Una natura morta è un’opera d’arte raffigurante principalmente soggetti inanimati, oggetti tipicamente banali che sono o naturali (cibo, fiori, animali morti, piante, rocce, conchiglie, ecc.) O artificiali (bicchieri, libri, vasi, gioielli, monete, tubi, ecc.).

Con origini nel Medioevo e nell’antica arte greco-romana, la pittura di nature morte emerse come un genere distinto e una specializzazione professionale nella pittura occidentale verso la fine del XVI secolo, ed è rimasta significativa da allora. Una forma di natura morta conferisce all’artista più libertà nella disposizione degli elementi all’interno di una composizione rispetto a dipinti di altri tipi di soggetti come il paesaggio o la ritrattistica. La natura morta, come genere particolare, è iniziata con la pittura olandese dei secoli XVI e XVII e il termine inglese still life deriva dalla parola olandese stilleven. I primi dipinti di nature morte, in particolare prima del 1700, contenevano spesso simbolismi religiosi e allegorici relativi agli oggetti raffigurati. Alcuni lavori di still-life moderni rompono la barriera bidimensionale e impiegano mezzi di comunicazione misti tridimensionali, e utilizzano oggetti trovati, fotografia, computer grafica, nonché video e audio.

Il termine include la pittura di animali morti, in particolare il gioco. Quelli vivi sono considerati arte animale, anche se in pratica sono stati spesso dipinti da modelli morti. La categoria still-life condivide anche le parti comuni con l’illustrazione zoologica e soprattutto botanica, dove si è verificata una notevole sovrapposizione tra gli artisti. Generalmente una natura morta include uno sfondo completamente dipinto e pone le preoccupazioni estetiche piuttosto che illustrative come primarie.

La natura morta ha occupato il gradino più basso della gerarchia di generi, ma è stata estremamente popolare tra gli acquirenti. Così come il soggetto di natura morta indipendente, la pittura di natura morta comprende altri tipi di pittura con elementi di spicco della vita, di solito simbolici, e “immagini che si basano su una moltitudine di elementi di natura morta apparentemente per riprodurre una” fetta di vita ” ‘”. La pittura trompe-l’œil, che intende ingannare lo spettatore nel pensare che la scena sia reale, è un tipo specializzato di natura morta, che di solito mostra oggetti inanimati e relativamente piatti.

Antecedenti e sviluppo
I dipinti di natura morta spesso adornano l’interno delle antiche tombe egiziane. Si credeva che gli oggetti alimentari e gli altri oggetti raffigurati lì, nell’aldilà, diventassero reali e disponibili per l’uso da parte del defunto. Dipinti di vasi antichi greci dimostrano anche grande abilità nel raffigurare oggetti e animali di tutti i giorni. Peiraikos è citato da Plinio il Vecchio come pittore di quadri di soggetti “bassi”, come sopravvivere nelle versioni a mosaico e nei dipinti murali provinciali di Pompei: “negozi di barbieri, bancarelle di ciabattini, asini, commestibili e soggetti simili”.

Simile natura morta, più semplicemente decorativa nell’intento, ma con una prospettiva realistica, sono stati trovati anche nelle pitture murali romane e nei mosaici pavimentali portati alla luce a Pompei, Ercolano e Villa Boscoreale, compreso il successivo motivo familiare di una ciotola di frutta in vetro. I mosaici decorativi denominati “emblema”, trovati nelle case dei ricchi romani, hanno dimostrato la gamma di cibo di cui godono le classi superiori, e hanno anche funzionato come segni di ospitalità e come celebrazioni delle stagioni e della vita.
Medioevo e primo Rinascimento
Nel 1300, a partire da Giotto e dai suoi allievi, la pittura di nature morte fu ripresa sotto forma di nicchie fittizie su pitture murali religiose che raffiguravano oggetti di uso quotidiano. Attraverso il Medioevo e il Rinascimento, la natura morta nell’arte occidentale rimase principalmente un’aggiunta a soggetti religiosi cristiani, e convocò il significato religioso e allegorico. Ciò era particolarmente vero nel lavoro degli artisti del Nord Europa, il cui fascino per il realismo e il simbolismo ottico estremamente dettagliati li portò a prestare grande attenzione al messaggio generale dei loro quadri. Pittori come Jan van Eyck usavano spesso elementi di nature morte come parte di un programma iconografico.

Nel tardo Medioevo, gli elementi di natura morta, per lo più fiori ma anche animali e talvolta oggetti inanimati, erano dipinti con crescente realismo nei confini dei manoscritti miniati, sviluppando modelli e progressi tecnici che venivano usati dai pittori di immagini più grandi. C’era una considerevole sovrapposizione tra gli artisti che producevano miniature per manoscritti e quei pannelli di pittura, specialmente nella pittura dei primi Paesi Bassi. L’Ore di Caterina di Cleves, probabilmente realizzata a Utrecht intorno al 1440, è uno dei migliori esempi di questa tendenza, con bordi che presentano una straordinaria gamma di oggetti, tra cui monete e reti da pesca, scelti per integrare il testo o l’immagine principale in quel Punto particolare. I laboratori fiamminghi più tardi nel secolo hanno portato il naturalismo degli elementi di confine ancora di più. Gli arazzi millefleur gotici sono un altro esempio del crescente interesse generale per le accurate raffigurazioni di piante e animali. Il set di The Lady and the Unicorn è l’esempio più noto, progettato a Parigi intorno al 1500 e poi tessuto nelle Fiandre.

Rinascimento successivo

Sedicesimo secolo
Sebbene la maggior parte delle nature morte dopo il 1600 fossero dipinti relativamente piccoli, una fase cruciale nello sviluppo del genere era la tradizione, per lo più centrata su Anversa, della “monumentale natura morta”, che erano grandi dipinti che includevano grandi quantità di materiale di natura morta con figure e spesso animali. Questo fu uno sviluppo di Pieter Aertsen, la cui A Meat Stall con la Holy Family Giving Alms (1551, ora Uppsala) introdusse il tipo con un dipinto che ancora sussulta. Un altro esempio è “The Butcher Shop” del nipote di Aertsen Joachim Beuckelaer (1568), con la sua rappresentazione realistica di carni crude che dominano il primo piano, mentre una scena di sottofondo trasmette i pericoli dell’ubriachezza e della lussuria. Il tipo di cucina molto grande o scena di mercato sviluppata da Pieter Aertsen e suo nipote Joachim Beuckelaer tipicamente rappresenta un’abbondanza di cibo con una stoviglie still life e corpulente cameriere fiamminghe. Una piccola scena religiosa può spesso essere fatta in lontananza, oppure viene aggiunto un tema come il Four Seasons per elevare il soggetto. Questa specie di natura morta su larga scala continuò a svilupparsi nella pittura fiamminga dopo la separazione del Nord e del Sud, ma è rara nella pittura olandese, sebbene altri lavori in questa tradizione anticipino il tipo di pittura di genere “allegra compagnia”.

Gradualmente, il contenuto religioso diminuiva per dimensioni e collocazione in questo tipo di pittura, sebbene le lezioni morali continuassero come sotto-contesti. Una delle relativamente poche opere italiane nello stile, la trattazione dello stesso soggetto da parte di Annibale Carracci nel 1583, Butcher’s Shop, inizia a rimuovere i messaggi morali, così come altre “nature morte” di questo periodo. Vincenzo Campi introdusse probabilmente lo stile di Anversa in Italia negli anni ’70 del XVII secolo. La tradizione continuò nel secolo successivo, con diverse opere di Rubens, che per lo più subappaltavano gli elementi di natura morta e animale a maestri specializzati come Frans Snyders e il suo allievo Jan Fyt. Entro la seconda metà del 16 ° secolo, la natura morta autonoma si è evoluta.

Diciassettesimo secolo
Gli illustri accademici del primo Seicento, come Andrea Sacchi, ritenevano che la pittura di genere e nature morte non portava la “gravitas” meritata per la pittura per essere considerata grande. Una formulazione influente del 1667 di André Félibien, un storiografo, architetto e teorico del classicismo francese divenne la classica affermazione della teoria della gerarchia dei generi per il XVIII secolo:

Celui qui fait parfaitement des païsages est au dessus d’un autre qui ne fait des frutti, des fleurs ou coquilles. Celui qui peint des animaux vivants, oltre a stimabile que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figura de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, è certo che aussi que celui qui si rende l’imitateur de Dieu en peignant des figure humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres …

Pittura olandese e fiamminga
La natura morta si sviluppò come una categoria separata nei Paesi Bassi nell’ultimo quarto del XVI secolo. Il termine inglese still life deriva dalla parola olandese stilleven mentre le lingue romanze (così come greco, polacco, russo e turco) tendono a usare termini che indicano la natura morta. La pittura dei primi Paesi Bassi del XV secolo aveva sviluppato tecniche altamente illusionistiche sia nella pittura su pannello che nei manoscritti miniati, dove i confini spesso presentavano elaborate esposizioni di fiori, insetti e, in un’opera come le Ore di Caterina di Cleves, una grande varietà di oggetti. Quando il manoscritto miniato fu spostato dal libro stampato, le stesse abilità furono successivamente impiegate nell’illustrazione botanica scientifica; i Paesi Bassi hanno guidato l’Europa sia nella botanica che nella sua rappresentazione artistica. L’artista fiammingo Joris Hoefnagel (1542-1601) realizzò acquerelli e tempere di fiori e di altri soggetti di natura morta per l’imperatore Rodolfo II, e vi furono molte illustrazioni incise per libri (spesso poi colorate a mano), come il Florilegio di Hans Collaert , pubblicato da Plantin nel 1600.

Circa 1600 dipinti floreali negli olii diventarono una specie di mania; Karel van Mander dipinse alcune opere lui stesso e registra che anche altri artisti del Manierismo del Nord come Cornelis van Haarlem lo fecero. Non si conoscono esemplari di fiori sopravvissuti, ma molti sopravvivono grazie agli specialisti principali, Jan Brueghel il Vecchio e Ambrosius Bosschaert, entrambi attivi nei Paesi Bassi meridionali.

Europa del Sud
Nell’arte spagnola, un bodegón è un dipinto di natura morta raffigurante oggetti di dispensa, come viveri, selvaggina e bevande, spesso disposti su una semplice lastra di pietra, e anche un dipinto con una o più figure, ma significativi elementi di natura morta, tipicamente ambientato in una cucina o in una taverna. A partire dal periodo barocco, tali dipinti divennero famosi in Spagna nel secondo quarto del XVII secolo. La tradizione della pittura di still-life sembra aver avuto inizio ed è stata molto più popolare nei Paesi Bassi contemporanei, oggi Belgio e Paesi Bassi (quindi artisti fiamminghi e olandesi), che mai nel sud dell’Europa. Le nature morte settentrionali avevano molti sottogeneri; il pezzo della colazione era aumentato dal trompe-l’œil, dal bouquet di fiori e dalla vanitas.

In Spagna c’erano molti meno avventori per questo genere di cose, ma un tipo di colazione era diventato popolare, con alcuni oggetti di cibo e stoviglie posati su un tavolo. Il dipinto di nature morte in Spagna, chiamato anche bodegones, era austero. Differiva dalla natura morta olandese, che spesso conteneva ricchi banchetti circondati da ornati e oggetti di lusso in tessuto o vetro. Il gioco nei dipinti spagnoli è spesso semplice animali morti che aspettano ancora di essere scuoiati. La frutta e la verdura non sono cotte. Gli sfondi sono blocchi geometrici scuri o semplici in legno, spesso creando un’aria surrealista. Anche se le nature morte olandesi e spagnole hanno spesso uno scopo morale incorporato, l’austerità, che alcuni trovano affine alla desolazione di alcuni degli altopiani spagnoli, sembra rifiutare i piaceri sensuali, la pienezza e il lusso dei dipinti di nature morte olandesi.

Diciottesimo secolo
Il XVIII secolo continuò in larga misura a perfezionare le formule del XVII secolo e i livelli di produzione diminuirono. In stile rococò, la decorazione floreale divenne molto più comune su porcellana, carta da parati, tessuti e mobili in legno intagliato, in modo che gli acquirenti preferissero i loro dipinti per avere figure per un contrasto. Un cambiamento è stato un nuovo entusiasmo tra i pittori francesi, che ora formano una grande proporzione degli artisti più importanti, mentre gli inglesi sono rimasti contenti di importare. Jean-Baptiste Chardin dipinse piccole e semplici assemblee di cibo e oggetti in uno stile molto sottile, entrambi costruiti sui maestri dell’età dell’oro olandese, e avrebbe avuto grande influenza sulle composizioni del XIX secolo. I soggetti dei giochi morti continuarono ad essere popolari, specialmente per le case di caccia; la maggior parte degli specialisti ha anche dipinto soggetti animali vivi. Jean-Baptiste Oudry ha combinato splendidi rendering delle trame di pelliccia e piume con sfondi semplici, spesso il bianco chiaro di un muro di dispensa lavato a calce, che li ha valorizzati.

Nel XVIII secolo, in molti casi, le connotazioni religiose e allegoriche dei dipinti di natura morta furono abbandonate e le tele da cucina si evolvettero in rappresentazioni calcolate di vari colori e forme, mostrando cibi quotidiani. L’aristocrazia francese impiegava gli artisti per eseguire dipinti di soggetti di natura morta stravaganti e stravaganti che abbellivano il loro tavolo da pranzo, anche senza il messaggio moralistico vanitas dei loro predecessori olandesi. L’amore rococò dell’artificio portò ad un aumento di apprezzamento in Francia per la pittura del trompe-l’œil (in francese: “ingannare l’occhio”). I dipinti di natura morta di Jean-Baptiste Chardin impiegano una varietà di tecniche dal realismo in stile olandese alle armonie più morbide.

XIX secolo
Con l’ascesa delle Accademie europee, in particolare l’Académie française che ha avuto un ruolo centrale nell’arte accademica, la natura morta ha iniziato a cadere dal favore. Le Accademie insegnarono la dottrina della “Gerarchia dei generi” (o “Gerarchia della materia”), secondo cui il merito artistico di un dipinto era basato principalmente sul suo soggetto. Nel sistema accademico, la più alta forma di pittura consisteva in immagini di significato storico, biblico o mitologico, con soggetti di natura morta relegati nell’ordine più basso del riconoscimento artistico. Invece di usare nature morte per glorificare la natura, alcuni artisti, come John Constable e Camille Corot, hanno scelto paesaggi per servire a tal fine.

Quando il neoclassicismo iniziò a declinare negli anni Trenta dell’Ottocento, il genere e la ritrattistica divennero il fulcro delle rivoluzioni artistiche realiste e romantiche. Molti dei grandi artisti di quel periodo includevano nature morte nel loro corpo di lavoro. I dipinti di natura morta di Francisco Goya, Gustave Courbet e Eugène Delacroix trasmettono una forte corrente emotiva e sono meno preoccupati per l’esattezza e più interessati all’umore. Sebbene modellati sui primi soggetti di natura morta di Chardin, i dipinti di natura morta di Édouard Manet sono fortemente tonali e chiaramente orientati verso l’impressionismo. Henri Fantin-Latour, utilizzando una tecnica più tradizionale, era famoso per i suoi squisiti dipinti floreali e si guadagnava da vivere quasi esclusivamente dipingendo nature morte per collezionisti.

XX secolo
I primi quattro decenni del XX secolo hanno costituito un periodo eccezionale di fermento artistico e rivoluzione. I movimenti d’avanguardia si sono evoluti rapidamente e si sono sovrapposti in una marcia verso un’astrazione totale e non figurativa. La natura morta, così come l’altra arte figurativa, continuò ad evolversi e ad adattarsi fino alla metà del secolo, quando l’astrazione totale, esemplificata dai dipinti a goccia di Jackson Pollock, eliminò ogni contenuto riconoscibile.

Il secolo è iniziato con diverse tendenze che hanno preso piede nell’arte. Nel 1901, Paul Gauguin dipinse Still Life with Sunflowers, il suo omaggio al suo amico Van Gogh, morto undici anni prima. Il gruppo noto come Les Nabis, tra cui Pierre Bonnard e Édouard Vuillard, riprende le teorie armoniche di Gauguin e aggiunge elementi ispirati alle xilografie giapponesi ai loro dipinti di nature morte. L’artista francese Odilon Redon dipinse anche notevoli nature morte durante questo periodo, in particolare i fiori.

21 ° secolo
Durante il XX e il XXI secolo, la nozione della natura morta è stata estesa oltre le tradizionali forme d’arte bidimensionali della pittura in videoarte e forme d’arte tridimensionale come la scultura, la performance e l’installazione. Alcuni lavori di natura morta con materiali misti impiegano oggetti trovati, fotografie, video e suoni, e persino si riversano dal soffitto al pavimento e riempiono un’intera stanza in una galleria. Attraverso il video, gli artisti di nature morte hanno incorporato lo spettatore nel loro lavoro. Seguendo l’era dei computer con l’arte del computer e l’arte digitale, la nozione di natura morta include anche la tecnologia digitale. La grafica generata da computer ha potenzialmente aumentato le tecniche disponibili per gli artisti di still-life. Computer grafica 3D e grafica computerizzata 2D con effetti fotorealistici 3D sono utilizzati per generare immagini sintetiche di nature morte. Ad esempio, il software di grafica include filtri che possono essere applicati a grafica vettoriale 2D o grafica raster 2D su livelli trasparenti. Gli artisti visivi hanno copiato o visualizzato effetti 3D per il rendering manuale di effetti fotorealistici senza l’uso di filtri.