ミニマリズム

視覚芸術、音楽、その他のメディアでは、ミニマリズムは第二次世界大戦後の西洋芸術で始まり、1960年代から1970年代初頭にかけてアメリカの視覚芸術に最も強い影響を受けたアート運動です。 ミニマリズムに関連した著名なアーティストには、ドナルド・ジャッド、ジョン・マクラッケン、アグネス・マーティン、ダン・フラビン、ロバート・モリス、アン・トゥルット、フランク・ステラが含まれる。 それはモダニズムの還元的側面から生まれ、抽象的な表現主義に対する反作用や時代遅れの芸術行為への橋渡しと解釈されることが多い。

1960年代から20世紀にかけて使用された用語で、非人間的な緊縮性、単純な幾何学的構成、工業的に加工された材料によって特徴付けられたスタイルを表現しています。 1929年ニューヨークのDudensing Galleryでジョン・グレアムの絵画展のカタログ・イントロダクションでDavid Burlyukが最初に使用した。Burlyukは次のように書いている:「Minimalismは操作方法の最小値からその名前を導くMinimalist painting is purely realistic-絵画そのもの。 1960年代に得られた用語である通貨とミニマリズムの説明は、それが関連していた仕事の範囲と同様にかなり異なっていた。 これには、イヴ・クライン、ロバート・ラウシェンバーグ、アド・ラインハルト、フランク・ステル、ブリス・マーデンのモノクロ絵画、ポップ・アートとポスト画家の側面まで含まれています。 抽象的な典型的な例は、マルセル・デュシャンのレディ・メード、カジミール・マーレヴィッチとバーネット・ニューマンの抽象表現主義絵画の最上級作曲家でした。 アグネス・マーティンの合理的なグリッド・ペインティングは、ソル・レイトのようなミニマリストのアーティストとの関連でも言及されています。

音楽のミニマリズムは、多くの場合、ラ・モンテ・ヤング、テリー・ライリー、スティーブ・ライヒ、フィリップ・グラス、ジュリアス・イーストマン、ジョン・アダムスの作曲の繰り返しや繰り返しが特徴です。 ミニマリストという言葉は、しばしば言い換えれば、その本質に余裕があるか、剥奪されたものを指します。 したがって、サミュエル・ベケットの演劇や小説、ロバート・ブレッソンの映画、レイモンド・カーバーの物語、コリン・チャップマンの自動車デザインを記述するのに使用されています。

最小限の芸術、視覚芸術のミニマリズム
1960年代初めにニューヨークで新旧の芸術家が幾何学的抽象化に移行するにつれて、「ミニマム・アート」、「リテラリスト・アート」、「ABCアート」と呼ばれる視覚芸術のミニマリズムが浮上した。 フランク・ステラ、ケネス・ノランド、アル・ヘルド、エルズワース・ケリー、ロバート・ライマン、その他の場合の絵画による探検。 David Smith、Anthony Caro、Tony Smith、Sol LeWitt、Carl Andre、Dan Flavin、Donald Juddなどの様々なアーティストの作品を彫刻しています。 ジュードの彫刻は、1964年にマンハッタンのグリーン・ギャラリーで、フラビンの最初の蛍光灯と同様に展示されました。また、レオ・カステッリ・ギャラリーやペース・ギャラリーのような他のマンハッタンのギャラリーも幾何学的抽象に焦点を当てたアーティストを紹介し始めました。 また、博物館の絵画・彫刻家キヤノン、キヤノン・マクシャインとシステミックが組織した、ニューヨークのユダヤ博物館で、1966年4月27日〜6月12日に開催された主要な建築物:若いアメリカとイギリスの彫刻1966年にLawrence Allowayによってキュレーションされたソロモン・R・グッゲンハイム美術館(Solomon R. Guggenheim Museum)では、シェイプされたキャンバス、カラーフィールド、ハードエッジペイントによるアメリカの芸術界における幾何学的抽象化を展示しました。 それらの展覧会の結果として、いくつかのものが、最小の芸術と呼ばれる芸術の動きを浮き彫りにしました。

より広範かつ一般的な意味で、Bauhausに関連する画家の幾何学的抽象、Kazimir Malevich、Piet MondrianおよびDe Stijl運動に関連する他の芸術家、およびロシア・コンストラクティスト運動におけるヨーロッパのミニマリズムのルーツは、ルーマニアの彫刻家であるConstantinBrâncuşiの作品にも取り上げられています。

1947年から1948年のフランスでは、イヴ・クラインは20分間の連続したコードと20分の沈黙からなる「モノトーン・シンフォニー」(1949年、正式に「モノトーン・サイレンス・シンフォニー」)を思いついた。これはラ・モンテ・ヤングの無声音楽ジョンケージの4’33 “。 Kleinは1949年に早くもモノクロームを描いていたが、1950年にこの作品の最初の個展を開催したが、最初の公開展は1954年11月のYves:Peinturesというアーティストの著書である。

最小の芸術は、バーネット・ニューマン、アド・ラインハルト、ジョセフ・アルバースの絵画、パブロ・ピカソ、マルセル・デュシャン、ジョルジオ・モランディなどの様々なアーティストの作品にも影響を受けています。 ミニマリズムは、1940年代と1950年代にニューヨークの学校で支配的だった抽象表現主義の絵画的主観との反応でもあった。

アーティストと批評家トーマスローソンは、1981年のArtforumエッセイの「最後の出口:絵画」で、ミニマルは、モダニズムの絵画が表象や材料に還元されたことについてのクレーム・グリーンバーグの主張を、 ローソンによれば、「ミニマル主義」という用語は、それに関連するアーティストによって一般的に受け入れられていなかったが、ミニマリズムはそのような動きではないと主張した。 クレーム・グリーンバーグ自身もこの主張を例外として取り上げた。 1978年の彼のエッセイ「近代主義絵画」の追記で、彼は彼が言ったことのこの解釈を否定した:

筆者が書いたことのいくつかの構造が不本意なものになってしまった:絵画の限界条件としてではなく、絵画的な美術における審美的品質の基準として、平面性と平面性の傾向を考慮する。 アートの自己定義が進むにつれて、作品はより良くなると結論づけられます。 私を思い描くことができる哲学者や美術史家は、このように審美的判断を下すことは、私の記事よりも自分自身の方が驚くほど驚くほどです。

以前の10年の主観的な抽象表現主義者とは対照的に、Barnett NewmanとAd Reinhardtを例外として、 ミニマリストは作曲家のジョン・ケージとラモン・ヤング、詩人ウィリアム・カルロス・ウィリアムス、そしてランドスケープ・アーキテクトのフレデリック・ロー・オルムステッドの影響を受けました。 彼らは、彼らの芸術は自己表現ではなく、以前の10年のものとは異なり、芸術を作る芸術に関するより主観的な哲学は「客観的」であると明言した。 一般に、ミニマリズムの特徴には、幾何学的、時には立体的な形が多く含まれており、多くのメタファー、部品の平等、繰り返し、ニュートラルな表面、および工業材料がパージされています。

理論家でありロバート・モリス(Robert Morris)は1966年にArtforumの3つの号に刊行された3部のエッセー「Notes on Sculpture 1-3」を書いた。これらの論文では、Morrisは概念的枠組みと、同時代の慣行を受け入れるもの これらのエッセイは、ゲシュタルトの概念に大きな注目を集めました。「パーツは、知覚的分離に対する最大限の抵抗を作り出すような方法で結合されています」。 モリスは、1969年のArtforumで最初に出版された「彫刻4:オブジェクトを超えたノート」の中で、「目立った横方向の広がりと正則化された単位や対称的な間隔がない」と表現した芸術を後に述べ、部品の物理的存在の文字通りの側面です」 このエッセイが表現である理論の一般的な変化は、後にポストミニマリズムと呼ばれるものへの移行を示唆している。

ミニマリズムに特に関連した最初のアーティストの1人は、画家のフランク・ステラ(1959年のショーに初期の「黒い絵画」、ニューヨークの近代美術館でドロシー・ミラーが主催した16人のアメリカ人、 Frank Stellasの黒い絵画の縞模様の幅は、キャンバスを支える張り手に使用した木材の寸法によって決定され、側から見たときの絵の深さとして見えます。 したがって、キャンバスの前面の構造に関するステラの決定は、完全に主観的ではなく、サポートの物理的構成の「所与の」特徴によって事前調整されていた。 ショーのカタログでは、Carl Andreは「アートは不要なものを除外しています。フランク・ステラはストライプを描く必要があることを発見しました。 これらの還元的作品は、エネルギーが満たされた、明らかに主観的で感情的に魅力的なウィレム・デ・クーニングやフランツ・クラインの絵とは対照的であり、前世代の抽象的な表現者の前例の点では、 、Barnett NewmanとMark Rothkoのカラーフィールド画。 StellaはMoMAショーからすぐに注目を集めましたが、Kenneth Noland、Gene Davis、Robert Motherwell、Robert Rymanなどの他のアーティストも、50年代後半から1960年代にかけてストライプ、単色およびハードエッジフォーマットを探求し始めました。

リテラルに賛成して絵画的、幻想的、架空的なものを排除する最小限の芸術の傾向のため、絵画的なものから彫刻的なものへの動きがあった。 ドナルド・ジャッド(Donald Judd)は画家として始まり、オブジェクトの創作者として終わった。 彼の独創的なエッセイ、「特定の対象物」(1965年のArts Yearbook 8に掲載)は、ミニマルな美学の形成のための理論の宝石です。 このエッセイでは、Juddはアメリカ美術の新しい領土の出発点と、残されたヨーロッパの芸術的価値観を同時に拒絶することを発見しました。 彼は、ジャスパー・ジョンズ、ダン・フラビン、リー・ボンテコウなど、当時ニューヨークで活動していたアーティストの作品の中で、この発展の証拠を指摘しました。 ジャッドの「予備的」重要性は、絵画の形を鈍く、強く、哲学的に描写された幾何学的形状に具体化し蒸留したジョージ・アール・オルマンの作品であった。 これらの特定の物体は、絵や彫刻として快適に分類できない空間に住みました。 そのようなオブジェクトのカテゴリアイデンティティは疑問であり、よく磨耗され、過度に身近な慣習との容易な関連付けを避けることは、ジャッドにとっての価値の一部でした。

この動きは、近代的な形式主義の美術評論家や歴史家によって大きく批判された。 いくつかの批評家は、最小の芸術は、おそらく1960年代に至った時代のアメリカの著名な絵画批評家、クレメント・グリーンバーグ氏が定義した絵画と彫刻の現代弁証法の誤解を表していると考えていました。 ミニマリズムの最も顕著な批評は、その “劇場”に基づいて仕事に反対した正式批評家のマイケル・フライドが作ったものです。 Art and Objecthood(1967年6月にArtforumで発表)では、最小限の芸術作品、特に最小彫刻は観客の身体性との関わりに基づいていると宣言しました。 彼は、ロバート・モリスのような作品は、観覧の行為を観客の作品への参加と実演の芸術が発表された一種の光景に変えたと主張した。 フライドは、最小限の芸術の失敗として、作品の中の美的関与から、アートワークの外の出来事まで、視聴者の経験のこのずれを見た。 フリードリヒのエッセイは、ポストミニマル・アンド・アースのアーティスト、ロバート・スミスン(Robert Smithson)によって、Artforum 10月号の編集者宛の手紙にすぐに挑戦されました。 スミスソンは次のように述べています。「フライドが恐れているのは、自分が何をしているのかという意識なのです。

Robert Mangold、Larry Bell、Dan Flavin、Sol LeWitt、Charles Hinman、Ronald Bladen、Paul Mogensen、Ronald Davis、Davidなど、すでに紹介されているRobert Morris、Frank Stella、Carl Andre、ブラインド・マーデン、ブリンキー・パレルモ、アグネス・マーティン、ジョー・ベイラー、ジョン・マクラッケン、アド・ラインハルト、フレッド・サンドバック、リチャード・セラ、トニー・スミス、パトリシア・ヨハンソン、アン・トゥリット。

実際に抽象表現主義の世代の芸術家であるAd Reinhardtは、しかし、還元的でほぼ完全に黒い絵画がミニマル主義を予期していたように見えるのは、美術に対する還元的アプローチの価値について言えることです。

それ以上のものは、芸術の仕事が混雑するほど悪いです。 もっと少ないです。 少ないほうがいいですね。 目は見通しの悪い脅威です。 自分自身の裸の露出は、猥褻です。 芸術は自然を取り除くことから始まります。

Reinhardtの発言は、Hans Hofmannの自然に対する関心を、彼自身の抽象表現主義絵画の源として直接扱い、矛盾する。 ホフマンとジャクソン・ポロックの有名な交流の中で、スミソニアン・インスティテュート・アメリカン・アーカイブスのDorothy Strickler(1964-11-02)とのインタビューでLee Krasnerが語った。 クラスナーの言葉:

私がホフマンをポロックに会わせて、私たちがここに移る前の彼の作品を見ると、ホフマンの反応はジャクソンに聞いた質問の1つでした。「あなたは自然から仕事をしていますか? 周囲にまだ生き物やモデルがなく、ジャクソンの答えは「私は自然だ」と答えた。 そして、ホフマンの返答は、「ああ、心で働くなら、あなたは自分自身を繰り返すだろう」 ジャクソンは全く返信しなかった。 ポロックとホフマンの会合は1942年に行われました。

ミニマリストデザインとアーキテクチャ
ミニマリズムという用語は、設計とアーキテクチャの傾向を記述するためにも使用され、対象は必要な要素に縮小されています。 ミニマリストの建築家デザイナーは、2つの完璧な平面、エレガントな照明、3次元形状の除去によって残された空白スペースの間の接続に焦点を当てています。

最小限のデザインは、日本の伝統的なデザインとアーキテクチャの影響を強く受けています。 De Stijlの芸術家の作品は大きな参考資料です。De Stijlは、ラインや飛行機などの基本要素を細かく整理して表現のアイデアを広げました。 家のデザインに関しては、より魅力的な「ミニマル」デザインは、それがより大きく、より高価な建築材料および仕上げを使用するため、真に最小限ではない。

都市生活の荒々しさと混乱への反応としてのミニマリズムの出現を記述しているオブザーバーがいる。 例えば、日本では、1980年代に都市の急速な拡大と人口の急増を経験したミニマル・アーキテクチャーが牽引され始めました。 このデザインは、「交通、広告、混雑したビルスケール、および道路の面倒な存在」に対する解毒剤とみなされていました。 混沌とした環境は、都市化、工業化、技術によってもたらされただけでなく、第二次世界大戦と地震の破壊のために、火災などの災害を含む構造物を絶えず破壊しなければならない日本人の経験でした。 ミニマリストデザイン哲学は、他の国を経由して日本に到着しなかったことに注意する必要があります。 それはすでに禅の哲学に根ざした日本の文化の一部でした。 デザインの動きを日本の霊性と自然観に特化している人たちがいます。

建築家ルードヴィヒ・ミース・ファン・デア・ローエ(1886-1969)は、彼の美学を表現するために、「より少ないもの」というモットーを採用しました。 彼の戦略は、建物の必要な構成要素を整理して極端に単純な印象を与えるものでした。複数の視覚的および機能的な目的に役立つように、すべての要素と詳細を募集しました。 ラジエーターとしても機能するように床を設計する、または浴室を収容するために大型の暖炉を設計することができる。 デザイナーBuckminster Fuller(1895-1983)はエンジニアの目標を「Lessing less with more」としましたが、彼の懸念は美学ではなく技術とエンジニアリングに向けられていました。

ルイス・バラガンは、現代的なミニマリストデザイナーの一人です。[その他の現代的なミニマル・アーキテクトは、瀬島和代、ジョン・パウソン、エドゥアルド・ソウト・ド・モウラ、シヴァ・ビエラ・アルバ、安藤忠雄、アルベルト・カンポ・バエサ、谷口義雄、ピーター・ツムトール、 Jacobsen、Vincent Van Duysen、Claudio Silvestrin、Michael Gabellini、Richard Gluckman [要確認]

ミニマリストアーキテクチャとスペース
ミニマル・アーキテクチャーは1980年代後半にロンドンとニューヨークで人気を博し、建築家やファッションデザイナーはブティックで協力して、シンプルさを実現しました。白い要素、冷たい照明、最小限のオブジェクトと家具を備えた広いスペースを使用しました。

概念と設計要素
ミニマリストアーキテクチャのコンセプトは、あらゆるものを本質的な品質に落として単純化することです。 アイデアは完全に装飾ではありませんが、すべての部品、ディテール、および建具は、誰も設計を改善するために何も除去できない段階にまで縮小されたものと見なされます。

「エッセンス」の考慮事項は、軽いもの、形、物質の詳細、空間、場所、人間の状態です。 ミニマリストの建築家は建物の物理的性質を考慮するだけでなく、 彼らは、人物、宇宙、自然、物質に注意を払って、霊的次元と不可視性を考慮し、目に見えないものの抽象的な品質を明らかにし、それらの本質の探求を助けると信じている自然光、空、土、空気などの目に見えない品質。 さらに、周囲の環境との「対話」を開いて、建設に必要不可欠な材料を決定し、建物と敷地間の関係を作り出します。

ミニマリストアーキテクチャでは、設計要素は単純さのメッセージを伝達するように努力します。 基本的な幾何学的形状、装飾のない要素、単純な材料、構造の繰り返しは、秩序感と本質的な質を表しています。 建物内の自然光の動きは、シンプルでクリーンな空間を示しています。 19世紀後半には英国で芸術と工芸の運動が普及するにつれて、人々は物質の深遠で元来の特性に関して「物質への真実」の態度を評価しました。 ミニマリストの建築家は、シンプルで一般的な素材で貴重な品質を再発見することで、本質とシンプルさを追求しながら、謙虚に「声を聴く」。

日本の伝統からの影響
シンプルさの考え方は、多くの文化、特に日本の伝統的な禅哲学の文化に現れています。 日本人は禅の文化を建物の美的要素とデザイン要素に操作します。 この建築思想は西洋社会に、特にアメリカでは18世紀中頃から影響を受けています。 さらに、それは19世紀のミニマル建築に影響を与えました。

簡潔さの禅の概念は、生活の自由と本質のアイデアを伝えます。 シンプリシティは審美的価値だけでなく、真実の性質を調べ、物質や物の内的性質と本質を明らかにする道徳的認識を持っています。 たとえば、竜安寺の砂の庭には、石の設定や巨大な空きスペースから、シンプルさと本質のコンセプトが示されています。

Maの日本の美学原理は、空または空きスペースを指します。 不要な内壁をすべて取り除き、スペースを開きます。 空間的配置の空白は、すべてを最も基本的な品質にまで下げます。

Wabi-sabiの日本の美学は、単純で平易な物体の品質を評価します。 それは不必要な機能がないこと、宝物が静かに生きること、材料の本来の性格を明らかにすることを念頭に置いています。 例えば、日本の花芸術は、生け花とも呼ばれ、花を表現するという中心的な原則を持っています。 人々は植物からの枝、葉および花を切断し、植物の本質的な部分のみを保持する。 これは本質的に本質的な品質と本質的な性質の考えを伝えます。

しかし、空間概念ではなく、日常生活の仕事だけでなく、時間にも当てはまるため、馬は日本のあらゆる生活の中で常に存在しています。

ミニマル建築家とその作品
日本のミニマリストの建築家、安藤忠雄は、日本の伝統的な精神と自然に対する彼の認識を作品に伝えています。 彼のデザインコンセプトは、材料、純粋な幾何学と自然です。 彼は通常、宇宙での緊縮と光線を達成するために、コンクリートまたは天然木と基本構造のフォームを使用します。 彼はまた、建物との関係と秩序を作り出すために、サイトと自然の間の対話を設定します。 安藤の作品や日本の美意識の翻訳は、日本の建築に大きな影響を与えています。

他の日本のミニマルな建築家、瀬島和代は、SANAAとして、西澤隆と共同して、象徴的な日本のミニマル建築を制作しています。 セジマの繊細でインテリジェントなデザインは、シンプルなジャンルの日本のミニマリズムを創り出し、影響を与えていると信じられています。 New Museum(2010)New York City、Small House(2000)Tokyo、Plum Trees(2003)東京に囲まれた家。

Vitra Conference Pavilion、Weil am Rhein、1993では、建物、人間の動き、現場と自然の関係をまとめています。 ミニマリズムのイデオロギーの1つの主要なポイントは、建物とサイトの間の対話を確立するものです。 建物は、内部と自然の満ちあふれた空間を対比するために、単純な形の円と四角形を使用しています。 玄関には、外に見える大きな風景の窓があります。 これは、単純な構造の沈黙を実現し、宇宙の光、風、時間、自然を高めます。

John Pawsonは英国のミニマリスト建築家です。 彼のデザインコンセプトは魂、光、そして秩序です。 彼は、本質的な品質の考え方を超えた点まで、内部の混乱と単純化を軽減するが、空虚ではなく、シンプルさの明瞭さと豊かさの感覚があると信じている。 彼のデザインの資料は、空間、表面、容積に対する認識を明らかにしています。 さらに、彼は、生き生きとした感覚、個性の深さと質のために天然素材を使用するのが好きです。 彼はまた、日本の禅の哲学からの重要な影響に魅了されます。

Calvin Klein Madison Avenue、New York、1995-96は、ファッションのカルバンクラインの考えを伝えるブティックです。 このプロジェクトのためのジョン・パウソンのインテリア・デザインのコンセプトは、シンプルで平和で整然とした空間配置を作り出すことです。 彼は石の床と白い壁を使って空間のシンプルさと調和を実現しました。 彼はまた、減量を重視し、空調やランプのような視覚的な歪みをなくし、インテリアの純度感を実現します。

Alberto Campo Baezaはスペインの建築家であり、彼の作品を不可欠な建築と表現しています。 彼は光、アイデア、空間の概念を評価しています。 光は不可欠であり、住民と建物の関係を実現します。 アイデアは、空間、フォーム、および構築の機能とコンテキストを満たすことです。 空間は、必須ではない装飾を避けるために最小限の幾何学的形状によって形成される。

Gasper House、Zahora、1992は、顧客が独立したがっていた居住地です。 高い壁が囲まれた空間を作り、家や中庭で使われている石の床は内外の連続性を示しています。 壁の白い色は、建物のシンプルさと統一性を示しています。 構造の特徴は、連続的に水平な家を形成する線を作るため、自然光は建物を横切って水平に投影されます。

文学的なミニマリズム
文学的なミニマリズムは、言葉と表面記述に焦点を当てた経済によって特徴付けられる。 ミニマリスト作家は副詞を避け、文脈に意味を指示することを好む。 読者は、作家からの指示に反応するのではなく、斜めのヒントや込み入った感覚に基づいて「側を選んで」、ストーリーの作成に積極的な役割を果たすことが期待されます。

James M. CainやJim Thompsonのような作家の1940年代の犯罪フィクションの中には、かなりの効果が得られるように、徹底した事実上の散文様式を採用していました。 この散文様式をミニマリズムとして分類する者もいます。[weasel words]

1960年代から1970年代初めのメタフィクションの傾向(John Barth、Robert Coover、William H. Gass)に対応して、文学的なミニマル主義の別の鎖が生まれました。 これらの作家はまた散文に余裕があり、主題から心理的距離を保った。

ミニマリスト作家、またはライターキャリアの特定の期間中に特定されている人は、以下を含みます:Raymond Carver、Ann Beattie、Bret Easton Ellis、Charles Bukowski、Ernest Hemingway、KJ Stevens、Amy Hempel、Bobbie Ann Mason、Tobias Wolff 、グレース・ペレイ、サンドラ・シスネロス、メアリー・ロビソン、フレデリック・バーテルム、リチャード・フォード、パトリック・オランダ、コーマック・マッカシー、アリシア・エリアン。

スティーブン・クレーン、ウィリアム・カルロス・ウィリアムズ、エズラ・ポンド、ロバート・クリーリー、ロバート・グレニエ、アラム・サロワンなどのアメリカの詩人は時にはミニマリストスタイルで特定されます。 「ミニマル」という言葉は、時には日本で始まり、ニック・ヴィルジリオ、レイモンド・ローゼリップ、ジョージ・スウェーデンなどの詩人によって英語文学の中で栽培された俳句の詩でもあります。

アイルランドの作家のSamuel Beckettは、ノルウェーの作家、Jon Fosseのように、彼のミニマルな演劇と散文でよく知られています。

彼の小説「イージー・チェーン」では、エヴァン・ダラは60ページのセクションを音楽ミニマリズムのスタイルで書かれており、特に作曲家のスティーブ・ライヒが触発している。 小説の主人公の心理的な状態(動揺)を表現することを念頭に置いて、セクションの連続する行は、反復的な発達フレーズに基づいて作られています。

最小限の音楽
「最小限の音楽」という用語は、初期の視覚芸術に適用されたミニマリズムの概念からマイケル・ナイマンによって1970年頃に派生したものである。 より正確には、The Spectatorの1968年のレビューで、Nymanはデンマークの作曲家Henning Christiansenによる10分間のピアノ曲を、Charlotte MoormanとNam June Paikが演奏した他のいくつかの名曲と一緒にロンドン現代美術研究所。