L’art nouveau est un style international d’art, d’architecture et d’arts appliqués, surtout les arts décoratifs, qui fut le plus populaire entre 1890 et 1910. Réagissant à l’art académique du XIXe siècle, il s’inspire des formes et structures naturelles, notamment lignes courbes de plantes et de fleurs.
Style décoratif de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, principalement en Europe et aux États-Unis. Bien qu’il ait influencé la peinture et la sculpture, ses principales manifestations sont l’architecture et les arts décoratifs et graphiques. des lignes sinueuses et asymétriques basées sur des formes organiques; dans un sens plus large, il englobe les modèles géométriques et plus abstraits et les rythmes qui ont évolué dans le cadre de la réaction générale à l’historicisme du XIXe siècle. Il existe de grandes variations dans le style selon l’endroit où il est apparu et les matériaux employés
L’art nouveau est considéré comme un art «total», embrassant l’architecture, l’art graphique, le design d’intérieur et la plupart des arts décoratifs, y compris les bijoux, meubles, textiles, argenterie et autres objets d’art, éclairage et beaux-arts. la philosophie du style, l’art devrait être un mode de vie Pour de nombreux Européens aisés, il était possible de vivre dans une maison d’inspiration Art Nouveau avec des meubles art nouveau, argenterie, tissus, céramiques, vaisselle, bijoux, étuis à cigarettes, Les artistes désirent combiner les beaux-arts et les arts appliqués, même pour des objets utilitaires.
Forme et caractère
Bien que l’Art Nouveau ait acquis des tendances nettement localisées au fur et à mesure que sa diffusion géographique augmentait, certaines caractéristiques générales sont révélatrices de la forme. Une description publiée dans le magazine Pan de l’œuvre murale Hermann Obrist, Cyclamen (1894), la décrivait comme «des brusques courbes violentes engendrées par le craquement d’un fouet», qui devint célèbre lors de la diffusion précoce de l’Art Nouveau. Par la suite, non seulement le travail lui-même devint mieux connu sous le nom de Whiplash, mais le terme «whiplash» est souvent appliqué aux courbes caractéristiques employées par les artistes Art nouveau. De tels motifs décoratifs «whiplash», formés par des lignes dynamiques, ondoyantes et fluides dans un rythme syncopé et une forme asymétrique, se retrouvent dans l’architecture, la peinture, la sculpture et d’autres formes de design Art nouveau.
Les origines de l’Art Nouveau se retrouvent dans la résistance de l’artiste William Morris aux compositions encombrées et aux tendances du renouveau du XIXe siècle et à ses théories qui ont contribué à initier le mouvement Arts and Crafts. Cependant, la couverture d’Arthur Mackmurdo pour Wren’s City Churches (1883), avec ses motifs floraux rythmés, est souvent considérée comme la première réalisation de l’Art nouveau. À peu près à la même époque, la perspective plate et les couleurs vives des gravures japonaises en bois, en particulier celles de Katsushika Hokusai, ont eu un fort impact sur la formulation de l’Art Nouveau. Le japonisme qui était populaire en Europe dans les années 1880 et 1890 a été particulièrement influent sur de nombreux artistes avec ses formes organiques et ses références au monde naturel. En plus d’être adopté par des artistes comme Emile Gallé et James Abbott McNeill Whistler, l’art et le design d’inspiration japonaise ont été défendus par les hommes d’affaires Siegfried Bing et Arthur Lasenby Liberty dans leurs magasins de Paris et de Londres respectivement.
En architecture, les hyperboles et les paraboles dans les fenêtres, les arches et les portes sont courantes, et les moulures décoratives «poussent» dans des formes dérivées de plantes. Comme la plupart des styles de design, l’Art Nouveau a cherché à harmoniser ses formes. Le texte au-dessus de l’entrée du métro de Paris utilise les qualités du reste du travail de fer dans la structure.
L’art nouveau en architecture et en design d’intérieur a évité les styles de renaissance éclectiques du 19ème siècle. Bien que l’Art nouveau, les concepteurs ont sélectionné et «modernisé» certains des éléments les plus abstraits du style rococo, tels que les textures de flamme et de coquille, ils ont également préconisé l’utilisation de formes organiques très stylisées comme source d’inspiration. utiliser des algues, des herbes et des insectes. Les formes doucement mélodiques du style auriculaire du 17ème siècle, mieux illustrées dans l’argenterie néerlandaise, ont été une autre influence.
Relation avec les styles et les mouvements contemporains
En tant que style artistique, Art Nouveau a des affinités avec les préraphaélites et les styles symbolistes, et des artistes comme Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt et Jan Toorop pourraient être classés dans plus d’un de ces styles. Contrairement à la peinture symboliste, cependant, l’Art nouveau a une apparence distinctive; et, contrairement au mouvement Arts and Crafts orienté vers l’artisanat, les artistes Art nouveau utilisaient volontiers de nouveaux matériaux, des surfaces usinées et de l’abstraction au service du design pur.
L’Art Nouveau n’évitait pas l’utilisation de machines, comme le faisait le mouvement Arts and Crafts. Pour la sculpture, les principaux matériaux utilisés sont le verre et le fer forgé, ce qui donne des qualités sculpturales même en architecture. La céramique a également été utilisée pour créer des éditions de sculptures d’artistes tels qu’Auguste Rodin.
L’architecture Art nouveau utilise de nombreuses innovations technologiques de la fin du XIXe siècle, notamment l’utilisation de fer exposé et de grandes pièces de verre de forme irrégulière pour l’architecture. Au début de la Première Guerre mondiale, cependant, la conception stylisée de l’art nouveau commença à être abandonnée au profit d’un modernisme plus rationalisé et rectiligne, pensé pour être plus fidèle à l’esthétique industrielle plus sobre devenue art déco.
Les tendances de l’art nouveau ont également été absorbées dans les styles locaux. Au Danemark, par exemple, il s’agissait d’un aspect de Skønvirke («travail esthétique»), qui est lui-même plus étroitement lié au style Arts and Crafts. De même, les artistes ont adopté de nombreux motifs floraux et organiques de l’Art Nouveau dans le style polonais Młoda Polska («Jeune Pologne»). Młoda Polska, cependant, incluait également d’autres styles artistiques et englobait une approche plus large de l’art, de la littérature et du style de vie.
Les arts graphiques ont prospéré à l’époque de l’Art nouveau, grâce aux nouvelles technologies de l’impression, en particulier la lithographie en couleur qui a permis la production en série d’affiches couleur. L’art ne se limitait plus aux galeries, musées et salons; il pouvait être trouvé sur les murs de Paris, et dans les magazines d’art illustrés, qui circulaient en Europe et aux États-Unis. Le thème le plus populaire des affiches Art Nouveau était les femmes; des femmes symbolisant le glamour, la modernité et la beauté, souvent entourées de fleurs.
En Grande-Bretagne, le premier graphiste dans le style Art Nouveau était Aubrey Beardsley (1872-1898). Il a commencé avec des illustrations de livres gravés pour Le Morte d’Arthur, puis des illustrations en noir et blanc pour Salomé par Oscar Wilde (1893), ce qui lui a valu la célébrité. La même année, il commence à graver des illustrations et des affiches pour le magazine d’art The Studio, qui contribue à faire connaître des artistes européens tels que Fernand Khnopff en Grande-Bretagne. Les lignes courbes et les motifs floraux complexes attiraient autant l’attention que le texte.
L’artiste franco-suisse Eugène Grasset (1845-1917) fut l’un des premiers créateurs d’affiches Art Nouveau françaises. Il participe à la décoration du célèbre cabaret Le Chat noir en 1885 et réalise ses premières affiches pour les Fêtes de Paris. Il a fait des affiches célèbres de Sarah Bernhardt en 1890, et une grande variété d’illustrations de livres. Les artistes-créateurs Jules Chéret, Georges de Feure et le peintre Henri de Toulouse-Lautrec ont tous réalisé des affiches pour des théâtres parisiens, des cafés, des cabarets de danse. L’artiste tchèque Alphonse Mucha (1860-1939) est arrivé à Paris en 1888, et en 1895 a fait une affiche pour l’actrice Sarah Bernhardt dans la pièce Gismonda par Victorien Sardou, Le succès de cette affiche a conduit à un contrat pour produire des affiches pour six autres pièces par Bernhardt. Au cours des quatre années suivantes, il a également conçu des décors, des costumes et même des bijoux pour l’actrice. Basé sur le succès de ses affiches de théâtre, Mucha a fait des affiches pour une variété de produits, allant de cigarettes et de savon à des biscuits à la bière, tous mettant en vedette une figure féminine idéalisée avec une figure de sablier. Il a continué à concevoir des produits, des bijoux aux boîtes à biscuits, dans son style distinctif.
À Vienne, Koloman Moser (1868-1918), le plus grand créateur de graphiques et d’affiches, participe activement au mouvement de la Sécession avec Gustav Klimt et Josef Hoffmann, et réalise des illustrations et des couvertures pour le magazine du mouvement, Ver Sacrum. ainsi que des peintures, des meubles et de la décoration.
La peinture
La peinture est un autre domaine important de l’Art Nouveau, bien que la plupart des peintres de l’Art Nouveau soient aussi associés à d’autres mouvements artistiques, en particulier les Nabis en France et les Symbolistes en France et en Autriche. En 1892, Siegfried Bing organise à Paris une exposition réunissant sept peintres dont Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton et Maurice Denis; et sa Maison de l’Art Nouveau expose des tableaux de Georges Seurat, Paul Signac et Henri de Toulouse-Lautrec. Eugène Grasset, Koloman Moser et Gustav Klimt se sont déplacés confortablement dans l’avant-garde et l’Art nouveau. En Belgique, Fernand Khnopff a travaillé à la fois dans la peinture et le graphisme. Les peintures de Gustav Klimt faisaient partie intégrante du décor de Josef Hoffmann pour le Palais Stoclet. Un thème commun des deux peintres symbolistes et Art Nouveau de l’époque était la représentation stylisée des femmes. Un sujet populaire était la danseuse américaine Loie Fuller, représentée par des peintres et des affichistes français et autrichiens.
Art de verre
L’art du verre était un médium dans lequel l’Art Nouveau trouvait des formes d’expression nouvelles et variées. D’intenses expérimentations se poursuivent, notamment en France, pour trouver de nouveaux effets de transparence et d’opacité: en gravure, le camée de la victoire, les doubles couches et la gravure à l’acide, technique qui permet la production en série. La ville de Nancy est devenue un centre important pour l’industrie verrière française, et les ateliers d’Emile Gallé et de l’atelier Daum, dirigés par Auguste et Antonin Daum, s’y trouvaient. Ils ont travaillé avec de nombreux designers, dont Ernest Bussière, Henri Bergé et Amalric Walter. Ils ont développé une nouvelle méthode d’incrustation de verre en pressant des fragments de verre de couleur différente dans la pièce inachevée. Ils ont souvent collaboré avec le designer de meubles Louis Majorelle, dont la maison et les ateliers étaient à Nancy. Une autre caractéristique de l’Art nouveau était l’utilisation de vitraux avec ce style de thèmes floraux dans les salons résidentiels, en particulier dans les maisons Art nouveau à Nancy. Beaucoup ont été l’œuvre de Jacques Gruber, qui a fait des fenêtres pour la Villa Majorelle et d’autres maisons.
En Belgique, l’entreprise leader était la verrerie du Val Saint Lambert, qui créait des vases aux formes organiques et florales, dont beaucoup étaient conçus par Philippe Wolfers. Wolfers a été noté particulièrement pour créer des travaux de verre symboliste, souvent avec la décoration en métal attachée. En Bohême, alors une région de l’Empire austro-hongrois connue pour la cristallerie, les sociétés Lobmeyr et Loetz-Witwe ont également expérimenté de nouvelles techniques de coloration, produisant des couleurs plus vives et plus riches. En Allemagne, l’expérimentation a été menée par Karl Köpping, qui a utilisé du verre soufflé pour créer des verres extrêmement délicats sous forme de fleurs; si délicat que peu survivent aujourd’hui.
A Vienne, les dessins en verre du mouvement de la Sécession étaient beaucoup plus géométriques que ceux de la France ou de la Belgique; Otto Prutscher était le concepteur de verre le plus rigoureux du mouvement.
En Grande-Bretagne, un certain nombre de dessins de vitraux floraux ont été créés par Margaret Macdonald Mackintosh pour l’exposition architecturale intitulée «La maison d’un amateur d’art».
Aux États-Unis, Louis Comfort Tiffany et ses designers sont devenus particulièrement célèbres pour leurs lampes, dont les nuances de verre ont utilisé des thèmes floraux communs compliqués. Les lampes Tiffany ont gagné en popularité après l’Exposition universelle de Chicago en 1893, où Tiffany a exposé ses lampes dans une chapelle de style byzantin. Tiffany expérimenta intensivement les procédés de coloration du verre, breveta en 1894 le procédé du verre Favrile, qui utilisait des oxydes métalliques pour colorer l’intérieur du verre fondu, lui conférant un effet irisé. Ses ateliers ont produit différentes séries de la lampe Tiffany dans différentes conceptions florales, avec des vitraux, des écrans, des vases et une gamme d’objets décoratifs. Ses œuvres furent d’abord importées en Allemagne, puis en France par Siegfried Bing, puis devinrent l’une des sensations décoratives de l’Exposition de 1900. Un rival américain de Tiffany, Steuben Glass, a été fondé en 1903 à Corning, NY, par Frederick Carder, qui, comme Tiffany, a utilisé le procédé Fevrile pour créer des surfaces aux couleurs iridescentes. John La Farge est un autre remarquable artiste verrier américain. Il crée des vitraux complexes et colorés sur des thèmes religieux et purement décoratifs.
Art de métal
Le théoricien architectural du XIXe siècle, Viollet-le-Duc, préconisait de montrer plutôt que de dissimuler les charpentes métalliques des bâtiments modernes, mais les architectes Art Nouveau Victor Horta et Hector Guimard allèrent plus loin: ils ajoutèrent une décoration en fer aux courbes inspirées des végétaux et des végétaux. formes à la fois dans les intérieurs et les extérieurs de leurs bâtiments. Ils ont pris la forme de rampes d’escalier à l’intérieur, de luminaires et d’autres détails à l’intérieur, et de balcons et autres ornements à l’extérieur. Ceux-ci sont devenus quelques-unes des caractéristiques les plus distinctives de l’architecture Art nouveau. L’utilisation de la décoration métallique dans les formes végétales est également apparue dans l’argenterie, les lampes et autres objets décoratifs.
Aux États-Unis, le concepteur George Grant Elmslie a réalisé des conceptions en fonte extrêmement complexes pour les balustrades et autres décorations intérieures des bâtiments de l’architecte de Chicago Louis Sullivan.
Alors que les designers français et américains utilisaient des formes florales et végétales, Joseph Maria Olbrich et les autres artistes de la Secession ont conçu des théières et d’autres objets métalliques dans un style plus géométrique et sobre.
Bijoux
L’art nouveau est caractérisé par des formes et des lignes douces et incurvées, et comporte habituellement des conceptions naturelles telles que des fleurs, des oiseaux et d’autres animaux. Le corps féminin est un thème populaire et est présenté sur une variété de pièces de bijoux, en particulier camées. Il comprenait souvent de longs colliers de perles ou de chaînes en argent sterling ponctués de perles de verre ou se terminant par un pendentif en argent ou en or, souvent conçu comme un ornement pour contenir un seul bijou à facettes d’améthyste, de péridot ou de citrine.
La période Art Nouveau a apporté une révolution stylistique notable à l’industrie de la bijouterie, menée en grande partie par les grandes firmes parisiennes. Au cours des deux siècles précédents, l’accent mis sur la joaillerie avait créé des cadres dramatiques pour les diamants. Pendant le règne de l’Art Nouveau, les diamants jouaient généralement un rôle de soutien. Les joailliers ont expérimenté une grande variété d’autres pierres, y compris l’agate, l’opale de grenat, la pierre de lune, l’aigue-marine et d’autres pierres semi-précieuses, et avec une grande variété de nouvelles techniques, entre autres émaillage, Ivoire.
Les premiers joailliers de Paris dans le style Art Nouveau comprenaient Louis Aucoc, dont la bijouterie familiale datait de 1821. Le plus célèbre designer de l’époque Art Nouveau, René Lalique, a fait son apprentissage dans le studio Aucoc de 1874 à 1876. Lalique est devenu un centre figure de bijoux et de verre Art Nouveau, utilisant la nature, des libellules aux herbes, comme modèle. Des artistes de l’extérieur du monde traditionnel de la joaillerie, tels que Paul Follot, mieux connu en tant que designer de meubles, ont expérimenté des modèles de bijoux. Parmi les autres créateurs français de bijoux Art Nouveau, citons Jules Brateau et Georges Henry. Aux États-Unis, le designer le plus célèbre est Louis Comfort Tiffany, dont le travail a été montré à la boutique de Siegfried Bing et également à l’Exposition de Paris 1900.
En Grande-Bretagne, le personnage le plus en vue était le designer de Liberty & Co., Archibald Knox, qui fabriqua une variété de pièces Art nouveau, y compris des boucles de ceinture en argent. CR Ashbee a conçu des pendentifs aux formes de paons. Le designer polyvalent de Glasgow, Charles Rennie Mackintosh, a également fabriqué des bijoux en utilisant des symboles celtiques traditionnels. En Allemagne, le centre des bijoux Jugendstil était la ville de Pforzheim, où se trouvaient la plupart des entreprises allemandes, dont Theodor Fahrner. Ils ont rapidement produit des œuvres pour répondre à la demande du nouveau style.
Architecture
L’architecture Art Nouveau réagit aux styles éclectiques qui dominèrent l’architecture européenne dans la seconde moitié du XIXe siècle. Il a été exprimé à travers la décoration. Les bâtiments étaient couverts d’ornement en formes courbes, à base de fleurs, de plantes ou d’animaux: papillons, paons, cygnes, iris, cyclamens, orchidées et nénuphars. Les façades étaient asymétriques et souvent décorées de carreaux de céramique polychrome. La décoration suggérait habituellement le mouvement; il n’y avait aucune distinction entre la structure et l’ornement.
Le style est apparu pour la première fois à l’Hôtel Tassel (1894) et à l’Hôtel Solvay (1900) de Victor Horta à Bruxelles. L’Hôtel Tassel a été visité par Hector Guimard, qui a utilisé le même style dans son premier grand ouvrage, le Castel Béranger (1897-98). Dans toutes ces maisons, les architectes ont également conçu le mobilier et la décoration intérieure, jusqu’aux poignées de porte et aux tapis. En 1899, s’appuyant sur la renommée du Castel Béranger, Guimard reçoit une commande pour concevoir les entrées des stations du nouveau métro de Paris, inauguré en 1900. Bien que peu d’originaux aient survécu, ceux-ci deviennent le symbole du mouvement Art Nouveau. à Paris.
À Paris, le style architectural était aussi une réaction à la stricte réglementation imposée sur les façades des bâtiments par Georges-Eugène Haussmann, le préfet de Paris sous Napoléon III. Les bow-windows ont finalement été autorisés en 1903, et les architectes Art Nouveau sont allés à l’extrême opposé, notamment dans les maisons de Jules Lavirotte, qui étaient essentiellement de grandes œuvres de sculpture, entièrement recouvertes de décoration. Un important quartier de maisons Art nouveau est apparu dans la ville française de Nancy, autour de la Villa Majorelle (1901-02), la résidence du designer de meubles Louis Majorelle. Il a été conçu par Henri Sauvage comme une vitrine pour les conceptions de meubles de Majorelle.
Le style architectural s’est étendu de la Belgique et la France à l’Allemagne, la Suisse, l’Italie et l’Espagne et le reste de l’Europe, en prenant un nom et un caractère différents dans chaque pays. Il a atteint son apogée en 1910, et au début de la Première Guerre mondiale, il était pratiquement terminé. Un nouveau style, Art Déco, a pris sa place.
Meubles
La conception des meubles à l’époque de l’Art nouveau était étroitement associée à l’architecture des bâtiments. Les architectes ont souvent conçu les meubles, les tapis, les luminaires, les poignées de porte et d’autres détails décoratifs. Le mobilier était souvent complexe et coûteux; une finition fine, généralement polie ou vernie, était considérée comme essentielle, et les dessins continentaux étaient généralement très complexes, avec des formes incurvées qui coûtaient cher. Il avait aussi l’inconvénient que le propriétaire de la maison ne pouvait pas changer les meubles ou ajouter des pièces dans un style différent sans perturber l’effet de la pièce. Pour cette raison, lorsque l’architecture Art Nouveau s’est démodée, le style de mobilier a également largement disparu.
En France, le centre de conception et de fabrication de meubles était à Nancy, où deux grands designers, Émile Gallé et Louis Majorelle avaient leurs studios et ateliers, et où l’Alliance des industries d’art (plus tard appelée l’école de Nancy) avait été fondée en 2001. Les deux designers ont basé leur structure et leur ornementation sur des formes tirées de la nature, y compris des fleurs et des insectes, comme la libellule, un motif populaire dans le design Art nouveau. Gallé était particulièrement connu pour son utilisation de la marqueterie en relief, sous la forme de paysages ou de thèmes poétiques. Majorelle était connu pour son utilisation de bois exotiques et coûteux, et pour attacher des bronzes sculptés dans des thèmes végétaux à ses meubles. Les deux concepteurs ont utilisé des machines pour les premières phases de fabrication, mais toutes les pièces ont été finies à la main. Eugène Vallin et Émile André sont d’autres designers de meubles remarquables de l’École de Nancy; tous deux étaient architectes de formation, et tous deux ont conçu des meubles qui ressemblaient aux meubles de designers belges tels que Horta et Van de Velde, qui avaient moins de décoration et suivaient de plus près les plantes et les fleurs incurvées. Henri Bellery-Desfontaines, qui s’inspire des styles néo-gothiques de Viollet-le-Duc, figure parmi les autres grands designers français. et Georges de Feure, Eugène Gaillard et Édouard Colonna, qui ont travaillé ensemble avec le marchand d’art Siegfried Bing pour revitaliser l’industrie française du meuble avec de nouveaux thèmes. Leur travail était connu pour le « naturalisme abstrait », son unité de lignes droites et courbes, et son influence rococo. Le mobilier de Feure au pavillon Bing a remporté une médaille d’or à l’Exposition de Paris 1900. Le designer français le plus insolite et le plus pittoresque fut François-Rupert Carabin, un sculpteur de formation, dont les meubles représentaient des formes féminines nues sculptées et des animaux symboliques, en particulier des chats, qui combinaient des éléments Art Nouveau et Symbolisme. Charles Plumet et Alexandre Charpentier sont d’autres designers de meubles influents à Paris. À bien des égards, le vieux vocabulaire et les techniques du mobilier rococo français classique du XVIIIe siècle ont été réinterprétés dans un nouveau style.
En Belgique, les architectes pionniers du mouvement Art Nouveau, Victor Horta et Henry van de Velde, ont conçu des meubles pour leurs maisons, en utilisant des lignes de courbes vigoureuses et un minimum de décoration. Le designer belge Gustave Serrurier-Bovy a ajouté plus de décoration, en appliquant des bandes de laiton dans des formes incurvées. Aux Pays-Bas, où le style s’appelait Nieuwe Kunst ou New Art, HP Berlag, Lion Cachet et Theodor Nieuwenhuis suivaient un parcours différent, celui du mouvement anglais Arts and Crafts, avec des formes rationnelles plus géométriques.
En Grande-Bretagne, le mobilier de Charles Rennie Mackintosh était purement Arts et Métiers, avec austère et géométrique, avec de longues lignes droites et des angles droits et un minimum de décoration. Les dessins continentaux étaient beaucoup plus élaborés, utilisant souvent des formes courbes dans les formes de base de la pièce, et dans des motifs décoratifs appliqués. En Allemagne, le mobilier de Peter Behrens et du Jugendstil était en grande partie rationaliste, avec des lignes droites géométriques et une certaine décoration attachée à la surface. Leur but était exactement le contraire de l’Art Nouveau français; la simplicité de la structure et la simplicité des matériaux, pour des meubles qui pourraient être peu coûteux et facilement fabriqués en série. Il en va de même pour le mobilier des designers de la Wiener Werkstätte à Vienne, dirigé par Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich et Koloman Moser. Le mobilier était géométrique et avait un minimum de décoration, bien que dans le style, il a souvent suivi le précédent historique national, en particulier le style Biedemeier.
La conception de meubles italiens et espagnols s’est déroulée dans leur propre direction. Carlo Bugatti en Italie a conçu l’extraordinaire Snail Chair, bois recouvert de parchemin peint et de cuivre, pour l’Exposition Internationale de Turin de 1902. En Espagne, à la suite d’Antoni Gaudi et du mouvement Modernismo, le designer de meubles Gaspar Homar a conçu des œuvres inspirées par des formes naturelles avec des touches de styles historiques catalans.
Aux États-Unis, le design des meubles s’inspire plus souvent du mouvement Arts and Crafts, ou des modèles historiques américains, que de l’Art nouveau. Charles Rohlfs, de Buffalo, New York, est un concepteur qui introduit les thèmes de l’Art Nouveau. Ses créations pour les meubles en chêne blanc américain sont influencées par des motifs d’art celtique et gothique, avec des touches d’Art Nouveau dans les garnitures métalliques appliquées aux pièces.
Céramique
La dernière partie du 19ème siècle a vu de nombreuses innovations technologiques dans la fabrication de la céramique, en particulier le développement de la porcelaine à haute température (grand feu) avec des glaçures cristallisées et mates. Dans le même temps, plusieurs techniques perdues, telles que le glaçage d’oxblood, ont été redécouvertes. La céramique Art Nouveau a également été influencée par les céramiques traditionnelles et modernes japonaises et chinoises, dont les motifs végétaux et floraux s’accordaient bien avec le style Art Nouveau. En France, les artistes ont également redécouvert les méthodes traditionnelles grés et les ont réinventées avec de nouveaux motifs. La céramique trouve également un nouvel usage important en architecture: les architectes Art nouveau, Jules Lavirotte et Hector Guimard, commencent à décorer les façades des bâtiments avec des carreaux de céramique, souvent réalisés par l’entreprise Alexandre Bigot, leur conférant un style Art nouveau look sculptural. Dans la céramique Art Nouveau, le domaine de la sculpture et de l’architecture a rapidement évolué.
Ernest Chaplet, l’un des céramistes pionniers de l’art nouveau français, a fait carrière dans la céramique pendant trente ans. Il a commencé à produire des grès influencés par des prototypes japonais et chinois. À partir de 1886, il travaille avec le peintre Paul Gauguin sur des motifs en grès avec des figures appliquées, de multiples poignées, peintes et partiellement vitrées, et collabore avec les sculpteurs Félix Bracquemond, Jules Dalou et Auguste Rodin. Ses œuvres ont été acclamées à l’Exposition de 1900.
Les grandes entreprises céramiques nationales occupent une place importante à l’Exposition de Paris de 1900: la Manufacture nationale de Sèvres en dehors de Paris; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch en Allemagne et Doulton en Grande-Bretagne. Parmi les autres céramistes français de premier plan figuraient Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse et Auguste Delaherche.
En France, la céramique Art Nouveau a parfois franchi la ligne de la sculpture. La figurine en porcelaine Danseuse à écharpe d’Agathon Léonard, réalisée pour la Manufacture nationale de Sèvres, a été reconnue dans les deux catégories lors de l’Exposition universelle de Paris en 1900.
L’usine de Zsolnay à Pécs, en Hongrie, était dirigée par Miklós Zsolnay (1800-1880) et son fils, Vilmos Zsolnay (1828-1900), avec le chef designer Tádé Sikorski (1852-1940), pour produire du grès et d’autres céramiques en 1853. En 1893, Zsolnay introduit des pièces en porcelaine en éosine. Il a conduit l’usine à une reconnaissance mondiale en faisant la démonstration de ses produits innovants lors de foires mondiales et d’expositions internationales, notamment à l’Exposition universelle de 1873 à Vienne, puis à l’Exposition universelle de 1878 à Paris où Zsolnay a reçu un Grand Prix. Des décorations de bâtiments Zsolnay résistant au gel ont été utilisées dans de nombreux bâtiments, en particulier pendant le mouvement Art Nouveau.
Textiles et papiers peints
Les textiles et les papiers peints ont été un vecteur important de l’Art Nouveau dès le début du style et un élément essentiel du design d’intérieur Art nouveau. En Grande-Bretagne, les créations textiles de William Morris ont contribué au lancement du mouvement Arts and Crafts puis de l’Art Nouveau. De nombreux modèles ont été créés pour le grand magasin Liberty à Londres, qui a popularisé le style dans toute l’Europe. L’un de ces concepteurs était le Silver Studio, qui offrait des motifs floraux stylisés colorés. D’autres conceptions distinctives sont venues de Glasgow School et de Margaret Macdonald Mackintosh. L’école de Glasgow a introduit plusieurs motifs distinctifs, y compris des œufs stylisés, des formes géométriques et la « Rose de Glasgow ».
En France, une contribution majeure a été faite par le designer Eugène Grasset qui publia en 1896 La Plante et ses applications ornementales, suggérant des dessins Art nouveau à base de différentes fleurs et plantes. De nombreux modèles ont été conçus et réalisés pour les grands fabricants français de textiles à Mulhouse, Lille et Lyon, par des ateliers allemands et belges. Le designer allemand Hermann Obrist s’est spécialisé dans les motifs floraux, en particulier le cyclamen et le style «whiplash» à base de tiges de fleurs, qui est devenu un motif majeur du style. Le belge Henry van de Velde a présenté une œuvre textile, La Veillée d’Anges, au Salon La Libre Esthéthique de Bruxelles, inspirée par le symbolisme de Paul Gauguin et des Nabis. Aux Pays-Bas, les textiles étaient souvent inspirés des motifs de batik des colonies néerlandaises des Indes orientales. L’art populaire a également inspiré la création de tapisseries, de tapis, de broderies et de textiles en Europe centrale et en Scandinavie, dans le travail de Gerhard Munthe et de Frida Hansen en Norvège. Le design de Five Swans d’Otto Eckmann est apparu dans plus d’une centaine de versions différentes. Le designer hongrois Janos Vaszary a combiné des éléments Art Nouveau avec des thèmes folkloriques.