Minimalismo

Nelle arti visive, nella musica e in altri mezzi, il minimalismo è un movimento artistico iniziato nell’arte occidentale del secondo dopoguerra, in particolare nelle arti visive americane negli anni ’60 e nei primi anni ’70. Artisti di spicco associati al minimalismo includono Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Anne Truitt e Frank Stella. Deriva dagli aspetti riduttivi del modernismo ed è spesso interpretato come una reazione contro l’espressionismo astratto e un ponte per le pratiche artistiche postminime.

Termine utilizzato nel XX secolo, in particolare a partire dagli anni ’60, per descrivere uno stile caratterizzato da un’austerità impersonale, semplici configurazioni geometriche e materiali lavorati industrialmente. Utilizzato per la prima volta da David Burlyuk nell’introduzione del catalogo per una mostra dei dipinti di John Graham alla Dudensing Gallery di New York nel 1929, Burlyuk scrisse: “Il minimalismo deriva il suo nome dal minimo di mezzi operativi La pittura minimalista è puramente realistica – il soggetto è il dipinto stesso ». Il termine guadagnato valuta negli anni ’60 Conti e spiegazioni del Minimalismo varia considerevolmente, così come la gamma di lavori a cui è stato collegato. Ciò includeva i dipinti monocromi di Yves Klein, Robert Rauschenberg, Ad Reinhardt, Frank Stell e Brice Marden, e persino aspetti della Pop art e del Post-pittore. Astrazione In genere i precedenti citati erano i ready-made di Marcel Duchamp, le composizioni suprematiste di Kazimir Malevich e Barnett Newman’s Abstract Expressionist paintings. Le griglie razionali di Agnes Martin sono state menzionate anche in relazione a artisti minimalisti come Sol Lewitt.

Il minimalismo nella musica include spesso ripetizioni e iterazioni come quelle delle composizioni di La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, Julius Eastman e John Adams. Il termine minimalista spesso si riferisce colloquialmente a tutto ciò che è di riserva o spogliato al suo essenziale. Di conseguenza è stato usato per descrivere le opere teatrali ei romanzi di Samuel Beckett, i film di Robert Bresson, le storie di Raymond Carver e il design automobilistico di Colin Chapman.

Minimal art, minimalismo nell’arte visiva
Il minimalismo nell’arte visiva, generalmente definito “arte minimale”, “arte letterale” e “Arte ABC” è emerso a New York nei primi anni ’60, quando nuovi e più anziani artisti si muovevano verso l’astrazione geometrica; esplorare attraverso la pittura nei casi di Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman e altri; e la scultura nelle opere di vari artisti tra cui David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd e altri. La scultura di Judd è stata esposta nel 1964 alla Green Gallery di Manhattan, così come le prime luci fluorescenti di Flavin, mentre altre importanti gallerie di Manhattan come la Galleria Leo Castelli e la Pace Gallery hanno iniziato a mostrare artisti concentrati sull’astrazione geometrica. Inoltre, ci sono state due mostre del museo influenti: Primary Structures: Younger American and British Sculpture mostrato dal 27 aprile al 12 giugno 1966 al Jewish Museum di New York, organizzato dal curatore del museo di pittura e scultura, Kynaston McShine e Systemic Pittura, al Solomon R. Guggenheim Museum a cura di Lawrence Alloway anche nel 1966 che mostrava l’astrazione geometrica nel mondo dell’arte americano attraverso la tela sagomata, Color Field e Hard-edge painting. Sulla scia di quelle mostre e di pochi altri, il movimento artistico chiamato minimal art è emerso.

In un senso più ampio e generale, si trovano le radici europee del minimalismo nelle astrazioni geometriche dei pittori associati al Bauhaus, nelle opere di Kazimir Malevich, Piet Mondrian e altri artisti associati al movimento De Stijl, e al movimento costruttivista russo, e nel lavoro dello scultore rumeno Constantin Brâncuşi.

In Francia tra il 1947 e il 1948, Yves Klein concepì la sua Monotone Symphony (1949, formalmente Monotone-Silence Symphony) che consisteva in un singolo accordo prolungato di 20 minuti seguito da un silenzio di 20 minuti – un precedente alla musica dei due droni di La Monte Young e John Cage’s 4’33 “. Klein aveva dipinto i monocromi già nel 1949 e tenne la prima mostra privata di quest’opera nel 1950, ma il suo primo spettacolo pubblico fu la pubblicazione del libro d’artista Yves: Peintures nel novembre del 1954.

L’arte minimale è anche ispirata in parte dai dipinti di Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers e le opere di artisti diversi come Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi e altri. Il minimalismo fu anche una reazione contro la soggettività pittorica dell’Espressionismo astratto che era stato dominante nella Scuola di New York negli anni ’40 e ’50.

L’artista e critico Thomas Lawson ha osservato nel suo saggio Artforum del 1981 Last Exit: Painting, il minimalismo non ha respinto le affermazioni di Clement Greenberg sulla riduzione della pittura modernista alla superficie e ai materiali così tanto come prendere alla lettera le sue affermazioni. Secondo Lawson, il risultato fu il minimalismo, anche se il termine “minimalismo” non fu generalmente abbracciato dagli artisti ad esso associati, e molti professionisti dell’arte designati dalla critica minimalista non la identificarono come un movimento in quanto tale. Anche l’eccezione a questa affermazione fu Clement Greenberg stesso; nel suo poscritto del 1978 al suo saggio Modernist Painting ha rinnegato questa interpretazione di ciò che ha detto, scrivendo:

Ci sono state alcune ulteriori costruzioni di ciò che ho scritto che passano in assurdità: che considero la piattezza e l’inclinazione della piattezza non solo come condizioni limitanti dell’arte pittorica, ma come criteri di qualità estetica nell’arte pittorica; che più un’opera fa avanzare l’autodefinizione di un’arte, meglio è che il lavoro è destinato ad essere. Il filosofo o storico dell’arte che può immaginarmi – o chiunque – arrivando a giudizi estetici in questo modo legge in modo sconvolgente più se stesso che nel mio articolo.

In contrasto con gli espressionisti astratti più soggettivi del decennio precedente, con l’eccezione di Barnett Newman e Ad Reinhardt; i minimalisti furono influenzati anche dai compositori John Cage e LaMonte Young, il poeta William Carlos Williams, e dall’architetto paesaggista Frederick Law Olmsted. Hanno dichiarato esplicitamente che la loro arte non riguardava l’autoespressione, e al contrario della filosofia più soggettiva del decennio precedente riguardo all’arte, la loro era “oggettiva”. In generale, le caratteristiche del minimalismo includevano forme geometriche, spesso cubiche, purgate da molta metafora, uguaglianza di parti, ripetizioni, superfici neutre e materiali industriali.

Robert Morris, teorico e artista, ha scritto un saggio in tre parti, “Notes on Sculpture 1-3”, originariamente pubblicato su tre numeri di Artforum nel 1966. In questi saggi, Morris ha tentato di definire un quadro concettuale e elementi formali per se stesso e uno che avrebbe abbracciato le pratiche dei suoi contemporanei. Questi saggi hanno prestato grande attenzione all’idea della Gestalt – “parti … legate insieme in modo tale da creare la massima resistenza alla separazione percettiva”. Morris in seguito descrisse un’arte rappresentata da una “spartizione laterale marcata e unità non regolarizzate o intervalli simmetrici …” in “Note su Scultura 4: Oltre gli oggetti”, originariamente pubblicata su Artforum, 1969, continuando a dire che “indeterminatezza della disposizione” di parti è un aspetto letterale dell’esistenza fisica della cosa. ” Lo spostamento generale nella teoria di cui questo saggio è un’espressione suggerisce la transizione in ciò che in seguito sarebbe definito postminimalismo.

Uno dei primi artisti specificamente associati al minimalismo fu il pittore Frank Stella, quattro dei cui primi “dipinti neri” furono inclusi nello spettacolo del 1959, 16 americani, organizzato da Dorothy Miller al Museum of Modern Art di New York. La larghezza delle strisce nelle pitture nere di Frank Stellas era spesso determinata dalle dimensioni del legname che usava per le barelle per sostenere la tela, visibile contro la tela come la profondità del dipinto se visto di lato. Le decisioni di Stella sulle strutture sulla superficie anteriore della tela non erano quindi del tutto soggettive, ma condizionate da una caratteristica “data” della costruzione fisica del supporto. Nel catalogo della mostra, Carl Andre ha osservato: “L’arte esclude il superfluo, Frank Stella ha ritenuto necessario dipingere strisce, non c’è nient’altro nella sua pittura”. Questi lavori riduttivi erano in netto contrasto con i dipinti pieni di energia e apparentemente altamente soggettivi ed emotivamente carichi di Willem de Kooning o di Franz Kline e, in termini di precedenti tra la precedente generazione di espressionisti astratti, tendevano più verso il meno gestuale, spesso cupo , dipinti a colori di Barnett Newman e Mark Rothko. Stella ricevette l’attenzione immediata dallo show del MoMA, ma altri artisti – tra cui Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell e Robert Ryman – avevano anche iniziato a esplorare strisce, monocromatiche e dai formati Hard-edge dalla fine degli anni ’50 fino agli anni ’60.

A causa della tendenza nell’arte minimale di escludere il pittorico, l’illusionistico e il fittizio in favore del letterale, c’è stato un allontanamento dal pittorico e verso preoccupazioni scultoree. Donald Judd aveva iniziato come pittore e finì come creatore di oggetti. Il suo saggio seminale, “Oggetti specifici” (pubblicato nell’Annuario delle arti 8, 1965), fu una pietra miliare della teoria per la formazione dell’estetica minimalista. In questo saggio, Judd ha trovato un punto di partenza per un nuovo territorio per l’arte americana, e un rifiuto simultaneo di valori artistici europei ereditati residui. Indicò le prove di questo sviluppo nelle opere di una serie di artisti attivi a New York, tra cui Jasper Johns, Dan Flavin e Lee Bontecou. Di importanza “preliminare” per Judd era il lavoro di George Earl Ortman, che aveva concretizzato e distillato le forme della pittura in geometrie contorte, dure e filosoficamente caricate. Questi oggetti specifici abitavano uno spazio non facilmente classificabile come pittura o scultura. Che l’identità categorica di tali oggetti fosse in se stessa in questione e che evitassero una facile associazione con convenzioni ben consunte e troppo familiari, era una parte del loro valore per Judd.

Questo movimento fu pesantemente criticato dai critici e dagli storici d’arte formalista modernista. Alcuni critici ritenevano che l’arte minima rappresentasse un fraintendimento della dialettica moderna di pittura e scultura definita dal critico Clement Greenberg, probabilmente il critico americano dominante della pittura nel periodo precedente agli anni ’60. La critica più significativa del minimalismo è stata prodotta da Michael Fried, un critico formalista, che ha contestato il lavoro sulla base della sua “teatralità”. In Art and Objecthood (pubblicato su Artforum nel giugno 1967) dichiarò che l’opera d’arte minimale, in particolare quella minimale, era basata su un impegno con la fisicità dello spettatore. Sosteneva che un lavoro come quello di Robert Morris trasformava l’atto della visione in un tipo di spettacolo, in cui venivano svelati l’artificio dell’osservazione dell’atto e la partecipazione dello spettatore all’opera. Fried vide questo spostamento dell’esperienza dello spettatore da un impegno estetico interiore, a un evento al di fuori dell’opera d’arte come un fallimento dell’arte minimale. Il saggio di Fried è stato immediatamente contestato dall’artista postminimalista e terrestre Robert Smithson in una lettera al direttore nel numero di ottobre di Artforum. Smithson affermò quanto segue: “Ciò che Fried teme di più è la consapevolezza di ciò che sta facendo, vale a dire essere lui stesso teatrale”.

Oltre al già citato Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman e Donald Judd altri artisti minimali includono: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Charles Hinman, Ronald Bladen, Paul Mogensen, Ronald Davis, David Novros, Brice Marden, Blinky Palermo, Agnes Martin, Jo Baer, ​​John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson e Anne Truitt.

Ad Reinhardt, in realtà un artista della generazione di espressionisti astratti, ma uno i cui dipinti riduttivi quasi completamente neri sembravano anticipare il minimalismo, aveva da dire sul valore di un approccio riduttivo all’arte:

Più cose ci sono dentro, più è impegnata l’opera d’arte, peggio è. Più è di meno. Meno è meglio. L’occhio è una minaccia per chiarire la vista. La posa nuda di se stessi è oscena. L’arte inizia con la liberazione della natura.

L’osservazione di Reinhardt si rivolge direttamente e contraddice il modo in cui Hans Hofmann considera la natura come la fonte dei suoi dipinti espressionisti astratti. In un famoso scambio tra Hofmann e Jackson Pollock raccontato da Lee Krasner in un’intervista con Dorothy Strickler (1964-11-02) per la Smithsonian Institution Archives of American Art. Nelle parole di Krasner:

Quando ho portato Hofmann ad incontrare Pollock e vedere il suo lavoro che era prima che ci trasferissimo qui, la reazione di Hofmann era … una delle domande che aveva chiesto a Jackson era: “Lavori dalla natura?” Non c’erano nature morte intorno o modelli in giro e la risposta di Jackson era: “Io sono natura”. E la risposta di Hofmann fu: “Ah, ma se lavori a memoria, ti ripeterai”. A cui Jackson non ha risposto affatto. L’incontro tra Pollock e Hofmann ebbe luogo nel 1942.

Design e architettura minimalista
Il termine minimalismo è anche usato per descrivere una tendenza nel design e nell’architettura, in cui il soggetto è ridotto ai suoi elementi necessari. I designer di architettura minimalista si concentrano sulla connessione tra due piani perfetti, un’illuminazione elegante e gli spazi vuoti lasciati dalla rimozione di forme tridimensionali in un progetto architettonico [secondo chi?]

Il design minimalista è stato fortemente influenzato dal design e dall’architettura tradizionali giapponesi. Le opere degli artisti De Stijl sono un riferimento importante: De Stijl ha ampliato le idee espressive organizzando meticolosamente elementi di base come linee e piani. Per quanto riguarda il design per la casa, i design “minimalisti” più attraenti non sono veramente minimalisti perché sono più grandi e utilizzano materiali e finiture più costosi.

Ci sono osservatori che descrivono l’emergere del minimalismo come risposta alla sfacciataggine e al caos della vita urbana. In Giappone, ad esempio, l’architettura minimalista ha cominciato a prendere piede negli anni ’80, quando le sue città hanno conosciuto una rapida espansione e una popolazione in forte espansione. Il design era considerato un antidoto alla “presenza prepotente di traffico, pubblicità, scale costruite in modo confuso e imponenti strade”. L’ambiente caotico non era guidato solo dall’urbanizzazione, dall’industrializzazione e dalla tecnologia, ma anche dall’esperienza giapponese di dover continuamente demolire le strutture a causa della distruzione causata dalla seconda guerra mondiale e dai terremoti, comprese le calamità che comporta come il fuoco. Si dovrebbe notare che la filosofia del design minimalista non è arrivata in Giappone attraverso un altro paese. Era già parte della cultura giapponese radicata nella filosofia Zen. Ci sono quelli che attribuiscono specificatamente il movimento del design alla spiritualità e alla visione della natura del Giappone.

L’architetto Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) ha adottato il motto “Less is more” per descrivere la sua estetica. La sua tattica consisteva nel sistemare le componenti necessarie di un edificio per creare un’impressione di estrema semplicità: egli si avvaleva di ogni elemento e dettaglio per servire a molteplici scopi visivi e funzionali; per esempio, progettare un pavimento per servire anche come il radiatore, o un enorme camino per ospitare anche il bagno. Il designer Buckminster Fuller (1895-1983) ha adottato l’obiettivo dell’ingegnere di “Fare di più con meno”, ma le sue preoccupazioni erano orientate verso la tecnologia e l’ingegneria piuttosto che l’estetica.

Luis Barragán è un esemplare designer moderno e minimalista [secondo chi?] Altri architetti contemporanei minimalisti includono Kazuyo Sejima, John Pawson, Eduardo Souto de Moura, Álvaro Siza Vieira, Tadao Ando, ​​Alberto Campo Baeza, Yoshio Taniguchi, Peter Zumthor, Hugh Newell Jacobsen, Vincent Van Duysen, Claudio Silvestrin, Michael Gabellini e Richard Gluckman. [Necessaria pagina] [verifica necessaria]

Architettura e spazio minimalista
L’architettura minimalista divenne popolare alla fine degli anni ’80 a Londra e New York, dove architetti e stilisti lavoravano insieme nelle boutique per raggiungere la semplicità, usando elementi bianchi, illuminazione fredda, ampio spazio con oggetti e mobili minimi.

Concetti ed elementi di design
Il concetto di architettura minimalista è quello di spogliare tutto fino alla sua qualità essenziale e raggiungere la semplicità. L’idea non è completamente priva di ornamenti, ma tutte le parti, i dettagli e la falegnameria sono considerati ridotti a uno stadio in cui nessuno può rimuovere nulla per migliorare il design.

Le considerazioni sulle “essenze” sono luce, forma, dettaglio di materiale, spazio, luogo e condizione umana. Gli architetti minimalisti non considerano solo le qualità fisiche dell’edificio. Considerano la dimensione spirituale e l’invisibile, ascoltando la figura e prestando attenzione ai dettagli, alle persone, allo spazio, alla natura e ai materiali., Credendo che questo rivela la qualità astratta di qualcosa che è invisibile e aiuta la ricerca dell’essenza di quelli qualità invisibili, come la luce naturale, il cielo, la terra e l’aria. Inoltre, “aprono un dialogo” con l’ambiente circostante per decidere i materiali più essenziali per la costruzione e creare relazioni tra edifici e siti.

Nell’architettura minimalista, gli elementi di design cercano di trasmettere il messaggio della semplicità. Le forme geometriche di base, gli elementi senza decorazione, i materiali semplici e le ripetizioni delle strutture rappresentano il senso dell’ordine e la qualità essenziale. Il movimento della luce naturale negli edifici rivela spazi semplici e puliti. Alla fine del XIX secolo, quando il movimento delle arti e dei mestieri divenne popolare in Gran Bretagna, la gente apprezzava l’atteggiamento della “verità sui materiali” rispetto alle caratteristiche profonde e innate dei materiali. Gli architetti minimalisti umilmente “ascoltano la figura”, ricercando l’essenza e la semplicità riscoprendo le preziose qualità in materiali semplici e comuni.

Influenze dalla tradizione giapponese
L’idea di semplicità appare in molte culture, specialmente nella cultura tradizionale giapponese della filosofia Zen. I giapponesi manipolano la cultura Zen in elementi estetici e di design per i loro edifici. Questa idea di architettura ha influenzato la società occidentale, specialmente in America dalla metà del XVIII secolo. Inoltre, ha ispirato l’architettura minimalista nel 19 ° secolo.

I concetti zen di semplicità trasmettono le idee di libertà ed essenza dell’abitare. La semplicità non è solo valore estetico, ha una percezione morale che guarda alla natura della verità e rivela le qualità interiori e l’essenza dei materiali e degli oggetti. Ad esempio, il giardino di sabbia nel tempio di Ryoanji dimostra i concetti di semplicità e l’essenzialità dall’ambientazione considerata di alcune pietre e un enorme spazio vuoto.

Il principio estetico giapponese di Ma si riferisce allo spazio vuoto o aperto. Rimuove tutte le pareti interne non necessarie e apre lo spazio. Il vuoto della disposizione spaziale riduce tutto alla qualità più essenziale.

L’estetica giapponese di Wabi-sabi valorizza la qualità di oggetti semplici e semplici. Apprezza l’assenza di caratteristiche non necessarie, fa tesoro di una vita tranquilla e mira a rivelare il carattere innato dei materiali. Ad esempio, l’arte floreale giapponese, nota anche come Ikebana, ha il principio centrale di lasciare che il fiore si esprima. Le persone tagliano rami, foglie e fiori dalle piante e conservano solo la parte essenziale della pianta. Ciò trasmette l’idea di qualità essenziale e carattere innato in natura.

Tuttavia, lungi dall’essere solo un concetto spaziale, Ma è sempre presente in tutti gli aspetti della vita quotidiana giapponese, in quanto si applica sia al tempo che alle attività quotidiane.

Architetti minimalisti e le loro opere
L’architetto minimalista giapponese Tadao Ando trasmette lo spirito tradizionale giapponese e la sua percezione della natura nelle sue opere. I suoi concetti di design sono materiali, geometria pura e natura. Normalmente usa il legno naturale o il calcestruzzo e la forma strutturale di base per ottenere austerità e raggi di luce nello spazio. Stabilisce anche un dialogo tra il sito e la natura per creare relazioni e ordini con gli edifici. Le opere di Ando e la traduzione dei principi estetici giapponesi sono molto influenti sull’architettura giapponese.

Un altro architetto minimalista giapponese, Kazuyo Sejima, lavora da solo e in collaborazione con Ryue Nishizawa, come SANAA, producendo edifici iconici giapponesi minimalisti. Accreditato con la creazione e l’influenza di un particolare genere di minimalismo giapponese, i disegni delicati e intelligenti di Sejimas possono utilizzare il colore bianco, sezioni di costruzione sottili e elementi trasparenti per creare il tipo di edificio fenomenale spesso associato al minimalismo. I lavori includono New Museum (2010), New York City, Small House (2000), Tokyo, House circondata da Plum Trees (2003), Tokyo.

Nel padiglione della conferenza di Vitra, Weil am Rhein, 1993, i concetti devono riunire le relazioni tra edificio, movimento umano, sito e natura. Quale principale punto dell’ideologia del minimalismo che stabilisce il dialogo tra l’edificio e il sito. L’edificio utilizza le forme semplici di cerchio e rettangolo per contrapporre lo spazio pieno e vuoto dell’interno e della natura. Nel foyer, c’è una grande finestra panoramica che guarda verso l’esterno. Questo raggiunge il semplice e il silenzio dell’architettura e migliora la luce, il vento, il tempo e la natura nello spazio.

John Pawson è un architetto minimalista britannico; i suoi concetti di design sono anima, luce e ordine. Egli crede che, pur riducendo il disordine e la semplificazione dell’interno fino a un punto che va oltre l’idea della qualità essenziale, c’è un senso di chiarezza e ricchezza di semplicità invece che di vuoto. I materiali nel suo design rivelano la percezione verso lo spazio, la superficie e il volume. Inoltre, gli piace usare materiali naturali per la loro vitalità, senso di profondità e qualità di un individuo. È anche attratto dalle importanti influenze della filosofia Zen giapponese.

Calvin Klein Madison Avenue, New York, 1995-96, è una boutique che trasmette le idee di moda di Calvin Klein. I concetti di interior design di John Pawson per questo progetto consistono nel creare arrangiamenti spaziali semplici, pacifici e ordinati. Ha usato pavimenti in pietra e pareti bianche per ottenere semplicità e armonia per lo spazio. Sottolinea anche la riduzione ed elimina le distorsioni visive, come l’aria condizionata e le lampade, per ottenere un senso di purezza per gli interni.

Alberto Campo Baeza è un architetto spagnolo e descrive il suo lavoro come un’architettura essenziale. Valorizza i concetti di luce, idea e spazio. La luce è essenziale e realizza il rapporto tra gli abitanti e l’edificio. Le idee devono soddisfare la funzione e il contesto di spazio, forme e costruzione. Lo spazio è modellato dalle forme geometriche minimali per evitare la decorazione che non è essenziale.

Gasper House, Zahora, 1992 è una residenza che il cliente voleva essere indipendente. Le alte pareti creano lo spazio chiuso ei pavimenti in pietra utilizzati in casa e cortile mostrano la continuità degli interni e degli esterni. Il colore bianco delle pareti rivela la semplicità e l’unità dell’edificio. La caratteristica della struttura rende le linee per formare la casa continuamente orizzontale, quindi la luce naturale proietta orizzontalmente attraverso l’edificio.

Minimalismo letterario
Il minimalismo letterario è caratterizzato da un’economia con parole e un’attenzione particolare alla descrizione della superficie. Gli scrittori minimalisti rifuggono dagli avverbi e preferiscono consentire al contesto di dettare un significato. Ci si aspetta che i lettori assumano un ruolo attivo nel creare la storia, “scegliere i lati” sulla base di suggerimenti e insinuazioni oblique, piuttosto che reagire alle indicazioni dello scrittore.

Alcuni romanzi polizieschi degli anni ’40 di scrittori come James M. Cain e Jim Thompson adottarono uno stile prostrato essenziale e pragmatico con un effetto considerevole; alcuni classificano questo stile di prosa come il minimalismo. [le donnole]

Un altro filone di minimalismo letterario nacque in risposta alla tendenza alla metafiction degli anni ’60 e dei primi anni ’70 (John Barth, Robert Coover e William H. Gass). Questi scrittori erano anche sprovvisti di prosa e mantenevano una distanza psicologica dai loro argomenti.

Scrittori minimalisti, o coloro che sono identificati con il minimalismo durante alcuni periodi della loro carriera di scrittore, includono: Raymond Carver, Ann Beattie, Bret Easton Ellis, Charles Bukowski, Ernest Hemingway, KJ Stevens, Amy Hempel, Bobbie Ann Mason, Tobias Wolff , Grace Paley, Sandra Cisneros, Mary Robison, Frederick Barthelme, Richard Ford, Patrick Holland, Cormac McCarthy e Alicia Erian.

Talvolta i poeti americani come Stephen Crane, William Carlos Williams, Ezra Pound, Robert Creeley, Robert Grenier e Aram Saroyan vengono identificati con il loro stile minimalista. Il termine “minimalismo” è anche talvolta associato al più breve dei generi poetici, haiku, che ha avuto origine in Giappone, ma è stato addomesticato nella letteratura inglese da poeti come Nick Virgilio, Raymond Roseliep e George Swede.

Lo scrittore irlandese Samuel Beckett è ben noto per le sue opere e prosa minimaliste, come lo scrittore norvegese Jon Fosse.

Nel suo romanzo La catena facile, Evan Dara include una sezione di 60 pagine scritta nello stile del minimalismo musicale, in particolare ispirata al compositore Steve Reich. Intendendo rappresentare lo stato psicologico (agitazione) del personaggio principale del romanzo, le successive righe di testo della sezione sono costruite su frasi ripetitive e in via di sviluppo.

Musica minimale
Il termine “musica minimale” è stato derivato intorno al 1970 da Michael Nyman dal concetto di minimalismo, che prima era applicato alle arti visive. Più precisamente, è stato in una recensione del 1968 in The Spectator che Nyman ha usato per la prima volta il termine, per descrivere una composizione pianistica di dieci minuti del compositore danese Henning Christiansen, insieme a molti altri pezzi senza nome interpretati da Charlotte Moorman e Nam June Paik al Institute of Contemporary Arts di Londra.