Cela a disparu dans les années quarante du XXe siècle. A l’occasion du Jubilé de l’an 2000, une nouvelle table du maître-autel a été réalisée pour remplacer la précédente. Il a été construit dans un style moderniste par l’architecte Ernesto Gómez Gallardo.
Autel des rois
L’autel des rois est situé dans l’abside du temple, derrière l’autel principal. Il s’agit de l’œuvre de Jerónimo de Balbás, auteur entre autres de l’autel du Pardon de cette même cathédrale, et du maître-autel disparu de l’église du Tabernacle de la cathédrale de Séville. Sa construction a commencé en 1718, elle est réalisée dans le style churrigueresco en bois de cèdre blanc et ayacahuitePandorada, a été achevée en 1737 par Francisco Martínez, ce qui en fait la plus ancienne œuvre churrigueresque du Mexique. Elle mesure 25 mètres de haut, 13,75 m de large et 7,5 m de profondeur, en raison de ces dimensions, elle est connue comme «la grotte dorée». Il a été restauré en 2003.
Le retable est divisé en trois rues, présentant une composition exubérante de pilastres, colonnes, feuillage, guirlandes et chérubins. Il tire son nom des sculptures de saints appartenant à la royauté qui font partie de sa décoration. En bas, de gauche à droite, six reines canonisées apparaissent: Daisy of Scotland, Helena of Constantinople, Isabel of Hungary, Isabel of Portugal, Cunegunda of Luxembourg and Edith de Wilton. Au centre de l’autel se trouvent six rois canonisés: Herménégildo, Henri II du Saint Empire romain germanique, Eduardo le Confesseur et Casimir de Pologne, situés en position basse, et Louis IX de France et Ferdinand III de Castille, situés en position supérieur aux quatre précédents. Au centre de ces rois se trouve une peinture à l’huile de l’adoration des rois par Juan Rodríguez Juárez qui montre Jésus comme roi des rois.
La partie supérieure présente une peinture de l’Assomption de la Vierge, du même auteur, en reine céleste. La peinture d’hypothèse est flanquée de deux bas-reliefs ovales représentant Saint Joseph avec l’enfant Jésus et Sainte Thérèse d’Avilawith une plume à la main et le Saint-Esprit, qui l’inspire à écrire, au-dessus d’elle. Le retable est complété par les images du Christ et de Marie entourées d’anges qui portent des attributs de louange à la vierge tels que la fontaine scellée, la maison d’or, le puits d’eau vive et la tour de David. L’ensemble est couronné d’une double voûte dorée dans laquelle apparaît l’image de Dieu le Père tenant le monde.
Le maître-autel
Gouvernant la Nouvelle-Espagne, le vice-roi Marquis de Mancera a construit le maître-autel ou le tabernacle « dont les colonnes, dit le vice-roi dans l’instruction donnée à son successeur, sont d’un matériau similaire en splendeur et en permanence à l’albâtre (du marbre appelé tecali) et je oser croire qu’il peut rivaliser avec n’importe qui en Italie qui a une opinion. »
Conservez dans les Archives générales l’acte de concert pour l’usine du maître-autel réalisé avec Antonio Maldonado, maître de l’architecture et assembleur, en tant que directeur, et Juan Montero et Pedro Maldonado, maîtres de cet art, en tant que garants. L’autel entier serait riche en taille; Il se composerait de deux corps principaux avec leurs oranges superposées et d’une lanterne couronnant le tout. En dessous, il y aurait quatre corps latéraux avec leurs dômes respectifs et tout au long de l’œuvre, les sculptures seraient réparties comme suit: dans le premier corps douze statues des apôtres, ou celles qui sont choisies, et sur les quatre coupoles les évangélistes; l’intérieur de la demi-orange tombe comme la gloire avec les séraphins et au milieu Dieu le Père ou le Saint-Esprit. Sur les massifs de la sotabanca du second corps, huit anges ou les saints qui furent nommés, et au centre l’Assomption de la Vierge, patronne du temple; enfin, sur la lanterne, à voir de n’importe où dans l’église, San Miguel. Naturellement, les matériaux avec lesquels chaque partie du travail doit être construite sont spécifiés; la stabilité et la solidité sont exigées et l’excellence des sculptures est prescrite.
Le vice-roi, selon ses conseillers, avait pris des dispositions pour que l’autel principal soit placé sur le site où il a été construit, c’est-à-dire une section plus au nord de la croisière, non seulement en dessous du dôme mais légèrement plus vers l’abside. Pour cette raison, une discussion a éclaté qui a motivé beaucoup de papier et des efforts qui auraient pu être mieux utilisés. En fait, depuis lors, la commodité de changer le chœur a été déplacée vers le côté nord du temple et laisser l’autel principal pendant la croisière, juste en dessous du dôme. Un dossier volumineux est conservé à ce sujet dans les Archives Générales de la Nation et certains documents relatifs au même sujet dans les archives de la Cathédrale.
Tous les inconvénients et tous les avantages ont été soigneusement pesés; Il a même été question des courants d’air qui se sont formés au cours de la croisière, ce qui était gênant pour le maître-autel. Les maîtres de l’architecture ont été convoqués pour régner et tout le monde a convenu qu’il n’y avait aucun obstacle à placer l’autel principal sous le dôme et même à passer le choeur du côté nord sur cet autel principal et l’autel des rois. Ainsi, lorsqu’il a semblé que cette nouvelle disposition allait être adoptée, au vu de tant de documents favorables, le Conseil de la cathédrale a décidé de transmettre l’affaire au maître de cérémonie, lui ordonnant de dire s’il y avait un inconvénient à adopter la nouvelle disposition .. Le maître de cérémonie gâte tout ce qui avait été élaboré auparavant. Selon vous, que nous reproduisons en annexe, il y a des raisons qui étaient d’une importance capitale à cette époque: premièrement, dans toutes les cathédrales espagnoles, le chœur est au même endroit où il avait été établi au Mexique. Elle peut ou non détruire l’aspect architectural du bâtiment, mais la liturgie espagnole oblige le chœur à occuper cet espace de la nef. Il ne peut pas être déplacé vers le nord ou supprimé le couloir appelé le craquement, car il y a des cérémonies dans le culte catholique qui exigent que les chanoines se rendent parfois en procession du chœur au maître-autel et vice versa, pour plus de décorum et de somptuosité. culte, qui ne pourrait pas être obtenu si le chœur était immédiatement à l’autel principal sur le côté nord. Les raisons du maître de cérémonie étaient écrasantes et personne n’a osé s’opposer à ce que l’autel principal ait été construit comme prévu, selon le contrat que nous avons étudié. Il a été construit à l’époque et a été publié le 15 août 1673.
Nous ne gardons pas cet autel primitif mais les données obtenues de votre contrat. Compte tenu de l’époque de sa construction, nous supposons qu’il s’agirait d’une structure de style baroque luxuriante avec ses colonnes de marbre, exactement comme le cyprès vu dans la chapelle Rosario, à Puebla, qui possède également les mêmes colonnes de jaspe; Ornementation baroque basée sur des colonnes Salomon avec des sculptures en bois compoté. Dans la partie inférieure, comme nous l’avons vu, il y avait quatre niches découvertes, avec de petits dômes et une plus grande avec les statues qui apparaissent dans le contrat.
Ce maître-autel a duré de longues années; Au début du XVIIIe siècle, comme nous l’avons mentionné en parlant du trésor de la cathédrale, quatre façades en argent ont été réalisées pour un ornement.
Le temps a passé, les années ont passé et avec elles le changement de goût en matière d’art: le cyprès qui avait paru magnifique au XVIIe siècle, semblait pauvre au siècle suivant. Le travail de l’autel des Rois qui avait été développé à partir de 1718, confié à un artiste de premier plan qui avait travaillé pour la cathédrale de Séville, Jerónimo de Balbás, a influencé toute la construction qui a été faite à l’intérieur du temple et donc l’ancien cyprès a été détruit pour en soulever un autre dans le nouveau style. C’est le même architecte Jerónimo de Balbás qui a élaboré, mais il profite sans aucun doute d’une partie du vieux cyprès, car il a laissé les colonnes de jaspe comme on peut le voir dans les lithographies qui nous apprennent comment était ce deuxième autel. Au lieu des colonnes solomoniques de style baroque, Balbás sculpte des stipes; aux corniches fermées du style précédent, la sévillane remplace les corniches cassées de profils cassés qui montent, descendent, altèrent complètement la structure. Vraisemblablement, les quatre coupoles angulaires du presbytère précédent ont disparu pour ne laisser qu’un grand espace dans lequel le grand tabernacle d’argent que l’archevêque Bizarrón et Eguiarreta ont donné au temple a été placé.
Les sculptures avaient la même invocation que celles du maître-autel précédent et dans le deuxième corps l’image de l’Assomption, en sculpture polychrome, pouvait être vue sur un groupe de nuages. Le deuxième corps diminue considérablement par rapport au premier et le troisième est encore plus étroit. Peut-être en raison de cette forme, le nom de cyprès a été donné à cet autel. Une telle désignation n’est utilisée qu’au XVIIIe siècle; dans le premier, celui du maître-autel était invariablement utilisé; mais cette forme qui ressemble vraiment à celle de l’un de ces arbres qui semble être un symbole de mélancolie dans les cimetières, peut avoir été la cause du changement de désignation, et comme les mots sont dotés d’une vie qui dépasse souvent les limites qui dans a En principe, ils ont été affectés, il a été appelé cyprès chaque autel qui a été isolé, bien que sa forme était complètement différente.
En 1783, le maître-autel est assez endommagé: Balbas n’a pas tenu compte de la stabilité de son œuvre et l’a surchargé de structures; en outre, les colonnes de jaspe étaient extraordinairement lourdes; Puis le Cabildo a appelé un autre architecte pour se prononcer sur ce qui devait être fait. L’architecte était Isidoro Vicente de Balbás, dont nous avons peu de nouvelles: qui a fait les retables de la paroisse de Santa Prisca à Tasco, qui a présenté un projet pour terminer la façade de notre cathédrale, et rien de plus. Je suppose, compte tenu des dates de ces œuvres et de la similitude de style avec les œuvres de Jérôme, que c’est un de ses fils qui a poursuivi en Nouvelle-Espagne le développement de l’œuvre initiée par le Père. L’avis d’Isidoro Vicente de Balbás est assez détaillé et indique ce qui doit être fait pour restaurer le cyprès; noter ce qu’il sait de l’œuvre; indique qu’il est nécessaire de réparer les stipes et même les détails des toilettes, assez curieux, se réfère, car il dit que le système de « secouage » avec un plumeau est celui qui détruit souvent les détails de la sculpture.
Sans aucun doute, les conseils de Balbas ont été couronnés de succès, car les travaux ont persisté au milieu du XIXe siècle. Nous pouvons savoir comment c’était grâce au fait que son image a été conservée dans des lithographies de la première moitié de ce siècle, une de Gualdi que nous reproduisons dans ce livre et une autre qui donne plus de détails, dans laquelle l’acte solennel de l’empereur le couronnement est vu Iturbide。
Mais il ne fait aucun doute qu’au milieu du XIXe siècle, ce cyprès s’était fortement détérioré. De plus, son style n’était pas conforme à ce qui prévalait à l’époque. L’art académique avait envahi tous les esprits; de nombreuses chapelles de la cathédrale avaient vu leurs vieux retables baroques ou churrigueresques perdus pour être remplacés par des autels néoclassiques, en bois ou en stuc, imitant le marbre, avec des filets d’or avec de l’or de mauvaise qualité: il fallait revenir à la beauté classique; Les retables churrigueresques, depuis le début du siècle, avaient été appelés «tas de bois de chauffage doré», ce qui a incité le conseil de la cathédrale à souhaiter embellir son temple avec un nouveau cyprès.
Un éminent architecte espagnol qui a laissé une grande partie de son travail dans notre pays, Don Lorenzo de la Hidalga, a prospéré au Mexique à cette époque. Personne mieux que lui pour construire un nouveau cyprès. Comme il n’y avait pas d’argent pour un tel travail, qui comptait plusieurs milliers de pesos, le Cabildo décida de faire fondre l’image de l’Assomption de Notre-Dame en or et émaux, ainsi que la grande lampe en argent qui pendait devant l’autel de les rois. À cette époque, il n’était pas facile de comprendre le non-sens et le crime de l’art qui impliquaient une telle mesure. Car un bijou à l’image de l’Assomption, patron du temple, réalisé spécialement pour lui, l’année 1610, de manière insurmontable, aurait dû être respecté.
La lampe, d’une usine beaucoup plus récente, n’avait pas le mérite de l’image, mais en tout cas c’était quelque chose d’extraordinaire pour sa grandeur, pour sa richesse, pour sa grandeur exceptionnelle: les bijoux et le cyprès de Balbas ont disparu, ce qui en soi a disparu était un autre joyau, pour donner naissance à l’une des œuvres les plus malheureuses qui aient existé dans notre temple. Nous ne cessons de penser que si ces bijoux avaient été conservés à cette époque, ils auraient disparu lorsque le trésor du temple aurait disparu, c’est incontestable; nous ne jouirions pas de sa contemplation aujourd’hui, mais même l’ancien cyprès avait été laissé, qui en soi était un autre joyau et qui aurait pu subsister comme l’autel des rois subsiste! Quoi qu’il en soit, le 8 avril 1847, Lorenzo de la Hidalga entreprit les travaux du cyprès et le termina trois ans plus tard, au prix de soixante-douze mille pesos.
Il est intéressant, puisque cette œuvre est devenue une mémoire historique, que nous en donnions des détails. La partie en pierre était en charge de Miguel López 3; M. Pablo González a travaillé comme officier. Les tables des autels ont été sculptées dans la pierre que nous appelons chiluca et le cyprès en pierre. Il consistait en deux corps circulaires de diamètre beaucoup plus petit le second que le premier, ce qui l’affectait trop. Le bas du corps consistait en un escalier avec des piédestaux dans lesquels huit statues ont été vues: San Pedro, San Pablo, San José, San Juan Bautista, Santiago el Mayor, San Felipe de Jesús, San Hipólito et San Casiano. Dans l’escalier, un sous-sol plan circulaire a été déplacé avec des reflets qui correspondent aux statues et dans ces reflets des colonnes qui soutiennent le deuxième corps.
À l’intérieur du premier corps, il y avait une structure formée de quatre pilastres avec des arcs qui suivaient le profil curviligne. Une telle structure constituait l’erreur la plus grave de ce cyprès, car si les colonnes avaient simplement été laissées, elle aurait présenté un aspect de légèreté et d’élégance que la lourde structure intérieure a complètement emporté. Sur les colonnes, il y avait un entablement lourd et sur lui un grenier, également lourd, avec huit autres statues qui comprenaient Saint-Domingue de Guzmán, San Francisco de Asís, San Agustín, San Bernardo, San Cayetano, San Felipe de Neri, San Camilo de Lelis et San Ignacio de Loyola. Les sculptures étaient complètement hors échelle, car elles semblaient plus grandes que celles du bas du corps.
Le deuxième corps reposait sur le grenier avec un sous-sol lourd sur lequel étaient érigés quatre pilastres qui soutiennent des arcs et, couronnant le tout, comme s’il débordait sur la structure, un groupe de l’Assomption de Notre-Dame qui était l’œuvre du sculpteur Don José María Moreno.
À cette lourde structure faite de matériaux inférieurs, parce que c’était simplement du stuc et du plâtre, quatre anges étaient encore ajoutés reposant dans des groupes de nuages, exécutés par le même Don José María Miranda et payés à mille pesos chacun par Don Francisco Ontiveros, à qui Il est appelé le dernier bienfaiteur de la cathédrale. Nous avons déjà dit que l’un de ses innombrables services était de détruire les barres de tapincerán des chapelles et de les remplacer par de misérables barres de fer au plomb. C’est l’avantage qu’il a fait à cet autel: le rendre plus lourd, en ajoutant quatre anges sur des amas de nuages à hauteur de main, ce qu’aucun architecte colonial n’aurait osé faire.
L’autel a été libéré le 15 août 1850. À l’occasion de la restauration du temple, l’autel a été démoli, ce qui a provoqué la censure de personnes qui souhaiteraient le garder pour des raisons qui ne sont ni artistiques ni historiques. Sans aucun doute, la cathédrale, comme toute église, doit préserver ses créations, même si elles sont le produit d’époques différentes: il y a peut-être, mais exceptionnellement, un temple qui apparaît avec une homogénéité telle qu’on peut dire que ses éléments ont tous été construits dans un moment historique. Mais, si nous avons déploré que l’autel de Balbas ait été détruit pour être remplacé par celui de De la Hidalga, nous ne pouvons pas faire la même observation lorsque nous nous occupons de la destruction de ce dernier autel, car, bien qu’il soit différent dans l’esprit et le style Le reste du bâtiment, si son mérite pouvait être assimilé à l’un des ouvrages existants, pourrait être justifié et même préservé.
Tel est par exemple le cas du cyprès de la cathédrale de Puebla, conclu quelques années avant le début de celui du Mexique; son idée, ses matériaux, son exécution offrent tant de qualités, que ce serait un véritable crime détruit. Mais si le cyprès du Mexique peut être remplacé par une œuvre qui s’harmonise avec la simplicité de la structure Renaissance et qui, dans son humilité, lui permet de profiter de l’étendue des navires et de la croisière, cela semble très justifié, car avec sa disparition ne perd rien, remplacez-le par un autre travail, pour ne pas prétendre être meilleur, mais simplement moins défectueux.
Styles artistiques de la cathédrale
Le fait que la cathédrale de Mexico soit une authentique école des divers courants artistiques qui ont eu lieu pendant quatre siècles est impressionnant, et qui se reflétait à l’intérieur et à l’extérieur, étant donné que pendant sa construction, les différentes tendances, mouvements et écoles d’art de le domaine de l’architecture, de la peinture, de la sculpture, etc. qui, selon les différents constructeurs, a influencé leur construction.
Ainsi, nous parlons de 400 ans de culture artistique en utilisant toutes sortes de matériaux, tels que le bois, le métal, la tezonte, la pierre, le marbre, le stuc, et surtout la carrière qui est le matériau le plus répandu de la cathédrale, de cette façon nous parlons du gothique l’art, de la fin du XVe siècle jusqu’au néoclassique du XIXe siècle tant dans sa construction que dans ses retables, sculptures, colonnes, étagères, balustrades, voûtes, et nous pouvons affirmer que notre cathédrale a tous les styles qui sont nés, a grandi, mûri et finalement disparu au cours de sa construction et qui a logiquement influencé son usine, les seuls styles qui ne se trouvent pas sont les derniers, appelés génériquement « modernes » ou « modernistes » et surtout les « postmodernistes », pensant que la cathédrale termine son construction vers 1813
Art gothique
Le plus ancien des styles trouvés dans la cathédrale est le soi-disant «gothique», un terme inventé par les humanistes de la Renaissance pour mépriser «l’art des Goths», aujourd’hui les Français, et malgré les efforts pour changer le terme, celui-ci était déjà dans la mémoire des siècles.
L’art gothique est généralement divisé en trois étapes qui s’étendent du XIe siècle à la fin du XVe siècle. Dès la première période dite «gothique primitive» nous avons comme exemple la cathédrale Notre-Dame de Paris (a. 1163); à partir de la seconde qui est appelée «gothique complet», nous avons comme exemple la cathédrale de Chartres (a. 1250), et à partir de la troisième période, appelée «gothique tardif», nous avons comme exemple la chapelle royale du Collège de Cambridge (une . 1515).
En tant que caractéristiques caractéristiques de l’art gothique, nous avons l’utilisation de la forme ogivale (sous la forme d’une feuille); les nervures des voûtes et des colonnes et l’utilisation des rosaces (vitraux circulaires multicolores). Le gothique, comme tout art, reflète les valeurs de l’esprit de l’époque, ainsi, au Moyen Âge, il a privé une spiritualité dirigée « vers le haut », c’est-à-dire vers la hauteur où Dieu est, donc l’homme devrait « regarder vers la hauteurs « plus qu’aux réalités de la terre, d’ici les très hauts navires, les ogives des arcs, des navires et des vitraux qui finissent au point, et qui invitaient à aller vers le haut, où étaient les vraies valeurs.
Les intérieurs des cathédrales gothiques étaient plutôt sombres, comme s’ils invitaient à la méditation, à la prière et à l’intériorité. Le gothique est en train de disparaître vers le XVe siècle, et pourtant, la prodigieuse créativité de l’homme gothique, suscite encore aujourd’hui une profonde admiration, qui a certainement influencé non seulement en France, mais partout en Europe, y compris en Espagne, où l’art nous vient du gothique.
Lorsque la construction de la cathédrale de Mexico a commencé, le gothique était déjà dans ses dernières étapes, cédant la place à de nouvelles et différentes conceptions architecturales et artistiques en général, cependant, la cathédrale a également quelques touches gothiques comme les deux magnifiques voûtes de la sacristie transportées par les nervures gothiques et les sous-stalles, il en va de même pour les voûtes qui couvrent la salle capitulaire, jumelle de la sacristie et qui forment, avec l’abside d’aujourd’hui l’autel de los Reyes, les plus anciens bâtiments de la cathédrale, bien qu’il n’y ait pas de rosaces .
L’art Herreriano
Le prochain des styles architecturaux que nous trouvons dans la cathédrale est le soi-disant Herreriano qui, bien qu’il ne soit pas le suiveur immédiat du gothique, car il est suivi par le maniérisme dont la cathédrale n’a pas d’exemple, car il avait déjà terminé son temps quand la construction du bâtiment de la cathédrale commence.
Le herreriano est un style du nom de l’architecte Juan de Herrera qui doit ce style dont le meilleur exemple est l’Escorial (a. 1584) et dont le travail était sous les ordres du roi Felipe II (1552-1584), style dans lequel il a été promu Amérique espagnole.
Le herreriano a ses propres caractéristiques: sa monumentalité, sa sobriété, son élégance classique et son style sévère et large. Comme le gothique, le herreriano est également causé par la spiritualité de son temps qui porte l’idée d’une Église solidement fondée, de force et de grandeur, mais en même temps d’une grande sobriété, de sorte que les luxes et les ornements sont éliminés.
En vertu de ces concepts, le herreriano utilisera de grands espaces, dont les murs longs, solides et hauts, ne sont interrompus que par les grandes fenêtres carrées, avec un treillis, qui illuminent l’intérieur, de sorte que dans ce style, les vitraux multicolores ne sont pas utilisés.
L’idée est parfaitement exprimée par les éléments qui composent ce type architectural. Étant donc le herreriano le style qui est propre à l’Espagne et promu par le même roi Felipe II, rien d’étrange qu’il ait transmis son influence aux colonies espagnoles, et donc, notre cathédrale a le herreriano dans une large mesure.
En effet, les grands espaces des murs latéraux, à l’est et à l’ouest ainsi que les murs de l’abside, interrompus par les grandes fenêtres carrées qui illuminent l’intérieur des chapelles, donnent une imposante monumentalité vue de l’extérieur. Et à l’intérieur, à la fois la sacristie et la salle capitulaire, sont un exemple clair de la rigueur de Herrera avec une telle sévérité, que plus tard ses murs ont été recouverts de grandes peintures et retables
Art baroque
Entre le dernier stade gothique, à la fin du XVe siècle et le début du baroque à la fin du XVIe siècle, il y a eu une période qui a produit le maniérisme dans la première partie du XVIe siècle en Italie.
Le maniérisme était un mouvement esthétique qui reflétait la crise de l’art qui est apparue à cette période et se caractérise par un art turbulent, plein de contradictions, rare et exagéré avec des visions angoissantes du cauchemar et même diabolique, il est donc difficile de le définir avec précision.
L’architecture n’a pas reçu autant d’influence que la peinture et la sculpture, nous n’avons donc pas correctement d’exemples de ce style. En réaction au maniérisme, une nouvelle forme artistique émerge qui reçoit le nom de baroque, un terme d’origine vraiment incertain, car certains dérivent du terme italien « baroque » qui est le nom d’un syllogisme médiéval et d’autres de la langue portugaise « Baroque » qui en bijouterie signifie une perle irrégulière donc il en sera ainsi jusqu’au 19ème siècle quand on lui donnera une définition plus précise.
Le baroque dominé en termes généraux, de la fin du XVIe siècle au milieu du XVIIIe siècle et trois étapes bien définies peuvent être envisagées: le baroque primitif, le baroque complet et le baroque tardif. Le baroque est une exubérance mystique dans tous les ordres artistiques.
Le XVIe siècle fut l’une des périodes les plus prolifiques pour être un siècle de passage, de transition. Il y a une effervescence extraordinaire dans les domaines politique, économique, social, artistique et attachée à cela, la découverte du Nouveau Monde, transforme les relations internationales, l’art baroque est donc le reflet de cette ambiance répandue.
Dans le domaine religieux, les grands changements qui sont venus de la Réforme protestante et de la réaction de l’Église catholique, ont entraîné un changement dans tous les arts où le baroque se manifestait comme l’exubérant de la foi et la splendeur du culte catholique en architecture, sculpture, peinture, littérature et même musique, réaction baroque qui apparaît largement répandue dans toutes les régions catholiques, face au puritanisme et à la sobriété exagérée des protestants.
Ainsi, le mysticisme du baroque souligne l’optimisme, la vitalité et le triomphe de la foi catholique dans ses splendides ornements, ornements et, à cette époque, audacieuses conceptions artistiques. D’un autre côté, le baroque unifie trois des grands arts: l’architecture, la sculpture et la peinture, de sorte que la chose la plus importante dans le baroque n’est pas le détail, mais la vision globale, qui, encore aujourd’hui, incite ceux qui s’émerveillent à contempler la maîtrise de ce style.
Au Mexique, comme dans toute l’Amérique latine, l’inventivité audacieuse des architectes espagnols, associée à la profonde vision artistique des indigènes, a donné des visions nouvelles et surprenantes au baroque, en particulier au XVIIIe siècle, précisément quand en Europe le baroque s’est éteint. peu à peu, dégénérant en exagération du rococo, ou, comme dans d’autres cas, en prenant le style néoclassique.
De la splendeur du baroque à ses différentes étapes, la cathédrale métropolitaine de Mexico est l’un de ses exemples les plus clairs, car en effet, pendant le développement du baroque, ils sont sous son influence du début du baroque des façades avant, orientale et occidentale. pour atteindre son expression maximale à l’intérieur des chapelles avec ses retables extraordinaires, principalement l’autel des rois et la chapelle des anges, pour n’en nommer que quelques-uns, que nous verrons plus en détail dans les fichiers suivants.
L’art néoclassique
Le baroque dans sa dernière étape, a été assumé dans d’autres styles, y compris le néoclassique. Il s’agit d’un mouvement artistique né en Europe vers la seconde moitié du XVIIIe siècle (1750) et qui dure jusqu’à la fin du XIXe siècle. En fait, c’était une réaction au style exagéré de Rococo, héritier du baroque, d’une part, et d’autre part, était le résultat de la découverte à l’époque, de deux villes gréco-romaines: Pompéi et Herculanum, en L’Italie, dont l’art a influencé le mode dominant à cette époque.
Comme élément fondamental, le néoclassique a cherché à imiter les modèles architecturaux gréco-romains, principalement l’art dorique. Son mysticisme est basé sur un sens romantique des valeurs classiques et une spiritualité centrée sur le désir d’une époque héroïque grecque.
Le romantisme était la principale caractéristique de la littérature et de la musique au XIXe siècle, et a également influencé les arts tels que la peinture, la sculpture et l’architecture. Ce style est un art plutôt symbolique que créatif.
Dans le domaine de l’architecture, l’art néoclassique a fait son apparition en Espagne de Carlos III (1760-1788) et ses meilleurs exemples étaient la Puerta de Alcalá et le bâtiment extraordinaire qui abrite le musée du Prado, à Madrid.
Dans les pays d’Amérique latine, le néoclassique s’est davantage tourné vers les monuments doriques et a duré jusqu’au XXe siècle. La cathédrale de Mexico n’a pas échappé à l’influence du néoclassicisme, et bien qu’elle n’apparaisse pas de manière significative à l’extérieur de la cathédrale, car la plupart du bâtiment a été achevé, si cela apparaît dans certains changements qui ont été apportés à l’intérieur du Les chapelles, et dans certaines d’entre elles, où il y avait des retables baroques, ont été reconstruites, selon les canons dominants de l’époque et c’est précisément le style néoclassique qui règne, ainsi, les autels sculptés dans la carrière des chapelles de Notre-Dame des Dolores et la chapelle de M. del Buen Despacho, à l’ouest, et à l’est, les chapelles de Santa María la Antigua et Notre-Dame de Guadalupe, sont des exemples de l’influence néoclassique.
En conclusion, si quelqu’un voulait connaître les différents styles architecturaux les plus importants qui se sont produits au cours des XVIe, XVIIe, XVIIIe et XIXe siècles, rien de mieux que de prendre comme guide et exemple la cathédrale de Mexico, car ils étaient tous incarnés dans sa construction lorsque chacun des Maîtres Majeurs qui l’ont construit, fidèle à son époque, a uni, de manière merveilleuse, ce qui existait déjà, avec les nouveautés de l’art à l’époque qu’ils devaient vivre.
Il n’y a rien dans la cathédrale qui n’ait été assumé dans son ensemble, bien que les différents styles qui l’ont forgée puissent être distingués.
Cathédrale métropolitaine de Mexico
La cathédrale métropolitaine de l’Assomption de la Très Sainte Vierge Marie dans les cieux (en espagnol: Catedral Metropolitana de la Asunción de la Santísima Virgen María a los cielos) est le siège de l’archidiocèse catholique du Mexique. Il est situé au sommet de l’ancienne enceinte sacrée aztèque près du Templo Mayor, sur le côté nord de la Plaza de la Constitución (Zócalo) au centre-ville de Mexico. La cathédrale a été construite en sections de 1573 à 1813 autour de l’église d’origine qui a été construite peu de temps après la conquête espagnole de Tenochtitlan, pour finalement la remplacer entièrement. L’architecte espagnol Claudio de Arciniega a planifié la construction en s’inspirant des cathédrales gothiques d’Espagne.
En raison du temps qu’il a fallu pour le construire, un peu moins de 250 ans, pratiquement tous les principaux architectes, peintres, sculpteurs, maîtres doreurs et autres artistes plasticiens de la vice-royauté ont travaillé à un moment donné dans la construction de l’enceinte. Cette même condition, celle de sa longue période de construction, a permis d’y intégrer les différents styles architecturaux qui étaient en vigueur et en vogue dans ces siècles: gothique, baroque, churrigueresque, néoclassique, entre autres. La même situation a connu différents ornements, peintures, sculptures et meubles à l’intérieur.
Sa réalisation signifiait un point de cohésion sociale, car elle impliquait les mêmes autorités ecclésiastiques, les autorités gouvernementales, différentes confréries religieuses que de nombreuses générations de groupes sociaux de toutes les classes.
C’est également, en raison de l’influence de l’Église catholique sur la vie publique, que l’édifice a été étroitement lié à des événements d’importance historique pour les sociétés de la Nouvelle-Espagne et du Mexique indépendant. Pour n’en citer que quelques-uns, il y a le couronnement d’Agustín de Iturbide et d’Ana María Huarte en tant qu’empereurs du Mexique par le président du Congrès; la préservation des restes funéraires du monarque susmentionné; enterrement jusqu’en 1925 de plusieurs héros de l’indépendance tels que Miguel Hidalgo y Costilla et José María Morelos; les différends entre libéraux et conservateurs provoqués par la séparation de l’église et de l’État dans la Réforme; la fermeture du bâtiment à l’époque de la guerre de Cristero; les célébrations du bicentenaire de l’indépendance, entre autres.
La cathédrale fait face au sud. Les dimensions approximatives de cette église sont de 59 mètres (194 pieds) de large par 128 mètres (420 pieds) de long et une hauteur de 67 mètres (220 pieds) jusqu’au bout des tours. Il se compose de deux clochers, d’un dôme central, de trois portails principaux. Il a quatre façades qui contiennent des portails flanqués de colonnes et de statues. Il a cinq nefs composées de 51 voûtes, 74 arches et 40 colonnes. Les deux clochers contiennent un total de 25 cloches.
Le tabernacle, adjacent à la cathédrale, contient le baptistère et sert à enregistrer les paroissiens. Il y a cinq grands autels ornés, une sacristie, un choeur, une zone de choeur, un couloir et une salle capitulaire. Quatorze des seize chapelles de la cathédrale sont ouvertes au public. Chaque chapelle est dédiée à un saint ou à des saints différents, et chacune était parrainée par une guilde religieuse. Les chapelles contiennent des autels ornés, des retables, des retablos, des peintures, des meubles et des sculptures. La cathédrale abrite deux des plus grands orgues du XVIIIe siècle des Amériques. Il y a une crypte sous la cathédrale qui abrite les restes de nombreux anciens archevêques. La cathédrale compte environ 150 fenêtres.
Au fil des siècles, la cathédrale a subi des dommages. Un incendie en 1967 a détruit une partie importante de l’intérieur de la cathédrale. Les travaux de restauration qui ont suivi ont mis au jour un certain nombre de documents et d’œuvres d’art importants qui avaient été auparavant cachés. Bien qu’une fondation solide ait été construite pour la cathédrale, le sol d’argile molle sur lequel elle est construite a menacé son intégrité structurelle. La chute des nappes phréatiques et le naufrage accéléré ont fait que la structure a été ajoutée à la liste du Fonds mondial des monuments des 100 sites les plus menacés. Les travaux de restauration commencés dans les années 1990 ont stabilisé la cathédrale et elle a été retirée de la liste des espèces menacées en 2000.