Minimalismus

In den visuellen Künsten, der Musik und anderen Medien ist der Minimalismus eine Kunstbewegung, die in der westlichen Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg begann, am stärksten mit den amerikanischen visuellen Künsten in den 1960er und frühen 1970er Jahren. Prominente Künstler mit Minimalismus verbunden sind Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Anne Truitt und Frank Stella. Es stammt aus den reduktiven Aspekten der Moderne und wird oft als Reaktion auf den abstrakten Expressionismus und eine Brücke zu postminimalen Kunstpraktiken interpretiert.

Begriff im 20. Jahrhundert, insbesondere aus den 1960er Jahren, um einen Stil zu beschreiben, der durch eine unpersönliche Strenge, einfache geometrische Konfigurationen und industriell verarbeitete Materialien gekennzeichnet ist. Es wurde erstmals von David Burlyuk in der Katalogeinführung für eine Ausstellung von John Grahams Gemälden in der Dudensing Gallery in New York 1929 verwendet. Burlyuk schrieb: “Minimalismus hat seinen Namen von dem Minimum an Betriebsmitteln. Minimalistische Malerei ist rein realistisch das Gemälde selbst ‘. Der Begriff gewann in den 1960er Jahren an Bedeutung. Die Beschreibungen und Erklärungen des Minimalismus unterschieden sich erheblich, ebenso wie die Bandbreite der Arbeit, auf die sie sich bezog. Darunter waren die monochromen Gemälde von Yves Klein, Robert Rauschenberg, Ad Reinhardt, Frank Stell und Brice Marden und sogar Aspekte der Pop Art und Post-Painterly. Abstraktion Typischerweise waren die angeführten Präzedenzfälle Marcel Duchamps Ready-mades, die suprematistischen Kompositionen von Kasimir Malewitsch und Barnett Newmans Abstrakten Expressionisten. Die rationalen Gitterbilder von Agnes Martin wurden auch im Zusammenhang mit solchen minimalistischen Künstlern wie Sol Lewitt erwähnt.

Minimalismus in der Musik kennzeichnet oft Wiederholungen und Wiederholungen, wie jene der Kompositionen von La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, Julius Eastman und John Adams. Der Begriff “minimalistisch” bezieht sich umgangssprachlich oft auf alles, was im Wesentlichen entbehrlich ist. Es wurde dementsprechend verwendet, um die Spiele und Romane von Samuel Beckett, die Filme von Robert Bresson, die Geschichten von Raymond Carver und die Automobilentwürfe von Colin Chapman zu beschreiben.

Minimal Art, Minimalismus in der bildenden Kunst
Minimalismus in der visuellen Kunst, die allgemein als “Minimal Art”, “Literalist Art” und “ABC Art” bezeichnet wird, entstand Anfang der 1960er Jahre in New York, als neue und ältere Künstler sich der geometrischen Abstraktion näherten. Erforscht durch Malerei in den Fällen von Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman und anderen; und Skulpturen in den Werken verschiedener Künstler wie David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd und anderen. Judds Skulptur wurde 1964 in der Green Gallery in Manhattan gezeigt, ebenso Flavins erste fluoreszierende Lichtarbeiten, während andere führende Manhattan-Galerien wie die Leo Castelli Gallery und die Pace Gallery begannen, Künstler zu präsentieren, die sich auf geometrische Abstraktion konzentrierten. Darüber hinaus gab es zwei wegweisende und einflussreiche Museumsausstellungen: Primary Structures: Young American und British Sculpture vom 27. April bis zum 12. Juni 1966 im Jüdischen Museum in New York, organisiert von der Kuratorin für Malerei und Skulptur, Kynaston McShine und Systemic Malerei, im Solomon R. Guggenheim Museum, das 1966 von Lawrence Alloway kuratiert wurde und die geometrische Abstraktion in der amerikanischen Kunstwelt über Shaped Canvas, Color Field und Hard-Edge-Malerei präsentierte. Im Zuge dieser Ausstellungen und einiger anderer entstand die Kunstbewegung Minimal Art.

In einem breiteren und allgemeineren Sinne findet man europäische Wurzeln des Minimalismus in den geometrischen Abstraktionen der mit dem Bauhaus verbundenen Maler, in den Arbeiten von Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian und anderen mit der De Stijl-Bewegung verbundenen Künstlern und der russischen konstruktivistischen Bewegung, und in der Arbeit des rumänischen Bildhauers Constantin Brâncuşi.

In Frankreich konzipierte Yves Klein zwischen 1947 und 1948 seine Monotone Symphony (1949, formal Die Monotone-Silence Symphony), die aus einem einzigen 20-minütigen Akkord bestand, gefolgt von einer 20-minütigen Stille – ein Präzedenzfall für die Drohnenmusik von La Monte Young und John Cages 4’33 “. Klein hatte schon 1949 Monochromes gemalt und 1950 die erste private Ausstellung dieses Werkes durchgeführt. Seine erste öffentliche Ausstellung war jedoch die Veröffentlichung des Künstlerbuchs Yves: Peintures im November 1954.

Minimalistische Kunst wird auch durch die Malereien von Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers und die Arbeiten von so unterschiedlichen Künstlern wie Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi und anderen inspiriert. Der Minimalismus war auch eine Reaktion auf die malerische Subjektivität des Abstrakten Expressionismus, die in den 1940er und 1950er Jahren an der New Yorker Schule dominierte.

Der Künstler und Kritiker Thomas Lawson bemerkte in seinem 1981 erschienenen Artforum-Aufsatz “Last Exit: Painting”, dass der Minimalismus Clement Greenbergs Behauptungen über die Reduktion der Malerei auf Oberflächen und Materialien nicht ablehnt und seine Behauptungen wörtlich nimmt. Laut Lawson war Minimalismus das Ergebnis, obwohl der Begriff “Minimalismus” von den damit verbundenen Künstlern nicht allgemein akzeptiert wurde, und viele Kunstschaffende, die von Kritikern als minimalistisch bezeichnet wurden, identifizierten ihn nicht als eine Bewegung als solche. Auch Clement Greenberg selbst nahm eine Ausnahme von dieser Behauptung ein; in seinem Nachtrag zu seinem Essay Modernist Painting 1978 verleugnete er diese Interpretation dessen, was er sagte:

Es gab einige weitere Konstruktionen dessen, was ich geschrieben habe, die ins Absurde übergehen: Ich betrachte Flachheit und das Einschließen von Flachheit nicht nur als die einschränkenden Bedingungen der Bildkunst, sondern als Kriterien ästhetischer Qualität in der Bildkunst; Je weiter eine Arbeit die Selbstdefinition einer Kunst vorantreibt, desto besser ist die Arbeit. Der Philosoph oder Kunsthistoriker, der mich oder irgendjemanden auf diese Weise zu ästhetischen Urteilen erwecken kann, liest erschreckend mehr in sich selbst als in meinen Artikel.

Im Gegensatz zu den subjektiveren Abstrakten Expressionisten des vorhergehenden Jahrzehnts, mit Ausnahme von Barnett Newman und Ad Reinhardt; Minimalisten wurden auch von den Komponisten John Cage und LaMonte Young, dem Dichter William Carlos Williams und dem Landschaftsarchitekten Frederick Law Olmsted beeinflusst. Sie erklärten sehr explizit, dass es in ihrer Kunst nicht um Selbstdarstellung ging, und im Gegensatz zu der eher subjektiven Philosophie des vergangenen Jahrzehnts über Kunst, ihre Kunst zu “objektivieren”. Im Allgemeinen umfassten die Merkmale des Minimalismus geometrische, oft kubische Formen, die von viel Metapher, Gleichheit von Teilen, Wiederholung, neutralen Oberflächen und industriellen Materialien gereinigt wurden.

Robert Morris, ein Theoretiker und Künstler, schrieb einen dreiteiligen Essay, “Notes on Sculpture 1-3”, der ursprünglich in drei Ausgaben von Artforum im Jahr 1966 veröffentlicht wurde. In diesen Aufsätzen versuchte Morris, einen konzeptionellen Rahmen und formale Elemente für sich selbst und eine, die die Praktiken seiner Zeitgenossen umfassen würde. Diese Aufsätze haben der Idee der Gestalt große Aufmerksamkeit geschenkt – “Teile …, die so miteinander verbunden sind, dass sie der Wahrnehmungstrennung einen maximalen Widerstand entgegensetzen.” Morris beschrieb später eine Kunst, die durch eine “markante laterale Ausbreitung und keine regularisierten Einheiten oder symmetrischen Intervalle …” in “Anmerkungen zu Skulptur 4: Über Objekte”, ursprünglich veröffentlicht in Artforum, 1969, weiterhin mit der Aussage “Unbestimmtheit der Anordnung von Teilen ist ein wörtlicher Aspekt der physischen Existenz der Sache. ” Die allgemeine Verschiebung der Theorie, von der dieser Aufsatz ein Ausdruck ist, deutet auf den Übergang zu dem, was später als Postminimalismus bezeichnet wurde.

Einer der ersten Künstler, die spezifisch mit Minimalismus in Verbindung gebracht wurden, war der Maler Frank Stella, von dem vier frühe “schwarze Gemälde” in die Ausstellung von 1959 aufgenommen wurden, 16 Amerikaner, organisiert von Dorothy Miller im Museum of Modern Art in New York. Die Breite der Streifen in Frank Stellas ‘schwarzen Gemälden wurde oft von den Abmessungen des Bauholzes bestimmt, das er für die Tragbahre benutzte, um die Leinwand zu stützen, sichtbar von der Seite aus gesehen auf der Leinwand als die Tiefe des Gemäldes. Stellas Entscheidungen über Strukturen auf der Vorderseite der Leinwand waren daher nicht ausschließlich subjektiv, sondern durch ein “gegebenes” Merkmal der physischen Konstruktion des Trägers bedingt. Im Katalog der Ausstellung merkt Carl Andre an: “Kunst schließt das Unnötige aus. Frank Stella hat es für nötig befunden, Streifen zu streichen. Es gibt nichts anderes in seinem Gemälde.” Diese reduktiven Arbeiten standen in scharfem Gegensatz zu den energiegeladenen und scheinbar höchst subjektiven und emotional aufgeladenen Gemälden Willem de Koonings oder Franz Kline und orientierten sich im Präzedenzfall der vorangegangenen Generation abstrakter Expressionisten eher an den weniger gestischen, oft düsteren , Farbfeldmalereien von Barnett Newman und Mark Rothko. Stella erhielt sofort Aufmerksamkeit von der MoMA-Show, aber andere Künstler – darunter Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell und Robert Ryman – hatten auch begonnen, Stripes, monochromatische und Hard-Edge-Formate von den späten 50er bis zu den 1960er Jahren zu erforschen.

Aufgrund einer Tendenz in der Minimal Art, das Bildhafte, Illusionshafte und Fiktive zugunsten des Literalen auszuschließen, gab es eine Bewegung weg von malerischen und skulpturalen Anliegen. Donald Judd hatte als Maler angefangen und endete als Schöpfer von Objekten. Sein bahnbrechender Essay “Specific Objects” (veröffentlicht im Arts Yearbook 8, 1965) war ein Prüfstein für die Theorie der minimalistischen Ästhetik. In diesem Essay fand Judd einen Ausgangspunkt für ein neues Territorium der amerikanischen Kunst und eine gleichzeitige Ablehnung der verbliebenen ererbten europäischen künstlerischen Werte. Er wies auf Beweise dieser Entwicklung in den Arbeiten einer Reihe von Künstlern in New York zu der Zeit, einschließlich Jasper Johns, Dan Flavin und Lee Bontecou. Von vorläufiger Bedeutung für Judd war das Werk von George Earl Ortman, der die Formen des Gemäldes zu stumpfen, zähen und philosophisch aufgeladenen Geometrien konkretisiert und destilliert hatte. Diese spezifischen Objekte bewohnten einen Raum, der nicht einfach als Malerei oder Skulptur klassifiziert werden konnte. Dass die kategorische Identität solcher Objekte selbst in Frage gestellt wurde und dass sie eine leichte Verbindung mit abgenutzten und übervertrauten Konventionen vermieden, war ein Teil ihres Wertes für Judd.

Diese Bewegung wurde von modernistischen formalistischen Kunstkritikern und Historikern heftig kritisiert. Einige Kritiker waren der Meinung, dass Minimal Art ein Missverständnis der modernen Dialektik von Malerei und Bildhauerei darstelle, wie sie vom Kritiker Clement Greenberg definiert wurde, dem wohl vorherrschenden amerikanischen Kunstkritiker der Malerei in den 60er Jahren. Die bemerkenswerteste Kritik am Minimalismus wurde von Michael Fried, einem formalistischen Kritiker, produziert, der sich aufgrund seiner “Theatralität” gegen die Arbeit wandte. In Art and Objecthood (veröffentlicht im Artforum im Juni 1967) erklärte er, dass das minimale Kunstwerk, insbesondere die minimale Skulptur, auf einer Auseinandersetzung mit der Körperlichkeit des Betrachters beruhte. Er argumentierte, dass Arbeiten wie Robert Morris den Akt des Sehens zu einer Art von Spektakel machten, in dem die Künstlichkeit der Aktbeobachtung und die Beteiligung des Betrachters an der Arbeit enthüllt wurde. Fried sah diese Verschiebung der Erfahrung des Betrachters von einer ästhetischen Auseinandersetzung mit sich selbst zu einem Ereignis außerhalb des Kunstwerks als ein Versagen der Minimal Art. Fried’s Essay wurde sofort von dem Postminimalisten und Erdkünstler Robert Smithson in einem Leserbrief in der Oktober-Ausgabe des Artforum in Frage gestellt. Smithson sagte folgendes: “Was Fried am meisten fürchtet, ist das Bewusstsein dessen, was er tut – nämlich selbst theatralisch zu sein.”

Neben den bereits erwähnten Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman und Donald Judd gehören zu den weiteren Minimal-Künstlern: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Charles Hinman, Ronald Bladen, Paul Mogensen, Ronald Davis, David Novros, Brice Marden, Blinky Palermo, Agnes Martin, Jo Bär, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson und Anne Truitt.

Ad Reinhardt, eigentlich ein Künstler der Generation des Abstrakten Expressionismus, aber einer, dessen reduktive fast ganz schwarze Malerei dem Minimalismus vorwegzunehmen schien, hatte zu dem Wert einer reduktiven Herangehensweise an die Kunst zu sagen:

Je mehr Zeug drin ist, je beschäftigt das Kunstwerk, desto schlimmer ist es. Mehr ist weniger. Weniger ist mehr. Das Auge ist eine Bedrohung für die Sicht. Das Entblößen ist obszön. Die Kunst beginnt mit der Beseitigung der Natur.

Reinhardts Bemerkung spricht und widerspricht Hans Hofmanns Respekt für die Natur als Quelle seiner eigenen abstrakten expressionistischen Malerei. In einem berühmten Austausch zwischen Hofmann und Jackson Pollock, erzählt von Lee Krasner in einem Interview mit Dorothy Strickler (1964-11-02) für das Smithsonian Institution Archives of American Art. In Krasners Worten:

Als ich Hofmann nach Pollock holte, um seine Arbeit zu sehen, bevor wir hierhergezogen waren, war Hofmanns Reaktion – eine der Fragen, die er Jackson stellte, war: “Arbeitest du aus der Natur?” Es gab keine Stillleben oder Modelle herum und Jacksons Antwort lautete: “Ich bin Natur.” Und Hofmanns Antwort war: “Ah, aber wenn du auswendig arbeitest, wirst du dich wiederholen.” Darauf antwortete Jackson überhaupt nicht. Das Treffen zwischen Pollock und Hofmann fand 1942 statt.

Minimalistisches Design und Architektur
Der Begriff Minimalismus wird auch verwendet, um einen Trend in Design und Architektur zu beschreiben, wobei das Subjekt auf seine notwendigen Elemente reduziert wird. Minimalistische Architekturdesigner konzentrieren sich auf die Verbindung zwischen zwei perfekten Ebenen, eleganter Beleuchtung und den Leerräumen, die durch die Entfernung von dreidimensionalen Formen in einem architektonischen Entwurf entstehen. [Nach wem?]

Minimalistisches Design wurde stark vom traditionellen japanischen Design und der Architektur beeinflusst. Die Werke der Künstler von De Stijl sind eine wichtige Referenz: De Stijl erweiterte die Ausdrucksideen, indem er Grundelemente wie Linien und Flächen akribisch organisierte. In Bezug auf Wohndesign sind attraktivere “minimalistische” Designs nicht wirklich minimalistisch, weil sie größer sind und teurere Baumaterialien und Oberflächen verwenden.

Es gibt Beobachter, die die Entstehung des Minimalismus als Antwort auf die Unverschämtheit und das Chaos des städtischen Lebens beschreiben. In Japan zum Beispiel begann die minimalistische Architektur in den 1980er Jahren, als die Städte eine rasante Expansion und eine boomende Bevölkerung erlebten. Das Design wurde als Gegenmittel gegen die “überwältigende Präsenz von Verkehr, Werbung, durcheinandergeworfenen Bauwaagen und imposanten Straßen” betrachtet. Die chaotische Umgebung wurde nicht nur durch Urbanisierung, Industrialisierung und Technologie vorangetrieben, sondern auch durch die japanische Erfahrung, dass sie aufgrund der Zerstörung durch den Zweiten Weltkrieg und der Erdbeben, einschließlich der damit verbundenen Katastrophen wie Feuer, ständig Strukturen abreißen mussten. Man sollte beachten, dass die minimalistische Designphilosophie nicht über ein anderes Land in Japan angekommen ist. Es war bereits Teil der japanischen Kultur, die auf der Zen-Philosophie beruhte. Es gibt diejenigen, die die Designbewegung ausdrücklich der japanischen Spiritualität und der Sicht der Natur zuschreiben.

Der Architekt Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) hat sich unter dem Motto “Weniger ist mehr” mit seiner Ästhetik beschäftigt. Seine Taktik bestand darin, die notwendigen Bestandteile eines Gebäudes zu arrangieren, um einen Eindruck extremer Einfachheit zu erzeugen – er verwendete jedes Element und jedes Detail, um mehreren visuellen und funktionalen Zwecken zu dienen; zum Beispiel, einen Fußboden zu entwerfen, um auch als der Heizkörper zu dienen, oder ein massiver Kamin, um auch das Badezimmer zu beherbergen. Designer Buckminster Fuller (1895-1983) übernahm das Ziel des Ingenieurs: “Mehr mit weniger machen”, aber seine Bedenken waren eher auf Technologie und Technik als auf Ästhetik gerichtet.

Luis Barragán ist ein vorbildlicher moderner minimalistischer Designer. [Nach wem?] Andere zeitgenössische Minimalistarchitekten schließen Kazuyo Sejima, John Pawson, Eduardo Souto de Moura, Álvaro Siza Vieira, Tadao Ando, ​​Alberto Campo Baeza, Yoshio Taniguchi, Peter Zumthor, Hugh Newell mit ein Jacobsen, Vincent Van Duysen, Claudio Silvestrin, Michael Gabellini und Richard Gluckman [Seite benötigt] [Verifizierung erforderlich]

Minimalistische Architektur und Raum
Minimalistische Architektur wurde in den späten 1980er Jahren in London und New York populär, wo Architekten und Modeschöpfer in den Boutiquen zusammenarbeiteten, um Einfachheit zu erreichen, indem sie weiße Elemente, kalte Beleuchtung, großen Raum mit minimalen Objekten und Möbeln verwendeten.

Konzepte und Designelemente
Das Konzept der minimalistischen Architektur ist es, alles auf seine essenzielle Qualität zu reduzieren und Einfachheit zu erreichen. Die Idee ist nicht ganz ohne Verzierungen, aber alle Teile, Details und Tischlereien werden als auf ein Stadium reduziert betrachtet, in dem niemand mehr etwas entfernen kann, um das Design zu verbessern.

Die Überlegungen für “Essenzen” sind Licht, Form, Detail des Materials, Raum, Ort und menschlicher Zustand. Minimalistische Architekten berücksichtigen nicht nur die physischen Qualitäten des Gebäudes. Sie betrachten die spirituelle Dimension und das Unsichtbare, indem sie auf die Figur hören und auf Details, Menschen, Raum, Natur und Materialien achten. Dies zeigt die abstrakte Qualität von etwas, das unsichtbar ist, und unterstützt die Suche nach dem Wesen dieser Dinge unsichtbare Eigenschaften – wie natürliches Licht, Himmel, Erde und Luft. Darüber hinaus “öffnen sie einen Dialog” mit der Umgebung, um die wichtigsten Materialien für den Bau zu bestimmen und Beziehungen zwischen Gebäuden und Standorten zu schaffen.

In der minimalistischen Architektur versuchen Designelemente, die Botschaft der Einfachheit zu vermitteln. Die geometrischen Grundformen, Elemente ohne Dekoration, einfache Materialien und die Wiederholungen von Strukturen repräsentieren Ordnungssinn und essentielle Qualität. Die Bewegung des natürlichen Lichts in Gebäuden offenbart einfache und saubere Räume. Im späten 19. Jahrhundert, als die Kunst- und Handwerksbewegung in Großbritannien populär wurde, schätzten die Menschen die Haltung der “Wahrheit der Materialien” in Bezug auf die tiefgründigen und angeborenen Eigenschaften der Materialien. Minimalistische Architekten hören demütig “auf die Figur zu hören”, suchen Essenz und Einfachheit, indem sie die wertvollen Qualitäten in einfachen und gewöhnlichen Materialien wiederentdecken.

Einflüsse aus der japanischen Tradition
Die Idee der Einfachheit erscheint in vielen Kulturen, besonders in der japanischen traditionellen Kultur der Zen-Philosophie. Japaner manipulieren die Zen-Kultur zu ästhetischen und gestalterischen Elementen ihrer Bauten. Diese Idee der Architektur hat die westliche Gesellschaft vor allem in Amerika seit Mitte des 18. Jahrhunderts beeinflusst. Darüber hinaus inspirierte es die minimalistische Architektur des 19. Jahrhunderts.

Zen-Konzepte der Einfachheit übertragen die Ideen von Freiheit und Essenz des Lebens. Einfachheit ist nicht nur ästhetischer Wert, sie hat eine moralische Wahrnehmung, die in das Wesen der Wahrheit schaut und die inneren Qualitäten und das Wesen von Materialien und Objekten offenbart. Zum Beispiel zeigt der Sandgarten im Ryoanji-Tempel die Konzepte der Einfachheit und der Wesentlichkeit aus der betrachteten Anordnung einiger Steine ​​und eines riesigen leeren Raumes.

Das japanische ästhetische Prinzip von Ma bezieht sich auf leere oder offene Räume. Es entfernt alle unnötigen Innenwände und öffnet den Raum. Die Leere der räumlichen Anordnung reduziert alles auf die wesentlichste Qualität.

Die japanische Ästhetik von Wabi-Sabi schätzt die Qualität von einfachen und einfachen Objekten. Es schätzt die Abwesenheit von unnötigen Eigenschaften, scheut ein Leben in Ruhe und zielt darauf ab, den angeborenen Charakter von Materialien zu offenbaren. Zum Beispiel hat die japanische Blumenkunst, auch bekannt als Ikebana, das zentrale Prinzip, die Blume sich ausdrücken zu lassen. Menschen schneiden Äste, Blätter und Blüten von den Pflanzen ab und behalten nur den wesentlichen Teil der Pflanze. Dies vermittelt die Vorstellung von essentieller Qualität und angeborenem Charakter in der Natur.

Weit davon entfernt, nur ein räumliches Konzept zu sein, ist Ma in allen Aspekten des japanischen Alltags allgegenwärtig, sowohl in Bezug auf die Zeit als auch auf die täglichen Aufgaben.

Minimalistische Architekten und ihre Arbeiten
Der japanische Minimalarchitekt Tadao Ando vermittelt in seinen Werken den japanischen Traditionsgeist und seine eigene Naturwahrnehmung. Seine Gestaltungskonzepte sind Materialien, reine Geometrie und Natur. Er verwendet normalerweise Beton oder natürliches Holz und grundlegende strukturelle Form, um Strenge und Lichtstrahlen im Raum zu erreichen. Er stellt auch einen Dialog zwischen dem Standort und der Natur her, um Beziehung und Ordnung mit den Gebäuden zu schaffen. Andos Werke und die Übersetzung japanischer ästhetischer Prinzipien haben großen Einfluss auf die japanische Architektur.

Eine andere japanische minimalistische Architektin, Kazuyo Sejima, arbeitet alleine und in Zusammenarbeit mit Ryue Nishizawa, als SANAA, und produziert ikonische japanische minimalistische Gebäude. Mit dem Ziel, ein bestimmtes Genre des japanischen Minimalismus zu kreieren und zu beeinflussen, können Sejimas feine, intelligente Designs weiße Farbe, dünne Konstruktionsteile und transparente Elemente verwenden, um den phänomenalen Gebäudetyp zu schaffen, der oft mit Minimalismus assoziiert wird. Werke umfassen New Museum (2010) New York City, Kleines Haus (2000) Tokyo, House umgeben von Pflaumenbäumen (2003) Tokyo.

Im Vitra Konferenzpavillon, Weil am Rhein, 1993, sollen die Zusammenhänge zwischen Bauen, menschlicher Bewegung, Ort und Natur zusammengeführt werden. Was als ein Hauptpunkt der Minimalismus-Ideologie den Dialog zwischen dem Gebäude und dem Ort begründet. Das Gebäude nutzt die einfachen Formen von Kreis und Rechteck, um den gefüllten und leeren Raum des Inneren und der Natur zu kontrastieren. Im Foyer befindet sich ein großes Landschaftsfenster, das nach außen schaut. Dies erreicht die Einfachheit und Stille der Architektur und verbessert das Licht, den Wind, die Zeit und die Natur im Raum.

John Pawson ist ein britischer minimalistischer Architekt; Seine Entwurfskonzepte sind Seele, Licht und Ordnung. Er glaubt, dass, obwohl das Durcheinander und die Vereinfachung des Innenraums auf einen Punkt reduziert werden, der über die Idee der wesentlichen Qualität hinausgeht, ein Gefühl der Klarheit und des Reichtums der Einfachheit statt der Leere ist. Die Materialien in seinem Design zeigen die Wahrnehmung von Raum, Oberfläche und Volumen. Darüber hinaus verwendet er natürliche Materialien aufgrund ihrer Lebendigkeit, ihres Gefühls für Tiefe und Qualität eines Individuums. Er ist auch von den wichtigen Einflüssen der japanischen Zen-Philosophie angezogen.

Calvin Klein Madison Avenue, New York, 1995-96, ist eine Boutique, die Calvin Kleins Ideen der Mode vermittelt. John Pawsons Interior Design-Konzepte für dieses Projekt sind einfache, friedliche und geordnete räumliche Arrangements. Er verwendete Steinböden und weiße Wände, um Einfachheit und Harmonie für den Raum zu erreichen. Er betont auch Reduktion und beseitigt die visuellen Verzerrungen, wie die Klimaanlage und Lampen, um ein Gefühl der Reinheit für den Innenraum zu erreichen.

Alberto Campo Baeza ist ein spanischer Architekt und beschreibt seine Arbeit als essentielle Architektur. Er schätzt die Konzepte von Licht, Idee und Raum. Licht ist wesentlich und schafft die Beziehung zwischen den Bewohnern und dem Gebäude. Ideen sollen die Funktion und den Kontext von Raum, Formen und Konstruktion erfüllen. Der Raum wird durch die minimalen geometrischen Formen geformt, um eine Dekoration zu vermeiden, die nicht essentiell ist.

Gasper House, Zahora, 1992 ist eine Residenz, die der Kunde unabhängig sein wollte. Hohe Wände schaffen den geschlossenen Raum und die Steinböden in Haus und Hof zeigen die Kontinuität von Innen und Außen. Die weiße Farbe der Wände zeigt die Einfachheit und Einheit des Gebäudes. Das Merkmal der Struktur bilden Linien, um das ununterbrochene horizontale Haus zu bilden, also projiziert natürliches Licht horizontal durch das Gebäude.

Literarischer Minimalismus
Literarischer Minimalismus ist geprägt von einer Ökonomie mit Worten und einem Fokus auf Oberflächenbeschreibung. Minimalistische Autoren verzichten auf Adverbien und bevorzugen, dass Kontext Bedeutungen diktiert. Von den Lesern wird erwartet, dass sie eine aktive Rolle bei der Erschaffung der Geschichte spielen, “auf der Grundlage schräger Andeutungen und Anspielungen” die Seiten wählen, anstatt auf Anweisungen des Schreibers zu reagieren.

Einige Kriminalromane der 1940er Jahre von Schriftstellern wie James M. Cain und Jim Thompson nahmen einen abgespeckten, sachlichen Prosa-Stil mit beträchtlicher Wirkung an; einige klassifizieren diesen Prosastil als Minimalismus. [Wieselwörter]

Ein weiterer Strang des literarischen Minimalismus entstand als Reaktion auf den Metafiktions-Trend der 1960er und frühen 1970er Jahre (John Barth, Robert Coover und William H. Gass). Diese Schriftsteller waren auch mit Prosa verschleppt und hielten eine psychologische Distanz zu ihrem Thema.

Minimalistische Schriftsteller, oder diejenigen, die während bestimmter Perioden ihrer Schreibkarrieren mit Minimalismus identifiziert sind, schließen die folgenden ein: Raymond Carver, Ann Beattie, Bret Easton Ellis, Charles Bukowski, Ernest Hemingway, KJ Stevens, Amy Hempel, Bobbie Ann Mason, Tobias Wolff , Grace Paley, Sandra Cisneros, Mary Robinson, Frederick Barthelme, Richard Ford, Patrick Holland, Cormac McCarthy und Alicia Erian.

Amerikanische Dichter wie Stephen Crane, William Carlos Williams, früher Ezra Pound, Robert Creeley, Robert Grenier und Aram Saroyan werden manchmal mit ihrem minimalistischen Stil identifiziert. Der Begriff “Minimalismus” wird manchmal auch mit dem kürzesten poetischen Genre, Haiku, in Verbindung gebracht, das in Japan entstand, aber in der englischen Literatur von Dichtern wie Nick Virgilio, Raymond Roseliep und George Swede domestiziert wurde.

Der irische Schriftsteller Samuel Beckett ist bekannt für seine minimalistischen Stücke und Prosa, ebenso wie der norwegische Schriftsteller Jon Fosse.

Evan Dara enthält in seinem Roman The Easy Chain eine 60-seitige Rubrik im Stil des musikalischen Minimalismus, die insbesondere vom Komponisten Steve Reich inspiriert wurde. In der Absicht, den psychologischen Zustand (Agitiertheit) des Hauptcharakters des Romans darzustellen, sind die aufeinanderfolgenden Textzeilen des Abschnitts auf sich wiederholenden und sich entwickelnden Phrasen aufgebaut.

Minimal Musik
Der Begriff “Minimal Music” wurde um 1970 von Michael Nyman aus dem Konzept des Minimalismus abgeleitet, der früher auf die bildenden Künste angewandt wurde. Genauer gesagt, in einer Rezension von 1968 in The Spectator verwendete Nyman den Begriff, um eine zehnminütige Klavierkomposition des dänischen Komponisten Henning Christiansen zu beschreiben, zusammen mit einigen anderen unbenannten Stücken, die von Charlotte Moorman und Nam June Paik im Institut für zeitgenössische Kunst in London.