Minimalisme

Dans les arts visuels, la musique et d’autres médiums, le minimalisme est un mouvement artistique qui a commencé dans l’art occidental après la Seconde Guerre mondiale, le plus fortement avec les arts visuels américains dans les années 1960 et au début des années 1970. Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Anne Truitt et Frank Stella figurent parmi les grands artistes associés au minimalisme. Il dérive des aspects réducteurs du modernisme et est souvent interprété comme une réaction contre l’expressionnisme abstrait et un pont vers les pratiques artistiques postminimales.

Terme utilisé au XXe siècle, en particulier à partir des années 1960, pour décrire un style caractérisé par une austérité impersonnelle, des configurations géométriques simples et des matériaux traités industriellement. Il a été utilisé pour la première fois par David Burlyuk dans l’introduction du catalogue pour une exposition des peintures de John Graham à la galerie Dudensing à New York en 1929. Burlyuk a écrit: «Le minimalisme tire son nom du minimum de moyens opératoires. la peinture elle-même ». Le terme a gagné de la valeur dans les comptes des années 1960 et les explications du minimalisme ont varié considérablement, tout comme la gamme de travail à laquelle il était lié. Cela comprenait les peintures monochromes de Yves Klein, Robert Rauschenberg, Ad Reinhardt, Frank Stell et Brice Marden, et même des aspects de Pop art et Post-peinture. Abstraction Typiquement, les précédents cités étaient les ready-mades de Marcel Duchamp, les compositions suprématistes de Kazimir Malevich et les peintures expressionnistes abstraites de Barnett Newman. Les peintures de grille rationnelle d’Agnes Martin ont également été mentionnées en relation avec des artistes minimalistes tels que Sol Lewitt.

Le minimalisme dans la musique comporte souvent la répétition et l’itération telles que celles des compositions de La Monte Young, de Terry Riley, de Steve Reich, de Philip Glass, de Julius Eastman, et de John Adams. Le terme minimaliste se réfère souvent à tout ce qui est épargné ou dépouillé à l’essentiel. Il a donc été utilisé pour décrire les pièces et les romans de Samuel Beckett, les films de Robert Bresson, les histoires de Raymond Carver et les créations automobiles de Colin Chapman.

Art minimal, minimalisme dans l’art visuel
Le minimalisme dans l’art visuel, généralement appelé «art minimal», «art littéral» et «ABC Art» a émergé à New York au début des années 1960, alors que les artistes nouveaux et plus anciens se dirigeaient vers l’abstraction géométrique; explorer par la peinture dans les cas de Frank Stella, de Kenneth Noland, d’Al Held, d’Ellsworth Kelly, de Robert Ryman et d’autres; et sculpture dans les œuvres de divers artistes, y compris David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd et d’autres. La sculpture de Judd a été présentée en 1964 à Green Gallery à Manhattan, ainsi que les premières œuvres lumineuses fluorescentes de Flavin, tandis que d’autres grandes galeries de Manhattan comme Leo Castelli Gallery et Pace Gallery ont commencé à présenter des artistes axés sur l’abstraction géométrique. En outre, il y a eu deux expositions majeures et influentes: Structures primaires: Jeune sculpture américaine et britannique, présentée du 27 avril au 12 juin 1966 au Musée juif de New York, organisée par le conservateur de la peinture et de la sculpture du musée, Kynaston McShine et Peinture, au Solomon R. Guggenheim Museum organisée par Lawrence Alloway également en 1966 qui a présenté l’abstraction géométrique dans le monde de l’art américain via la toile en forme, le champ de couleur, et la peinture Hard-edge. À la suite de ces expositions et de quelques autres, le mouvement artistique appelé art minimal a vu le jour.

Dans un sens plus large et plus général, on trouve des racines européennes du minimalisme dans les abstractions géométriques des peintres associés au Bauhaus, dans les œuvres de Kazimir Malevich, Piet Mondrian et d’autres artistes associés au mouvement De Stijl, et le mouvement constructiviste russe, et dans le travail du sculpteur roumain Constantin Brâncuşi.

En France, entre 1947 et 1948, Yves Klein conçoit sa Symphonie Monotone (1949, officiellement The Monotone-Silence Symphony) composée d’un seul accord soutenu de 20 minutes suivi d’un silence de 20 minutes – un précédent pour la musique de drone de La Monte Young et 4’33 “de John Cage. Klein a peint des monochromes dès 1949 et a tenu la première exposition privée de cette œuvre en 1950 – mais sa première exposition publique fut la publication du livre de l’artiste Yves: Peintures en novembre 1954.

L’art minimal est également inspiré en partie par les peintures de Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers, et les œuvres d’artistes aussi divers que Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi et d’autres. Le minimalisme était aussi une réaction contre la subjectivité picturale de l’expressionnisme abstrait qui dominait à New York School dans les années 1940 et 1950.

L’artiste et critique Thomas Lawson a noté dans son essai Artforum de 1981, Last Exit: Painting, que le minimalisme ne rejette pas les affirmations de Clement Greenberg sur la réduction de la peinture moderniste à la surface et aux matériaux. Selon Lawson, le minimalisme était le résultat, même si le terme «minimalisme» n’était généralement pas adopté par les artistes qui lui étaient associés, et de nombreux praticiens de l’art désignés minimalistes par les critiques ne l’identifiaient pas comme un mouvement en tant que tel. Clément Greenberg lui-même s’est également opposé à cette affirmation; dans son post-scriptum de 1978 à son essai Modernist Painting, il a désavoué cette interprétation de ce qu’il a dit, en écrivant:

Il y a eu d’autres constructions de ce que j’ai écrit qui vont dans l’absurdité: que je considère la platitude et l’inclinaison de la platitude non seulement comme les conditions limites de l’art pictural, mais comme critères de qualité esthétique dans l’art pictural; que plus une œuvre avance l’autodéfinition d’un art, mieux ce travail doit être. Le philosophe ou l’historien de l’art qui peut m’imaginer – ou n’importe qui – parvenir à des jugements esthétiques de cette manière se lit d’une manière choquante plus sur lui-même que sur mon article.

Contrairement aux expressionnistes abstraits plus subjectifs de la décennie précédente, à l’exception de Barnett Newman et Ad Reinhardt; les minimalistes ont également été influencés par les compositeurs John Cage et LaMonte Young, le poète William Carlos Williams et l’architecte paysagiste Frederick Law Olmsted. Ils ont très explicitement déclaré que leur art n’était pas l’expression de soi, et contrairement à la philosophie plus subjective de la décennie précédente sur l’art qui était le leur était «objectif». En général, les caractéristiques du minimalisme incluaient des formes géométriques, souvent cubiques, purgées de beaucoup de métaphores, l’égalité des parties, la répétition, les surfaces neutres et les matériaux industriels.

Robert Morris, un théoricien et un artiste, a écrit un essai en trois parties, “Notes sur Sculpture 1-3”, publié à l’origine à travers trois numéros d’Artforum en 1966. Dans ces essais, Morris a tenté de définir un cadre conceptuel et des éléments formels pour lui-même. celui qui embrasserait les pratiques de ses contemporains. Ces essais ont accordé une grande attention à l’idée de la gestalt – “parties … liées ensemble de telle sorte qu’elles créent une résistance maximale à la séparation perceptuelle.” Morris décrivit plus tard un art représenté par une “propagation latérale marquée et aucune unité régularisée ou des intervalles symétriques …” dans “Notes on Sculpture 4: Beyond Objects”, publié à l’origine dans Artforum, 1969, continuant à dire que “l’indétermination de l’arrangement des parties est un aspect littéral de l’existence physique de la chose. ” Le changement général de théorie dont cet essai est une expression suggère la transition vers ce que l’on appellera plus tard le postminimalisme.

L’un des premiers artistes spécifiquement associés au minimalisme était le peintre Frank Stella, dont quatre des premières «peintures noires» ont été incluses dans l’exposition de 1959, 16 Américains, organisée par Dorothy Miller au Museum of Modern Art de New York. La largeur des bandes dans les peintures noires de Frank Stellas était souvent déterminée par les dimensions du bois qu’il utilisait pour les civières afin de soutenir la toile, visible sur la toile comme la profondeur de la peinture vue de côté. Les décisions de Stella concernant les structures sur la surface avant de la toile n’étaient donc pas entièrement subjectives, mais pré-conditionnées par une caractéristique «donnée» de la construction physique du support. Dans le catalogue du spectacle, Carl André a noté: «L’art exclut l’inutile: Frank Stella a jugé nécessaire de peindre des rayures, il n’y a rien d’autre dans sa peinture. Ces œuvres réductrices contrastaient fortement avec les tableaux remplis d’énergie et apparemment hautement subjectifs et chargés d’émotion de Willem de Kooning ou de Franz Kline et, en termes de précédent parmi la précédente génération d’expressionnistes abstraits, se penchaient davantage vers le moins gestuel, souvent sombre , peintures sur le terrain de couleur de Barnett Newman et Mark Rothko. Stella a reçu une attention immédiate de la part du MoMA, mais d’autres artistes, dont Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell et Robert Ryman, ont commencé à explorer les formats strip, monochromatique et Hard-edge de la fin des années 50 jusqu’aux années 1960.

En raison d’une tendance dans l’art minimal à exclure le pictural, l’illusionniste et le fictif en faveur du littéral, il y avait un mouvement qui s’éloignait des préoccupations picturales et artistiques. Donald Judd a commencé en tant que peintre, et a fini en tant que créateur d’objets. Son essai fondateur, “Specific Objects” (publié dans Arts Yearbook 8, 1965), a été une pierre de touche de la théorie pour la formation de l’esthétique minimaliste. Dans cet essai, Judd a trouvé un point de départ pour un nouveau territoire pour l’art américain et un rejet simultané des valeurs artistiques résiduelles héritées de l’Europe. Il a souligné la preuve de ce développement dans les œuvres d’un éventail d’artistes actifs à New York à l’époque, y compris Jasper Johns, Dan Flavin et Lee Bontecou. D’importance «préliminaire» pour Judd était l’œuvre de George Earl Ortman, qui avait concrétisé et distillé les formes de la peinture dans des géométries émoussées, résistantes, philosophiquement chargées. Ces objets spécifiques habitaient un espace qui n’était pas confortablement classable en tant que peinture ou sculpture. Que l’identité catégorique de ces objets fût elle-même remise en cause et qu’ils évitaient de s’associer facilement à des conventions bien connues et trop familières, cela faisait partie de leur valeur pour Judd.

Ce mouvement a été fortement critiqué par les critiques d’art formalistes modernistes et les historiens. Certains critiques pensaient que l’art minimal représentait une incompréhension de la dialectique moderne de la peinture et de la sculpture telle que définie par le critique Clement Greenberg, sans doute le critique américain dominant de la peinture dans la période précédant les années 1960. La critique la plus remarquable du minimalisme a été produite par Michael Fried, un critique formaliste, qui s’est opposé au travail sur la base de sa «théâtralité». Dans Art and Objecthood (publié dans Artforum en juin 1967), il a déclaré que l’œuvre d’art minimale, en particulier la sculpture minimale, reposait sur un engagement dans la physicalité du spectateur. Il a soutenu qu’un travail comme celui de Robert Morris transformait l’acte de regarder en un type de spectacle, dans lequel l’artifice de l’observation de l’acte et la participation du spectateur à l’œuvre étaient dévoilés. Fried a vu ce déplacement de l’expérience du spectateur d’un engagement esthétique à l’intérieur, à un événement en dehors de l’œuvre d’art comme un échec de l’art minimal. L’essai de Fried a été immédiatement contesté par l’artiste postminimaliste et de la terre Robert Smithson dans une lettre à l’éditeur dans le numéro d’octobre d’Artforum. Smithson a déclaré ce qui suit: “Ce que Fried craint le plus, c’est la conscience de ce qu’il fait, à savoir être lui-même théâtral.”

En plus des Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman et Donald Judd déjà mentionnés, Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Ronald Hinman, Ronald Bladen, Paul Mogensen, Ronald Davis et David Davis Novros, Brice Marden, Blinky Palerme, Agnes Martin, Jo Baer, ​​John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson et Anne Truitt.

Ad Reinhardt, en fait un artiste de la génération de l’expressionnisme abstrait, mais dont les peintures réductrices presque entièrement noires semblaient anticiper le minimalisme, avait ceci à dire sur la valeur d’une approche réductive de l’art:

Plus il y a de choses, plus l’œuvre d’art est occupée, pire c’est. Plus est moins. Moins est plus. L’œil est une menace pour la vue. La mise à nu de soi-même est obscène. L’art commence par se débarrasser de la nature.

La remarque de Reinhardt aborde et contredit directement le point de vue de Hans Hofmann sur la nature comme source de ses propres peintures expressionnistes abstraites. Dans un échange célèbre entre Hofmann et Jackson Pollock raconté par Lee Krasner dans une interview avec Dorothy Strickler (1964-11-02) pour la Smithsonian Institution Archives of American Art. Dans les mots de Krasner:

Quand j’ai amené Hofmann pour rencontrer Pollock et voir son travail qui était avant que nous déménagions ici, la réaction de Hofmann était-une des questions qu’il a posées à Jackson était: «Travaillez-vous de la nature? Il n’y avait pas de vie ou de mannequin autour et la réponse de Jackson était: “Je suis la nature”. Et la réponse d’Hofmann fut: «Ah, mais si tu travailles par cœur, tu te répéteras». Pour lequel Jackson n’a pas répondu du tout. La rencontre entre Pollock et Hofmann eut lieu en 1942.

Design minimaliste et architecture
Le terme minimalisme est également utilisé pour décrire une tendance dans la conception et l’architecture, où le sujet est réduit à ses éléments nécessaires. Les concepteurs architecturaux minimalistes se concentrent sur la connexion entre deux plans parfaits, un éclairage élégant et les espaces vides laissés par l’enlèvement de formes tridimensionnelles dans une conception architecturale.

Le design minimaliste a été fortement influencé par le design et l’architecture traditionnels japonais. Les œuvres des artistes de De Stijl sont une référence majeure: De Stijl a élargi les idées d’expression en organisant minutieusement des éléments de base tels que des lignes et des plans. En ce qui concerne la conception de la maison, les designs «minimalistes» plus attrayants ne sont pas vraiment minimalistes parce qu’ils sont plus grands et utilisent des matériaux de construction et des finitions plus coûteux.

Il y a des observateurs qui décrivent l’émergence du minimalisme comme une réponse à la dureté et au chaos de la vie urbaine. Au Japon, par exemple, l’architecture minimaliste a commencé à prendre de l’ampleur dans les années 1980 lorsque ses villes ont connu une expansion rapide et une population en plein essor. Le design a été considéré comme un antidote à la “présence écrasante de la circulation, de la publicité, des échelles de construction brouillés, et des routes imposantes.” L’environnement chaotique n’était pas seulement motivé par l’urbanisation, l’industrialisation et la technologie, mais aussi par l’expérience japonaise de démolir constamment les structures en raison des destructions causées par la Seconde Guerre mondiale et les tremblements de terre, y compris les incendies. Il faut noter que la philosophie du design minimaliste n’est pas arrivée au Japon par l’intermédiaire d’un autre pays. Cela faisait déjà partie de la culture japonaise enracinée dans la philosophie Zen. Il y a ceux qui attribuent spécifiquement le mouvement du design à la spiritualité et à la vision de la nature du Japon.

L’architecte Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) a adopté la devise «Less is more» pour décrire son esthétique. Sa tactique était d’organiser les composants nécessaires d’un bâtiment pour créer une impression d’extrême simplicité – il a enrôlé tous les éléments et les détails pour servir de multiples objectifs visuels et fonctionnels; par exemple, concevoir un plancher pour servir également de radiateur, ou un foyer massif pour abriter également la salle de bain. Le designer Buckminster Fuller (1895-1983) a adopté l’objectif de l’ingénieur «Faire plus avec moins», mais ses préoccupations étaient axées sur la technologie et l’ingénierie plutôt que sur l’esthétique.

Luis Barragán est un architecte moderne minimaliste exemplaire. [D’après qui?] D’autres architectes minimalistes contemporains incluent Kazuyo Sejima, John Pawson, Eduardo Souto de Moura, Álvaro Siza Vieira, Tadao Ando, ​​Alberto Campo Baeza, Yoshio Taniguchi, Peter Zumthor et Hugh Newell. Jacobsen, Vincent Van Duysen, Claudio Silvestrin, Michael Gabellini et Richard Gluckman. [La page était nécessaire] [vérification nécessaire]

Architecture minimaliste et espace
L’architecture minimaliste est devenue populaire à la fin des années 1980 à Londres et New York, où les architectes et les créateurs de mode travaillaient ensemble dans les boutiques pour atteindre la simplicité, en utilisant des éléments blancs, un éclairage froid, un espace minimal.

Concepts et éléments de conception
Le concept de l’architecture minimaliste est de tout dépouiller de sa qualité essentielle et atteindre la simplicité. L’idée n’est pas complètement sans ornementation, mais que toutes les parties, les détails et les menuiseries sont considérés comme réduits à un stade où personne ne peut plus rien enlever pour améliorer le design.

Les considérations pour les «essences» sont la lumière, la forme, le détail du matériau, l’espace, le lieu et la condition humaine. Les architectes minimalistes ne considèrent pas seulement les qualités physiques du bâtiment. Ils considèrent la dimension spirituelle et l’invisible, en écoutant la figure et en prêtant attention aux détails, aux personnes, à l’espace, à la nature et aux matériaux, croyant que cela révèle la qualité abstraite de quelque chose d’invisible et facilite la recherche de l’essence qualités invisibles – telles que la lumière naturelle, le ciel, la terre et l’air. En outre, ils «ouvrent un dialogue» avec l’environnement pour décider des matériaux les plus essentiels pour la construction et créer des relations entre les bâtiments et les sites.

Dans l’architecture minimaliste, les éléments de conception s’efforcent de transmettre le message de la simplicité. Les formes géométriques de base, les éléments sans décoration, les matériaux simples et les répétitions de structures représentent un sens de l’ordre et une qualité essentielle. Le mouvement de la lumière naturelle dans les bâtiments révèle des espaces simples et propres. À la fin du XIXe siècle, lorsque le mouvement des arts et métiers devint populaire en Grande-Bretagne, les gens appréciaient l’attitude de la «vérité aux matériaux» par rapport aux caractéristiques profondes et innées des matériaux. Les architectes minimalistes «écoutent humblement la figure», recherchent l’essence et la simplicité en redécouvrant les qualités précieuses dans des matériaux simples et communs.

Influences de la tradition japonaise
L’idée de simplicité apparaît dans de nombreuses cultures, en particulier la culture traditionnelle japonaise de la philosophie Zen. Les Japonais manipulent la culture zen dans des éléments esthétiques et de design pour leurs bâtiments. Cette idée de l’architecture a influencé la société occidentale, en particulier en Amérique depuis le milieu du 18ème siècle. En outre, il a inspiré l’architecture minimaliste au 19ème siècle.

Les concepts Zen de la simplicité transmettent les idées de liberté et d’essence de la vie. La simplicité n’est pas seulement une valeur esthétique, elle a une perception morale qui se penche sur la nature de la vérité et révèle les qualités et l’essence intérieures des matériaux et des objets. Par exemple, le jardin de sable dans le temple de Ryoanji démontre les concepts de simplicité et d’essentialité à partir du cadre de quelques pierres et d’un immense espace vide.

Le principe esthétique japonais de Ma se réfère à l’espace vide ou ouvert. Il supprime tous les murs internes inutiles et ouvre l’espace. Le vide de l’arrangement spatial réduit tout à la qualité la plus essentielle.

L’esthétique japonaise de Wabi-sabi valorise la qualité des objets simples et simples. Il apprécie l’absence de caractéristiques inutiles, chérit une vie dans le calme et vise à révéler le caractère inné des matériaux. Par exemple, l’art floral japonais, également connu sous le nom Ikebana, a le principe central de laisser s’exprimer la fleur. Les gens coupent les branches, les feuilles et les fleurs des plantes et ne retiennent que la partie essentielle de la plante. Cela véhicule l’idée de qualité essentielle et de caractère inné dans la nature.

Cependant, loin d’être seulement un concept spatial, Ma est omniprésente dans tous les aspects de la vie quotidienne japonaise, aussi bien dans le temps que dans les tâches quotidiennes.

Les architectes minimalistes et leurs œuvres
L’architecte minimaliste japonais, Tadao Ando, ​​transmet l’esprit traditionnel japonais et sa propre perception de la nature dans ses œuvres. Ses concepts de design sont les matériaux, la géométrie pure et la nature. Il utilise normalement du béton ou du bois naturel et une forme structurelle de base pour réaliser l’austérité et les rayons de lumière dans l’espace. Il met également en place un dialogue entre le site et la nature pour créer des relations et de l’ordre avec les bâtiments. Les travaux d’Ando et la traduction des principes esthétiques japonais sont très influents sur l’architecture japonaise.

Un autre architecte minimaliste japonais, Kazuyo Sejima, travaille seul et en collaboration avec Ryue Nishizawa, sous le nom de SANAA, produisant des bâtiments emblématiques du minimalisme japonais. Crédités avec la création et l’influence d’un genre particulier de minimalisme japonais, les designs délicats et intelligents de Sejimas peuvent utiliser la couleur blanche, des sections de construction minces et des éléments transparents pour créer le type de construction phénoménal souvent associé au minimalisme. Les travaux incluent le nouveau musée (2010) New York City, la petite maison (2000) Tokyo, la maison entourée par les arbres de prune (2003) Tokyo.

Dans le Pavillon de la Conférence de Vitra, Weil am Rhein, 1993, les concepts sont de rassembler les relations entre le bâtiment, le mouvement humain, le site et la nature. Lequel en tant que point principal de l’idéologie du minimalisme qui établissent le dialogue entre le bâtiment et le site. Le bâtiment utilise les formes simples de cercle et de rectangle pour contraster l’espace rempli et vide de l’intérieur et de la nature. Dans le foyer, il y a une grande fenêtre qui donne sur l’extérieur. Ceci réalise le simple et le silence de l’architecture et améliore la lumière, le vent, le temps et la nature dans l’espace.

John Pawson est un architecte britannique minimaliste; Ses concepts de conception sont l’âme, la lumière et l’ordre. Il croit que, bien que l’encombrement réduit et la simplification de l’intérieur à un point qui dépasse l’idée de la qualité essentielle, il y a un sens de la clarté et de la richesse de la simplicité au lieu de la vacuité. Les matériaux de sa conception révèlent la perception de l’espace, de la surface et du volume. De plus, il aime utiliser des matériaux naturels en raison de leur vitalité, du sens de la profondeur et de la qualité d’un individu. Il est également attiré par les influences importantes de la philosophie Zen japonaise.

Calvin Klein Madison Avenue, New York, 1995-1996, est une boutique qui exprime les idées de Calvin Klein sur la mode. Les concepts de design d’intérieur de John Pawson pour ce projet sont de créer des arrangements spatiaux simples, pacifiques et ordonnés. Il a utilisé des sols en pierre et des murs blancs pour atteindre la simplicité et l’harmonie pour l’espace. Il accentue également la réduction et élimine les distorsions visuelles, telles que la climatisation et les lampes pour obtenir un sentiment de pureté pour l’intérieur.

Alberto Campo Baeza est un architecte espagnol et décrit son travail comme une architecture essentielle. Il valorise les concepts de lumière, d’idée et d’espace. La lumière est essentielle et réalise la relation entre les habitants et le bâtiment. Les idées doivent répondre à la fonction et au contexte de l’espace, des formes et de la construction. L’espace est façonné par les formes géométriques minimales pour éviter une décoration non essentielle.

Gasper House, Zahora, 1992 est une résidence que le client voulait être indépendant. De hauts murs créent l’espace clos et les sols en pierre utilisés dans la maison et la cour montrent la continuité de l’intérieur et de l’extérieur. La couleur blanche des murs révèle la simplicité et l’unité du bâtiment. La structure de la structure fait des lignes pour former la maison continuellement horizontale, par conséquent la lumière naturelle projette horizontalement à travers le bâtiment.

Minimalisme littéraire
Le minimalisme littéraire est caractérisé par une économie avec des mots et un accent sur la description de surface. Les écrivains minimalistes évitent les adverbes et préfèrent laisser le contexte dicter le sens. On s’attend à ce que les lecteurs jouent un rôle actif dans la création de l’histoire, pour «choisir des côtés» basés sur des allusions et des insinuations obliques, plutôt que de réagir aux directives de l’auteur.

Certains romans policiers d’années 1940, tels que James M. Cain et Jim Thompson, adoptèrent un style de prose épuré et factuel pour un effet considérable; certains classent ce style de prose comme du minimalisme. [mots weasel]

Un autre courant de minimalisme littéraire est apparu en réponse à la tendance de la métafiction des années 1960 et du début des années 1970 (John Barth, Robert Coover et William H. Gass). Ces écrivains étaient également épargnés par la prose et gardaient une distance psychologique de leur sujet.

Les écrivains minimalistes, ou ceux qui sont identifiés avec minimalisme au cours de certaines périodes de leur carrière d’écriture, sont les suivantes: Raymond Carver, Bret Easton Ellis, Charles Bukowski, Ernest Hemingway, KJ Stevens, Amy Hempel, Bobbie Ann Mason, Tobias Wolff Grace Paley, Sandra Cisneros, Mary Robison, Frederick Barthelme, Richard Ford, Patrick Holland, Cormac McCarthy et Alicia Erian.

Des poètes américains comme Stephen Crane, William Carlos Williams, Ezra Pound, Robert Creeley, Robert Grenier et Aram Saroyan sont parfois identifiés avec leur style minimaliste. Le terme «minimalisme» est aussi parfois associé au genre poétique le plus bref, le haïku, originaire du Japon, mais qui a été domestiqué dans la littérature anglaise par des poètes tels que Nick Virgilio, Raymond Roseliep et George Swede.

L’écrivain irlandais Samuel Beckett est bien connu pour ses pièces minimalistes et sa prose, tout comme l’écrivain norvégien Jon Fosse.

Dans son roman The Easy Chain, Evan Dara comprend une section de 60 pages écrite dans le style du minimalisme musical, inspiré notamment du compositeur Steve Reich. Dans l’intention de représenter l’état psychologique (l’agitation) du personnage principal du roman, les lignes successives du texte sont construites sur des phrases répétitives et en développement.

Musique minimale
Le terme «musique minimale» a été dérivé autour de 1970 par Michael Nyman du concept de minimalisme, qui a été précédemment appliqué aux arts visuels. Plus précisément, c’est dans une revue publiée en 1968 dans The Spectator que Nyman a d’abord utilisé ce terme pour décrire une composition de piano de dix minutes du compositeur danois Henning Christiansen, ainsi que plusieurs autres pièces anonymes interprétées par Charlotte Moorman et Nam June Paik au Institut des Arts Contemporains de Londres.