Nas artes visuais, música e outros meios, o minimalismo é um movimento de arte que começou na arte ocidental pós-Segunda Guerra Mundial, mais fortemente com as artes visuais americanas nos anos 60 e início dos anos 70. Entre os artistas proeminentes associados ao minimalismo estão Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Anne Truitt e Frank Stella. Deriva dos aspectos reducionistas do modernismo e é freqüentemente interpretado como uma reação contra o expressionismo abstrato e uma ponte para práticas artísticas pós-mínimas.
Termo utilizado no século XX, em particular a partir da década de 1960, para descrever um estilo caracterizado por uma austeridade impessoal, configurações geométricas simples e materiais industrialmente processados. Foi usado pela primeira vez por David Burlyuk na introdução do catálogo para uma exposição das pinturas de John Graham na Dudensing Gallery em Nova York em 1929. Burlyuk escreveu: ‘Minimalismo deriva seu nome do mínimo de meios operacionais. A pintura minimalista é puramente realista – sendo o assunto a pintura em si ‘. O termo ganhou força nos anos 60. As contas e explicações do minimalismo variavam consideravelmente, assim como o alcance do trabalho ao qual estava relacionado. Isso incluiu as pinturas monocromáticas de Yves Klein, Robert Rauschenberg, Ad Reinhardt, Frank Stell e Brice Marden, e até mesmo aspectos da arte pop e pós-pintura. Abstração Tipicamente, os precedentes citados foram os ready-mades de Marcel Duchamp, as composições suprematistas de Kazimir Malevich e as pinturas expressionistas abstratas de Barnett Newman. As pinturas da grade racional de Agnes Martin também foram mencionadas em conexão com artistas minimalistas como Sol Lewitt.
O minimalismo na música freqüentemente apresenta repetição e iteração, como as das composições de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, Júlio Eastman e John Adams. O termo minimalista muitas vezes coloquialmente refere-se a tudo o que é de reposição ou despojado de seus fundamentos. Ele tem sido usado para descrever as peças e romances de Samuel Beckett, os filmes de Robert Bresson, as histórias de Raymond Carver e os desenhos de automóveis de Colin Chapman.
Arte minimalista, minimalismo na arte visual
O minimalismo na arte visual, geralmente referido como “arte mínima”, “arte literalista” e “Arte ABC”, surgiu em Nova York no início dos anos 1960, à medida que novos e antigos artistas se moviam em direção à abstração geométrica; explorando via pintura nos casos de Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman e outros; e escultura nas obras de vários artistas, incluindo David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, LeWitt Sol, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd e outros. A escultura de Judd foi apresentada em 1964 na Green Gallery em Manhattan, assim como a primeira luz fluorescente de Flavin, enquanto outras importantes galerias de Manhattan, como a Leo Castelli Gallery e a Pace Gallery, também começaram a mostrar artistas focados na abstração geométrica. Além disso, houve duas exposições de museus influentes e seminal: Estruturas primárias: Escultura americana e britânica mais jovem exibida de 27 de abril a 12 de junho de 1966 no Museu Judaico de Nova York, organizada pelo curador de pintura e escultura do museu, Kynaston McShine and Systemic Pintura, no Museu Solomon R. Guggenheim, com curadoria de Lawrence Alloway, também em 1966, que mostrava a abstração geométrica no mundo da arte americana através da tela em forma, do campo de cores e da pintura hard-edge. Na sequência dessas exposições e algumas outras, o movimento artístico chamado minimal art surgiu.
Num sentido mais amplo e geral, encontram-se raízes européias do minimalismo nas abstrações geométricas de pintores associados à Bauhaus, nas obras de Kazimir Malevich, Piet Mondrian e outros artistas associados ao movimento De Stijl, e do movimento construtivista russo, e no trabalho do escultor romeno Constantin Brâncuși.
Na França, entre 1947 e 1948, Yves Klein concebeu sua Monotone Symphony (1949, formalmente The Monotone-Silence Symphony) que consistiu em um único acorde sustentado de 20 minutos, seguido de um silêncio de 20 minutos – um precedente para a música de drone de La Monte Young. e John Cage de 4′33 ″. Klein já pintara monocromos em 1949 e realizou a primeira exposição particular deste trabalho em 1950 – mas sua primeira exibição pública foi a publicação do livro do Artista Yves: Peintures, em novembro de 1954.
A arte minimalista também é inspirada em parte pelas pinturas de Barnett Newman, Ad Reinhardt e Josef Albers, e obras de artistas tão diversos como Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi e outros. O minimalismo também foi uma reação contra a subjetividade pictórica do expressionismo abstrato que havia sido dominante na Escola de Nova York durante as décadas de 1940 e 1950.
O artista e crítico Thomas Lawson observou em seu ensaio Artforum de 1981, Last Exit: Painting, o minimalismo não rejeitou as afirmações de Clement Greenberg sobre a redução da pintura modernista à superfície e os materiais, mas sim as suas afirmações literalmente. Segundo Lawson, o minimalismo foi o resultado, embora o termo “minimalismo” não fosse geralmente adotado pelos artistas associados a ele, e muitos praticantes da arte designados como minimalistas pelos críticos não o identificaram como um movimento como tal. Também tomando exceção a essa afirmação estava o próprio Clement Greenberg; em seu pós-escrito de 1978 para seu ensaio Modernist Painting, ele negou essa interpretação do que ele disse, escrevendo:
Tem havido algumas construções adicionais do que escrevi que vão para o absurdo: que considero o nivelamento e a inclinação do nivelamento não apenas como as condições limitantes da arte pictórica, mas como critérios de qualidade estética na arte pictórica; que quanto mais um trabalho avança na autodefinição de uma arte, melhor será o trabalho. O filósofo ou historiador da arte que pode me visualizar – ou qualquer um – chegar a juízos estéticos dessa maneira, lê-se de maneira chocante em si mesmo do que em meu artigo.
Em contraste com os Expressionistas Abstratos mais subjetivos da década anterior, com as exceções de Barnett Newman e Ad Reinhardt; os minimalistas também foram influenciados pelos compositores John Cage e LaMonte Young, pelo poeta William Carlos Williams e pelo arquiteto paisagista Frederick Law Olmsted. Eles afirmaram explicitamente que sua arte não era sobre a autoexpressão e, ao contrário da filosofia mais subjetiva da década anterior, sobre a criação de arte como “objetiva”. Em geral, as características do minimalismo incluíam formas geométricas, muitas vezes cúbicas, expurgadas de muita metáfora, igualdade de partes, repetição, superfícies neutras e materiais industriais.
Robert Morris, um teórico e artista, escreveu um ensaio de três partes, “Notes on Sculpture 1-3”, publicado originalmente em três edições do Artforum em 1966. Nesses ensaios, Morris tentou definir um quadro conceitual e elementos formais para si mesmo e aquele que abraçaria as práticas de seus contemporâneos. Esses ensaios deram grande atenção à idéia da gestalt – “partes … unidas de tal maneira que criam uma resistência máxima à separação perceptiva”. Morris mais tarde descreveu uma arte representada por uma “expansão lateral acentuada e nenhuma unidade regularizada ou intervalo simétrico …” em “Notas sobre a escultura 4: além dos objetos”, publicado originalmente em Artforum, 1969, continuando a dizer que “indeterminação do arranjo de partes é um aspecto literal da existência física da coisa “. A mudança geral na teoria da qual este ensaio é uma expressão sugere a transição para o que mais tarde seria referido como pós-minimalismo.
Um dos primeiros artistas especificamente associados ao minimalismo foi o pintor Frank Stella, quatro dos quais “pinturas negras” antigas foram incluídas no show de 1959, 16 americanos, organizado por Dorothy Miller no Museum of Modern Art em Nova York. A largura das listras nas pinturas negras de Frank Stellas era muitas vezes determinada pelas dimensões da madeira que ele usava nas macas para apoiar a tela, visível contra a tela como a profundidade da pintura quando vista de lado. As decisões de Stella sobre estruturas na superfície frontal da tela não eram, portanto, inteiramente subjetivas, mas pré-condicionadas por uma característica “dada” da construção física do suporte. No catálogo da exposição, Carl Andre observou: “A arte exclui o desnecessário. Frank Stella achou necessário pintar listras. Não há mais nada em sua pintura”. Esses trabalhos redutivos estavam em nítido contraste com as pinturas cheias de energia e aparentemente altamente subjetivas e emocionalmente carregadas de Willem de Kooning ou Franz Kline e, em termos de precedente entre a geração anterior de expressionistas abstratos, inclinavam-se mais para as menos gestuais, muitas vezes sombrias. , pinturas coloridas de Barnett Newman e Mark Rothko. Stella recebeu atenção imediata do show do MoMA, mas outros artistas – incluindo Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell e Robert Ryman – também começaram a explorar os formatos monocromático, hard-edge, do final dos anos 50 até a década de 1960.
Por causa de uma tendência na arte minimal de excluir o pictórico, ilusionista e fictício em favor do literal, houve um movimento longe do pictórico e em direção a preocupações esculturais. Donald Judd começou como pintor e terminou como criador de objetos. Seu ensaio seminal, “Objetos Específicos” (publicado no Arts Yearbook 8, 1965), foi uma pedra de toque da teoria para a formação da estética minimalista. Neste ensaio, Judd encontrou um ponto de partida para um novo território para a arte americana e uma rejeição simultânea de valores artísticos europeus residuais herdados. Ele apontou para a evidência deste desenvolvimento nas obras de uma série de artistas ativos em Nova York na época, incluindo Jasper Johns, Dan Flavin e Lee Bontecou. De importância “preliminar” para Judd estava o trabalho de George Earl Ortman, que havia concretizado e destilado as formas da pintura em geometrias contundentes, duras e filosoficamente carregadas. Esses Objetos Específicos habitaram um espaço não confortavelmente classificável como pintura ou escultura. Que a identidade categórica de tais objetos estava em questão, e que eles evitavam a fácil associação com convenções gastas e excessivamente familiares, era uma parte de seu valor para Judd.
Este movimento foi fortemente criticado pelos críticos e historiadores da arte formalista modernista. Alguns críticos achavam que a arte mínima representava um equívoco da moderna dialética da pintura e da escultura, tal como definida pelo crítico Clement Greenberg, possivelmente o crítico americano dominante da pintura no período que antecedeu a década de 1960. A crítica mais notável do minimalismo foi produzida por Michael Fried, um crítico formalista, que se opôs ao trabalho com base em sua “teatralidade”. Em Art and Objecthood (publicado no Artforum em junho de 1967), ele declarou que a obra de arte mínima, particularmente a escultura mínima, era baseada em um compromisso com a fisicalidade do espectador. Ele argumentou que um trabalho como o de Robert Morris transformou o ato de ver em um tipo de espetáculo, no qual o artifício da observação do ato e a participação do espectador na obra foram revelados. Fried viu esse deslocamento da experiência do espectador de um compromisso estético para dentro de um evento fora da obra de arte como uma falha da arte mínima. O ensaio de Fried foi imediatamente desafiado pelo artista pós-minimalista e terra Robert Smithson em uma carta ao editor na edição de outubro da Artforum. Smithson afirmou o seguinte: “O que Fried mais teme é a consciência do que ele está fazendo – isto é, ser ele mesmo teatral”.
Além dos já mencionados Robert Morris, Frank Stella, Carl André, Robert Ryman e Donald Judd outros artistas minimalistas incluem: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Charles Hinman, Ronald Bladen, Paul Mogensen, Ronald Davis, David Novros, Brice Marden, Blinky Palermo, Agnes Martin, Jo Baer, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson e Anne Truitt.
Ad Reinhardt, na verdade um artista da geração Expressionista Abstrata, mas cuja pintura reducionista quase toda preta parecia antecipar o minimalismo, tinha a dizer sobre o valor de uma abordagem redutora da arte:
Quanto mais coisas, quanto mais ocupada a obra de arte, pior é. Mais é menos. Menos é mais. O olho é uma ameaça para clarear a vista. O desnudar de si mesmo é obsceno. A arte começa com a eliminação da natureza.
A observação de Reinhardt aborda diretamente e contradiz a consideração de Hans Hofmann pela natureza como a fonte de suas próprias pinturas expressionistas abstratas. Em uma famosa troca entre Hofmann e Jackson Pollock, contada por Lee Krasner em uma entrevista com Dorothy Strickler (1964-11-02) para o Smithsonian Institution Archives of American Art. Nas palavras de Krasner:
Quando levei Hofmann para conhecer Pollock e ver seu trabalho, que foi antes de nos mudarmos para cá, a reação de Hofmann foi – uma das perguntas que ele fez a Jackson foi: “Você trabalha com a natureza?” Não havia naturezas mortas ao redor ou modelos ao redor e a resposta de Jackson era: “Eu sou a natureza”. E a resposta de Hofmann foi: “Ah, mas se você trabalha de coração, vai se repetir”. Para o qual Jackson não respondeu nada. O encontro entre Pollock e Hofmann ocorreu em 1942.
Design minimalista e arquitetura
O termo minimalismo também é usado para descrever uma tendência em design e arquitetura, em que o assunto é reduzido a seus elementos necessários. Designers arquitetônicos minimalistas enfocam a conexão entre dois planos perfeitos, iluminação elegante e os espaços vazios deixados pela remoção de formas tridimensionais em um projeto arquitetônico. [De acordo com quem?]
O design minimalista tem sido altamente influenciado pelo design e arquitetura tradicionais japoneses. As obras de artistas De Stijl são uma referência importante: De Stijl expandiu as idéias de expressão organizando meticulosamente elementos básicos como linhas e planos. No que diz respeito ao design da casa, os designs “minimalistas” mais atractivos não são verdadeiramente minimalistas porque são maiores e utilizam materiais e acabamentos mais caros.
Há observadores que descrevem o surgimento do minimalismo como resposta à impetuosidade e ao caos da vida urbana. No Japão, por exemplo, a arquitetura minimalista começou a ganhar força nos anos 80, quando suas cidades passaram por uma expansão rápida e uma população em expansão. O design foi considerado um antídoto para a “presença avassaladora de tráfego, publicidade, balanços desordenados e estradas imponentes”. O ambiente caótico não foi impulsionado apenas pela urbanização, industrialização e tecnologia, mas também pela experiência japonesa de constantemente ter de demolir estruturas devido à destruição causada pela Segunda Guerra Mundial e pelos terremotos, incluindo as calamidades que ela envolve, como o fogo. Deve-se notar que a filosofia de design minimalista não chegou ao Japão por meio de outro país. Já fazia parte da cultura japonesa enraizada na filosofia zen. Há aqueles que atribuem especificamente o movimento do design à espiritualidade e à visão da natureza no Japão.
O arquiteto Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) adotou o lema “Menos é mais” para descrever sua estética. Sua tática era organizar os componentes necessários de um prédio para criar uma impressão de extrema simplicidade – ele recrutou todos os elementos e detalhes para servir a múltiplos propósitos visuais e funcionais; por exemplo, projetar um piso para servir também como radiador ou uma enorme lareira para também abrigar o banheiro. O designer Buckminster Fuller (1895-1983) adotou o objetivo do engenheiro de “Fazer mais com menos”, mas suas preocupações eram voltadas para a tecnologia e a engenharia, e não para a estética.
Luis Barragán é um designer minimalista moderno e exemplar. [De acordo com quem?] Outros arquitetos contemporâneos minimalistas incluem Kazuyo Sejima, John Pawson, Eduardo Souto de Moura, Álvaro Siza Vieira, Tadao Ando, Alberto Campo Baeza, Yoshio Taniguchi, Pedro Zumthor, Hugh Newell Jacobsen, Vincent Van Duysen, Claudio Silvestrin, Michael Gabellini e Richard Gluckman. [Página necessária] [verificação necessária]
Arquitetura minimalista e espaço
A arquitetura minimalista tornou-se popular no final da década de 1980 em Londres e Nova York, onde arquitetos e estilistas trabalharam juntos nas butiques para alcançar a simplicidade, usando elementos brancos, iluminação fria, grande espaço com objetos e móveis mínimos.
Conceitos e elementos de design
O conceito de arquitetura minimalista é reduzir tudo à sua qualidade essencial e alcançar a simplicidade. A ideia não é completamente sem ornamentação, mas todas as peças, detalhes e marcenaria são consideradas reduzidas a um estágio em que ninguém pode remover mais nada para melhorar o design.
As considerações para ‘essências’ são luz, forma, detalhe de material, espaço, lugar e condição humana. Arquitetos minimalistas não apenas consideram as qualidades físicas do edifício. Consideram a dimensão espiritual e o invisível, ouvindo a figura e prestando atenção aos detalhes, às pessoas, ao espaço, à natureza e aos materiais, acreditando que isso revela a qualidade abstrata de algo que é invisível e auxilia a busca pela essência daqueles que são invisíveis. qualidades invisíveis – como luz natural, céu, terra e ar. Além disso, eles “abrem um diálogo” com o ambiente circundante para decidir os materiais mais essenciais para a construção e criar relações entre edifícios e locais.
Na arquitetura minimalista, os elementos de design se esforçam para transmitir a mensagem de simplicidade. As formas geométricas básicas, elementos sem decoração, materiais simples e as repetições de estruturas representam um sentido de ordem e qualidade essencial. O movimento da luz natural nos edifícios revela espaços simples e limpos. No final do século XIX, quando o movimento de artes e ofícios se tornou popular na Grã-Bretanha, as pessoas valorizavam a atitude de “verdade para os materiais” com relação às características profundas e inatas dos materiais. Arquitetos minimalistas humildemente “ouvem a figura”, buscando essência e simplicidade, redescobrindo as qualidades valiosas em materiais simples e comuns.
Influências da tradição japonesa
A idéia de simplicidade aparece em muitas culturas, especialmente na cultura tradicional japonesa da filosofia Zen. Os japoneses manipulam a cultura zen em elementos estéticos e de design para seus edifícios. Essa ideia de arquitetura influenciou a sociedade ocidental, especialmente na América desde meados do século XVIII. Além disso, inspirou a arquitetura minimalista do século XIX.
Os conceitos Zen de simplicidade transmitem as idéias de liberdade e essência da vida. Simplicidade não é apenas valor estético, tem uma percepção moral que olha para a natureza da verdade e revela as qualidades internas e a essência de materiais e objetos. Por exemplo, o jardim de areia no templo Ryoanji demonstra os conceitos de simplicidade e essencialidade a partir do cenário considerado de algumas pedras e um enorme espaço vazio.
O princípio estético japonês de Ma refere-se ao espaço vazio ou aberto. Remove todas as paredes internas desnecessárias e abre o espaço. O vazio do arranjo espacial reduz tudo até a qualidade mais essencial.
A estética japonesa do Wabi-sabi valoriza a qualidade de objetos simples e simples. Aprecia a ausência de características desnecessárias, valoriza uma vida em sossego e visa revelar o caráter inato dos materiais. Por exemplo, a arte floral japonesa, também conhecida como Ikebana, tem o princípio central de deixar a flor se expressar. As pessoas cortam os ramos, folhas e flores das plantas e retêm apenas a parte essencial da planta. Isso transmite a ideia de qualidade essencial e caráter inato na natureza.
No entanto, longe de ser apenas um conceito espacial, a mãe está sempre presente em todos os aspectos da vida cotidiana japonesa, pois se aplica tanto ao tempo como às tarefas diárias.
Arquitetos minimalistas e suas obras
O arquiteto minimalista japonês Tadao Ando transmite o espírito tradicional japonês e sua própria percepção da natureza em suas obras. Seus conceitos de design são materiais, geometria pura e natureza. Ele normalmente usa madeira concreta ou natural e forma estrutural básica para alcançar austeridade e raios de luz no espaço. Ele também estabelece o diálogo entre o site e a natureza para criar relacionamento e ordem com os edifícios. As obras de Ando e a tradução dos princípios estéticos japoneses são altamente influentes na arquitetura japonesa.
Outro arquiteto japonês minimalista, Kazuyo Sejima, trabalha sozinho e em conjunto com Ryue Nishizawa, como a SANAA, produzindo icônicos prédios minimalistas japoneses. Credited com a criação e influenciando um gênero particular do minimalismo japonês, os projetos delicados, inteligentes de Sejimas podem usar a cor branca, seções finas da construção e elementos transparentes para criar o tipo fenomenal do edifício associado frequentemente com o minimalism. As obras incluem New Museum (2010), Nova York, Small House (2000), Tóquio, Casa cercada por Plum Trees (2003), Tóquio.
No Pavilhão da Conferência Vitra, Weil am Rhein, 1993, os conceitos devem reunir as relações entre a construção, o movimento humano, o local e a natureza. Que como um ponto principal da ideologia minimalista que estabelece o diálogo entre o edifício e o local. O edifício usa as formas simples de círculo e retângulo para contrastar o espaço preenchido e vazio do interior e da natureza. No foyer, há uma grande janela de paisagem que dá para o exterior. Isso alcança o simples e o silêncio da arquitetura e aumenta a luz, o vento, o tempo e a natureza no espaço.
John Pawson é um arquiteto minimalista britânico; Seus conceitos de design são alma, luz e ordem. Ele acredita que, embora a desordem e simplificação reduzidas do interior a um ponto que vai além da ideia de qualidade essencial, há uma sensação de clareza e riqueza de simplicidade em vez de vazio. Os materiais em seu design revelam a percepção em relação ao espaço, superfície e volume. Além disso, ele gosta de usar materiais naturais por causa de sua vivacidade, senso de profundidade e qualidade de um indivíduo. Ele também é atraído pelas influências importantes da filosofia zen japonesa.
A Calvin Klein Madison Avenue, em Nova York, de 1995 a 96, é uma boutique que transmite as ideias de moda da Calvin Klein. Os conceitos de design de interiores de John Pawson para este projeto são criar arranjos espaciais simples, pacíficos e ordenados. Ele usou pisos de pedra e paredes brancas para alcançar simplicidade e harmonia para o espaço. Ele também enfatiza a redução e elimina as distorções visuais, como o ar-condicionado e as lâmpadas, para obter uma sensação de pureza para o interior.
Alberto Campo Baeza é um arquiteto espanhol e descreve seu trabalho como arquitetura essencial. Ele valoriza os conceitos de luz, ideia e espaço. A luz é essencial e alcança a relação entre os habitantes e o edifício. As idéias são para atender a função e contexto de espaço, formas e construção. O espaço é moldado pelas formas geométricas mínimas para evitar a decoração que não é essencial.
Gasper House, Zahora, 1992 é uma residência que o cliente queria ser independente. Muros altos criam o espaço fechado e os pisos de pedra usados na casa e no pátio mostram a continuidade do interior e do exterior. A cor branca das paredes revela a simplicidade e a unidade do edifício. A característica da estrutura faz linhas para formar a casa continuamente horizontal, portanto a luz natural se projeta horizontalmente através do edifício.
Minimalismo literário
O minimalismo literário é caracterizado por uma economia com palavras e um foco na descrição da superfície. Os escritores minimalistas evitam os advérbios e preferem permitir que o contexto determine o significado. Espera-se que os leitores assumam um papel ativo na criação da história, para “escolher lados” com base em insinuações e insinuações oblíquas, em vez de reagir às instruções do escritor.
Alguns romances policiais da década de 1940, de autores como James M. Cain e Jim Thompson, adotaram um estilo de prosa simples e despojado para efeitos consideráveis; alguns classificam este estilo de prosa como minimalismo [palavras de doninha]
Outra vertente do minimalismo literário surgiu em resposta à tendência de metaficção dos anos 1960 e início dos anos 1970 (John Barth, Robert Coover e William H. Gass). Esses escritores também eram poupados com a prosa e mantinham uma distância psicológica do assunto em questão.
Os escritores minimalistas, ou aqueles que são identificados com o minimalismo durante certos períodos de suas carreiras de escrita, incluem os seguintes: Raymond Carver, Ann Beattie, Bret Easton Ellis, Charles Bukowski, Ernest Hemingway, Stevens KJ, Amy Hempel, Bobbie Ann Mason, Tobias Wolff Grace Paley, Sandra Cisneros, Mary Robison, Frederick Barthelme, Richard Ford, Patrick Holland, Cormac McCarthy e Alicia Erian.
Poetas americanos como Stephen Crane, William Carlos Williams, Ezra Pound, Robert Creeley, Robert Grenier e Aram Saroyan são às vezes identificados com seu estilo minimalista. O termo “minimalismo” também é por vezes associado ao mais breve dos gêneros poéticos, haiku, originários do Japão, mas foi domesticado na literatura inglesa por poetas como Nick Virgílio, Raymond Roseliep e George Swede.
O escritor irlandês Samuel Beckett é bem conhecido por suas peças minimalistas e prosa, como é o escritor norueguês Jon Fosse.
Em seu romance The Easy Chain, Evan Dara inclui uma seção de 60 páginas escrita no estilo do minimalismo musical, em particular inspirada pelo compositor Steve Reich. Pretendendo representar o estado psicológico (agitação) do personagem principal do romance, as sucessivas linhas de texto da seção são construídas em frases repetitivas e em desenvolvimento.
Música minimal
O termo “música minimalista” foi derivado por volta de 1970 por Michael Nyman do conceito de minimalismo, aplicado anteriormente às artes visuais. Mais precisamente, foi em uma resenha de 1968 no The Spectator que Nyman usou pela primeira vez o termo, para descrever uma composição de piano de dez minutos do compositor dinamarquês Henning Christiansen, juntamente com várias outras peças sem nome interpretadas por Charlotte Moorman e Nam June Paik no Instituto de Artes Contemporâneas em Londres.