Минимализм

В изобразительном искусстве, музыке и других средах минимализм — это движение искусства, которое началось в западноевропейском искусстве после Второй мировой войны, наиболее сильно с изобразительным искусством США в 1960-х и начале 1970-х годов. Среди выдающихся художников, связанных с минимализмом, входят Дональд Джадд, Джон МакКракен, Агнес Мартин, Дэн Флавин, Роберт Моррис, Энн Труитт и Фрэнк Стелла. Он проистекает из редуктивных аспектов модернизма и часто интерпретируется как реакция против абстрактного экспрессионизма и мост на постминимальные практики искусства.

Термин, используемый в 20-м веке, в частности с 1960-х годов, описывает стиль, характеризующийся безличной строгостью, простой геометрической конфигурацией и промышленно обработанными материалами. Впервые он был использован Дэвидом Бурлюком в каталоге, посвященном выставке картин Джона Грэма в галерее Дуденсинг в Нью-Йорке в 1929 году. Бурлюк писал: «Минимализм берет свое название от минимума действующих средств. Минималистская живопись чисто реалистична: предмет самой картины ». Термин приобрел валюту в 1960-х годах. Счета и объяснения минимализма значительно варьировались, а также диапазон работ, к которому он был связан. Это включало монохромные картины Ив Кляйн, Роберта Раушенберга, Ад Рейнхардта, Фрэнка Стелла и Брайса Мардена и даже аспекты поп-арта и пост-живописца. Абстракция Как правило, прецедентами были представлены готовые матчи Марселя Дюшана, супрематические композиции Казимира Малевича и абстрактные экспрессионисты Барнетт Ньюман. Рациональные сетчатые картины Агнес Мартин также упоминались в связи с такими минималистскими художниками, как Сол Левитт.

Минимализм в музыке часто включает повторение и итерацию, например, композиции из La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, Julius Eastman и John Adams. Термин минималистский часто разговорно относится ко всему, что является запасным или лишенным его основ. Соответственно, он был использован для описания пьес и романов Сэмюэля Беккета, фильмов Роберта Брессона, рассказов Раймонда Карвера и автомобильных проектов Колина Чепмена.

Минимальное искусство, минимализм в визуальном искусстве
Минимализм в визуальном искусстве, обычно называемый «минимальным искусством», «литералистическим искусством» и «ABC Art», появился в Нью-Йорке в начале 1960-х годов, когда новые и более старые художники перешли к геометрической абстракции; исследуя картину в случаях Фрэнка Стеллы, Кеннета Ноланда, Аль-Хелда, Эллсуорта Келли, Роберта Раймана и других; и скульптуры в произведениях различных художников, в том числе Дэвида Смита, Энтони Каро, Тони Смита, Сол Левитта, Карла Андре, Дэн Флавин, Дональда Джадда и других. Скульптура Джадда была продемонстрирована в 1964 году в Green Gallery в Манхэттене, как и первые флюоресцентные работы Флавина, в то время как другие ведущие галереи Манхэттена, такие как Галерея Лео Кастелли и Галерея Пасе, также начали демонстрировать художников, ориентированных на геометрическую абстракцию. Кроме того, были две семенные и влиятельные музейные выставки: «Первичные структуры: молодые американские и британские скульптуры», показанные с 27 апреля по 12 июня 1966 года в Еврейском музее в Нью-Йорке, организованные Куратором живописи и скульптуры музея, Кинастоном Макшином и Системным Живопись, в Музее Соломона Р. Гуггенхайма, куратор Лоуренса Дивайла, также в 1966 году, который продемонстрировал геометрическую абстракцию в мире американского искусства через Shaped canvas, Color Field и Hard-edge painting. После этих выставок и нескольких других появилось художественное движение, называемое минимальным искусством.

В более широком и общем смысле европейские корни минимализма встречаются в геометрических абстракциях художников, связанных с Баухаусом, в работах Казимира Малевича, Пьет Мондриана и других художников, связанных с движением Де Стидж, и русского конструктивистского движения, и в работе румынского скульптора Константина Бранкуши.

Во Франции с 1947 по 1948 год Ив Клейн задумал свою монотоновую симфонию (1949, формально «Монотон-тишину»), состоящую из одного 20-минутного продолжительного аккорда, за которым последовала 20-минутная тишина — прецедент для гуляющей музыки La Monte Young и Джон Кейдж 4’33 «. Клейн нарисовал монохромы еще в 1949 году и провел первую частную выставку этой работы в 1950 году, но его первым публичным показом стала публикация книги художника Ив: Пинтурс в ноябре 1954 года.

Минимальное искусство также частично вдохновлено картинами Барнетта Ньюмена, Ад Рейнхардта, Йозефа Альберса и произведений таких разных художников, как Пабло Пикассо, Марселя Дюшана, Джорджио Моранди и других. Минимализм был также реакцией на живописную субъективность абстрактного экспрессионизма, который доминировал в нью-йоркской школе в 1940-х и 1950-х годах.

Художник и критик Томас Лоусон отметил в своем эссе 1981 года «Артфорум» «Последний выход: живопись», минимализм не отверг утверждения Климента Гринберга о сокращении модернистской живописи до поверхности и материалов, так как он буквально воспринимает его заявления. По словам Лоусона, минимализм был результатом, хотя термин «минимализм» обычно не воспринимался художниками, связанными с ним, и многие практикующие искусства, обозначенные минималистскими критиками, не идентифицировали его как движение как таковое. Исключением из этого требования был сам Климент Гринберг; в своей записке 1978 года в своем эссе «Модернистская живопись» он отрекся от этой интерпретации того, что он сказал, написав:

Были некоторые дальнейшие конструкции того, что я написал, которые переходят в нелепость: что я рассматриваю плоскостность и включение плоскостности не только как предельные условия изобразительного искусства, но и как критерии эстетического качества в изобразительном искусстве; что чем дальше работа продвигает самоопределение искусства, тем лучше будет работа. Философ или историк искусства, который может представить, что я или любой другой, приходящий к эстетическим суждениям, таким образом читает ужасно больше в себе, чем в мою статью.

В отличие от более субъективных абстрактных экспрессионистов предыдущего десятилетия, за исключением Барнетта Ньюмена и Ад Рейнхардта; на минималистов повлияли также композиторы Джон Кейдж и Ламонт Янг, поэт Уильям Карлос Уильямс и ландшафтный архитектор Фредерик Лол Олмстед. Они очень четко заявили, что их искусство не касалось самовыражения, и в отличие от более субъективной философии предыдущего десятилетия о том, что искусство делает их «объективными». В общем, характеристики минимализма включали геометрические, часто кубические формы, очищенные от значительной метафоры, равноправие частей, повторение, нейтральные поверхности и промышленные материалы.

Роберт Моррис, теоретик и художник, написал трехчастное эссе «Заметки о скульптуре 1-3», первоначально опубликованное по трем статьям «Артформум» в 1966 году. В этих эссе Моррис попытался определить концептуальную структуру и формальные элементы для себя и который будет охватывать практику его современников. В этих эссе большое внимание уделено идее гештальта — «частей … связанных друг с другом таким образом, что они создают максимальную устойчивость к восприятию». Моррис позже описал искусство, представленное «отмеченным боковым распространением и не упорядоченными единицами или симметричными интервалами …» в «Заметках о скульптуре 4: Вне объектов», изначально опубликованной в Artforum, 1969, продолжая говорить, что «неопределенность договоренности частей является буквальным аспектом физического существования вещи ». Общий сдвиг в теории, в котором это эссе является выражением, предполагает переход к тому, что позже будет называться постминимализмом.

Одним из первых художников, конкретно связанных с минимализмом, был художник Фрэнк Стелла, четыре из которых ранние «черные картины» были включены в шоу 1959 года, 16 американцев, организованные Дороти Миллер в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Ширина полос в черных картинах Фрэнка Стелласа часто определялась размерами пиломатериала, который он использовал для носилок, чтобы поддерживать холст, видимый на холсте, как глубину картины, если смотреть со стороны. Поэтому решения Стеллы о структурах на передней поверхности холста были не совсем субъективными, а предварительно обусловлены «заданной» особенностью физического построения носителя. В шоу-каталоге Карл Андре отметил: «Искусство исключает ненужное. Фрэнк Стелла счел нужным рисовать полоски. В его картине нет ничего другого». Эти редуктивные работы были резко контрастированы с заполненными энергией и, по-видимому, очень субъективными и эмоционально заряженными картинами Виллема де Кунинга или Франца Клайн и, с точки зрения прецедента среди предыдущих поколений абстрактных экспрессионистов, больше склонялись к менее строгим, часто мрачным , картины цветного поля Барнетта Ньюмена и Марка Ротко. Стелла сразу же обратила внимание на шоу MoMA, но другие художники, в том числе Кеннет Ноланд, Джин Дэвис, Роберт Мазервелл и Роберт Райман, также начали изучать полосы, монохромные и жесткие форматы с конца 50-х до 60-х годов.

Из-за тенденции в минимальном искусстве исключать иллюстрацию, иллюзию и фикцию в пользу буквального, было движение от живописного и к скульптурным проблемам. Дональд Джадд начинал как художник и заканчивался как создатель объектов. Его семантическое эссе «Конкретные объекты» (опубликованное в «Ежегоднике искусств» 8, 1965) было пробным камнем теории формирования минималистской эстетики. В этом эссе Джадд нашел отправную точку для новой территории для американского искусства и одновременного отказа от остаточных унаследованных европейских художественных ценностей. Он указал на доказательства этого развития в работах множества художников, действующих в Нью-Йорке в то время, в том числе Джаспер Джонс, Дэн Флавин и Ли Бонтекоу. «Предварительным» значением для Джадда была работа Джорджа Эрла Ортмана, который конкретизировал и перегонял формы живописи в тупые, жесткие, философски заряженные геометрии. Эти специфические объекты населяли пространство, которое затем не было удобно классифицировать как живопись или скульптура. То, что категориальная идентичность таких объектов подвергается сомнению, и что они избегали легкой связи с хорошо изнашиваемыми и слишком знакомыми конвенциями, была частью их ценности для Джадда.

Это движение подвергалось серьезной критике со стороны модернистских формалистов-искусствоведов и историков. Некоторые критики считали, что минимальное искусство представляет собой непонимание современной диалектики живописи и скульптуры, как это определено критиком Климентом Гринбергом, возможно, доминирующим американским критиком живописи в период, предшествующий 1960-м годам. Наиболее заметную критику минимализма дал Майкл Фрид, формалистский критик, который возражал против работы на основе ее «театральности». В «Искусстве и объективности» (опубликовано в «Artforum» в июне 1967 года) он заявил, что минимальное произведение искусства, особенно минимальная скульптура, было основано на взаимодействии с физикой зрителя. Он утверждал, что работа, подобная Роберту Моррису, трансформировала акт просмотра в какой-то спектакль, в котором было раскрыто искусство наблюдения за действиями и участие зрителя в работе. Фрид видел это смещение опыта зрителя от эстетического участия внутри, к событию вне произведения искусства, как к минимуму искусства. Очерк Фрид был немедленно оспорен постминималистом и земным художником Робертом Смитсоном в письме редактору в октябрьском выпуске Artforum. Смитсон заявил следующее: «То, что Фрид больше всего боится, — это сознание того, что он делает, а именно — самого театрального».

В дополнение к уже упомянутым Роберту Моррису, Фрэнку Стелле, Карлу Андре, Роберту Райману и Дональду Джадду, к числу других минимальных художников относятся: Роберт Мангольд, Ларри Белл, Дэн Флавин, Сол Левитт, Чарльз Хинман, Рональд Бладен, Пол Могенсен, Рональд Дэвис, Дэвид Новрос, Брайс Марден, Блинки Палермо, Агнес Мартин, Джо Бэр, Джон МакКракен, Ад Рейнхардт, Фред Сэндбек, Ричард Серра, Тони Смит, Патрисия Йохансон и Энн Труитт.

Ад Рейнхардт, фактически художник абстрактного экспрессионистического поколения, но тот, чьи редуктивные почти все черные картины, казалось, предвосхитили минимализм, имели это сказать о ценности редуктивного подхода к искусству:

Чем больше материала в нем, тем труднее произведение искусства, тем хуже. Больше меньше. Меньше — больше. Глаз — угроза для ясного зрения. Обман сам по себе неприличен. Искусство начинается с избавления от природы.

Замечание Рейнхардта прямо затрагивает и противоречит взгляду Ханса Хофмана на природу как на источник его собственных абстрактных картин экспрессионистов. В известном обмене между Хофманом и Джексоном Поллоком, как рассказал Ли Краснер в интервью Дороти Стриклер (1964-11-02) для Смитсоновского института архивов американского искусства. По словам Краснера:

Когда я привел Гофмана на встречу с Поллоком и посмотрел его работу, которая была до того, как мы переехали сюда, реакция Хофмана была одним из вопросов, которые он задал Джексону: «Вы работаете с природой?» Не было натюрмортов вокруг или моделей вокруг, и ответ Джексона был: «Я прирожден». И ответ Гофмана был: «Ах, но если вы будете наизусть, вы повторите себя». На что Джексон вообще не ответил. Встреча между Поллоком и Хофманом состоялась в 1942 году.

Минималистский дизайн и архитектура
Термин «минимализм» также используется для описания тенденции в дизайне и архитектуре, где субъект сводится к его необходимым элементам. Минималистские архитектурные дизайнеры сосредоточены на связи между двумя идеальными плоскостями, элегантным освещением и пустотами, оставленными удалением трехмерных фигур в архитектурном дизайне. [По словам кого?]

Минималистичный дизайн сильно зависит от традиционного японского дизайна и архитектуры. Работы художников De Stijl являются основной ссылкой: De Stijl расширил идеи выражения, тщательно организовывая основные элементы, такие как линии и плоскости. Что касается домашнего дизайна, более привлекательные «минималистические» проекты не являются поистине минималистскими, потому что они больше и используют более дорогие строительные материалы и отделки.

Есть наблюдатели, которые описывают появление минимализма как ответ на наглый и хаос городской жизни. В Японии, например, минималистская архитектура начала набирать обороты в 1980-х годах, когда ее города переживали быстрое расширение и быстро растущее население. Дизайн считался противоядием к «непреодолимому присутствию трафика, рекламы, смешавших строительных весов и наложения дорог». Хаотическая среда была связана не только с урбанизацией, индустриализацией и технологией, но и с японским опытом постоянно разрушать структуры из-за разрушений, вызванных Второй мировой войной и землетрясений, включая катастрофы, которые она влечет за собой, например, огонь. Следует отметить, что философия минималистского дизайна не прибыла в Японию через другую страну. Это уже часть японской культуры, основанная на философии Дзэн. Есть те, кто специально приписывает проектное движение духовности Японии и взгляду на природу.

Архитектор Людвиг Мис ван дер Роэ (1886-1969) принял девиз «Меньше — больше», чтобы описать его эстетику. Его тактика заключалась в организации необходимых компонентов здания, чтобы создать впечатление крайней простоты — он заручился каждым элементом и деталями, чтобы служить множеству визуальных и функциональных целей; например, проектирование пола, чтобы также служить в качестве радиатора, или массивный камин, чтобы также разместить ванную комнату. Дизайнер Бакминстер Фуллер (1895-1983) принял цель инженера «Делать больше с меньшими затратами», но его проблемы были ориентированы не только на эстетику, но и на технологию и технику.

Луис Барраган — пример современного минималистского дизайнера. [По мнению кого?] Другие современные архитекторы-минималисты включают Кадзуё Седжиму, Джона Поусона, Эдуардо Соуто де Моуру, Альваро Сизу Виейру, Тадао Андо, Альберто Кампо Баэзу, Йошио Танигути, Питера Цумтора, Хью Ньюэлла Якобсен, Винсент Ван Дуйсен, Клаудио Сильвестрин, Майкл Габеллини и Ричард Глюкман. [Страница необходима] [требуется проверка]

Минималистская архитектура и пространство
Минималистская архитектура стала популярной в конце 1980-х годов в Лондоне и Нью-Йорке, где архитекторы и модельеры работали вместе в бутиках, чтобы добиться простоты, используя белые элементы, холодное освещение, большое пространство с минимальными объектами и мебелью.

Концепции и элементы дизайна
Концепция минималистской архитектуры состоит в том, чтобы свести все до нужного качества и добиться простоты. Идея не полностью без орнамента, но все детали, детали и столярные изделия считаются сведенными до стадии, когда никто не может удалить что-либо еще для улучшения дизайна.

Соображения для «сущностей» — это свет, форма, деталь материала, пространство, место и состояние человека. Минималистские архитекторы не только учитывают физические качества здания. Они рассматривают духовное измерение и невидимость, слушая фигуру и обращая внимание на детали, людей, пространство, природу и материалы. Полагая, что это показывает абстрактное качество чего-то невидимого и помогает искать сущность этих невидимые качества, такие как естественный свет, небо, земля и воздух. Кроме того, они «открывают диалог» с окружающей средой, чтобы определить наиболее важные материалы для строительства и создать отношения между зданиями и объектами.

В минималистской архитектуре элементы дизайна стремятся передать сообщение простоты. Основные геометрические формы, элементы без украшения, простые материалы и повторения структур представляют ощущение порядка и необходимого качества. Движение естественного света в зданиях показывает простые и чистые пространства. В конце 19-го века, когда движение искусства и ремесел стало популярным в Великобритании, люди оценили отношение «правды к материалам» в отношении глубоких и врожденных характеристик материалов. Минималистские архитекторы смиренно «прислушиваются к фигуре», ищут сущность и простоту, заново открывая ценные качества в простых и распространенных материалах.

Влияния японской традиции
Идея простоты появляется во многих культурах, особенно в японской традиционной культуре философии Дзэн. Японцы манипулируют дзен-культурой в эстетические и дизайнерские элементы для своих зданий. Эта идея архитектуры повлияла на западное общество, особенно в Америке с середины 18 века. Более того, это вдохновило минималистскую архитектуру в XIX веке.

Дзен-концепции простоты передают идеи свободы и сущности жизни. Простота — это не только эстетическая ценность, но и нравственное восприятие, которое смотрит на природу истины и раскрывает внутренние качества и сущность материалов и предметов. Например, песчаный сад в храме Рёандзи демонстрирует понятия простоты и существенности из рассмотренного множества камней и огромного пустого пространства.

Японский эстетический принцип Ма относится к пустому или открытому пространству. Он удаляет все ненужные внутренние стены и открывает пространство. Пустота пространственного расположения сводит все до самого необходимого качества.

Японская эстетика Ваби-саби ценит качество простых и простых предметов. Он ценит отсутствие ненужных особенностей, сокровища жизни в тишине и стремится выявить врожденный характер материалов. Например, японское цветочное искусство, также известное как Икебана, имеет центральный принцип, позволяющий цветку выражать себя. Люди отрезают ветви, листья и цветки от растений и сохраняют только основную часть растения. Это передает идею существенного качества и врожденного характера в природе.

Тем не менее, далеко не просто пространственная концепция, Ма всегда присутствует во всех аспектах повседневной жизни Японии, поскольку она относится как к времени, так и к повседневным задачам.

Минималистские архитекторы и их работы
Японский архитектор-минималист Тадао Андо передает японский традиционный дух и свое собственное восприятие природы в своих работах. Его концептуальные концепции — это материалы, чистая геометрия и природа. Обычно он использует бетонную или натуральную древесину и основную структурную форму для достижения экономии и лучей света в космосе. Он также устанавливает диалог между сайтом и природой для создания отношений и порядка со зданиями. Произведения Андо и перевод японских эстетических принципов очень влияют на японскую архитектуру.

Другой японский архитектор-минималист Кадзуё Седжима работает самостоятельно и совместно с Райе Нишизава, как SANAA, создавая культовые японские минималистские здания. Взаимодействуя с созданием и воздействием на определенный жанр японского минимализма, тонкие интеллектуальные проекты Sejimas могут использовать белый цвет, тонкие строительные секции и прозрачные элементы для создания феноменального типа здания, часто связанного с минимализмом. Работы включают Новый музей (2010) Нью-Йорк, Малый дом (2000) Токио, Дом, окруженный сливными деревьями (2003) в Токио.

В Vitra Conference Pavilion, Weil am Rhein, 1993, концепции состоят в том, чтобы объединить отношения между строительством, движением человека, местом и природой. Который является одним из основных элементов идеологии минимализма, которые устанавливают диалог между зданием и сайтом. Здание использует простые формы круга и прямоугольника, чтобы противопоставить заполненное и пустое пространство интерьера и природы. В фойе есть большое ландшафтное окно, которое выходит наружу. Это обеспечивает простоту и тишину архитектуры и улучшает свет, ветер, время и природу в космосе.

Джон Поусон — британский минималистский архитектор; его проектные концепции — это душа, свет и порядок. Он считает, что, хотя и уменьшил беспорядок и упростил интерьер до точки, которая выходит за рамки идеи существенного качества, есть ощущение ясности и богатства простоты, а не пустоты. Материалы в его дизайне раскрывают восприятие пространства, поверхности и объема. Более того, он любит использовать натуральные материалы из-за их живости, чувства глубины и качества человека. Его привлекают также важные влияния японской философии дзен.

Calvin Klein Madison Avenue, Нью-Йорк, 1995-96, — это бутик, который передает идеи моды Кэлвина Кляйна. Концепции дизайна интерьера Джона Поусона для этого проекта заключаются в создании простых, мирных и упорядоченных пространственных механизмов. Он использовал каменные полы и белые стены для достижения простоты и гармонии пространства. Он также подчеркивает сокращение и устраняет визуальные искажения, такие как кондиционер и лампы для достижения чувства чистоты интерьера.

Альберто Кампо Баеза — испанский архитектор и описывает свою работу как важную архитектуру. Он ценит понятия света, идеи и пространства. Свет необходим и обеспечивает связь между жителями и зданием. Идеи должны соответствовать функции и контексту пространства, форм и конструкции. Пространство формируется минимальными геометрическими формами, чтобы избежать украшения, которое не является существенным.

Gasper House, Zahora, 1992 — это резиденция, в которой клиент хотел быть независимым. Высокие стены создают замкнутое пространство, а каменные полы, используемые в доме и во дворе, демонстрируют постоянство интерьера и экстерьера. Белый цвет стен показывает простоту и единство здания. Особенность структуры делает линии, чтобы сформировать непрерывно горизонтальный дом, поэтому естественный свет выступает горизонтально через здание.

Литературный минимализм
Литературный минимализм характеризуется экономикой со словами и фокусом на описании поверхности. Минималистские писатели избегают наречий и предпочитают позволять контексту диктовать смысл. Ожидается, что читатели будут играть активную роль в создании истории, «выбирать стороны» на основе косых намеков и инсинуаций, а не реагировать на направления от писателя.

Примерно 40-летняя криминальная критика писателей, таких как Джеймс М. Каин и Джим Томпсон, приобрели урезанный, вежливый прозаический стиль для значительного эффекта; некоторые классифицируют этот прозаический стиль как минимализм. [ласковые слова]

Еще одна линия литературного минимализма возникла в ответ на тенденцию метафикса 1960-х и начала 1970-х годов (Джон Барт, Роберт Ковер и Уильям Х. Гасс). Эти авторы также были свободны от прозы и сохраняли психологическую дистанцию ​​от своего предмета.

Минималистские авторы или те, кто отождествляется с минимализмом в течение определенных периодов их карьерной карьеры, включают следующее: Раймонд Карвер, Энн Битти, Брет Истон Эллис, Чарльз Буковски, Эрнест Хемингуэй, К. Дж. Стивенс, Эми Хемпель, Бобби Энн Мейсон, Тобиас Вольф , Грейс Пэли, Сандра Сиснерос, Мэри Робисон, Фредерик Бартельм, Ричард Форд, Патрик Холланд, Кормак Маккарти и Алисия Эриан.

Американские поэты, такие как Стивен Крейн, Уильям Карлос Уильямс, ранний Эзра Паунд, Роберт Крили, Роберт Гренье и Арам Сароян, иногда отождествляются с их минималистским стилем. Термин «минимализм» также иногда ассоциируется с кратчайшим из поэтических жанров, хайку, который возник в Японии, но был одомашнен в английской литературе такими поэтами, как Ник Вирджилио, Раймонд Розелип и Джордж Швед.

Ирландский писатель Сэмюэл Беккет хорошо известен своими минималистскими пьесами и прозой, как и норвежский писатель Джон Фосс.

В своем романе «Легкая цепочка» Эван Дара включает 60-страничный раздел, написанный в стиле музыкального минимализма, в частности, вдохновленный композитором Стивом Райхом. Намереваясь представлять психологическое состояние (волнение) главного героя романа, последовательные строки текста этого раздела построены на повторяющихся и развивающихся фразах.

Минимальная музыка
Термин «минимальная музыка» был получен в 1970 году Майклом Ниманом из концепции минимализма, которая ранее применялась к изобразительному искусству. Точнее, именно в обзоре 1968 года в The Spectator Ниман впервые использовал этот термин, чтобы описать десятиминутную композицию фортепиано датским композитором Хеннинг Кристиансеном, а также несколько других неназванных пьес, которые сыграли Шарлотта Мурман и Нам Джун Паик на Институт современного искусства в Лондоне.