L’art mexicain autochtone célèbre le squelette et l’utilise comme un motif régulier. L’utilisation des crânes et des squelettes dans l’art est née avant la conquête: Les Aztèques excellaient dans les sculptures de pierre et créaient des sculptures saisissantes de leurs dieux. Coatlicue, la déesse de la terre et de la mort, était représentée avec un collier de cœurs humains, de mains et d’un pendentif en forme de tête de mort. Elle était imprégnée du drame et de la grandeur nécessaires pour éblouir les sujets et véhiculer l’image d’un état implacable. Le culte de la mort impliquait le culte de la vie, tandis que le crâne – symbole de la mort – était une promesse de résurrection. Les Aztèques sculptaient des crânes dans des monolithes de lave, et fabriquaient des masques d’obsidienne et de jade. En outre, le motif de crâne a été utilisé dans la décoration. Ils ont été moulés sur des pots, tracés sur des rouleaux, tissés en vêtements et formalisés en hiéroglyphes.

Invasion espagnole
Lorsque les Espagnols ont envahi et conquis Tenochtitlan au XVIe siècle, ils ont imposé la religion catholique et les pratiques folkloriques espagnoles de l’époque. Cela incluait la tradition païenne de célébrer les morts avec des offrandes de nourriture et des fêtes. Cependant, les prêtres espagnols étaient désireux d’arrêter ces traditions antiques qui ont trouvé la terre fertile au Mexique. Les Espagnols ont réprimé la tradition de l’art du crâne mexicain parce qu’il était trop Indito ou païen pour leurs goûts européens raffinés. Ce n’est que lorsque le Mexique a obtenu son indépendance de l’Espagne en 1821 que l’art du crâne a commencé à réapparaître comme un symbole de Mexicanidad.

Règne de Porfirio Díaz
Lorsque Porfirio Díaz est devenu président, il a été accablé par une économie en faillite. Pour aider la situation économique au Mexique, Díaz a encouragé les investissements étrangers. Les investisseurs étaient satisfaits de la main-d’œuvre bon marché du Mexique. Le travailleur mexicain-indien a travaillé dans des conditions cruelles. José Guadalupe Posada, graveur mexicain, avec son dessin critiqué les conditions au Mexique. Jose Guadalupe Posada est probablement l’artiste mexicain le plus important de notre temps. Au cours de sa vie, Posada a été témoin des changements sociaux et politiques cruciaux qui ont façonné le Mexique en une nation moderne. Des changements tels que la chute d’un dictateur, une révolution sociale largement répandue et la lutte pour un pouvoir combiné à la naissance d’un processus démocratique, toutes ces expériences l’ont profondément influencé. Grâce à son travail, il a documenté ces événements et est devenu un historien de l’image.

José Guadalupe Posada
Les dessins de Posada ont apporté un réveil au commun des mortels. Il a fait ceux qui ne pouvaient pas lire pour comprendre ce qui se passait dans leur pays. Bien que l’utilisation de crânes et de squelettes dans l’art ait été supprimée par des influences étrangères, elle était encore reconnue parmi les pauvres dans leurs célébrations du Jour des Morts. L’utilisation de l’art du crâne était un moyen pour Posada d’établir un lien avec le public populaire. Reproduit sur des couvercles de boîte est sa gravure la plus célèbre – la Calavera Catrina – qui montre une dame à la mode en guise de squelette. Diego Rivera a appelé José Guadalupe Posada le plus grand artiste du peuple mexicain. De cette influence, Rivera a peint des gens ordinaires vivant et travaillant dans leur environnement. Son travail portait également un message social.

Posada et Rivera ont profondément influencé le Jaliscano Jorge González Camarena, qui a ignoré les méthodes traditionnelles et a embrassé l’art populaire de Posada et Rivera. Des scènes de batailles récurrentes apparaissent dans l’œuvre de González Camarena, où les soldats révolutionnaires font partie de l’histoire mexicaine, alors que leurs corps sans vie se transforment en squelettes.

Frida Kahlo
Frida Kahlo était aussi le produit d’une génération audacieuse et brillante qui a regardé en arrière avec dévouement à ses racines mexicaines et a évalué la réalité qu’elle a trouvée là, non contaminée par l’influence étrangère. Elle a admis avoir beaucoup d’admiration pour le travail de son mari, ainsi que celui de Jose Guadalupe Posada et elle a trouvé une grande beauté dans l’art indigène pré-conquête très développé.

Surréalistes
Frida a été revendiquée très tôt par André Breton et les surréalistes comme l’un des leurs, et pendant un certain temps, elle n’a pas craint d’être prise et identifiée avec le mouvement de l’avant-garde chic. Mais, plus tard, elle s’est déclarée pas l’un d’entre eux parce qu’elle a dit « J’ai peint des rêves, j’ai peint ma propre réalité. » Dans les années 1940, elle a peint « The Dream », où un squelette conscient flotte au-dessus de la Frida endormie. Les brujos mexicains disent « vivre c’est dormir et mourir c’est s’éveiller ». Pour Frida, peut-être, la mort comme les rêves existe en parallèle.

Chucho Reyes
Alors que le travail de Frida se concentrait sur Mexicanidad, Chucho Reyes a intégré les styles de beaux-arts européens à l’essence de l’art populaire du crâne mexicain. Peut-être que son art était politiquement impopulaire pour ceux qui choisissaient de ne pas tenir compte des influences étrangères. Cependant, la combinaison non conventionnelle de Reye était probablement influencée par son père excentrique qui, bien que dévotement catholique, pratiquait la brujeria. Il dormait dans un lit où des coqs étaient attachés à chaque lit et un grand œil était peint au-dessus de son lit au plafond. Ce mélange de croyances religieuses européennes et de sorcellerie mexicaine a probablement inspiré Reyes à combiner différents styles artistiques. Un tel art prendra du temps à maîtriser

Superstitions et saints
Bien que les anciennes traditions religieuses aztèques qui sont restées sont appelées brujeria par ceux qui pratiquent les religions européennes, à Oaxaca – les superstitions et les saints sont parlés dans le même souffle.

Rufino Tamayo et l’école d’Oaxacan
Rufino Tamayo a fondé l’école de peinture d’Oaxacan en partant du principe que même si la peinture doit avoir lieu au niveau plastique, elle n’exclut pas la possibilité que l’œuvre contienne une conséquence profonde qui ne soit pas entièrement exprimée. Tamayo semblait dépouiller le soi externe de l’homme, trouvé par exemple dans la religion, afin d’examiner les peurs fondamentales de l’homme. Sa crainte de la nature, du cosmos et surtout de la peur de l’homme. L’art subtil et riche de l’époque précolombienne a grandement inspiré Tamayo. De cette influence, il a peint l’homme comme une chair transparente existant sur un squelette vivant.

Francisco Toledo
D’un autre côté, Francisco Toledo a peint ses sujets comme s’ils étaient des rayons X. La curiosité salace avec l’être intérieur devient presque pornographique alors que sa résurgence érotique et irrévérencieuse de Skull Art se présente.

Rodolfo Nieto
Tandis que Rufino Tamayo fondait l’école Oaxacan, c’est Rodolfo Nieto qui l’a défini. Rodolfo a ajouté un ton dramatique à l’art du crâne. Utilisant des couleurs claires fixées contre des teintes sombres, il montra la bataille continuelle de la vie et de la mort. Avec de la gaieté, de l’humour, des caprices et des histoires d’enfance de Tarzan l’Homme-singe combattant les périls de la jungle, Rodolfo riait de la mort en vivant dans l’ombre de sa propre dépression.Il clignote de la lumière, juxtaposé au noir Il n’a pas essayé de définir l’existence humaine, mais simplement de la vivre, sachant que le crâne était toujours en lui.2 Son épouse peintre Nancy Nieto a enlevé le masque charnu de la vie afin d’examiner la base de la vie, le crâne et squelette…..

Chicano / Mexicain – Américain
Souvent, les artistes chicano ou mexicains américains se tournent vers leur histoire, et Nancy Nieto apporte récemment une résurgence audacieuse à l’ancienne tradition de l’art du crâne mexicain. Tissé dans un voile de couleurs riches et de formes non conventionnelles, adopté par l’école d’Oaxacan, son travail enlève le voile du mystère sur le mystère de la vie pour révéler le mystère de la mort. Elle montre des profondeurs de mystère mais a une note eurythmique harmonieuse des origines épiques de l’Oaxaca chromatique. Elle se bat pour ré-adresser les thèmes érotiques de Francisco Toledo, et pour s’éloigner des tomes dramatiques de Rodolfo Nieto. Son travail renouvelle la vision aztèque de la mort comme un cycle de transition entre la vie individuelle et l’omniprésent «être».