राल्फ रगॉफ द्वारा निर्देशित 58वीं अंतर्राष्ट्रीय कला प्रदर्शनी, मे यू लिव इन इंटरेस्टिंग टाइम्स, 11 मई से 24 नवंबर 2019 तक हुई। शीर्षक अंग्रेजी आविष्कार का एक मुहावरा है जिसे लंबे समय से गलती से एक प्राचीन चीनी अभिशाप के रूप में उद्धृत किया गया है। अनिश्चितता, संकट और उथल-पुथल की अवधि; “दिलचस्प समय”, ठीक उसी तरह जैसे आज हम जी रहे हैं।

प्रदर्शनी, हमेशा की तरह, दो मुख्य ऐतिहासिक स्थलों, जिआर्डिनी डि कैस्टेलो और आर्सेनल में आयोजित की जाती है, लेकिन इसमें पूरे वेनिस में प्रतिष्ठित स्थान भी शामिल हैं, जहां कई देशों के प्रतिनिधियों की मेजबानी की जाती है और जहां प्रदर्शनियां और संपार्श्विक कार्यक्रम स्थापित किए जाते हैं। दुनिया के सभी फ़्यूचर्स एक बड़े और एकीकृत प्रदर्शनी पथ का निर्माण करते हैं जो कि 79 देशों और क्षेत्रों की भागीदारी सहित, गार्डन के सेंट्रल पैवेलियन से आर्सेनल तक व्यक्त किया जाता है।

इस प्रदर्शनी अभिव्यक्ति का शीर्षक “दिलचस्प समय” चुनौतीपूर्ण या यहां तक ​​​​कि “खतरनाक” समय के विचार को उजागर करता है, लेकिन यह हमेशा मानव घटनाओं के पाठ्यक्रम को उनकी जटिलता में देखने और विचार करने का निमंत्रण भी हो सकता है, एक निमंत्रण, इस प्रकार, ऐसे समय में विशेष रूप से महत्वपूर्ण प्रतीत होता है जब, बहुत बार, अतिसरलीकरण प्रबल होने लगता है, जो अनुरूपता या भय से उत्पन्न होता है।

मे यू लिव इन इंटरेस्टिंग टाइम्स, में ऐसी कलाकृतियां शामिल हैं जो आज अस्तित्व के अनिश्चित पहलुओं पर प्रतिबिंबित करती हैं, जिसमें प्रमुख परंपराओं, संस्थानों और “युद्ध के बाद के आदेश” के संबंधों के लिए विभिन्न खतरे शामिल हैं। लेकिन शुरू में ही हम यह मान लें कि कला राजनीति के क्षेत्र में अपनी ताकत का प्रयोग नहीं करती है। उदाहरण के लिए, कला दुनिया के विभिन्न हिस्सों में राष्ट्रवादी आंदोलनों और सत्तावादी सरकारों के उदय को नहीं रोक सकती है, न ही यह दुनिया भर में विस्थापित लोगों के दुखद भाग्य को कम कर सकती है।

58वीं अंतर्राष्ट्रीय कला प्रदर्शनी कला बनाने के लिए एक सामान्य दृष्टिकोण और कला के सामाजिक कार्य को आनंद और आलोचनात्मक सोच दोनों को अपनाने के रूप में उजागर करती है। प्रदर्शनी उन कलाकारों के काम पर केंद्रित है जो विचार की मौजूदा आदतों को चुनौती देते हैं और वस्तुओं और छवियों, इशारों और स्थितियों के हमारे रीडिंग को खोलते हैं।

इस तरह की कला कई दृष्टिकोणों के मनोरंजन के अभ्यास से विकसित होती है: प्रतीत होता है कि विरोधाभासी और असंगत धारणाओं को ध्यान में रखते हुए, और दुनिया को समझने के विविध तरीकों से छेड़छाड़ करना। जो कलाकार इस तरह से सोचते हैं, वे तथाकथित तथ्यों के अर्थ को जोड़ने और उन्हें प्रासंगिक बनाने के अन्य तरीकों का सुझाव देकर विकल्प प्रदान करते हैं। असीम जिज्ञासा और पंचर बुद्धि से प्रेरित, उनका काम हमें सभी निर्विवाद श्रेणियों, अवधारणाओं और विषयों पर पूछने के लिए प्रोत्साहित करता है।

कला की एक प्रदर्शनी हमारे ध्यान देने योग्य है, सबसे पहले और सबसे महत्वपूर्ण, अगर यह हमें कला और कलाकारों के साथ सभी अतिसरलीकरण दृष्टिकोणों के लिए एक निर्णायक चुनौती के रूप में पेश करने का इरादा रखती है। परोक्ष रूप से, शायद कला ‘दिलचस्प समय’ में जीने और सोचने के लिए एक तरह की मार्गदर्शक हो सकती है। यह हमें कई विकल्पों और अपरिचित सहूलियत बिंदुओं पर विचार करने और उन तरीकों को समझने के लिए आमंत्रित करता है जिसमें “आदेश” विविध आदेशों की एक साथ उपस्थिति बन गया है।

Giardini . में प्रदर्शनी
प्रदर्शनी केंद्रीय मंडप (गिआर्डिनी) से आर्सेनल तक विकसित होती है और इसमें दुनिया भर के 79 प्रतिभागी शामिल होते हैं। 1895 में पहले संस्करण के बाद से ला बिएननेल कला प्रदर्शनियों की पारंपरिक साइट, जिआर्डिनी वेनिस के पूर्वी किनारे तक बढ़ती है और उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में नेपोलियन द्वारा बनाई गई थी। यह 1907 से विदेशी मंडपों के निर्माण को गति प्रदान करने के लिए पहले संस्करणों (1895 में 200,000 से अधिक आगंतुकों, 1899 में 300,000 से अधिक) की सफलता थी, जो पहले से निर्मित केंद्रीय मंडप में जोड़े गए थे। जिआर्डिनी अब विदेशी देशों के 29 मंडपों की मेजबानी करता है, उनमें से कुछ प्रसिद्ध आर्किटेक्ट्स जैसे जोसेफ हॉफमैन के ऑस्ट्रिया मंडप, गेरिट थॉमस रिटवेल्ड के डच मंडप या फिनिश मंडप द्वारा डिजाइन किए गए हैं, जो अलवर आल्टो द्वारा डिजाइन किए गए एक ट्रैपेज़ॉयडल योजना के साथ पूर्व-निर्मित है।

2009 में ला बिएननेल स्थानों के प्रदर्शनी पुनर्गठन के हिस्से के रूप में, जिआर्डिनी में ऐतिहासिक सेंट्रल मंडप 3,500 वर्ग मीटर की एक बहुआयामी और बहुमुखी संरचना बन गया, स्थायी गतिविधि का केंद्र और अन्य गार्डन मंडपों के लिए मील का पत्थर बन गया। इसमें अंतरराष्ट्रीय स्तर पर प्रसिद्ध कलाकारों जैसे मास्सिमो बार्टोलिनी (शैक्षिक क्षेत्र “साला एफ”), रिरक्रिट तिरवानीजा (किताबों की दुकान) और टोबियास रेहबर्गर (कैफेटेरिया) द्वारा डिजाइन किए गए आंतरिक स्थान हैं।

केंद्रीय मंडप का बहुआयामी उद्यान में परिवर्तन 2011 में प्रदर्शनी रिक्त स्थान और प्रवेश कक्ष के पुनर्गठन के साथ पूरा हुआ था। तब से, केंद्रीय मंडप शैक्षिक गतिविधियों, कार्यशालाओं और विशेष परियोजनाओं सहित विभिन्न और कई गंतव्यों में से प्रत्येक के लिए इष्टतम स्थान और सूक्ष्म जलवायु परिस्थितियों का आनंद ले सकता है। पुनर्प्राप्ति परियोजना का एक महत्वपूर्ण हिस्सा 2006 में वेनिस सिटी काउंसिल द्वारा शुरू किए गए ओटागोनेल हॉल की बहाली के पूरा होने में शामिल था, 1909 में गैलीलियो चीनी गुंबद के अंदर चित्रों की बहाली और सजावटी दीवार और फर्श प्रणालियों की बहाली के साथ। विनीशियन टैरेस में। जनता के स्वागत के लिए सभी सेवाओं से सुसज्जित हॉल,इस प्रकार एक स्मारकीय आलिंद के रूप में मंडप का एक आधार बन जाता है जिससे सभी नए कार्यात्मक क्षेत्रों तक पहुंचा जा सकता है।

हाइलाइट

भाग IV

लारा फेवारेटो
लारा फेवारेटो की बहुआयामी कला अभ्यास में मूर्तिकला, स्थापना और प्रदर्शनकारी क्रिया शामिल है, और इसे अक्सर काले हास्य और अपमान के माध्यम से व्यक्त किया जाता है। एक उदाहरण उसकी श्रृंखला मोमेंट्री मॉन्यूमेंट्स (2009-चल रहे) में पाया जा सकता है, जो किसी ऐतिहासिक घटना का महिमामंडन करने के लिए नहीं है, न ही राष्ट्रीय पहचान की भावनाओं को बढ़ावा देने के लिए है। Favaretto के स्मारक कम वैचारिक और अधिक दुखद हैं, वे बस अलग-अलग तरीकों से सड़ते, ढहते और घुलते हैं। यह उन्हें अपने आप में एक स्मारक बनाने का जबरदस्त प्रयास करता है, लेकिन मानव प्रयास की व्यर्थता के लिए। फेवारेटो के काम में निहित मजाक यह है कि यहां तक ​​​​कि सबसे स्थिर सामग्री से बनी वस्तुएं, जो हमेशा के लिए मूल्यों और विचारधाराओं को समेटने के लिए होती हैं, अंततः गायब हो जाती हैं।

एंटोनी कैटला
एंटोनी कैटला भाषा और वास्तविकता के बीच नए और चंचल संबंध बनाती है। गलत संचार की खोज करते हुए, वह कुछ ऐसे तरीकों का पता लगाने की कोशिश करता है जिसमें शब्दों, संकेतों, ग्रंथों, इमोजी के माध्यम से विशेष रूप से संचार प्लेटफार्मों पर अर्थ प्रसारित किया जाता है। अपने पाठ कार्यों और मूर्तिकला प्रतिष्ठानों के माध्यम से वह ध्यान आकर्षित करते हैं कि कैसे, अक्सर बिना सोचे-समझे, संदेश के बजाय जिस तरह से संदेश प्रसारित होता है, वह हमें प्रभावित करता है।

सेंट्रल पवेलियन के प्रवेश द्वार पर रंगीन सिलिकॉन से ढके नौ बड़े पैनल इट्स ओवर (2019) का काम करते हैं। जैसे ही प्रत्येक पैनल से हवा को धीरे-धीरे बाहर निकाला जाता है, उभरा हुआ पाठ प्रकट होता है, अस्पष्ट रूप से आश्वस्त करने वाले संदेश प्रसारित करता है: “चिंता न करें”, “यह खत्म हो गया है”, “सब कुछ ठीक है”, “टुटो वा बेने”, “अरे, आराम करो” , या दो टेडी की एक छवि चुंबन भालू। शस्त्रागार में स्थापना द हार्ट एट्रोफीज (2018-2019) मध्ययुगीन रिबस के समकालीन समकक्ष का प्रस्ताव करती है, जिसमें दिखाया गया है कि कैसे मनुष्य हमेशा अपने आसपास के संकेतों के साथ घनिष्ठ, अनुकूली, लचीले संबंध में रहे हैं।

मारिया लोबोडा
संचरण और मुठभेड़ के अपने प्रक्षेपवक्र के माध्यम से वस्तुओं और इमेजरी का निरंतर परिवर्तन मारिया लोबोडा के अभ्यास के मूल में है। लोबोडा की रचनाएँ कथित रूप से स्पष्ट होने पर अविश्वास को भड़काती हैं, लेकिन हमें उन अनिश्चितताओं से दोस्ती करने के लिए भी आमंत्रित करती हैं – और जिन चीज़ों से हम घिरे हैं – उनके पास। लोबोडा इस बात में रुचि रखता है कि जिस तरह से छवियों को उन संदर्भों से प्रभावित किया जाता है जिसमें वे प्रसारित होते हैं, उन पर नजर रखने के इतिहास द्वारा आकार दिया जाता है।

रयोजी इकेदा
संगीतकार और कलाकार रयोजी इकेदा का अभ्यास स्मारकीय अतिसूक्ष्मवाद तक पहुंचता है, जो अक्सर दृश्य के साथ विरल ध्वनिक रचनाओं को जोड़ता है जो डिजिटल रूप से प्रदान की गई जानकारी के विशाल क्षेत्रों का रूप लेते हैं। ये कलाकार की अपनी विस्तृत भाषा बनाने के लिए एकीकृत होते हैं, जो काम करने के एक एल्गोरिथम तरीके पर निर्भर करता है जहां गणित का उपयोग हमारे आस-पास की प्राकृतिक दुनिया को पकड़ने और प्रतिबिंबित करने के साधन के रूप में किया जाता है।

हारिस एपामिनोंडा
Haris Epaminonda मूर्तियों, मिट्टी के बर्तनों, किताबों या तस्वीरों जैसी मिली सामग्री के साथ काम करती है, जिसे वह अक्सर अपने विशिष्ट प्रतिष्ठानों को सावधानीपूर्वक बनाने के लिए जोड़ती है। ये वस्तुएं ऐतिहासिक और व्यक्तिगत अर्थों के जाल में उलझी हुई हैं जो जनता के लिए अज्ञात हैं और शायद उसके लिए भी। ऐसा नहीं है कि वह इन कहानियों की उपेक्षा करती है: वे निहित हैं, वे आंतरिक रूप से अपनी शक्ति का प्रयोग करते हैं, जबकि धीरे-धीरे कुछ अलग करने के लिए झुकते हैं क्योंकि वे उसके प्रतिष्ठानों में बस जाते हैं। वह उन्हें उनकी योग्यता, उनके अपरिवर्तनीय अनुभवात्मक गुणों के लिए चुनती है, जो उन्हें आगे चमकते हैं और दृश्यमान हो जाते हैं।

निकोल ईसेनमैन
ऐतिहासिक और वर्तमान के बीच, प्रचार और गोपनीयता के बीच की गूंज निकोल ईसेनमैन के चित्रों और मूर्तियों के पीछे बल प्रदान करती है। समकालीन जीवन की गतिशीलता के लिए उसका एंटीना उसे कठोर सत्य की ओर ले जाता है कि दुनिया शक्ति, लोलुपता, लोभ, रक्तहीनता और अन्य सभी से ऊपर रखे जाने वाले मूल्य के रूप में धन में उनके विश्वास से प्रेरित बुरे लोगों से भरी रहती है।

अपने मूर्तिकला कार्यों में, ईसेनमैन इन ताकतों को राक्षसी, विकृत और मुड़, बेदखल और कैंसर के रूप में दर्शाता है। हमारे पल के विवरण के प्रति उनकी दृढ़ प्रतिबद्धता, जैसा कि वीक्स ऑन द ट्रेन (2015), मॉर्निंग स्टूडियो (2016) और डार्क लाइट (2017), आईफ़ोन, जींस, हुडीज़, लैपटॉप, बेसबॉल कैप, और जैसे कार्यों में देखा गया है। फर्नीचर के रूप में दूध के बक्से का उपयोग, उसे यथार्थवाद और शैली के दृश्यों की आदरणीय परंपरा में मजबूती से रखता है: चित्र जहां कला को जीवन से अलग करने वाली झिल्ली को यथासंभव झरझरा किया जाता है।

ऑगस्टस सेरापिनास
ऑगस्टस सेरापिनस वैकल्पिक दृष्टिकोण के निर्माण में रुचि रखते हैं, वे अधिक विविधता के लिए बनाते हैं, जो अक्सर संस्थानों और कला की दुनिया में सामान्य रूप से कमी होती है … उन्हें ‘मेक-डू’ रचनात्मकता के लिए गहरा सम्मान है, और उनका काम अक्सर पाता है हर रोज में मार्मिक प्रेरणा। यहां तक ​​​​कि अपने मूल विलनियस में कला विद्यालय में, सेरापिनस ने संस्थागत सीमाओं के खिलाफ धक्का दिया, अकादमी के भीतर एक गुप्त स्टूडियो के रूप में उपयोग करने के लिए एक छिपी हुई जगह ढूंढी, और विल्नेला नदी में खिलाने वाले एक गुफाओं वाले पानी के पाइप में खुद के लिए एक बोथोल बनाया। 2012 में, विनियस एकेडमी ऑफ आर्ट्स में अपने अंतिम वर्ष में, उन्होंने बच्चों के एक समूह को एक खेल क्षेत्र के रूप में आसपास के सार्वजनिक स्थान का उपयोग करते हुए देखा, और उनके स्टूडियो के अंदर चढ़ाई संरचनाओं का निर्माण किया ताकि वे अपने खेल को खोज सकें और शामिल कर सकें।

कैमरून जेमी
कैमरून जेमी ने विविध मीडिया में तस्वीरों और वीडियो से लेकर चित्र, चीनी मिट्टी की चीज़ें, मूर्तिकला, और फोटोकॉपी ज़ीन तक काम किया है। हालांकि, जिस काम ने उन्हें अपने करियर के शुरुआती वर्षों में सबसे अधिक ध्यान आकर्षित किया, वह था क्रैंकी क्लॉस (2002-2003), एक वीडियो जो क्रैम्पुस्लौफ की अल्पाइन क्रिसमस परंपरा का दस्तावेजीकरण करता है। एक ग्रामीण ऑस्ट्रियाई गांव में, पुरुषों ने रात में सड़कों के माध्यम से सींग वाले जानवरों के रूप में कपड़े पहने, माना जाता है कि वे बच्चों और युवा महिलाओं की तलाश में हैं, जिनके बारे में कहा जाता है कि वे शरारती थे। क्रैम्पस जानवर कोरियोग्राफ किए जाने की सांस्कृतिक रूप से स्वीकृत रस्म है।

माइकल ई. स्मिथ
माइकल ई। स्मिथ की मूर्तियों, प्रतिष्ठानों, वीडियो और सामयिक चित्रों में मानव-मानव प्रेतवाधित होने की भावना व्याप्त है। कलाकार आमतौर पर अपने काम में उन वस्तुओं का उपयोग करता है जो किसी को कचरे के ढेर में मिल सकती हैं या, सबसे अच्छा, दूसरे हाथ की दुकान पर; ये ऐसी कलाकृतियाँ हैं जो अपनी सतहों पर इस्तेमाल होने, खराब होने और अंततः मानव हाथों द्वारा तोड़े जाने के प्रमाण हैं। उनके त्याग दिए जाने का तथ्य उन्हें एक मार्मिक पाथोस से भर देता है, उन्हें अप्राप्य, नपुंसक के रूप में प्रकट करता है, और एक भौतिक शुद्धिकरण के लिए भेजा जाता है जिसमें वे नीचा दिखाने या गायब होने से इनकार करते हैं। कहीं और, वास्तविक मृत जानवर (या उनके हिस्से) स्मिथ की मूर्तिकला शब्दावली में प्रवेश करते हैं, जैसे कि मानव निर्मित वस्तुओं की घातक गुणवत्ता को रेखांकित करने के लिए जिसके साथ वे संयुक्त हैं।

विज्ञापन मिनोलिटि
एड मिनोलिटी के लिए, तत्वमीमांसा पेंटिंग आधुनिकतावादी यूटोपिया और हर उस चीज का प्रतीक है जो उसे इसमें निंदनीय लगती है: इसकी आदर्शता का दमन, इसकी कठोर संरचनाओं की रूढ़िवादिता, और यहां तक ​​​​कि इसके निहित द्विआधारी तर्क, जैक्स डेरिडा के विचार के संदर्भ में कि पश्चिमी सोच पुरुष-महिला, तर्कसंगत-भावनात्मक, या प्रकृति-संस्कृति जैसे द्वैतवादी विरोधों पर आधारित है। उनका कलात्मक प्रयास इस आधुनिकतावादी रुख का मुकाबला करने के लिए प्रतिनिधित्व का एक वैकल्पिक स्थान बनाने का रहा है। उसने गुड़ियाघर की काल्पनिक दुनिया में आध्यात्मिक चित्रकला के स्थान का एक द्वंद्वात्मक परिवर्तन-समरूप पाया।

17 वीं शताब्दी का एक आविष्कार, गुड़ियाघर को शुरू में एक शैक्षणिक उपकरण के रूप में बनाया गया था ताकि लड़कियों को गृह-निर्माता, गृह-प्रबंधक, बच्चे-वाहक और पति-समर्थकों के रूप में उनकी भूमिकाओं पर निर्देश दिया जा सके – और लड़कों को इस श्रम विभाजन और दर्शन की स्वीकृति पर . मिनोलिटी गुड़ियाघर और उसके प्रॉप्स के सौंदर्य को विनियोजित करती है, इसे आधुनिकतावादी कल्पना के साथ जोड़ती है जो कैंडिंस्की, पिकासो, या मैटिस को गूँजती है, और फिर इसे अलग करती है, इसे घुमाती है, इसे स्थानांतरित करती है, और इसे नए सिरे से पुन: कॉन्फ़िगर करती है।

जॉन राफमैन
आधुनिकतावादी आंदोलनों में, जॉन राफमैन ने देखा है, भविष्य के यूटोपियन दर्शन प्रचलित थे। देर से पूंजीवादी उत्तर आधुनिक दृष्टि, हालांकि, एक डायस्टोपियन बन गई है। भविष्य की धारणाओं में इस बदलाव का पता लगाने के लिए, राफमैन का काम चलती छवि और कंप्यूटर-जनित ग्राफिक्स को नियोजित करता है, कभी-कभी नई तकनीकों से जुड़े गुलाबी आशावाद को छोड़ देता है।

आर्थर जाफ़ा
तीन दशकों के लिए आर्थर जाफ़ा ने फिल्म, मूर्तिकला और प्रदर्शन जैसे माध्यमों में एक गतिशील अभ्यास विकसित किया है। अपने पूरे करियर के दौरान, उन्हें विशेष रूप से अभिव्यंजना के काले तरीकों में निवेश किया गया है, और दुनिया को (नेत्रहीन, वैचारिक, सांस्कृतिक, मुहावरेदार रूप से) काले होने के सहूलियत से कैसे प्रस्तुत किया जाए – इसकी सभी खुशी, डरावनी, सुंदरता में निवेश किया गया है। दर्द, सदाचार, अलगाव, शक्ति और जादू। जाफ़ा दौड़ की आशंका में बेतुकेपन और छवियों की आवश्यकता को उजागर करने के लिए नेटवर्क-आधारित छवियों, ऐतिहासिक तस्वीरों, स्थानीय चित्रों, संगीत वीडियो, मीम्स और वायरल समाचार फुटेज को एक साथ इकट्ठा करता है।

नील बेलौफ़ा
नील बेलौफा – जिसका अभ्यास फिल्म, मूर्तिकला और प्रतिष्ठानों तक फैला है, ने पिछले दशक के बेहतर हिस्से को यह सोचने में बिताया है कि वास्तविकता और उसके प्रतिनिधित्व को समझने पर क्या दांव पर लगा है। उनका अभ्यास अधिकार की किसी भी स्थिति को अपनाने से इनकार करता है; यह अवलोकन में तेज और जो कुछ भी बताता है उसमें विनीत है।

कलाकार लगातार अपने प्रस्तावों से खुद को हटाता है जैसे कि दर्शक से कह रहा हो, ‘यह तुम्हारी समस्या है, तुम इससे निपटो’। उदाहरण के लिए, ग्लोबल एग्रीमेंट (2018-2019) के वीडियो देखने के लिए, दर्शक को जिम उपकरणों की याद ताजा करने वाली संरचनाओं पर बैठना पड़ता है, जो असहज होती हैं और उनकी गतिविधियों को प्रतिबंधित करती हैं; साथ ही, अंतरिक्ष के विन्यास का अर्थ है कि प्रत्येक दर्शक अन्य सभी को दूसरों का अवलोकन करते हुए देख सकता है: हो सकता है कि आप वीडियो देख रहे हों, लेकिन कोई हमेशा आपको देख रहा है।

झन्ना कादिरोवा
झन्ना कादिरोवा की कला के सबसे महत्वपूर्ण पहलुओं में से एक, जिसमें फोटोग्राफी, वीडियो, मूर्तिकला, प्रदर्शन और स्थापना शामिल है, रूपों, सामग्रियों और अर्थ के साथ उनका प्रयोग है। वह अक्सर कंक्रीट और सीमेंट जैसे हेवीवेट निर्माण सामग्री के साथ मोज़ेक के लिए सस्ते टाइलिंग का उपयोग करती है।

सेंट्रल पवेलियन में देखने पर सेकेंड हैंड (2014-चल रहा) का संस्करण वेनिस के एक होटल से कपड़ों और लिनन की वस्तुओं के निर्माण के लिए सिरेमिक टाइलों को फिर से तैयार करता है। मार्केट के लिए (2017-चल रहा, आर्सेनल में प्रदर्शित), एक स्ट्रीट ट्रेडर की जरूरत की हर चीज से लैस एक फूड स्टॉल, वह कंक्रीट और प्राकृतिक पत्थर से सॉसेज और सलामी बनाती है, और फलों और सब्जियों, केले, तरबूज, अनार, ऑबर्जिन का फैशन करती है। चंकी मोज़ेक।

इयान चेंग
इयान चेंग कंप्यूटर प्रोग्रामिंग से तकनीकों का उपयोग करके जीवित वातावरण बनाने के लिए अपनी क्षमताओं को उत्परिवर्तित और विकसित करने के लिए परिभाषित करता है। वह ‘लाइव सिमुलेशन’ विकसित कर रहा था, जीवित आभासी पारिस्थितिक तंत्र जो बुनियादी प्रोग्राम किए गए गुणों से शुरू होते हैं लेकिन आधिकारिक नियंत्रण या अंत के बिना स्वयं विकसित होने के लिए छोड़ दिए जाते हैं। यह जानबूझकर भ्रम, चिंता और संज्ञानात्मक असंगति की भावनाओं का प्रयोग करने का एक प्रारूप है जो अविश्वसनीय परिवर्तन के अनुभव के साथ होता है।

चेंग का सबसे हालिया प्राणी, बीओबी (विश्वास का थैला) (2018-2019), केंद्रीय मंडप में प्रस्तुत किया गया, एआई (कृत्रिम बुद्धिमत्ता) का एक रूप है जिसका व्यक्तित्व, मूल्य और शरीर – जो एक नाग या मूंगा को याद करता है – लगातार बढ़ रहा है . BOB के व्यवहार पैटर्न और जीवन स्क्रिप्ट मनुष्यों के साथ बातचीत से प्रेरित होते हैं, जो एक iOS ऐप के माध्यम से BOB के कार्यों को प्रभावित करने में सक्षम होते हैं। बीओबी के बाद का जीवन: आर्सेनल में प्रस्तुत पहला ट्रैक्ट (2019), बीओबी के आसपास केंद्रित एक कथा ब्रह्मांड के लिए “पूर्वावलोकन” के रूप में कार्य करता है।

नैरी बाघरामियां
नैरी बाघरामियन जटिल मूर्तिकला वस्तुओं को बनाने के लिए यांत्रिक और मानवरूपी रूपों को मिलाता है। उनका काम मूर्तिकला को एक संकर प्राणी के रूप में देखता है। न तो पूरी तरह से यांत्रिक और न ही पूरी तरह से भौतिक, बाघरामियन की वस्तुओं को पिन करना मुश्किल है। डिविंडलर्स, आर्सेनल के बाहरी गलियारे के साथ प्रदर्शित कांच के उपांगों की एक श्रृंखला, इस सवाल को मजबूर करती है: “यह क्या है जिसे हम देख रहे हैं? क्षतिग्रस्त वेंटिलेशन नलिकाओं या राक्षसी आंतों का एक संग्रह? सजावटी अलंकरण या एक विनाशकारी संरचना?”।

सेंट्रल पवेलियन में, वह मेंटेनर्स (2019) दिखा रही है, जो कसकर इकट्ठे समूहों में अन्योन्याश्रित मूर्तिकला तत्वों का एक कोलाज है (कच्चे कास्ट एल्यूमीनियम को मोम के रूपों के खिलाफ कसकर दबाया जाता है जो कॉर्क बार और लाख ब्रेसिज़ द्वारा समर्थित होते हैं)। ठोस और अड़ियल, रूपों का कोलाज सामग्री समर्थन और हमले के बीच एक गतिशील तनाव को एनिमेट करता है – कॉर्क और लाख के ब्रेसिज़ के बिना काम संभावित रूप से ढह सकता है।

जूली मेहरेतु
जूली मेहरेतु द्वारा पहले के कैनवस में नक्शे, वास्तुशिल्प आरेख और शहरी-नियोजन ग्रिड का उल्लेख किया गया था; कलाकार ने वैक्टर और नोटेशन की एक सरणी का उपयोग किया जो वैश्विक गतिशीलता के साथ-साथ वैश्विक असमानताओं की ओर इशारा करता है। वे अपने पैमाने और नकारात्मक स्थान के उपयोग में अत्यधिक जटिल और कुशल हैं; वे वेग की भावना व्यक्त करते हैं। अपने नवीनतम चित्रों में, वह एक अलग प्रकार के भटकाव को अपनाती है, ऐसे काम करती है जिसमें एयरब्रश स्ट्रोक और स्क्रीन-मुद्रित तत्वों को जोड़ा और मिटा दिया जाता है, जिससे अपव्यय और हानि की भावना पैदा होती है। हालांकि अंडरपेंटिंग का विवरण अब दर्शक के लिए चित्रात्मक जानकारी के रूप में उपलब्ध नहीं है, फिर भी इस स्रोत इमेजरी में भावनात्मक स्तर पर पंजीकरण करने की क्षमता है, पूर्ण पेंटिंग के लिए टोन सेट करना।

हेनरी टेलर
अपने पेंटिंग अभ्यास को “भयंकर” के रूप में वर्णित करते हुए, हेनरी टेलर ने अपने काम को निराश्रित से लेकर चमकदार सफल तक विषयों की एक विशाल विविधता के साथ पॉप्युलेट किया। चाहे परिवार और दोस्तों के अंतरंग चित्रों के माध्यम से, या राजनीतिक रूप से प्रभावित समूह दृश्यों के माध्यम से जो अलग-अलग भौगोलिक और इतिहास को एक साथ जोड़ते हैं, टेलर का उद्देश्य ईमानदारी से काले अनुभव की वास्तविकता और अमेरिकी जीवन के अक्सर अन्यायपूर्ण कार्यकलापों को चित्रित करना है। लेकिन अन्याय के प्रति उनकी पैनी नजर और कला-ऐतिहासिक संदर्भों को बार-बार शामिल किए जाने के बावजूद, टेलर के चित्र भारी नहीं हैं; उनके बोल्ड रूप और ब्लॉक रंग तत्काल हैं, जो दर्शकों को अपनी ओर आकर्षित करते हैं।

जिमी डरहम
लेखन और प्रदर्शन के तत्वों को भी शामिल करते हुए, जिमी डरहम का अभ्यास अक्सर मूर्तियों का रूप लेता है जिसमें विविध रोजमर्रा की वस्तुओं और प्राकृतिक सामग्रियों को ज्वलंत रूपों में इकट्ठा किया जाता है। उत्पादन की प्रक्रिया, जिसे डरहम “अस्वीकार वस्तुओं के साथ अवैध संयोजन” कहते हैं, को उनके कार्यों से प्रभावित विध्वंसक रवैये के अवतार के रूप में देखा जा सकता है।

सेंट्रल पवेलियन में डरहम ब्लैक सर्पेन्टाइन को प्रदर्शित करता है, जो एक स्टेनलेस स्टील फ्रेम से घिरा हुआ चट्टान का एक बड़ा नामांकित स्लैब है – जो अपने अचूक किले में आधा टन द्रव्यमान है। शस्त्रागार में प्रत्येक मूर्तिकला, फर्नीचर के हिस्सों, चालाक औद्योगिक सामग्री या इस्तेमाल किए गए कपड़ों के संयोजन से बना है, नाममात्र जानवर के पैमाने का अनुमान लगाता है-फिर भी परिणामी रूप प्राणियों के चित्र नहीं हैं, बल्कि काव्यात्मक उलझाव हैं जो पारंपरिक ज्ञानोदय की धारणा को चुनौती देते हैं मनुष्य और प्रकृति के बीच अलगाव।

रूला हलवानी
रूला हलवानी की भूतिया छवियां समय-समय पर होने वाली हिंसा के बाद की घटनाओं को पकड़ती हैं जिसने उनके देश को युद्ध क्षेत्र में बदल दिया। एक फोटो पत्रकार के रूप में अपनी पृष्ठभूमि और इजरायल के कब्जे के तहत अपने जीवन की यादों को चित्रित करते हुए, हलवानी ऐतिहासिक फिलिस्तीन के लुप्त होते निशान के लिए अब एक अपरिचित परिदृश्य की खोज करता है। फोटोग्राफी के माध्यम से, व्यवसाय के स्थानिक निहितार्थ न केवल निर्मित वातावरण में राजनीतिक संरचनाओं के प्रतिनिधित्व के माध्यम से परिलक्षित होते हैं, बल्कि नकारात्मक स्थानों और छायादार भ्रम की शून्यता में अधिक स्पष्ट रूप से परिलक्षित होते हैं।

सोहम गुप्ता
अपने भूतिया चित्रों में, सोहम गुप्ता कोलकाता की नाइटलाइफ़ पर प्रकाश डालते हैं, जिससे पता चलता है कि शहर के कुछ सबसे कमजोर निवासी कैसे रहते हैं। उनकी श्रृंखला एंगस्ट में, हम इन निशाचर आकृतियों का अनुसरण करते हैं क्योंकि वे उस दुनिया से गुजरते हैं जिसमें वे रहते हैं, फोटोग्राफर की कल्पना में ज्वलंत पात्र बन जाते हैं। गुप्ता अपने चित्रों को एक सहयोगी प्रक्रिया के परिणामस्वरूप सोचते हैं, जो अंतरंग बातचीत से तैयार होते हैं जिसमें वे और उनकी प्रजा एक दूसरे में विश्वास करते हैं। फोटोग्राफर समाज के हाशिये पर मौजूद लोगों के साथ एक सहज आत्मीयता रखता है; वह उनके बीच चलता है, उनके दर्द और संघर्षों को पहचानता है।

प्रत्येक विषय के साथ समय बिताने के बाद, गुप्ता उनकी कहानियों का जीवनी लेखा बनाते हैं। गुप्ता की तस्वीरें एक अभिव्यंजक एजेंसी के साथ शक्तिहीन को प्रभावित करती हैं। एक शहर और उसके लोगों के दस्तावेज़ीकरण से अधिक, तस्वीरें एक मनोवैज्ञानिक स्थिति की अभिव्यक्ति हैं जो कुछ अधिक आवश्यक हैं। आनंद और सहजता के क्षणों के साथ भेद्यता और अकेलेपन की भावना को विरामित किया जाता है। जहां फोटोग्राफिक छवि से दर्द और पीड़ा को शांत किया जा सकता है, गुप्ता की तस्वीरें मानवता के विभिन्न रंगों को स्पष्ट रूप से व्यक्त करती हैं जो केवल रात के दौरान ही देखी जा सकती हैं।

ली बुलु
दक्षिण कोरिया की सैन्य तानाशाही के दौरान वामपंथी कार्यकर्ताओं की बेटी के रूप में बढ़ते हुए, ली बुल ने तेजी से आर्थिक और सांस्कृतिक परिवर्तन के दौर से गुजर रहे देश में दमनकारी शासन के प्रभावों का अनुभव किया। 1980 के दशक के उत्तरार्ध से उनकी शुरुआती रचनाएँ, सड़क पर प्रदर्शन थीं, जिसके लिए उन्होंने प्रोट्रूशियंस और लटकते हुए विसरा के साथ राक्षसी ‘नरम मूर्तिकला’ की वेशभूषा बनाई और पहनी थी। इसके बाद महिलाओं के शरीर में उनकी साइबोर्ग मूर्तियां मशीनों में बदल गईं, जिससे सिर और अंगों की कमी वाले अधूरे संकर बन गए। बदले में उन्होंने जापानी मंगा और एनीमे, बायोइंजीनियरिंग और ब्रूनो टॉट (1880-1938) की दूरदर्शी वास्तुकला में कल्पना किए गए सपनों, आदर्शों और यूटोपिया से प्रेरित भविष्य के शहर के दृश्यों के विचारों का पता लगाने के लिए उनका नेतृत्व किया।

लारा फेवारेटो
लारा फेवारेटो की बहुआयामी कला अभ्यास में मूर्तिकला, स्थापना और प्रदर्शनकारी क्रिया शामिल है, और इसे अक्सर काले हास्य और अपमान के माध्यम से व्यक्त किया जाता है। एक उदाहरण उसकी श्रृंखला मोमेंट्री मॉन्यूमेंट्स (2009-चल रहे) में पाया जा सकता है, जो किसी ऐतिहासिक घटना का महिमामंडन करने के लिए नहीं है, न ही राष्ट्रीय पहचान की भावनाओं को बढ़ावा देने के लिए है। फेवारेटो के स्मारक कम वैचारिक और अधिक दुखद हैं – वे बस अलग-अलग तरीकों से सड़ते, ढहते और घुलते हैं। यह उन्हें अपने आप में एक स्मारक बनाने का जबरदस्त प्रयास करता है, लेकिन मानव प्रयास की व्यर्थता के लिए। फेवारेटो के काम में निहित मजाक यह है कि यहां तक ​​​​कि सबसे स्थिर सामग्री से बनी वस्तुएं, जो हमेशा के लिए मूल्यों और विचारधाराओं को समेटने के लिए होती हैं, अंततः गायब हो जाती हैं।

लॉरेंस अबू हमदान
खुद को “निजी कान” बताते हुए, लॉरेंस अबू हमदान सुनने की राजनीति, ध्वनि के कानूनी और धार्मिक प्रभाव, मानवीय आवाज और मौन पर केंद्रित है। उनका अभ्यास DIY संगीत में एक पृष्ठभूमि से उत्पन्न हुआ, लेकिन यह वर्तमान में फिल्म, ऑडियो-विजुअल इंस्टॉलेशन और लाइव ऑडियो निबंधों तक फैला हुआ है, एक शब्द जिसे वह “व्याख्यान-प्रदर्शन” के लिए पसंद करते हैं, क्योंकि यह आवाज और सामग्री के परस्पर संबंध का बेहतर वर्णन करता है, और भाषण और जिन स्थितियों में इसका उच्चारण किया जाता है। वह मानवीय आवाज को एक राजनीतिक सामग्री के रूप में देखता है, जिसे सरकार या डेटा कंपनियों द्वारा आसानी से समझा जा सकता है।

भाग V

टेरेसा मार्गोलेस
टेरेसा मार्गोलेस ने अपने गृह देश मेक्सिको में व्याप्त मादक द्रव्यों की क्रूरता पर एक नारीवादी लेंस को प्रशिक्षित किया। फोरेंसिक चिकित्सा का अध्ययन करने और डेथ-मेटल से प्रेरित कलाकार के सामूहिक SEMEFO की सह-स्थापना करने के बाद, Margolles ने अपने पूरे अभ्यास में सरकारी लापरवाही, दवाओं के अपराधीकरण की सामाजिक और आर्थिक लागत, और विशिष्ट बनावट, गंध और भौतिक अवशेषों का विषय बनाया है।

सन युआन और पेंग यू
कलाकार युगल सन युआन और पेंग यू ने 2000 में अपना सहयोग शुरू किया। 2009 में, उन्होंने सन युआन पेंग यू की स्थापना की, जो उनके कलात्मक गठबंधन के संबंध और गतिशीलता का वर्णन करने वाला एक स्व-चित्र है। एक आवर्ती धुएँ के घेरे को एक यांत्रिक भुजा द्वारा संचालित झाड़ू द्वारा लगातार फैलाया गया था जो हवा में झाडू लगाता रहा; धुआँ लगातार फिर से प्रकट होगा, केवल तभी घुल जाएगा जब झाड़ू फिर से टकराएगा।

सन और पेंग के लिए, दो घटकों के बीच मुठभेड़ का क्षण, और एक के बाद एक का विघटन, उनके काम करने के तरीके में संयुक्त कलात्मक निर्माण के क्षण का प्रतीक है। सन युआन और पेंग यू के लगभग सभी प्रतिष्ठान दर्शकों से चमत्कार और तनाव की याचना करने पर तुले हुए हैं। दर्शकों के सदस्यों की ओर से देखने का कार्य उनके हाल के कार्यों का एक संवैधानिक तत्व है, जिसमें अक्सर डराने वाले चश्मे का मंचन शामिल होता है।

क्रिश्चियन मार्क्ले
क्रिश्चियन मारक्ले की कृतियाँ उन वस्तुओं, छवियों और ध्वनियों से बनी हैं जो पहले से मौजूद हैं, जिन्हें वह विनियोजित और हेरफेर करता है। ध्वनि और छवि के बीच संबंधों में उनकी खोज ने उन्हें हॉलीवुड फिल्मों में नमूनाकरण तकनीक लागू करने के लिए प्रेरित किया। उन्होंने नए आख्यान और बहु-स्क्रीन अनुमान बनाने के लिए क्लिप के मोंटाज बनाए।

उन्होंने मिली वस्तुओं, छवियों और ध्वनियों का इस्तेमाल किया, और उन्हें एक साथ जोड़ दिया, और जो उपलब्ध था उसके साथ कुछ नया और अलग बनाने की कोशिश की। पूरी तरह से मौलिक होना और शुरुआत से शुरुआत करना हमेशा व्यर्थ लगता था। वह कुछ ऐसा लेने में अधिक रुचि रखते थे जो अस्तित्व में था और मेरे परिवेश का हिस्सा था, इसे काटने, इसे मोड़ने, इसे कुछ अलग करने के लिए; इसे विनियोजित करना और जोड़-तोड़ और जुड़ाव के माध्यम से इसे अपना बनाना।

फ्रीडा ओरुपाबोa
फ्रीडा ओरुपाबो की केंद्रीय चिंता काली महिला शरीर का चित्रण है, खासकर जब यह मीडिया संस्कृति में छवियों के संचलन से संबंधित है। वह नस्ल, लिंग, पहचान, कामुकता, नज़र और औपनिवेशिक हिंसा के विषयों का पता लगाने वाले डिजिटल कोलाज बनाने के लिए अपने व्यक्तिगत संग्रह से मिली तस्वीरों और छवियों को जोड़ती है। ओरुपाबो, जो एक स्व-सिखाया कलाकार और प्रशिक्षित समाजशास्त्री हैं – ने मूल रूप से अपने कोलाज को सोशल मीडिया प्लेटफॉर्म पर स्रोत सामग्री प्राप्त करने और कला इतिहास द्वारा निर्मित काले महिला शरीर का निर्माण करने वाली छवियों के अंतहीन चक्र में हस्तक्षेप करने के साधन के रूप में अपलोड और स्ट्रीमिंग करना शुरू किया, उपनिवेशवाद, विज्ञान और लोकप्रिय संस्कृति।

साइप्रियन गेलार्ड
मानव निर्मित और प्राकृतिक दोनों को अपनी केंद्रीय चिंता बनाते हुए, साइप्रियन गेलार्ड अपने वीडियो, मूर्तियों, फोटोग्राफी, कोलाज और सार्वजनिक कला के माध्यम से प्रगति के विचार की एक महत्वपूर्ण आलोचना करते हैं। एक खानाबदोश पर्यवेक्षक, गेलार्ड शहरी वातावरण के साथ-साथ प्राकृतिक परिदृश्य के माध्यम से ट्रेक करता है, अपने परिवेश में गहरे समय के संकेतों की तलाश करता है। वह बाहरी दुनिया के टुकड़ों को अंदर लाता है, कालानुक्रमिक जुड़ाव बनाता है, विनाश और पुनर्निर्माण, नवीनीकरण और गिरावट की छवियों को जोड़ता है।

गेलार्ड का अभ्यास क्षय का एक दृश्य पुरातत्व है, चाहे वह भौतिक रूपों का क्षरण हो या सामाजिक और ऐतिहासिक अर्थ का। अक्सर अपने काम में समय समाप्त हो जाता है, गेलार्ड खंडहरों के रूमानियत से लड़ता है, एक उदासीन टकटकी का सुझाव देता है जिसके माध्यम से घटनाओं और स्थानों के अवशेषों को चक्रीय समय के एकीकृत ढांचे के माध्यम से समझा जा सकता है।

दान वो
Biennale Arte 2019 के लिए Danh Vo के सहयोगी मंडली में उनके प्रेमी, उनके भतीजे, उनके पिता और उनके पूर्व प्रोफेसर शामिल हैं। Vo की स्थापनाओं में, इतिहास कलाकार की अपनी जीवनी से सांस्कृतिक प्रतीक या क्षतिग्रस्त धार्मिक इमेजरी जैसे आरोपित प्रतीकात्मक वस्तुओं और उनके परिवार के सदस्यों और दोस्तों की शाब्दिक और रूपक भागीदारी के माध्यम से मिलता है।

स्लाव और तातार
2006 में स्थापित, स्लाव और टाटर्स एक बुक क्लब के रूप में शुरू हुए और एक कलाकार सामूहिक के रूप में विकसित हुए, जिसका बहुमुखी अभ्यास फिर भी शाब्दिक और आलंकारिक दोनों तरीकों से भाषा के बहुत करीब रहा है। उनका काम, मूर्तियों और प्रतिष्ठानों से लेकर व्याख्यान-प्रदर्शन और प्रकाशनों तक, दो प्रतीकात्मक और भौतिक बाधाओं के बीच संलग्न भौगोलिक क्षेत्र की सांस्कृतिक समृद्धि और जटिलता के लिए एक अपरंपरागत शोध दृष्टिकोण है: पूर्व बर्लिन की दीवार और चीन की महान दीवार। यह विशाल भूमि वह जगह है जहां पूर्व और पश्चिम टकराते हैं, एक दूसरे में विलय और पुनर्परिभाषित करते हैं।

लियू वेइस
लियू वेई के शुरुआती काम अक्सर शहरी वास्तुकला, शहर के परिदृश्य और रोजमर्रा की वस्तुओं से निपटते हैं, और चित्रों और प्रतिष्ठानों में एक आवर्ती ज्यामितीय स्कीमा को नियोजित करके भौतिक दुनिया के विभिन्न पहलुओं का प्रतिनिधित्व करते हैं। पिछले दो दशकों के दौरान, उन्होंने सामग्री के चमकदार वर्गीकरण के साथ काम किया है – बैल-छिपाने वाले कुत्ते-चबाने से लेकर किताबें, घरेलू इलेक्ट्रॉनिक उपकरणों से लेकर चीनी चीनी मिट्टी के बरतन और निर्माण सामग्री को छोड़ दिया। उनकी हाल ही में बड़े पैमाने पर स्थापना आधुनिकतावादी मंच सेट की औपचारिकता और भव्यता को उजागर करती है, जो ज्यामितीय आकृतियों और रूपों से भरी हुई है।

अपीचटपोंग वीरसेठकुली
Apichatpong Weerasethakul’s works are steeped in the social life, divergent culture, and tumultuous politics of his native Thailand, whilst the transient arenas of sleeping, dreaming, and memory recur as spaces for exploration, liberation and quiet subversion. These subjects weave their way into the complex interplay of light, sound, and screen of Synchronicity (2018), made with Japanese artist Tsuyoshi Hisakado (1981, Japan) and showcased in the Arsenale, in whose environment Weerasethakul’s threshold spaces are given physical form.

सेंट्रल पवेलियन में दो काम वीरसेथाकुल के लिए एक महत्वपूर्ण बदलाव का संकेत देते हैं, जो पहली बार थाईलैंड के बाहर कोलंबिया में अपनी वर्तमान परियोजना मेमोरिया के लिए काम कर रहे हैं। दशकों के गृहयुद्ध से कोलंबिया की स्थलाकृति और उसके निशान वीरसेठाकुल के लिए एक आंत संबंधी संबंध रखते हैं; सामूहिक स्मृति के आघात रोजमर्रा की जिंदगी के ताने-बाने का हिस्सा हैं, जितना वे नबुआ में हैं।

हस्तविर्मन सपुत्र
पिछले दस वर्षों में, हस्तविर्मन सपुत्र ने रहस्यमय मूर्तियों और चित्रों की एक श्रृंखला बनाई है, जिसका शीर्षक नो रूट्स, नो शूट्स है, जो उन्हें रोजमर्रा की जिंदगी में मिली यादृच्छिक वस्तुओं से प्रेरित है। इनमें से कुछ कार्यों के लिए उनके घर के पास नदी का एक खंड था, जहां बांस के पेड़ों और पेड़ों की उजागर जड़ें घरेलू कचरे से उलझी हुई थीं। सपुत्र न केवल वहां खोजी गई चीजों से बल्कि उनके बीच संबंधों से भी चिंतित थे।

केमांग वा लेहुलेरे
केमांग वा लेहुलेरे का समृद्ध स्तर का काम आगंतुकों को साझा चिंतन में इसके आसपास इकट्ठा होने के लिए प्रोत्साहित करता है। सामूहिक की यह धारणा कलाकार के व्यापक अभ्यास की कुंजी है: वह केप टाउन में एक कार्यकर्ता के रूप में कई वर्षों के अनुभव के बाद, बीसवीं सदी के अंत में एक कलाकार बन गया। उन्होंने 2006 में प्रदर्शन और सामाजिक हस्तक्षेप के लिए एक कलात्मक मंच, गुगुलेक्टिव की स्थापना की।

शस्त्रागार और केंद्रीय मंडप में प्रदर्शित दोनों प्रतिष्ठान स्कूल के डेस्क और कुर्सियों से बचाई गई लकड़ी और धातु से बने हैं। इन कार्यों में प्रत्येक तत्व संघों, संदर्भों और कहानियों के एक वेब में एक साथ आता है क्योंकि वा लेहुलेरे के लिए, व्यक्तिगत जीवनी और सामूहिक इतिहास अटूट हैं।

गौरी गिल
आगे की यात्रा करते हुए, गिल ने नई उपनगरीय “मलबे की बंजर भूमि में मौजूद उपनिवेशों को देखा, उनके आस-पास प्रवासी मजदूरों के अस्थायी घरों के साथ नकली अंग्रेजी महल”। उनके वास्तुशिल्प डेडपैन में डेवलपर्स के होर्डिंग्स शामिल हैं जो अप्राप्य सपनों को पूरा करते हैं; भवन और निर्माण के बारे में शैक्षिक प्रदर्शन; असली पेड़ों के बीच लगाए गए नकली हथेलियाँ; एक हवाई इकाई के ऊपर अध्यक्षता करने वाली देवी; फटी चादर से ढका एक नया भवन, महात्मा गांधी रोड पर गिराया जा रहा ग्रैंड ट्रंक रोड के किनारे सड़ रहे कूड़े के ढेर; और सुविधाहीन ऊँची-ऊँची इमारतें, हर जगह।

माइकल आर्मिटेज
एक काल्पनिक वास्तविकता और आधुनिक जीवन की राजनीतिक अराजकता के बीच कहीं स्थित, माइकल आर्मिटेज की पेंटिंग कई कथा धागे को एक साथ बुनती हैं। जटिल सामाजिक गतिशीलता के एक गहन पर्यवेक्षक के रूप में, वह कथात्मक चित्रकला की भाषा के माध्यम से प्रतिनिधित्व के पारंपरिक कोड को तोड़ देता है। असमानता और राजनीतिक अनिश्चितता के मुद्दों को बढ़ाते हुए, उनकी ज्वलंत झांकी की सुरम्य सुंदरता एक भयावह वास्तविकता को झुठलाती है जिसमें शानदार विस्तार और जीवंत रंग की टक्कर नैरोबी में रोजमर्रा की जिंदगी को नियंत्रित करने वाले सामाजिक रीति-रिवाजों और राजनीतिक विचारधाराओं में एक अंतर्दृष्टि प्रदान करती है।

जेसी डार्लिंग
जेसी डार्लिंग की मूर्तियां घायल, टेढ़ी-मेढ़ी और अस्थिर हैं, लेकिन वे जीवन से भी भरपूर हैं। कम लागत वाली रोज़मर्रा की सामग्रियों से निर्मित, ये सरल संयोजन एक असामान्य मार्मिकता के साथ शरीर को उद्वेलित करते हैं; वे निश्चित रूप से गैर-स्मारकीय भी हैं। एक न्यूरोलॉजिकल बीमारी के कारण अपने दाहिने हाथ का अधिकांश उपयोग करने में असमर्थ, डार्लिंग विरासत में मिली विचारधाराओं और सक्षमतावादी तंत्र से प्रभावित थे, जिन्होंने शुरू में मूर्तिकला की उनकी समझ को सूचित किया था: ‘कड़ी मेहनत’ और ‘हावभाव’ के विचार।

खिएंत्से नोरबु
एक कलाकार और फिल्म निर्माता के रूप में ख्यातसे नोरबू के काम में, संदर्भ के दार्शनिक प्रश्न एक केंद्रीय भूमिका निभाते हैं। एक सुझाव है कि समझ और व्याख्या हमेशा बदलने के लिए खुली है, और यह कि व्यापक दृष्टिकोण की गुंजाइश है। बौद्ध जगत में ज़ोंगसर खेंत्से रिनपोछे के रूप में जाना जाता है, नोरबू एक तिब्बती और भूटानी लामा हैं, जो उनके शिक्षण और लेखन के लिए सम्मानित हैं।

एलेक्जेंड्रा बिरकेन
एलेक्जेंड्रा बिरकेन का अभ्यास मानव रूप के आसपास बनाया गया है। उनके कार्यों में सिलिकॉन, नायलॉन की चड्डी, हथियार और मशीनरी जैसी निर्मित वस्तुओं से लेकर ऊन, चमड़े, शाखाओं और सूखे फल सहित जैविक सामग्री तक की सामग्री की एक असामान्य श्रेणी शामिल है। अपने पूर्व उद्देश्य से हटकर, इन्हें असाधारण और असुविधाजनक व्यवस्थाओं में इकट्ठा किया जाता है, प्रत्येक कार्य विपरीत तनावों के साथ जीवित रहता है।

सेंट्रल पवेलियन में, बिरकेन छह काम प्रस्तुत करता है जो लिंग, शक्ति और भेद्यता, पशु और मशीन के विषयों को परस्पर जोड़ते हैं। ये ऐसे कार्य हैं जो हमारी भेद्यता, हमारी शारीरिकता और हमारे द्वारा खुद को बाहर से और एक दूसरे से बचाने के लिए बनाए गए हब्रिस्टिक टूल को याद करते हैं। शस्त्रागार में कलाकार आंत, सर्वनाश और गतिशील स्थापना ESKALATION (२०१६) का प्रदर्शन करते हैं, जो मानवता के अंत की तरह दिख सकता है।

नबुकी
नबूकी गढ़ी हुई वस्तुओं के सौंदर्य और भौतिक पहलुओं की खोज के लिए गहराई से प्रतिबद्ध है; कलाकार के लिए यह महत्वपूर्ण है कि बाहर की नकल निर्मित वस्तुओं के एक संयोजन के माध्यम से महसूस की जाती है, जिनके मूल गुणों को ईमानदारी से रखा जाता है: “मैं अपने हाथों से समझौता करने के बजाय सामग्री की प्रारंभिक स्थिति और गुणों को पुनर्प्राप्त करना चाहता था। जिसका अर्थ है प्रदर्शनी स्थल में सावधानीपूर्वक बनाई गई कलाकृति नहीं दिखाना। मैं एक ऐसा वातावरण बनाना चाहता था जो बाहरी (बाहरी) और आंतरिक (आंतरिक) दोनों से संबंधित हो।

यहां उपयोग की जाने वाली सभी सामग्रियां सजावटी प्रकृति की हैं, माना जाता है कि यह एक तरह की वास्तविकता का अनुकरण या उत्तेजक है, या एक सौंदर्यशास्त्र की कल्पना का पोषण करती है: एक आभासी सौंदर्यशास्त्र, सुखद और मेहमाननवाज। क्या वास्तविकता के इस तरह के मनोरंजन को वास्तविकता के हिस्से के रूप में माना जा सकता है, और क्या यह दर्शकों में उसी भावनात्मक प्रतिध्वनि को ट्रिगर करता है जैसे कि उन्होंने वास्तविक का सामना किया हो? उसकी कलाकृतियाँ ऐसे सवालों के जवाब देने की कोशिश करती हैं।

शिल्पा गुप्ता
शिल्पा गुप्ता सीमाओं के भौतिक और वैचारिक अस्तित्व के इर्द-गिर्द काम करती हैं, साथ ही साथ उनके मनमाने और दमनकारी कार्यों को प्रकट करती हैं। उसका अभ्यास राष्ट्र राज्यों, जातीय-धार्मिक विभाजन और निगरानी के ढांचे के बीच के अंतरालीय क्षेत्रों पर आधारित है – कानूनी और अवैध, संबंधित और अलगाव की परिभाषाओं के बीच। रोज़मर्रा की स्थितियों को संक्षिप्त वैचारिक इशारों में बदल दिया जाता है; पाठ, क्रिया, वस्तु और स्थापना के रूप में, जिसके माध्यम से गुप्ता अगोचर शक्तियों को संबोधित करते हैं जो हमारे जीवन को नागरिकों या स्टेटलेस व्यक्तियों के रूप में निर्देशित करते हैं।

आंद्रा उर्सुसा
जुनूनी मजबूरियां और हिंसक इच्छाएं; यौन और राजनीतिक प्रभुत्व के अधीन; मानव अस्तित्व की नाजुकता; निर्माण और कल्पना के रूप में पहचान: ये कुछ ऐसे विषय हैं जो आंद्रा उर्सुसा की मूर्तियों और प्रतिष्ठानों में खोजे गए शून्यवादी और दुखद परिदृश्यों को रेखांकित करते हैं। विरोधाभास और विडंबना पर टिका हुआ, कलाकार का काम राजनीतिक घटनाओं, क्लिच और रूपक के साथ-साथ व्यक्तिगत यादों पर आधारित है, जो शक्ति की गतिशीलता को उजागर करने और बाधित करने के प्रयास में है जो उल्लंघन और प्रतिबंध, उदासीनता और सहानुभूति, अपमान और के बीच अनिश्चित सीमाओं को कायम रखता है। हास्य।

क्रिस्टीन और मार्गरेट वर्थाइम
क्रिस्टीन और मार्गरेट वर्थाइम का क्रोकेट कोरल रीफ मूर्तिकला और सीखने के लिए एक उपकरण, एक वनस्पति, जैविक मॉडल के बीच कहीं बैठता है। ऐसे त्रि-आयामी मॉडल कभी कांच के बने होते थे; Wertheims की परियोजना में, प्रपत्र क्रोकेट में बनाए जाते हैं। सूत, धागा, तार, पुराना वीडियो-टेप, मनके, एक पर एक सिलाई, सभी धीरे-धीरे मिलकर प्रवाल भित्तियों की एक श्रृंखला बनाते हैं। विज्ञान और कला का एक सुंदर गठबंधन, क्रोकेट कोरल रीफ जुड़वा बच्चों की जीवनी को दर्शाता है: एक भौतिक विज्ञानी के रूप में प्रशिक्षित मार्गरेट एक प्रशंसित विज्ञान लेखक हैं; एक कवि और पूर्व चित्रकार क्रिस्टीन, आलोचनात्मक अध्ययन के प्रोफेसर हैं।

2005 में एक शाम वर्थाइम बहनों के रहने वाले कमरे में, कॉफी टेबल पर बिखरे हुए ऊनी रूपों को देखते हुए, क्रिस्टीन ने शब्दों का उच्चारण किया, “हम एक मूंगा चट्टान को क्रोकेट कर सकते हैं!”। मार्गरेट ने ऑनलाइन परियोजना में शामिल होने के लिए एक निमंत्रण पोस्ट किया, और छोटे और बड़े मॉडल मेल में दिखाई देने लगे, उन रूपों के साथ संयोजन करने के लिए जो बहनें बना रही थीं। जो उभरा वह एक विस्तृत प्रस्ताव था: क्रोकेट कोरल रीफ कुछ ऐसा है जो समय और कल्पना, और गैर-श्रेणीबद्ध सहयोग लेता है और उसका प्रतिनिधित्व करता है। अब तक, 10,000 से अधिक प्रतिभागियों ने विभिन्न शहरों और देशों में चालीस से अधिक सैटेलाइट रीफ को सामूहिक रूप से क्रोक किया है।

सुकी सेओकीओंग कांगो
पेंटिंग, मूर्तिकला, वीडियो, और जिसे कलाकार ने ‘सक्रियण’ के रूप में वर्णित किया है, को शामिल करते हुए, आज के व्यक्ति की जगह और भूमिका पर सुकी सेओकिओंग कांग के बहुभिन्नरूपी अभ्यास केंद्र। कांग कोरियाई सांस्कृतिक विरासत के पहलुओं के साथ-साथ अपने स्वयं के व्यक्तिगत इतिहास को वैचारिक संरचनाओं को फिर से परिभाषित करने और राजनीतिक क्षेत्रों की कल्पना करने के लिए आकर्षित करता है जिसमें सशक्त हितधारक वर्तमान के अंतरिक्ष-समय में अपनी एजेंसी को स्पष्ट और प्रयोग कर सकते हैं।

ओटोबोंग नकांगा
(अक्सर हिंसक) आंदोलन और खनिजों, ऊर्जा, माल और लोगों के आदान-प्रदान का संदर्भ देते हुए, ओटोबोंग नकांगा का काम एक अनुस्मारक है कि वस्तुएं और क्रियाएं अलगाव में मौजूद नहीं हैं: हमेशा एक कनेक्शन होता है, हमेशा एक प्रभाव होता है। “हम में से कोई भी स्थिर अवस्था में मौजूद नहीं है”, कलाकार ने कहा है। “पहचान लगातार विकसित हो रही हैं। अफ्रीकी पहचान कई हैं। जब मैं उदाहरण के लिए, नाइजीरियाई, सेनेगल, केन्याई, फ्रेंच या भारतीय संस्कृतियों को देखता हूं, तो आप औपनिवेशिक प्रभावों और इस एक्सचेंज के प्रभाव के बारे में बात किए बिना एक विशिष्ट पहचान के बारे में बात नहीं कर सकते। – व्यापार और माल और संस्कृति का”।

एलेक्स दा कोर्टे
एलेक्स डा कॉर्टे के डूबे हुए काम चुंबकीय विश्व-निर्माण के कार्य की गवाही देते हैं। वह उन वस्तुओं के नृत्य को कोरियोग्राफ करता है जो उन चीजों के बिना, संकेत और अर्थ देते हैं। वह कोड और प्रतीकों के माध्यम से कहानियां सुनाता है, जिसमें उच्च और निम्न-ब्रो सांस्कृतिक संदर्भों और डॉलर-स्टोर की खोज के साथ विनियोजित, इकट्ठे, मंचन और तैयार किए गए अमेरिका का एक बवंडर एक साथ संचार करता है।

सेंट्रल पवेलियन में, दर्शक द डेकोरेटेड शेड (2019) के घरों के अंदर लोगों को अपना शांत जीवन जीते हुए देखने वाले दिग्गज बन जाते हैं, जो एक लघु उपनगरीय अमेरिकी गांव की एक सटीक प्रतिकृति है – लोकप्रिय टेलीविजन श्रृंखला मिस्टर रोजर्स नेबरहुड से – एक संघीय पर प्रस्तुत किया गया- स्टाइल महोगनी टेबल, कॉर्पोरेट रेस्तरां चेन साइनेज के अतिरिक्त। आर्सेनल में, नियॉन-लाइटेड रबर पेंसिल डेविल, दर्शकों को छोटा करता है क्योंकि वे बेंच पर बैठते हैं और परिचित टीवी कार्यक्रमों के अधिक आकार और अधिक संतृप्त वयस्क संस्करण देखते हैं, जिसमें पात्रों की एक श्रृंखला एक सम्मोहक रूप से धीमी कोरियोग्राफी करती है।

भाग VI

हलील अल्टंडेरे
Halil Altındere अपने वीडियो, फोटो, इंस्टॉलेशन और पेंटिंग में रोजमर्रा की राजनीति की छानबीन करते हैं। सामाजिक-राजनीतिक तंत्रों और व्यक्ति पर उनके अतिक्रमण का एक गहन पर्यवेक्षक, वह अक्सर उन्हीं साधनों का उपयोग करता है जिनके द्वारा अधिकार का दावा किया जाता है और राष्ट्र-राज्य की संस्थाओं द्वारा अंतर को सीमित किया जाता है। पहचान पत्र, डाक टिकट, बैंक नोट, अखबार के पहले पन्ने, सैन्य नारे और राजनीतिक नेताओं की तस्वीरें सामाजिक या राजनीतिक हेरफेर और सामान्यीकरण को नष्ट करने के लिए विनियोजित की जाती हैं।

कुर्द पृष्ठभूमि से आने वाले, और तुर्की-कुर्द संघर्ष के चरम के दौरान बड़े होने के कारण, अल्टिंडेरे कई कार्यों में अल्पसंख्यकों की उपेक्षा और दुर्व्यवहार को छूते हैं। हाल के वर्षों में, Altındere ने कई कार्यों में वैश्विक शरणार्थी संकट से जुड़ा है, जिसमें अंतरिक्ष शरणार्थी (2016) शामिल है, जो सीरिया के पहले और एकमात्र अंतरिक्ष यात्री मोहम्मद अहमद फारिस के साथ कलाकार की बैठक से प्रेरित श्रृंखला है, जिन्होंने सोवियत टीम के साथ अंतरिक्ष की यात्रा की थी। 1987.

यिन ज़िउज़ेन
1990 के दशक की शुरुआत से, यिन ज़िउज़ेन सामाजिक संदर्भों से भरी महत्वाकांक्षी मूर्तियों को बनाने के लिए पुनर्नवीनीकरण सामग्री के साथ काम कर रहा है। 1989 के बाद के चीन को बड़े पैमाने पर परिभाषित करने वाले अत्यधिक विकास, खपत और वैश्वीकरण को दर्शाते हुए, वह अपने कार्यों में नरम वस्त्रों को वस्तुओं की एक सरणी के साथ जोड़ती है – अक्सर अत्यधिक विपरीत बनावट और अर्थ – जैसे सूटकेस, कंक्रीट के टुकड़े, मलबे, धातु, और औद्योगिक वस्तुएं।

कैरल बोवे
कैरल बोव की मूर्ति आधुनिकता की स्वच्छ रेखाओं को अपने सिर पर मोड़ लेती है। उसका औपचारिक वाक्य-विन्यास बेंड्स, डेंट्स, टॉर्क्स, किंक्स, क्रम्पल्स, क्रीज़, और अन्य सिलवटों की एक कुशल भाषा है जो मूर्तिकला की सतह को चेतन करती है। कलाकार ने इन कार्यों को “कोलाज मूर्तियां” कहा है, एक प्रकार की गतिविधि जो अप्रचलित और नवनिर्मित के बीच औद्योगिक रूप से गठित और केवल पाए जाने के बीच एक उत्पादक तनाव को नेविगेट करती है।

उसकी सामग्री का भौतिक घर्षण लाल, पीले, गुलाबी और हरे रंग के एक बोल्ड, कैंडी रंग के पैलेट के माध्यम से एनिमेटेड है, जो उसके मोटे अनुपचारित स्टील के गतिशील विपरीत में रखा गया है। उसके पेंट जार का चिकना खत्म उसके पाए गए वस्तुओं की खुरदरी फीकी भौतिकता के साथ। इस मोड में, सतह का रंग इस भ्रम को बढ़ावा देता है कि उसकी स्टील ट्यूब एक नरम, निंदनीय पदार्थ से बनी है। बोव के चतुर मोड़, मोड़ और मोड़ दर्शक से एक गतिज दृष्टिकोण की मांग करते हैं: वे शरीर, आंख और दिमाग को काम को स्थानांतरित करने, स्थानांतरित करने और परिचालित करने के लिए मजबूर करते हैं। यदि इन वस्तुओं को एक कहानी बताना होता है तो यह गति और दबाव, बल और कोमलता का लेखा-जोखा होगा।

एवरी सिंगर
एवरी सिंगर की पेंटिंग माध्यम की सीमाओं का पता लगाती हैं। ब्रश के साथ पेंटिंग करने के बजाय, वह स्केचअप का उपयोग करती है, जो आर्किटेक्ट और इंजीनियरों के साथ लोकप्रिय 3-डी मॉडलिंग सॉफ्टवेयर है, ताकि डिजिटल रचनाएं बनाई जा सकें और फिर कैनवास पर एयरब्रश की जा सकें। लिंग-तटस्थ दृश्यों और गैर-यौन आकृतियों को चित्रित करके, सिंगर चेहरे की विशेषताओं को लाइनों, ग्रिड और ज्यामितीय रूपों की एक श्रृंखला में कम करके पहचान अस्पष्टता पर प्रकाश डालता है।

पिछले दो वर्षों में, सिंगर ने अपने ग्रिसेल पैलेट में रंग पेश किया है। कैंडी-रंग का काल्डर (शनिवार की रात) (2017), चित्रों के एक समूह के साथ, जो केंद्रीय मंडप में देखने पर मौन, अर्ध-अमूर्त चित्रों के विपरीत है। प्रतिनिधित्व की सीमाओं के साथ खेलते हुए, पेंटिंग की संभावनाओं का विस्तार करने के लिए सिंगर की चल रही खोज कलाकारों के लिंग के बारे में रिडक्टिव सिद्धांतों और धारणाओं के खिलाफ भी लड़ती है।

नजीदेका अकुनीली क्रॉस्ब्यो
Njideka Akunyili Crosby की पेंटिंग समकालीन नाइजीरियाई डायस्पोरा के सदस्य के रूप में उनके अनुभव को दर्शाती है, जो एक विशिष्ट सांस्कृतिक और राष्ट्रीय पहचान को दर्शाती है जो कई लोगों के लिए अपरिचित है, हालांकि उन लोगों के लिए तुरंत पहचानने योग्य है जिन्होंने समान पथ का पालन किया है। एक किशोरी के रूप में संयुक्त राज्य अमेरिका में अध्ययन करने के लिए प्रवास करने के बाद, अकुनीली क्रॉस्बी विविध सौंदर्य, बौद्धिक, आर्थिक और राजनीतिक संदर्भों के बीच आत्मविश्वास से (हालांकि शायद आंतरिक घर्षण के बिना नहीं) चलती है, और यह इन संदर्भों का टकराव और गलत संरेखण है जो उनके चित्रों को उनकी पेंटिंग देता है तनाव और मार्मिकता।

कलाकार चित्रों और घरेलू अंदरूनी हिस्सों को चित्रित करता है जो आमतौर पर खुद को और उसके परिवार को दिखाते हैं। ये दृश्य एक ही बार में सपाट और असीम रूप से गहरे हैं, जिनमें खिड़कियां और दरवाजे अन्य स्थानों पर खुलते हैं, जबकि इन चित्रों में वर्णित स्थान अनिश्चित हैं; कुछ विवरण – जैसे कि कच्चा लोहा रेडिएटर, उदाहरण के लिए – एक ठंडी जलवायु का संकेत देते हैं (जैसे कि न्यूयॉर्क, जहां कलाकार कुछ समय के लिए रहता था), जबकि अन्य, जैसे कि टेबल पर सेट पैराफिन लैंप, अकुनीली क्रॉस्बी से लिए गए हैं। नाइजीरिया की यादें।

एंथोनी हर्नांडेज़
एंथोनी हर्नांडेज़ का फोटोग्राफिक काम कठिन और असंतोषजनक है। पिछले तीन दशकों से एक प्रचलित प्रश्न ने फोटोग्राफर को परेशान किया है: शहर के समकालीन खंडहरों और इसके कम सुविधा वाले नागरिकों पर शहरी जीवन के कठोर प्रभाव को कैसे चित्रित किया जाए? हर्नान्डेज़ ने इस प्रश्न पर ध्यान केंद्रित करके इस प्रश्न पर ध्यान केंद्रित किया है कि फोटोग्राफर लुईस बाल्ट्ज़ ने “पराजित के परिदृश्य” को क्या कहा है – बेघर शिविर, बेरोजगारी कार्यालय, ऑटो-ब्रेकिंग यार्ड, बस शेल्टर, और शहर के बाहरी इलाके में पाए जाने वाले अन्य उपेक्षित स्थान। न तो रोमांटिक और न ही उदासीन, हर्नांडेज़ के काम ने उन साइटों और स्थानों को विस्तृत किया है जहां पूंजीवाद के खुशी के वादे में खटास आई है।

ज़ानेले मुहोलीक
काम के लिए जाना जाता है चेहरे और चरण (2006-चल रहे), दक्षिण अफ़्रीकी काले समलैंगिकों के चित्रों का एक विकसित संग्रह, ज़ानेले मुहोली एक फोटोग्राफर है जो म्यूटिंग और अदृश्यता के खिलाफ जमकर काम करता है। एक कलाकार के बजाय एक “विज़ुअल एक्टिविस्ट” के रूप में संदर्भित होने का जिक्र करते हुए, मुहोली फोरम फॉर द एम्पावरमेंट ऑफ वीमेन के सह-संस्थापक हैं, साथ ही साथ इनकैनिसो, कतार और दृश्य सक्रियता के लिए एक मंच है।

आत्म-प्रतिनिधित्व का महत्व सोमन्यामा नोगोनामा, हेल द डार्क शेरनी (2012-चल रही) के लिए केंद्रीय है, अप्रकाशित स्व-चित्रों की एक श्रृंखला जिसे कलाकार दक्षिण में एक काले समलैंगिक के जीवन में एक वर्ष की 365 छवियों में बनाने का इरादा रखता है। अफ्रीका। शृंखला में ऐसे कार्य शामिल हैं जहां कलाकार निडरता से या सीधे दर्शकों की निगाहों से मिलते हैं, आर्सेनल में देखने पर, और छोटे चांदी के जिलेटिन प्रिंट जहां मुहोली इसे टाल रहे हैं और निराश कर रहे हैं, केंद्रीय मंडप में देखने पर।

स्टेन डगलस
स्टैन डगलस की फ़िल्में, वीडियो, फ़ोटोग्राफ़ और सिनेमाई संस्थापन अक्सर उस चीज़ से संबंधित होते हैं जिसे वे “सट्टा इतिहास” कहते हैं, उन महत्वपूर्ण क्षणों को चित्रित करते हैं जब घटनाओं ने एक बहुत अलग मोड़ ले लिया हो। डगलस तस्वीरों को “चलती छवियों के बिना फिल्मों की तरह” मानते हैं और उन्हें फिल्म के एक दृश्य के समान ही बनाते हैं। वह विशेष घटनाओं को फिर से लागू करता है, उन्हें सेट, अभिनेताओं और सावधानीपूर्वक प्रकाश व्यवस्था के साथ बहाल करने से पहले उन्हें अनुसंधान की एक लंबी प्रक्रिया के अधीन करता है।

कोराकृत अरुणानन्दचाई
प्रदर्शन, वीडियो और स्थापना के बीच काम करते हुए, कोराकृत अरुणनंदचाई एक ऐसा क्षेत्र बनाता है जिसमें परिवार, अंधविश्वास, आध्यात्मिकता, इतिहास, राजनीति और कला आपस में जुड़ते हैं। अजीब नामों वाले लोगों से भरे कमरे में इतिहास के साथ उनकी परस्पर श्रृंखला 2013 में शुरू हुई। आवर्ती केंद्रीय चरित्र, एक काल्पनिक थाई चित्रकार, को उन स्थितियों में दर्शाया गया है जो पारंपरिक मान्यताओं, प्राकृतिक वातावरण और प्रौद्योगिकी के विकास के बीच बातचीत को दर्शाती हैं, बदलते थाईलैंड की राजनीति और संस्कृति।

सेंट्रल पवेलियन में प्रस्तुत मूर्तिकला की स्थापना ‘पोस्ट-नेचुरल’ ट्री-जैसे रूपों की एक श्रृंखला है, जबकि आर्सेनल एलेक्स ग्वोजिक (1984, यूएसए) के साथ बनाई गई तीन-स्क्रीन स्थापना की मेजबानी करता है। गैलरी को संभावित और आने वाले स्थानों के रूप में तैयार किया जाता है। हाल ही में, उन्होंने अलौकिक वन सेटिंग्स का निर्माण किया है: चूहे जैसे जीवों का निवास स्थान जो एंथ्रोपोसीन से बच सकते हैं।

एड एटकिंस
एड एटकिंस आत्म-चित्रण के सभी प्रकार के दृढ़ संकल्प करते हैं। वह असुविधाजनक रूप से अंतरंग, अण्डाकार भविष्यवाणियां लिखता है, भयानक कैरिकेचर बनाता है, और यथार्थवादी कंप्यूटर जनित वीडियो बनाता है जो अक्सर गैर-जिम्मेदार मानसिक संकटों के झुंड में पुरुष आंकड़े पेश करते हैं। शस्त्रागार में, स्थापना पुराना भोजन (2017-2019) ऐतिहासिकता, उदासी और मूर्खता से भरा हुआ है। यहां, एटकिंस ने व्यापक मुद्दों और उद्धरणों के साथ आत्मकथात्मक चित्रण को प्रभावित करते हुए, अपने भावनात्मक क्षेत्र का विस्तार किया है।

ब्लूम का गठन करने वाले चित्र (एक से दस की संख्या और केंद्रीय मंडप में दिखाए गए) में टारेंटयुला होते हैं जो अस्थायी हाथों से उतरते हैं या अन्यथा एक पैर पर खड़े होते हैं, प्रत्येक एड एटकिंस के सिकुड़े हुए सिर के साथ जहां मकड़ियों का पेट होना चाहिए। अरचिन्ड बालों में लिपटे, अटकिन्स का चेहरा चौथी दीवार को तोड़ता है और एक उभयलिंगी, संदिग्ध रूप से सचेत अभिव्यक्ति पहने हुए हम पर झपटता है।

गेब्रियल रिको
छोड़े गए सांस्कृतिक वस्तुओं के संग्रहकर्ता के रूप में, एक स्व-घोषित ऑन्कोलॉजिस्ट, एक प्रशिक्षित वास्तुकार और जानवरों के लिए एक आत्मीयता के साथ मानव अनुभव के शोधकर्ता, गेब्रियल रिको को “भूखी आँखें” कहा जा सकता है। उनकी पूछताछ, खोज और संग्रह एक अतियथार्थवादी / आर्टे पोवेरा दृष्टिकोण की ओर जाता है जो टैक्सिडेरमी और प्राकृतिक वस्तुओं से नीयन आकार और मानव निर्मित वस्तुओं के अन्य अवशेषों तक कई प्रकार की सामग्रियों का खनन करता है। इसके परिणामस्वरूप विचारोत्तेजक मूर्तियां बनती हैं जो पर्यावरण, वास्तुकला और सभ्यता के भविष्य के खंडहरों के बीच संबंधों को संबोधित करती हैं।

रीको के सभी कार्यों में, कहानी की सुंदरता विवरण में स्थित है। घटक एक विशिष्ट स्थान, मेक्सिको के सामने आने वाली चुनौतियों को दर्शाते हैं, और साथ ही साथ हमारी साझा वैश्विक चिंताओं के साथ प्रतिध्वनित होते हैं। रिको औपचारिक और दार्शनिक दोनों तरह से अंतरिक्ष की नाजुकता पर विचार करता है, जो अभी के अनिश्चित क्षण को प्रस्तुत करता है।

अनिका यिस
जैविक और सिंथेटिक, विज्ञान और कथा, मानव और गैर-मानव के बीच के सीमांकन को अस्थिर करते हुए, अनिका यी की प्रोटीन कृतियों को कलाकार द्वारा “इंद्रियों की जैव-राजनीति” के रूप में वर्णित किया गया है। यी का नया कार्य केंद्र “मशीन को जीव विज्ञान” में हाल की पूछताछ पर केंद्रित है क्योंकि वह मशीन के सेंसरियम पर ध्यान केंद्रित करती है और इस बात पर विचार करती है कि कृत्रिम बुद्धिमत्ता (एआई) संस्थाओं और जैविक जीवन रूपों के बीच संचार के नए चैनल कैसे स्थापित किए जा सकते हैं।

खलील जोसेफ
मुख्यधारा और संग्रहालय के बीच पानी को सुचारू रूप से नेविगेट करते हुए, कलाकार और फिल्म निर्माता खलील जोसेफ की संकर प्रथा सिनेमा, दृश्य कला और सांस्कृतिक मीडिया तक फैली हुई है। उनकी अवशोषित करने वाली फिल्में और इमर्सिव वीडियो इंस्टॉलेशन सिनेमा और समकालीन कला के बीच उच्च और निम्न संस्कृति के बीच किसी भी द्वंद्व को खंगालते हैं।

एंड्रियास लोलिस
एंड्रियास लोलिस संगमरमर में ट्रॉम्पे-एल’इल ऑब्जेक्ट बनाता है। पिछले कई वर्षों में, उन्होंने फर्श-आधारित मूर्तियों की एक श्रृंखला बनाई है जो सड़क के कोनों या पार्क बेंचों पर देखी गई क्षणिक वस्तुओं की नकल करती हैं – हाइपररियल बिन बैग, कार्डबोर्ड बॉक्स और लकड़ी के बक्से। इनमें से कई मूर्तियों में स्पष्ट रूप से टूट-फूट के संकेत हैं – उनकी सतहों को कुचल या दाग, छिल या टूटा हुआ। एक उच्च-शास्त्रीय माध्यम में डिटरिटस को पुन: प्रस्तुत करके, वह जानबूझकर मूल्य और स्थिति की पारंपरिक प्रणालियों को परेशान करता है। अपने पूरे करियर में पूरी तरह से संगमरमर से काम करने वाले लोलिस ने सामग्री के साथ अपने रिश्ते को भक्तिपूर्ण बताया है। विस्तार पर उनके गहन ध्यान का अर्थ है कि प्रत्येक आदमकद वस्तु आंख को लगभग पूरी तरह से छलने में सक्षम है।

टॉमस सारासेनो
टॉमस सारासेनो का शोध असंख्य दुनियाओं द्वारा पोषित है। उनकी अरकोनोफिलिया सोसाइटी, एरोसीन फाउंडेशन, सामुदायिक परियोजनाएं, और इंटरैक्टिव इंस्टॉलेशन विषयों (कला, वास्तुकला, प्राकृतिक विज्ञान, खगोल भौतिकी, दर्शन, नृविज्ञान, इंजीनियरिंग) और संवेदनशीलता को पाटकर पर्यावरण में रहने के स्थायी तरीकों का पता लगाते हैं।

इन सभी परियोजनाओं में, सारासेनो हमारे चारों ओर मौजूद जीवन के रूपों से जुड़ा हुआ है और पारिस्थितिक उथल-पुथल के युग में, हमें अन्य प्रजातियों और प्रणालियों के लिए हमारे दृष्टिकोण को अपनाने के लिए प्रोत्साहित करता है, चाहे सूक्ष्म या स्थूल स्तर पर, मकड़ी कालोनियों से गुरुत्वाकर्षण तक लहरें, और हमारे साझा ग्रह में रहने के संकर और वैकल्पिक तरीकों से जुड़ते हैं।

मारिया लोबोडा
संचरण और मुठभेड़ के अपने प्रक्षेपवक्र के माध्यम से वस्तुओं और इमेजरी का निरंतर परिवर्तन मारिया लोबोडा के अभ्यास के मूल में है। लोबोडा की रचनाएँ कथित रूप से स्पष्ट होने पर अविश्वास को भड़काती हैं, लेकिन हमें उन अनिश्चितताओं से दोस्ती करने के लिए भी आमंत्रित करती हैं – और जिन चीज़ों से हम घिरे हैं – उनके पास। लोबोडा इस बात में रुचि रखता है कि जिस तरह से छवियों को उन संदर्भों से प्रभावित किया जाता है जिसमें वे प्रसारित होते हैं, उन पर नजर रखने के इतिहास द्वारा आकार दिया जाता है।

तारेक अतौई
संगीत और समकालीन कला के बीच तालमेल बिठाते हुए, तारेक अटौई का अभ्यास सहभागी और सहयोगी ध्वनि प्रदर्शनों के माध्यम से सुनने की धारणा का विस्तार करता है। 1960 के दशक में कलाकारों द्वारा प्रस्तुत खुले रूपों की विरासत से प्रभावित होकर, जिसने संगीत की समझ को बढ़ाया और इसे दृश्य कला के दायरे के करीब लाया, अटौई ने ध्वनि की खेती के लिए जटिल वातावरण की कल्पना की और समन्वय किया। अपने इंस्टॉलेशन, प्रदर्शन और सहयोग के माध्यम से, वह प्रदर्शन की अपेक्षित धारणाओं को तोड़ता है, कलाकार और दर्शकों दोनों के लिए, अनुभव के बहुविध तरीकों का सुझाव देता है: दृश्य, कर्ण और दैहिक।

एंथिया हैमिल्टन
एंथिया हैमिल्टन के पूरे काम में मनमुटाव की भावना चलती है। लोकप्रिय संस्कृति, फैशन और डिजाइन से पुराने संदर्भ immersive वातावरण और अलौकिक वस्तुओं में खुलते हैं, उनके मूल अर्थ खाली हो जाते हैं और उनकी मूर्तियों और प्रतिष्ठानों के भीतर बदल जाते हैं। पिछले दशकों की कला और संस्कृति से अस्थायी दूरी भ्रामक हो सकती है: समय की चूक कुछ संदर्भों को उत्सव, किट्स और यहां तक ​​​​कि तटस्थ बना सकती है।

हैमिल्टन के काम के भीतर, फैशन और डिजाइन के सौम्य तत्वों पर पुनर्विचार किया जाता है। पिछले कामों में, उन्होंने ऐतिहासिक डिजाइनरों, मशहूर हस्तियों और प्रतिष्ठित फैशन रुझानों से उनके निहितार्थों को बढ़ाने और उन्हें अंदर से बाहर करने के लिए उधार लिया है। उत्तेजनाओं को दोहराव और रिक्तता और सतह की तैनाती के माध्यम से सामने लाया जाता है। परिणाम लगभग क्लस्ट्रोफोबिक हैं, इच्छाओं में दमनकारी हैं जो हैमिल्टन के परिवर्तनों को प्रकट करते हैं।

जेपे हेन
जेप्पे हेन की संशोधित सामाजिक बेंच खेल से लेकर विश्राम तक विभिन्न गतिविधियों के माध्यम से अन्वेषण और प्रयोग को प्रोत्साहित करती है। वे किसी भी वास्तु उपकरण के प्रति प्रतिक्रिया हैं जो अंतरिक्ष में पिंडों की गति को निर्धारित करते हैं। Giardini के लिए, कलाकार ने चार बेंचों का एक सेट तैयार किया है जो सियान लैगून से बाहर निकलते हुए प्रतीत होते हैं, हवा में टॉय ट्रेन की पटरियों की तरह लूपिंग करते हैं। ब्राजील, पोलिश और रोमानियाई मंडपों के बीच लॉन पर स्थित, वेनिस के लिए संशोधित सामाजिक बेंच (2019) सामाजिक संपर्क के लिए एक जगह बनाते हैं और मंदी को आमंत्रित करते हैं।

अन्य सुविधाएँ

Giardini . में राष्ट्रीय मंडप
आज के केंद्रीय मंडप के साथ, जिसका पहला केंद्र 1894 में बनाया गया था और तब से कई बार विस्तारित और पुनर्स्थापित किया गया था, बड़े पार्क में 29 मंडप बनाए गए थे, जो विभिन्न देशों को प्रदर्शित करके बनाए गए थे। पार्क के हरे-भरे परिवेश से घिरे, मंडप 20 वीं शताब्दी की वास्तुकला में उच्च मूल्य के एक संकलन का प्रतिनिधित्व करते हैं, जिसमें कई अधिकारियों के नाम हैं, जिनमें आल्टो, हॉफमैन, रिटवेल्ड, स्कार्पा और स्टर्लिंग शामिल हैं।

बिएननेल लाइब्रेरी
2009 के बाद से ला बिएननेल पुस्तकालय Giardini में केंद्रीय मंडप का एक अभिन्न अंग है। बहाली 2010 में बड़े वाचनालय के उद्घाटन के साथ पूरी हुई, जो दो-स्तरीय गैलरी से घिरा हुआ है, जिस पर 800 मीटर से अधिक अलमारियां रखी गई हैं। वाचनालय का उपयोग सम्मेलनों और कार्यशालाओं के लिए भी किया जाता है।

The Library specializes in contemporary art, with a special focus on documentation and deepening of the Foundation’s activities, preserving all the catalogs of Biennale activities and collecting bibliographic material related to the disciplines of architecture, visual arts, cinema, Dance, photography, music, theater. Thanks to its book heritage of more than 151,000 volumes and 3,000 periodicals, it is one of the leading libraries of contemporary art in Italy.

पुस्तकालय की विरासत, ASAC पुस्तक संग्रह से उत्पन्न, लगातार विकसित और अद्यतन की जा रही है, खरीद, दान और सबसे ऊपर, समकालीन, राष्ट्रीय और अंतर्राष्ट्रीय कलाओं के उत्पादन, अनुसंधान और संरक्षण के मुख्य संस्थानों के साथ आदान-प्रदान। 2009 के बाद से, पुस्तक मंडप के माध्यम से, पुस्तकालय कला प्रदर्शनियों और वास्तुकला प्रदर्शनियों में भाग लेने वाले कलाकारों और वास्तुकारों द्वारा दान किए गए संस्करणों का भी स्वागत और अधिग्रहण करता है। ला बिएननेल फाउंडेशन द्वारा महसूस की गई इस परियोजना के लिए एकत्रित पुस्तकें कला और वास्तुकला प्रदर्शनी के निदेशकों के साथ निरंतर सहयोग का परिणाम हैं।

किताबों का दुकान
कलाकार रिरक्रिट तिरवानीजा द्वारा डिज़ाइन किया गया, जिआर्डिनी का पुस्तकालय एक छोटा, व्यावहारिक स्थान है जिसमें कोई अनावश्यक विवरण और सजावट नहीं है।

काफ़ीहाउस
टोबीस रेहबर्गर द्वारा डिज़ाइन किया गया और विशेष सचित्र शैली रैज़ल डैज़ल (प्रथम विश्व युद्ध के दौरान युद्धपोतों पर विशेष रूप से इस्तेमाल किया गया) के अनुसार चित्रित किया गया, कैफेटेरिया एक जगह है जहाँ आप थोड़ा ताज़गी पाने के लिए बैठते हैं और जहाँ खुद को (सुखद रूप से) भटकाव करते हैं। विषम रंगों के ज्यामितीय आकार बुनें जो एक जटिल और जीवंत ऑप्टिकल पैटर्न बनाते हुए बाधित और प्रतिच्छेद करते हैं।

कला का एक कैफेटेरिया-काम, जिसका डिजाइन वास डु लिबस्ट के निर्माण के लिए था, ला बिएननेल आर्टे 2009 में रेहबर्गर को सर्वश्रेष्ठ कलाकार के लिए गोल्डन लायन से सम्मानित किया।

वेनिस बिएननेल 2019
58वीं वेनिस बिएननेल मई और नवंबर 2019 के बीच आयोजित एक अंतरराष्ट्रीय समकालीन कला प्रदर्शनी थी। वेनिस बिएननेल वेनिस, इटली में द्विवार्षिक रूप से होता है। कलात्मक निर्देशक राल्फ रगॉफ ने अपनी केंद्रीय प्रदर्शनी, मे यू लिव इन इंटरेस्टिंग टाइम्स की क्यूरेट की, और 90 देशों ने राष्ट्रीय मंडपों में योगदान दिया।

वेनिस बिएननेल वेनिस, इटली में आयोजित एक अंतरराष्ट्रीय कला द्विवार्षिक प्रदर्शनी है। अक्सर “कला की दुनिया के ओलंपिक” के रूप में वर्णित, बिएननेल में भागीदारी समकालीन कलाकारों के लिए एक प्रतिष्ठित घटना है। त्यौहार शो का एक नक्षत्र बन गया है: उस वर्ष के कलात्मक निदेशक द्वारा आयोजित एक केंद्रीय प्रदर्शनी, व्यक्तिगत राष्ट्रों द्वारा आयोजित राष्ट्रीय मंडप, और पूरे वेनिस में स्वतंत्र प्रदर्शनियां। बिएननेल मूल संगठन अन्य कलाओं में नियमित उत्सव भी आयोजित करता है: वास्तुकला, नृत्य, फिल्म, संगीत और रंगमंच।

केंद्रीय, अंतर्राष्ट्रीय प्रदर्शनी के बाहर, अलग-अलग राष्ट्र अपने स्वयं के शो का निर्माण करते हैं, जिन्हें मंडप के रूप में जाना जाता है, उनके राष्ट्रीय प्रतिनिधित्व के रूप में। राष्ट्र जो अपने मंडप भवनों के मालिक हैं, जैसे कि जियार्डिनी पर रखे गए 30, अपने स्वयं के रखरखाव और निर्माण लागत के लिए भी जिम्मेदार हैं। समर्पित इमारतों के बिना राष्ट्र पूरे शहर में वेनिस आर्सेनल और पलाज़ो में मंडप बनाते हैं।

La Biennale di Venezia की स्थापना 1895 में हुई थी। Paolo Baratta 2008 से इसके अध्यक्ष हैं, और इससे पहले 1998 से 2001 तक। La Biennale, जो नए समकालीन कला रुझानों के अनुसंधान और प्रचार में सबसे आगे है, प्रदर्शनियों, त्योहारों और शोधों का आयोजन करता है। इसके सभी विशिष्ट क्षेत्रों में: कला (1895), वास्तुकला (1980), सिनेमा (1932), नृत्य (1999), संगीत (1930), और रंगमंच (1934)। इसकी गतिविधियों को समकालीन कला के ऐतिहासिक अभिलेखागार (एएसएसी) में प्रलेखित किया गया है जिसे हाल ही में पूरी तरह से पुनर्निर्मित किया गया है।

सभी क्षेत्रों में प्रसिद्ध शिक्षकों के सीधे संपर्क में, कलाकारों की युवा पीढ़ी को संबोधित करते हुए अधिक शोध और उत्पादन के अवसर मिले हैं; यह अंतर्राष्ट्रीय परियोजना बिएननेल कॉलेज के माध्यम से और अधिक व्यवस्थित और निरंतर बन गया है, जो अब नृत्य, रंगमंच, संगीत और सिनेमा वर्गों में चल रहा है।