静物画（Still life）是一种艺术作品，主要描绘无生命的题材，通常是天然的（食物，花卉，死亡的动物，植物，岩石，贝壳等）或人造的（饮用杯，书，花瓶，珠宝，硬币，管道等）。
静物画源于中世纪和古希腊罗马的艺术，至16世纪末期，静物绘画在西方绘画中作为一种独特的体裁和专业化专业化出现，并且自那时以来一直保持着重要的地位。 静物的形式赋予艺术家在作品中元素的排列方面的自由度，而不是其他类型的主题，如风景或肖像的绘画。 作为一种特殊类型的静物，始于16世纪和17世纪的荷兰画，英文术语静物来自荷兰文字斯蒂莱文。 早期的静物画，特别是1700年前的绘画，通常包含与所描绘物体有关的宗教和寓意象征。 一些现代静物作品打破了二维屏障，采用三维混合媒体，并使用发现的物体，摄影，计算机图形以及视频和声音。
这个术语包括死亡动物的绘画，尤其是游戏。 活的被认为是动物艺术，尽管实际上他们通常是从死亡模型中绘制的。 静物类别还与动物学特别是植物插图共享，其中艺术家之间存在相当大的重叠。 一般来说，静物包括充分描绘的背景，并且将美学而非说明性的关注视为主要。
静物画占据了流派层次结构的最低层，但一直非常受买家欢迎。 除了独立的静物主题外，静物画还包含其他类型的绘画，它们具有显着的静物元素，通常具有象征意义，“依靠大量静物元素来表现复制’生命片段’的图像“”。 意图欺骗观众思考场景的错视画是真实的，是一种特殊类型的静物，通常表现为无生命和相对平坦的物体。
前因和发展
静物画经常装饰古埃及墓葬的内部。 据信，在那里描绘的食物和其他物品将在死后变得真实并可供死者使用。 古希腊花瓶绘画也展现出描绘日常物品和动物的高超技巧。 Peiraikos被普林尼长老称为“低”科目的面板画家，例如在庞贝城的马赛克版本和省级壁画中存活：“理发店”，修鞋匠的摊位，驴子，食物和类似主题“。
类似的静物，更简单的装饰意图，但具有现实的视角，也发现在庞培，赫库兰尼姆和别墅Boscoreale，包括后来熟悉的一杯水果主题的罗马壁画和地板马赛克。 在富有的罗马人的家中发现的被称为“象征”的装饰马赛克展示了上层阶级享受的食物种类，也充当招待和庆祝季节和生活的标志。
中世纪和文艺复兴早期
到了1300年，从乔托和他的学生开始，静物绘画就以描绘日常物品的宗教壁画的虚构壁龛的形式复兴。 通过中世纪和文艺复兴时期，西方艺术中的静物仍然主要是基督教宗教主体的附属物，并且具有宗教和寓意的意义。 在北欧艺术家的作品中尤其如此，他们对高度详细的光学现实主义和象征主义的迷恋使他们对他们绘画的整体信息大加注意。 像扬·凡·埃克这样的画家经常使用静物作为图像程序的一部分。
在中世纪后期，仍然生活的元素，主要是花朵，但也有动物，有时是无生命的物体，在光照手稿的边界被绘制出越来越逼真的图像，开发出大型图像画家使用的模型和技术进步。 在制作手稿的缩图和这些绘画板的艺术家之间有很大的重叠，尤其是在早期荷兰画。 克利夫斯的凯瑟琳小时，可能是在1440年左右在乌得勒支制造的，是这种趋势的突出例子之一，其边界包括了一系列非常广泛的物体，包括硬币和渔网，以补充文本或主要图像特别点。 本世纪晚期的佛兰德研讨会更进一步将边界成分的自然主义进一步提升。 哥特式的millefleur挂毯是对植物和动物精确描绘越来越感兴趣的另一个例子。 The Lady and the Unicorn是最着名的例子，设计于约1500年的巴黎，然后在法兰德斯编织。
后来的文艺复兴
十六世纪
虽然1600年后的大部分静物都是相对较小的绘画，但是这一流派发展的一个关键阶段是传统，主要集中在安特卫普，“巨大的静物”，这是大型绘画，其中包括大量的静物与数字和往往动物。 这是Pieter Aertsen的一项发展，他的一个肉摊位与圣家庭给予施舍（1551年，现在乌普萨拉）介绍了一种仍然惊人的绘画类型。 另一个例子是阿尔特森的侄子Joachim Beuckelaer（1568年）的“屠户店”，它描绘了肉类占主导地位的现实描绘，而背景则表达了醉酒和射精的危险。 Pieter Aertsen和他的侄子Joachim Beuckelaer开发的非常大的厨房或市场场景典型地描绘了丰富的食物，厨具静物和魁梧的佛兰德厨房女佣。 通常可以在远处制作一个小型的宗教场景，或者添加诸如四季的主题来提升主题。 这种大型静物在南北分离之后继续在弗拉芒绘画中得到发展，但在荷兰绘画中却很少见，尽管这种传统中的其他作品预计了“快乐公司”类型的绘画。
逐渐地，宗教内容在这种类型的绘画中的大小和位置逐渐减少，尽管道德教训继续作为子语境。 作为意大利风格相对较少的作品之一，Annibale Carracci在1583年对同一主题的处理，屠夫店开始删除道德信息，这一时期的其他“厨房和市场”静物画也是如此。 Vincenzo Campi可能在1570年代将安特卫普风格引入意大利。 这个传统延续到下个世纪，鲁本斯的几部作品大多将静物和动物元素分给了弗朗斯斯奈德斯和他的学生扬菲尔特等专业大师。 到16世纪下半叶，自治静物演变。
十七世纪
17世纪早期的着名院士，如安德烈萨奇认为，流派和静物画没有带来值得认为是伟大的绘画“gravitas”。 法国古典主义的历史学家，建筑师和理论家安德烈费利布恩（AndréFélibien）对1667年的有影响力的表述成为18世纪流派等级体系理论的典型陈述：
Celui qui fait parfaitement despaïsagesest au-dessus d’un autre qui ne fait que des fruits，des fleurs ou des coquilles。 Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui nereprésententque des choses mortes＆sans mouvement; ＆comme la figure de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre，il est est aussi que celui qui se rend l’imitateur de Dieu en peignant des figures humaines，est beaucoup plus excellent que tous les autres …
荷兰和佛兰德绘画
静物在16世纪最后一个季度在低地国家作为单独的类别发展。 英语术语still life来源于荷兰词stilleven，而罗曼语言（以及希腊语，波兰语，俄语和土耳其语）倾向于使用术语，意思是死亡的性质。 十五世纪早期的荷兰画作在面板绘画和照明手稿上开发出高度幻觉的技巧，其边界通常以花朵，昆虫的精细表现为特色，并且像Cleves的凯瑟琳小时（Catherine of Cleves）中的各种物品一样。 当照明手稿被印刷书取代时，相同的技能后来被部署在科学植物图中; 低地国家在植物学和艺术描绘中都领先欧洲。 佛兰芒艺术家约里斯·赫夫纳格尔（Joris Hoefnagel）（1542-1601）为皇帝鲁道夫二世绘制了水彩和水粉画的花卉和其他静物画作品，并且还有许多刻有书籍的插图（通常是手绘的），例如Hans Collaert的Florilegium ，由Plantin在1600年出版。
大约1600件油画花卉变成了一种狂热; 卡雷尔范曼德自己画了一些作品，并记录其他北方风格的艺术家，如Cornelis van Haarlem也是这样做的。 他们没有幸存的花朵，但是许多活跃在荷兰南部的领先专家，老长老布鲁盖尔和Ambrosius Bosschaert生存下来。
南欧
在西班牙艺术中，bodegón是一幅静物画，描绘的是厨房用品，如经常放置在一块简单的石板上的餐饮，游戏和饮品，还有一幅具有一个或多个人物的绘画，但是仍然有重要的静物元素，通常放在厨房或小酒馆里。 从巴洛克时期开始，这些绘画在17世纪的第二个季度在西班牙流行起来。 静物画的传统似乎已经开始，并且在当代比利时和荷兰（当时的佛兰德和荷兰艺术家）比现在的低地国家更受欢迎，比以往任何时候都在南欧。 北方静物有许多亚类， 早餐片被错视，鲜花花束和vanitas增添了。
在西班牙，这类东西的顾客少得多，但早餐的一种类型确实很流行，其中有一些食物和餐具放在桌子上。 西班牙的静物画，也被称为bodegones，是严峻的。 它与荷兰静物不同，荷兰静物通常包含丰富的宴会，包围华丽和豪华的织物或玻璃物品。 西班牙绘画中的游戏往往是纯素的死亡动物，仍然等待被剥皮。 水果和蔬菜都是生的。 背景是黯淡或普通的木质几何块，通常创造超现实主义的空气。 尽管荷兰人和西班牙人的静物往往具有固有的道德目的，但有些类似于西班牙高原黯淡的紧缩，似乎拒绝了荷兰静物画的感官乐趣，充实感和奢华感。
十八世纪
18世纪在很大程度上继续完善17世纪的公式，生产水平下降。 在洛可可风格的花卉装饰中，在瓷器，壁纸，织物和雕刻木制家具上变得更加普遍，因此购买者首选他们的绘画来形成鲜明的对比。 一个变化是法国画家的新热情，他们现在形成了大部分最着名的艺术家，而英国仍然满足于进口。 Jean-Baptiste Chardin以最微妙的风格绘制了小而简单的食物和物品集合，这些都是建立在荷兰黄金时代的大师身上，并且对19世纪的作品非常有影响力。 死游戏主题继续流行，尤其是狩猎小屋; 大多数专家也画活动物体。 Jean-Baptiste Oudry将毛皮和羽毛质地的优质效果图与简单的背景相结合，通常是石灰水洗的墙面的纯白色，显示出它们的优势。
到了18世纪，在很多情况下，静物画的宗教和寓意内涵都被抛弃了，厨桌餐桌上的绘画逐渐演变为各种颜色和形式的计算描绘，展示着日常食品。 法国贵族聘请艺术家执行丰富而奢华的静物画作品，这些作品使餐桌熠熠生辉，同时也没有荷兰前辈们的道德风尚。 洛可可对艺术的热爱导致了法国对trompe-l’œil（法国：“欺骗眼睛”）绘画的欣赏。 Jean-Baptiste Chardin的静物画采用荷兰风格的现实主义和柔和的和声。
十九世纪
随着欧洲书院的兴起，最着名的是在学术艺术中起着核心作用的法国艺术学院，仍然开始失宠。 学院教授了“流派层级”（或“主体层次”）的学说，认为绘画的艺术价值主要基于其主题。 在学术体系中，最高级的绘画形式包括历史，圣经或神话意义的图像，静物主题被降至最低的艺术认同。 一些艺术家，比如John Constable和Camille Corot，并没有用静物来美化大自然，而是选择了景观来达到这个目的。
当18世纪30年代新古典主义开始走向衰落时，流派和肖像画成为现实主义和浪漫主义艺术革命的焦点。 那个时期的许多伟大的艺术家在他们的作品中包含了静物。 Francisco Goya，Gustave Courbet和EugèneDelacroix的静物画表达了强烈的情感潮流，并且不太关心正确性和对情绪更感兴趣。 尽管在Chardin早期的静物主题上有图案，ÉdouardManet的静物油画色调强烈，明显地朝向印象派。 Henri Fantin-Latour采用更传统的技术，以其精美的花卉图画而闻名，他的生活几乎完全为收藏家画静物画。
二十世纪
20世纪的头四十年形成了一个特殊的艺术发酵和革命时期。 先锋派运动迅速演变并重叠，走向无形的全面抽象。 静物，以及其他代表性的艺术，继续发展和调整，直到本世纪中叶，杰克逊波洛克的滴水画所展现的全部抽象，消除了所有可识别的内容。
这个世纪始于艺术中的几个趋势。 1901年，保罗高更用向日葵画静物画，向他十一年前去世的朋友梵高致敬。 包括Pierre Bonnard和ÉdouardVuillard在内的被称为Les Nabis的团体采用了高更的调和理论，并在日本的木刻创作中为他们的静物画添加了元素。 法国艺术家Odilon Redon在此期间也画了静物，特别是鲜花。
21世纪
在20世纪和21世纪期间，静物的概念已经超越了传统的二维艺术形式的绘画到视频艺术和三维艺术形式，如雕塑，表演和装置。 一些混合媒体静物作品使用发现的物体，摄影，视频和声音，甚至从天花板溢出到地板并填满整个画廊的房间。 通过视频，静物艺术家将观众融入他们的作品中。 从计算机时代开始，随着计算机艺术和数字艺术的发展，静物的概念也包括数字技术。 计算机生成的图形可能增加了静物艺术家可以使用的技术。 使用3D计算机图形和具有3D真实照片效果的2D计算机图形来生成合成静物图像。 例如，图形艺术软件包括可应用于透明图层上的2D矢量图形或2D光栅图形的滤镜。 视觉艺术家已经复制或可视化3D效果，以便在不使用滤镜的情况下手动渲染逼真效果。