektuellen, wirtschaftlichen und politischen Kontexten, und es ist die Kollision und Fehlausrichtung dieser Kontexte, die ihren Bildern ihre Spannung und Eindringlichkeit.
Die Künstlerin malt Porträts und Wohninterieurs, die normalerweise sie und ihre Familie zeigen. Diese Szenen sind gleichzeitig flach und grenzenlos tief, mit Fenstern und Türen, die sich zu anderen Räumen öffnen, während die in diesen Bildern beschriebenen Räume unbestimmt sind; manche Details – wie zum Beispiel ein gusseiserner Heizkörper – weisen auf ein kaltes Klima hin (wie New York, wo der Künstler eine Zeit lang lebte), während andere, wie eine auf einem Tisch stehende Paraffinlampe, aus Akunyili Crosbys Erinnerungen an Nigeria.
Anthony Hernandez
Die fotografische Arbeit von Anthony Hernandez ist hart und unsentimental. In den letzten drei Jahrzehnten beschäftigte den Fotografen eine vorherrschende Frage: Wie kann man sich die zeitgenössischen Ruinen der Stadt und die harten Auswirkungen des städtischen Lebens auf ihre benachteiligten Bürger vorstellen? Hernandez hat sich dieser Frage genähert, indem er sich auf das konzentriert, was der Fotograf Lewis Baltz „die Landschaften der Besiegten“ genannt hat – Obdachlosenlager, Arbeitsamt, Autowrackplätze, Bushaltestellen und andere vernachlässigte Orte am Stadtrand. Das Werk von Hernandez ist weder romantisch noch nostalgisch und hat die Orte und Räume detailliert beschrieben, an denen das Glücksversprechen des Kapitalismus sauer geworden ist.
Zanele Muholi
Known for the work Faces and Phases (2006-ongoing), an evolving archive of portraits of South African black lesbians, Zanele Muholi is a photographer who works fiercely against muting and invisibility. Preferring to be referred to as a „visual activist“ rather than an artist, Muholi is co-founder of the Forum for the Empowerment of Women, as well as Inkanyiso, a platform for queer and visual activism.
Die Bedeutung der Selbstdarstellung ist von zentraler Bedeutung für Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness (2012-laufend), eine Reihe von kompromisslosen Selbstporträts, die die Künstlerin in 365 Bilder eines Jahres aus dem Leben einer schwarzen Lesbe im Süden einbauen will Afrika. Die Serie umfasst Werke, bei denen der Künstler dem Blick des Betrachters trotzig oder direkt begegnet, zu sehen im Arsenale, und kleinere Silbergelatineabzüge, bei denen Muholi ihn meidet und frustriert, im Zentralpavillon.
Stan Douglas
Stan Douglass Filme, Videos, Fotografien und filmische Installationen betreffen oft das, was er „spekulative Geschichten“ nennt, und stellen entscheidende Momente dar, in denen Ereignisse eine ganz andere Wendung genommen haben könnten. Douglas betrachtet Fotografien als „wie Filme ohne bewegte Bilder“ und erstellt sie ähnlich wie eine Szene aus einem Film. Er spielt bestimmte Ereignisse nach, unterzieht sie einem langen Rechercheprozess, bevor er sie mit Kulissen, Schauspielern und akribischer Beleuchtung inszeniert.
Korakrit Arunanondchai
Korakrit Arunanondchai arbeitet zwischen Performance, Video und Installation und schafft eine Zone, in der Familie, Aberglaube, Spiritualität, Geschichte, Politik und Kunst ineinandergreifen. 2013 begann seine verkettete Serie mit Geschichte in einem Raum voller Menschen mit lustigen Namen. Die wiederkehrende Hauptfigur, ein fiktiver thailändischer Maler, wird in Situationen dargestellt, die das Zusammenspiel von traditionellem Glauben, der natürlichen Umwelt und Entwicklungen in der Technologie widerspiegeln. Politik und Kultur eines sich wandelnden Thailands.
Die im Zentralpavillon präsentierte skulpturale Installation ist eine Reihe von „post-natürlichen“ baumähnlichen Formen, während das Arsenale eine Installation mit drei Bildschirmen beherbergt, die mit Alex Gvojic (1984, USA) realisiert wurde. Galerien werden als Potenzial- und Begegnungsräume verkleidet. Kürzlich hat er unheimliche Waldlandschaften konstruiert: den Lebensraum rattenähnlicher Kreaturen, die das Anthropozän überleben könnten.
Ed Atkins
Ed Atkins macht alle Arten von Windungen von Selbstporträts. Er schreibt unangenehm intime, elliptische Prophezeiungen, zeichnet schreckliche Karikaturen und macht realistische computergenerierte Videos, die oft männliche Figuren in unerklärlichen psychischen Krisen zeigen. Im Arsenale ist die Installation Old Food (2017-2019) voll von Geschichtlichkeit, Melancholie und Dummheit. Hier hat Atkins sein Emo-Terrain erweitert und die autobiografische Figuration mit breiteren Themen und Zitaten gemildert.
Die Zeichnungen von Bloom (nummeriert von eins bis zehn und im Zentralpavillon gezeigt) zeigen Vogelspinnen, die zaghafte Hände aussteigen oder anderweitig auf einem gestellten Fuß sitzen, jede mit dem geschrumpften Kopf von Ed Atkins, wo der Bauch der Spinnen sein sollte. Von Spinnenhaaren umsäumt, durchbricht Atkins‘ Gesicht die vierte Wand und starrt uns mit einem ambivalenten, fragwürdig bewussten Ausdruck an.
Gabriel Rico
Als Sammler ausrangierter Kulturgüter, selbsternannter Ontologe, ausgebildeter Architekt und Erforscher der menschlichen Erfahrung mit einer Affinität zu Tieren, könnte man Gabriel Rico als „hungrige Augen“ bezeichnen. Sein Hinterfragen, Erforschen und Sammeln führt zu einem postsurrealistischen / Arte povera-Ansatz, der eine Reihe von Materialien abbaut, von Präparatoren und Naturobjekten bis hin zu Neonformen und anderen Überresten von künstlichen Gegenständen. Das Ergebnis sind zum Nachdenken anregende Skulpturen, die die Beziehung zwischen Umwelt, Architektur und den zukünftigen Ruinen der Zivilisation thematisieren.
Bei allen Arbeiten von Rico liegt die Schönheit der Geschichte im Detail. Die Komponenten spiegeln die Herausforderungen wider, mit denen ein bestimmter Standort, Mexiko, konfrontiert ist, und schwingen gleichzeitig mit unseren gemeinsamen globalen Anliegen mit. Rico betrachtet die Zerbrechlichkeit des Raums, sowohl formal als auch philosophisch, und präsentiert den prekären Moment, der jetzt ist.
Anicka Yi
Destabilisierende Grenzen zwischen Organischem und Synthetischem, Science und Fiction, Menschlichem und Nicht-Menschlichem, Anicka Yis proteanische Kreationen werden von dem untermauert, was die Künstlerin als „Biopolitik der Sinne“ bezeichnet. Yis neue Arbeit konzentriert sich auf aktuelle Untersuchungen zur „Biologisierung der Maschine“, während sie sich auf das Sensorium der Maschine konzentriert und darüber nachdenkt, wie neue Kommunikationskanäle zwischen Entitäten der künstlichen Intelligenz (KI) und organischen Lebensformen geschaffen werden können.
Kahlil Joseph
Die hybride Praxis des Künstlers und Filmemachers Kahlil Joseph bewegt sich reibungslos zwischen Mainstream und Museum und umfasst Kino, bildende Kunst und kulturelle Medien. Seine fesselnden Filme und immersiven Videoinstallationen durchdringen jede Dichotomie zwischen High- und Low-Culture, zwischen Kino und zeitgenössischer Kunst.
Andreas Lolis
Andreas Lolis schafft Trompe-l’œil-Objekte aus Marmor. In den letzten Jahren hat er eine Reihe von bodenbasierten Skulpturen geschaffen, die ephemere Objekte nachahmen, die er an Straßenecken oder Parkbänken gesehen hat – hyperreale Müllsäcke, Kartons und Holzkisten. Viele dieser Skulpturen weisen offensichtliche Gebrauchsspuren auf – ihre Oberflächen sind gequetscht oder fleckig, abgeplatzt oder gebrochen. Indem er Detritus in einem hochklassischen Medium reproduziert, stört er bewusst konventionelle Wert- und Statussysteme. Lolis, der im Laufe seiner Karriere ausschließlich mit Marmor gearbeitet hat, hat seine Beziehung zum Material als hingebungsvoll beschrieben. Dank seiner intensiven Liebe zum Detail kann jedes lebensgroße Objekt das Auge fast vollständig täuschen.
Tomás Saraceno
Tomás Saracenos Forschung wird von unzähligen Welten genährt. Seine Arachnophilia Society, Aerocene Foundation, Community-Projekte und interaktiven Installationen erforschen nachhaltige Möglichkeiten der Bewohnung der Umwelt, indem sie Disziplinen (Kunst, Architektur, Naturwissenschaften, Astrophysik, Philosophie, Anthropologie, Ingenieurwesen) und Sensibilitäten verbinden.
In all diesen Projekten setzt sich Saraceno mit Lebensformen um uns herum auseinander und ermutigt uns in einer Ära des ökologischen Umbruchs, unsere Perspektiven auf andere Arten und Systeme abzustimmen, sei es auf Mikro- oder Makroebene, von Spinnenkolonien bis hin zu Gravitation Wellen und beschäftigen sich mit hybriden und alternativen Möglichkeiten, unseren gemeinsamen Planeten zu bewohnen.
Maria Loboda
Die kontinuierliche Transformation von Objekten und Bildern durch ihre Trajektorien der Übertragung und Begegnung steht im Mittelpunkt von Maria Lobodas Praxis. Lobodas Arbeiten wecken Misstrauen gegenüber dem vermeintlich Offensichtlichen, laden uns aber auch ein, sich mit den Unsicherheiten anzufreunden, die sie – und die Dinge, von denen wir umgeben sind – besitzen. Loboda interessiert sich für die Beeinflussung von Bildern durch die Kontexte, in denen sie zirkulieren, geprägt von der Geschichte der Blicke auf sie.
Tarek Atoui
Durch die Verbindung von Musik und zeitgenössischer Kunst erweitert Tarek Atouis Praxis die Vorstellungen vom Zuhören durch partizipative und kollaborative Klangperformances. Beeinflusst vom Erbe offener Formen, die Künstler in den 1960er Jahren präsentierten, die das Verständnis von Musik erweiterten und dem Bereich der bildenden Kunst näher brachten, konzipiert und koordiniert Atoui komplexe Umgebungen zur Kultivierung von Klang. Durch seine Installationen, Performances und Kollaborationen bricht er erwartete Vorstellungen von Performance sowohl für den Performer als auch für das Publikum auf und schlägt multimodale Wege der Erfahrung vor: visuell, aural und somatisch.
Anthea Hamilton
Ein Gefühl der Entfremdung durchzieht Anthea Hamiltons Werk. Vintage-Referenzen aus Populärkultur, Mode und Design öffnen sich zu immersiven Umgebungen und unheimlichen Objekten, deren ursprüngliche Bedeutungen entleert und in ihren Skulpturen und Installationen transformiert werden. Zeitliche Distanzen zur Kunst und Kultur vergangener Jahrzehnte können irreführend sein: Der Zeitablauf kann bestimmte Referenzen feierlich, kitschig und sogar neutral machen.
In Hamiltons Arbeit werden die gutartigen Elemente von Mode und Design neu überdacht. In früheren Arbeiten hat sie Anleihen bei historischen Designern, Prominenten und ikonischen Modetrends gemacht, um deren Auswirkungen zu verstärken und auch umzudrehen. Provokationen werden durch Wiederholung und den Einsatz von Leere und Oberfläche hervorgebracht. Die Ergebnisse sind fast klaustrophobisch, bedrückend in den Begierden, die Hamiltons Transformationen offenbaren.
Jeppe Hein
Die modifizierten Sozialbänke von Jeppe Hein fördern das Erkunden und Experimentieren durch eine Vielzahl von Aktivitäten, vom Spielen bis zum Ausruhen. Sie sind die Gegenreaktion zu jedem architektonischen Werkzeug, das die Bewegung von Körpern im Raum diktiert. Für die Giardini hat der Künstler ein Set von vier Bänken geschaffen, die aus den cyanfarbenen Lagunen zu wachsen scheinen und sich wie Spielzeugeisenbahngleise in die Luft schwingen. Auf dem Rasen zwischen den brasilianischen, polnischen und rumänischen Pavillons gelegen, schaffen die Modified Social Benches für Venedig (2019) einen Raum für soziale Interaktion und laden zur Entschleunigung ein.
Andere Einrichtungen
Nationale Pavillons in den Giardini
Neben dem heutigen Zentralpavillon, dessen erster Kern 1894 erbaut und seitdem mehrfach erweitert und restauriert wurde, entstanden in dem großen Park 29 Pavillons, die zu verschiedenen Zeiten von ausstellenden Nationen gebaut wurden. Umgeben von der grünen Umgebung des Parks stellen die Pavillons eine Anthologie von hohem Wert in der Architektur des 20.
Biennale-Bibliothek
Die Bibliothek La Biennale ist seit 2009 ein integraler Bestandteil des Zentralpavillons in Giardini. Die Restaurierung wurde 2010 mit der Eröffnung des großen Lesesaals abgeschlossen, der von einer zweigeschossigen Galerie umgeben ist, auf der über 800 Meter Regale angeordnet sind. Der Lesesaal wird auch für Konferenzen und Workshops genutzt.
Die Bibliothek ist auf zeitgenössische Kunst spezialisiert, mit besonderem Fokus auf die Dokumentation und Vertiefung der Stiftungstätigkeit, die Erhaltung aller Kataloge der Biennale-Aktivitäten und die Sammlung von bibliografischem Material zu den Disziplinen Architektur, Bildende Kunst, Kino, Tanz, Fotografie, Musik, Theater . Dank ihres Bucherbes von mehr als 151.000 Bänden und 3.000 Zeitschriften gehört sie zu den führenden Bibliotheken für zeitgenössische Kunst in Italien.
Das aus dem ASAC-Bucharchiv stammende Erbe der Bibliothek wird durch Ankäufe, Schenkungen und vor allem durch den Austausch mit den wichtigsten Institutionen der Produktion, Forschung und Bewahrung zeitgenössischer, nationaler und internationaler Kunst ständig weiterentwickelt und aktualisiert. Seit 2009 empfängt und erwirbt die Bibliothek über den Bücherpavillon auch Spenden von Künstlern und Architekten, die an Kunst- und Architekturausstellungen teilnehmen. Die Bücher, die dank dieses von der La Biennale-Stiftung realisierten Projekts gesammelt wurden, sind das Ergebnis einer ständigen Zusammenarbeit mit den Direktoren der Kunst- und Architekturausstellung.
Buchgeschäft
Die vom Künstler Rirkrit Tiravanija entworfene Bibliothek des Giardini ist ein kleiner, praktischer Raum ohne überflüssige Details und Dekorationen.
Cafeteria
Entworfen von Tobias Rehberger und bemalt nach dem besonderen Bildstil Razzle Dazzle (besonders auf Kriegsschiffen während des Ersten Weltkrieges verwendet), ist die Cafeteria ein Ort, an dem man sich hinsetzen kann, um sich zu erfrischen und sich (angenehm) desorientiert zu lassen weben geometrische Formen in kontrastierenden Farben, die sich unterbrechen und überschneiden und ein komplexes und lebendiges optisches Muster schaffen.
Ein Cafeteria-Kunstwerk, dessen Entwurf für die Kreation von Was du liebst dich auch zum Weinen bringt, verlieh Rehberger auf der La Biennale Arte 2009 den Goldenen Löwen für den besten Künstler.
Biennale Venedig 2019
Die 58. Biennale von Venedig war eine internationale Ausstellung zeitgenössischer Kunst, die zwischen Mai und November 2019 stattfand. Die Biennale von Venedig findet alle zwei Jahre in Venedig, Italien, statt. Der künstlerische Leiter Ralph Rugoff kuratierte die zentrale Ausstellung May You Live in Interesting Times, und 90 Länder steuerten nationale Pavillons bei.
Die Biennale von Venedig ist eine internationale Kunstbiennale, die in Venedig, Italien, stattfindet. Die Teilnahme an der Biennale wird oft als „Olympiade der Kunstwelt“ bezeichnet und ist ein prestigeträchtiges Ereignis für zeitgenössische Künstler. Das Festival hat sich zu einer Konstellation von Shows entwickelt: eine zentrale Ausstellung, die vom diesjährigen künstlerischen Leiter kuratiert wurde, nationale Pavillons einzelner Nationen und unabhängige Ausstellungen in ganz Venedig. Die Mutterorganisation der Biennale veranstaltet auch regelmäßig Festivals in anderen Künsten: Architektur, Tanz, Film, Musik und Theater.
Außerhalb der zentralen, internationalen Ausstellung produzieren einzelne Nationen als nationale Repräsentation eigene Shows, sogenannte Pavillons. Nationen, die ihre Pavillongebäude besitzen, wie die 30 auf den Giardini, sind auch für ihre Unterhalts- und Baukosten verantwortlich. Nationen ohne eigene Gebäude bauen Pavillons im Arsenale von Venedig und Paläste in der ganzen Stadt.
La Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 ihr Präsident, davor von 1998 bis 2001. La Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Sektoren: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im kürzlich komplett renovierten Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert.
In allen Sektoren gibt es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten, die sich an die jüngere Künstlergeneration richten, direkt im Kontakt mit renommierten Lehrern; systematischer und kontinuierlicher wurde dies durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Sektionen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft.