Uma natureza morta é uma obra de arte que retrata principalmente objetos inanimados, objetos tipicamente comuns que são naturais (comida, flores, animais mortos, plantas, pedras, conchas, etc.) ou feitos pelo homem (copos, livros, vasos, jóias, moedas, cachimbos, etc.).

Com origens na Idade Média e na arte greco-romana antiga, a pintura da natureza-morta emergiu como um gênero distinto e especialização profissional na pintura ocidental no final do século XVI, e permaneceu significativa desde então. Uma forma de vida-morta dá ao artista mais liberdade no arranjo de elementos dentro de uma composição do que pinturas de outros tipos de assuntos, como paisagem ou retratos. A natureza morta, como um gênero particular, começou com a pintura neerlandesa dos séculos XVI e XVII, e o termo inglês ainda vida deriva da palavra holandesa ainda. As primeiras pinturas de natureza-morta, particularmente antes de 1700, freqüentemente continham simbolismo religioso e alegórico relacionado aos objetos representados. Alguns trabalhos modernos de natureza morta quebram a barreira bidimensional e empregam mídia mista tridimensional e usam objetos encontrados, fotografia, computação gráfica, além de vídeo e som.

O termo inclui a pintura de animais mortos, especialmente jogo. Os vivos são considerados arte animal, embora na prática fossem frequentemente pintados de modelos mortos. A categoria de naturezas-mortas também compartilha pontos em comum com ilustrações zoológicas e especialmente botânicas, onde houve considerável sobreposição entre os artistas. Geralmente, uma natureza morta inclui um plano de fundo totalmente representado e coloca as preocupações estéticas, em vez de ilustrativas, como primárias.

A vida ainda ocupava o menor degrau da hierarquia de gêneros, mas tem sido extremamente popular entre os compradores. Assim como o tema da natureza morta independente, a pintura de naturezas mortas engloba outros tipos de pintura com elementos proeminentes de natureza morta, geralmente simbólicos, e “imagens que dependem de uma infinidade de elementos de natureza morta para ostensivamente reproduzir uma” fatia da vida ‘”. A pintura trompe-l’oeil, que pretende enganar o espectador a pensar que a cena é real, é um tipo especializado de natureza morta, geralmente mostrando objetos inanimados e relativamente planos.

Antecedentes e desenvolvimento
Pinturas de naturezas-mortas muitas vezes adornam o interior das antigas tumbas egípcias. Acreditava-se que os objetos de comida e outros itens representados ali, na vida após a morte, se tornariam reais e disponíveis para uso pelo falecido. Pinturas de vasos gregos antigos também demonstram grande habilidade em retratar objetos do cotidiano e animais. Peiraikos é mencionado por Plínio, o Velho, como um pintor de painéis de assuntos “baixos”, como sobreviver em versões de mosaicos e pinturas provinciais em Pompéia: “barbearias, barracas de sapateiros, jumentos, comestíveis e assuntos semelhantes”.

Ainda vida semelhante, mais simplesmente decorativa em intenção, mas com perspectiva realista, também foram encontradas nas pinturas de parede romanas e mosaicos de chão desenterrados em Pompéia, Herculano e a Villa Boscoreale, incluindo o motivo familiar de uma tigela de vidro. Os mosaicos decorativos denominados “emblema”, encontrados nas casas dos romanos ricos, demonstravam a variedade de alimentos apreciada pelas classes altas, e também funcionavam como sinais de hospitalidade e como celebrações das estações e da vida.
Idade Média e Início da Renascença
Por volta de 1300, começando com Giotto e seus alunos, a pintura de naturezas-mortas foi revivida na forma de nichos fictícios em pinturas de parede religiosas que retratavam objetos do cotidiano. Durante a Idade Média e a Renascença, a vida ainda na arte ocidental permaneceu principalmente como um complemento aos assuntos religiosos cristãos, e convocou o significado religioso e alegórico. Isso foi particularmente verdadeiro no trabalho de artistas do norte da Europa, cujo fascínio pelo realismo óptico e simbolismo altamente detalhados os levou a dar grande atenção à mensagem geral de suas pinturas. Pintores como Jan van Eyck costumavam usar elementos de natureza-morta como parte de um programa iconográfico.

No final da Idade Média, elementos de natureza morta, principalmente flores, mas também animais e, às vezes, objetos inanimados, foram pintados com crescente realismo nas bordas de manuscritos iluminados, desenvolvendo modelos e avanços técnicos que eram usados ​​por pintores de imagens maiores. Houve considerável sobreposição entre os artistas que fazem miniaturas de manuscritos e painéis de pintura, especialmente na pintura dos primeiros holandeses. As Horas de Catarina de Cleves, provavelmente feitas em Utrecht por volta de 1440, são um dos exemplos marcantes dessa tendência, com fronteiras que apresentam uma extraordinária gama de objetos, incluindo moedas e redes de pesca, escolhidos para complementar o texto ou a imagem principal. ponto particular. As oficinas flamengas no final do século levaram ainda mais o naturalismo dos elementos de fronteira. Tapeçarias millefleur góticas são outro exemplo do crescente interesse geral em representações precisas de plantas e animais. O conjunto de A Dama e o Unicórnio é o exemplo mais conhecido, projetado em Paris por volta de 1500 e depois tecido em Flandres.

Renascimento posterior

Século dezesseis
Embora a maior parte das naturezas-mortas após 1600 fossem pinturas relativamente pequenas, uma etapa crucial no desenvolvimento do gênero foi a tradição, principalmente centrada em Antuérpia, da “natureza morta monumental”, que eram pinturas grandes que incluíam grandes quantidades de material ainda-vida. com figuras e muitas vezes animais. Este foi um desenvolvimento de Pieter Aertsen, cuja A Meat Stall com a Sagrada Família dando Esmolas (1551, agora Uppsala) introduziu o tipo com uma pintura que ainda assusta. Outro exemplo é “The Butcher Shop”, do sobrinho de Aertsen, Joachim Beuckelaer (1568), com sua representação realista de carnes cruas dominando o primeiro plano, enquanto uma cena de fundo transmite os perigos da embriaguez e da luxúria. O tipo de cozinha muito grande ou cenário de mercado desenvolvido por Pieter Aertsen e seu sobrinho Joachim Beuckelaer tipicamente retrata uma abundância de alimentos com uma cozinha ainda vida e corpulentas empregadas domésticas flamengas. Uma pequena cena religiosa pode ser feita à distância, ou um tema como o Four Seasons é adicionado para elevar o assunto. Esse tipo de vida-morta em larga escala continuou a se desenvolver na pintura flamenga após a separação do Norte e do Sul, mas é raro na pintura holandesa, embora outros trabalhos nessa tradição antecipem o tipo de pintura de gênero da “companhia feliz”.

Gradualmente, o conteúdo religioso diminuiu de tamanho e posicionamento nesse tipo de pintura, embora as lições morais continuassem como subcontextos. Uma das relativamente poucas obras italianas no estilo, o tratamento de Annibale Carracci sobre o mesmo assunto em 1583, Butcher’s Shop, começa a remover as mensagens morais, assim como outras pinturas de “vida e cozinha” de natureza morta desse período. Vincenzo Campi provavelmente introduziu o estilo de Antuérpia na Itália na década de 1570. A tradição continuou até o século seguinte, com vários trabalhos de Rubens, que principalmente subcontrataram os elementos de naturezas-mortas e animais para mestres especialistas como Frans Snyders e seu pupilo Jan Fyt. Na segunda metade do século XVI, a natureza morta autônoma evoluiu.

Século XVII
Os proeminentes acadêmicos do início do século XVII, como Andrea Sacchi, achavam que o gênero e a pintura de naturezas-mortas não levavam a “seriedade” merecida pela pintura a ser considerada grande. Uma influente formulação de 1667 por André Félibien, historiador, arquiteto e teórico do classicismo francês, tornou-se a clássica afirmação da teoria da hierarquia de gêneros para o século XVIII:

Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d’un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que desce mortes & sans mouvement; & comme la figure de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est aussi that celui qui se rend de l’imitute de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres …

Pintura holandesa e flamenga
A vida ainda se desenvolveu como uma categoria separada nos Países Baixos no último quartel do século XVI. O termo inglês still life deriva da palavra holandesa stilleven enquanto línguas românicas (assim como grego, polonês, russo e turco) tendem a usar termos que significam natureza morta. A pintura neerlandesa do século XV havia desenvolvido técnicas altamente ilusionistas tanto em pintura em painel quanto em manuscritos iluminados, onde as fronteiras frequentemente exibiam elaboradas exibições de flores, insetos e, em uma obra como as Horas de Catarina de Cleves, uma grande variedade de objetos. Quando o manuscrito iluminado foi substituído pelo livro impresso, as mesmas habilidades foram posteriormente empregadas na ilustração botânica científica; os Países Baixos lideraram a Europa tanto na botânica quanto na sua representação no art. O artista flamengo Joris Hoefnagel (1542–1601) fez pinturas em aquarela e guache de flores e outros objetos de natureza-morta para o imperador Rodolfo II, e havia muitas ilustrações gravadas para livros (muitas vezes coloridas à mão), como o Florilegium de Hans Collaert. , publicado por Plantin em 1600.

Cerca de 1600 pinturas de flores em óleos tornaram-se uma espécie de mania; Karel van Mander pintou algumas obras e registra que outros artistas maneiristas do norte, como Cornelis van Haarlem, também o fizeram. Não são conhecidos fragmentos de flores sobreviventes, mas muitos sobrevivem dos principais especialistas, Jan Brueghel, o Velho, e Ambrosius Bosschaert, ambos ativos no sul da Holanda.

Sul da Europa
Na arte espanhola, um bodegón é uma pintura de natureza morta que retrata itens de despensa, como alimentos, comida e bebida, frequentemente dispostos em uma simples laje de pedra, e também uma pintura com uma ou mais figuras, mas elementos significativos da natureza morta. normalmente definido em uma cozinha ou taberna. A partir do período barroco, tais pinturas se tornaram populares na Espanha no segundo quartel do século XVII. A tradição da pintura de naturezas-mortas parece ter começado e era muito mais popular nos Países Baixos contemporâneos, hoje Bélgica e Holanda (então artistas flamengos e holandeses), do que no sul da Europa. As naturezas-mortas do norte tinham muitos subgêneros; a peça do café da manhã era aumentada pelo trompe-l’oeil, o buquê de flores e as vanitas.

Na Espanha havia muito menos clientes para esse tipo de coisa, mas um tipo de café da manhã se tornou popular, apresentando alguns objetos de comida e utensílios de mesa colocados em uma mesa. A pintura de naturezas-mortas na Espanha, também chamada de bodegones, era austera. Diferia-se da natureza morta holandesa, que muitas vezes continha ricos banquetes cercados por itens ornamentados e luxuosos de tecido ou vidro. O jogo em pinturas espanholas é muitas vezes animais mortos ainda à espera de serem esfolados. As frutas e legumes não são cozidos. Os fundos são blocos geométricos sombrios ou de madeira lisa, criando frequentemente um ar surrealista. Mesmo enquanto a natureza-morta holandesa e a espanhola frequentemente tinham um propósito moral embutido, a austeridade, que alguns acham semelhante à frieza de alguns dos planaltos espanhóis, parece rejeitar os prazeres sensuais, a plenitude e o luxo das pinturas holandesas de natureza-morta.

Século dezoito
O século XVIII continuou, em grande medida, a refinar as fórmulas do século XVII e os níveis de produção diminuíram. No estilo rococó, a decoração floral tornou-se muito mais comum em porcelana, papel de parede, tecidos e móveis de madeira esculpida, de modo que os compradores preferiram que suas pinturas tivessem figuras para um contraste. Uma mudança foi um novo entusiasmo entre os pintores franceses, que agora formam uma grande parte dos artistas mais notáveis, enquanto os ingleses continuavam satisfeitos em importar. Jean-Baptiste Chardin pintou pequenas e simples montagens de alimentos e objetos em um estilo mais sutil que ambos construíram sobre os mestres holandeses da Idade do Ouro, e foi muito influente nas composições do século XIX. Sujeitos de jogos mortos continuaram a ser populares, especialmente para alojamentos de caça; a maioria dos especialistas também pintou animais vivos. Jean-Baptiste Oudry combinava representações soberbas das texturas de pêlo e penas com fundos simples, muitas vezes o branco liso de uma parede de despensa pintada de lima, que as mostrava com vantagem.

No século XVIII, em muitos casos, as conotações religiosas e alegóricas de pinturas de natureza-morta foram abandonadas e as pinturas da mesa da cozinha evoluíram para representações calculadas de cores e formas variadas, exibindo os alimentos do dia-a-dia. A aristocracia francesa empregava artistas para executar pinturas de temas generosos e extravagantes de natureza-morta que enfeitavam sua mesa de jantar, também sem a mensagem vanitas moralista de seus antecessores holandeses. O amor rococó do artifício levou a um aumento na apreciação na França pela pintura de trompe-l’oeil (francês: “engane o olho”). As pinturas de natureza morta de Jean-Baptiste Chardin empregam uma variedade de técnicas, do realismo ao estilo holandês a harmonias mais suaves.

Século dezenove
Com a ascensão das Academias européias, mais notavelmente a Académie Française, que detinha um papel central na arte acadêmica, a vida ainda começou a cair em desgraça. As Academias ensinaram a doutrina da “Hierarquia de gêneros” (ou “Hierarquia da Matéria Sujeita”), que considerou que o mérito artístico de uma pintura era baseado principalmente em seu assunto. No sistema acadêmico, a mais alta forma de pintura consistia em imagens de significado histórico, bíblico ou mitológico, com sujeitos de natureza morta relegados à mais baixa ordem de reconhecimento artístico. Em vez de usar a natureza morta para glorificar a natureza, alguns artistas, como John Constable e Camille Corot, escolheram paisagens para atender a essa finalidade.

Quando o neoclassicismo começou a declinar na década de 1830, o gênero e a pintura de retratos se tornaram o foco das revoluções artísticas realistas e românticas. Muitos dos grandes artistas desse período incluíam ainda vida em seu corpo de trabalho. As pinturas naturezas-mortas de Francisco Goya, Gustave Courbet e Eugène Delacroix transmitem uma forte corrente emocional e estão menos preocupadas com a exatidão e mais interessadas no humor. Embora modelados nos temas de naturezas-mortas anteriores de Chardin, os quadros de naturezas-mortas de Édouard Manet são fortemente tonais e claramente direcionados ao impressionismo. Henri Fantin-Latour, usando uma técnica mais tradicional, era famoso por suas pinturas de flores requintadas e ganhava a vida quase exclusivamente pintando a natureza morta para os colecionadores.

Vigésimo século
As primeiras quatro décadas do século XX formaram um período excepcional de fermentação artística e revolução. Os movimentos de vanguarda evoluíram rapidamente e se sobrepuseram em uma marcha rumo à abstração total não-figurativa. A natureza morta, assim como outras artes representacionais, continuou a evoluir e se ajustar até meados do século, quando a abstração total, como exemplificado pelas pinturas de Jackson Pollock, eliminou todo o conteúdo reconhecível.

O século começou com várias tendências que se apoderaram da arte. Em 1901, Paul Gauguin pintou a Natureza Morta com Girassóis, sua homenagem ao amigo Van Gogh, que morreu onze anos antes. O grupo conhecido como Les Nabis, incluindo Pierre Bonnard e Édouard Vuillard, adotou as teorias harmônicas de Gauguin e acrescentou elementos inspirados nas xilogravuras japonesas às suas pinturas de natureza-morta. O artista francês Odilon Redon também pintou a vida ainda notável durante neste período, especialmente flores.

século 21
Durante os séculos XX e XXI, a noção de natureza-morta foi estendida para além das formas de arte bidimensionais tradicionais da pintura em videoarte e de formas de arte tridimensionais, como escultura, performance e instalação. Algumas mídias mistas ainda funcionam com objetos encontrados, fotografia, vídeo e som, e até mesmo transbordam do teto ao chão e preenchem uma sala inteira em uma galeria. Através do vídeo, artistas de naturezas-mortas incorporaram o espectador ao seu trabalho. A partir da era do computador com arte digital e arte digital, a noção de natureza morta também incluiu a tecnologia digital. Gráficos gerados por computador aumentaram potencialmente as técnicas disponíveis para artistas que ainda vivem. Computação gráfica 3D e computação gráfica 2D com efeitos fotorrealistas em 3D são usados ​​para gerar imagens sintéticas de natureza morta. Por exemplo, o software de arte gráfica inclui filtros que podem ser aplicados a gráficos vetoriais 2D ou gráficos raster 2D em camadas transparentes. Artistas visuais copiaram ou visualizaram efeitos 3D para renderizar efeitos fotorrealistas manualmente sem o uso de filtros.