L’art et la créativité sont célébrés à Rome avec Outdoor 2015, le festival organisé par NUfactory dans sa sixième édition. «Ici, maintenant», le titre de cette sixième édition vise à focaliser les dimensions temps de réflexion et espace comme les dernières sur lesquelles structurer notre expérience.

Ici et maintenant, un lieu et une limite de temps. Un unique, non reproductible, qui incarne les différents plans du temps: le passé de la caserne, le présent de la création artistique et la future régénération de l’espace; et un lieu qui n’est pas un simple conteneur mais un vrai contenu.

Les anciennes casernes SMMEP (Establishment Military Electronic appliances Precision) Via Guido Reni, abandonnées au début des années 90, elles deviennent l’instrument à travers lequel le festival met en mouvement divers processus expérientiels: l’acte de transformation de l’espace, la perception d’une «  action transitoire  » , interaction avec les œuvres elles-mêmes, jouissance collective d’un lieu régénéré, participation active des artistes et des cours lors des ateliers de Outdoor Camp.

Soyez présent à tout moment et expérience de l’espace et du temps dans la boîte qui se crée entre les structures architecturales nues et les œuvres d’art qu’elles contiennent, vous vous rendez compte qu’ils s’engagent avec l’espace et le temps à travers la… transformation…

L’extérieur lui-même bouge constamment. Au cours des dernières années, il est devenu un moyen d’expression et de communication dans lequel il a transféré plusieurs expériences artistiques, de nouvelles langues et de nouveaux styles créatifs qui ont attiré de plus en plus d’intérêt public pour devenir une référence au niveau national pour le street art, l’art urbain et de nouvelles expressions artistiques.

Le choix des artistes pour cette édition a pour fondement la volonté de dessiner une carte de l’art la plus grande possible, à partir du street art, toujours essence du festival, pour atteindre d’autres expressions artistiques. Pendant le festival, les nombreuses salles de la caserne sont transformées en pavillons par nation dans laquelle l’exposition est articulée.

L’édition 2015 mettra l’accent sur des concepts tels que l’espace et le temps, des éléments établis pour une expérience unique dans ce contexte spécifique: Here, Now. Le personnel et les artistes se réuniront pour discuter du processus de création en cours dans l’ancienne caserne Guido Reni, lieu qui accueillera du 2 au 31 octobre 2015 la sixième édition de OUTDOOR, le festival international consacré à la créativité urbaine.

Avec un riche programme autour de l’art et de la musique, de la conversation et du cinéma, le festival sera un grand conteneur culturel étroitement lié au lieu dans lequel il se déroule, un lieu qui ne peut être visité que par des spectateurs pendant un mois seulement. Ici, maintenant, c’est une réflexion sur l’acte de création artistique et sa jouissance.

Exposition:
Une montagne de journaux, de meubles, de bibelots, d’étranges machines et de pneus. Calendriers, disquettes, roulettes et vieux ordinateurs; puis, posée au sol et recouverte de poussière, la cassette de Whitney Houston, jeune et méconnaissable. De toutes les choses qui ont captivé mon imagination lors de la première visite à la caserne Guido Reni, des zones abandonnées parsemées d’épaves comme un ouragan avait traversé et entouré par la nature qui reprenait lentement l’espace, mon souvenir le plus vif est, étrangement, cette cassette. Je savais que je le possédais étant enfant, mais je l’avais complètement retiré de ma mémoire. Cette nuit-là, quand je suis rentré chez moi, je l’ai cherché et je l’ai trouvé bien entretenu et organisé avec les autres cassettes. Cela m’a fait réfléchir sur la façon dont un objet et un lieu peuvent être un instrument puissant pour déclencher différentes réactions au fil du temps. Cette cassette oubliée était un objet qui m’a ramené dans le temps, mais, en même temps, à ce moment précis, incarnait ce qui était arrivé – tout le travail à accomplir dans la caserne dans les mois à venir.

La mémoire, l’amnésie, l’attente et la création sont autant de relations que nous entretenons avec le passé et le futur à travers des déclencheurs dans le présent. Voici, maintenant, le titre de la sixième édition du festival, réflexions sur le temps et l’espace, en utilisant ces mesures comme un moyen de structurer notre expérience. Ici et maintenant, un lieu et un temps spécifiques, un moment unique à ne pas reproduire qui englobe en soi différentes époques: le passé de la caserne, les créations artistiques actuelles et la future régénération de l’espace. De cette façon, l’espace n’est pas seulement un vaisseau mais un objet réel.

Pavillon italien

Lucamaleonte
Lucamaleonte est né en 1983 à Rome où il travaille et vit toujours. Il a commencé à utiliser des affiches et des pochoirs, puis il a également consacré ses recherches à la peinture sur toile. Il est l’un des rares artistes au monde à pouvoir utiliser des masques et de la peinture pour la réalisation de pochoirs multi-niveaux très élaborés et caractérisés par des couleurs qui se chevauchent.

Mémoire personnelle que l’artiste a décidé de rendre publique, Lucamaleonte présente une œuvre rare explorant son passé. Un passé qui recouvre le bâtiment qui l’héberge, son intervention artistique brouille la frontière entre public et privé. La caserne est un espace qu’il connaît bien, un lieu de ses souvenirs, un lieu où son grand-père a été, pendant de nombreuses années, le metteur en scène. Pour cette raison, l’artiste romain a décidé d’évoquer l’inauguration et la retraite de son grand-père à travers ses discours d’accueil et d’adieu, récités ici par son père. La photographie qui domine la salle nous transporte jusqu’à ce jour et montre la vue de son grand-père depuis la scène, avec ses collègues et ses subordonnés dans le public.

Dans la pièce adjacente, un triptyque révèle son grand-père vêtu d’un uniforme de général, le visage caché par un hexaèdre, l’une des signatures de l’artiste. La première figure est simplement esquissée, comme un fantôme, tandis que la dernière est complètement définie. L’émergence de son grand-père des murs de la caserne représente le temps qui s’est écoulé, ainsi que sa propre mémoire personnelle de son grand-père, une mémoire qui le lie à cet endroit.

Aucune idée
No Idea est un laboratoire formé par Mauro Pace et Saverio Virillo, tous deux italiens et nés en 1983. Ils se définissent comme des artisans numériques et créatifs. No Idea se concentre sur la conception d’interactions, la création d’installations interactives, la projection et la réalisation d’expositions émotionnelles, interactives et multimédias pour les musées et les événements. Est le résultat d’un rêve réalisé par les deux artistes qui veulent révolutionner les espaces culturels, transformer leurs expérimentations artistiques dans des lieux insolites.

L’installation de No Idea se veut une représentation visuelle des crises postmodernes du monde occidental. Parmi eux, la destruction des certitudes, l’effritement des valeurs universelles qui ont guidé pendant des siècles nos représentations de la logique et celle qui a été mise en débat à cause des phénomènes sociaux et culturels et des événements contemporains. Une mer flottante, symbolique de la conscience humaine, crée le décor de cette installation collective. À première vue rassurante, elle se révèle vite comme une scène tragique. Une lumière volumétrique trahit soudain la présence de silhouettes, symboles d’un événement dramatique qui nous fait vivre la mort dans toute son angoisse inflexible. Un événement authentique et imprévisible, un traumatisme qui a reconfiguré les fondations sur lesquelles repose le monde.

Rub Kandy
Mimmo Rubino, dit Rub Kandy, est un artiste italien et il expérimente sa recherche artistique sur plus d’un support. Ses œuvres sont nettes et précises: il est un grand observateur du contexte urbain et il est capable de le déconstruire par des images et des messages sociaux profonds.

ROOM1 – description de travail par Antonella Di Lullo –
Pour Outdoor Festival, Rub Kandy a décidé d’envahir l’espace de trois salles adjacentes dans la galerie centrale. La technique et le médium distinguent les œuvres, mais il existe un fil conducteur qui les unit: l’espace, les modifications de l’artiste et l’inaccessibilité des espaces.Les trois œuvres in situ découlent d’une recherche approfondie sur le bâtiment et ses éléments architecturaux. Salle 1 – Une pièce sombre et étroite remplie d’eau et, à l’arrière-plan, un grand cercle de lumière. L’espace clos donne un sentiment de difficultés amplifié par la présence d’un mur, construit par nécessité lorsque l’usine était en activité. La grande lumière et ses réverbérations ultérieures sont des éléments qui guident le spectateur et offrent un répit à la sensation écrasante que la pièce apporte à ses yeux.

SALLE 2
Le grand entrepôt qui abrite la deuxième installation de Rub Kandy a été divisé en deux parties distinctes: la première a été laissée intacte afin de démontrer son état détérioré. À l’arrière-plan, la surface peinte en blanc marque une rupture nette, transformant l’espace en une scène aseptique. Par leur franchise, les espaces modifient et améliorent l’écoulement du temps à travers la caserne et son architecture.

SALLE 3
De nombreux miroirs récupérés lors de la réalisation du festival ont été appuyés sur des pilastres et dirigés vers le spectateur. À travers un jeu qui multiplie la réflexion de la lumière dans les miroirs, des faisceaux de lumière traversent l’espace et modifient notre perception visuelle de la pièce.

Bonjour bonjour
Halo Halo, est un artiste italien né en 1984. Il utilise un langage à deux dimensions, créant un labyrinthe de signes destinés à se reproduire à l’infini. Ses œuvres se caractérisent par une structure douce, des compositions complexes qui tracent une orbite faite de pensées qui se perdent dans toutes les directions possibles.

Un enchevêtrement chaotique et déroutant de formes pop art forme une représentation libre des images telles qu’elles apparaissent dans l’esprit avant d’être submergées par la logique. Ce sont les caractéristiques qui définissent continuellement le travail de Halo Halo. La salle est remplie, les coordonnées spatiales et les éléments architecturaux perdent de leur importance. Ils sont plutôt remplacés par les caprices du courant de conscience de l’artiste torinais. Dans ce travail, nous trouvons les engrenages mécaniques qui renvoient à l’ancienne fonction de l’espace, un petit autoportrait de l’artiste, des éléments architecturaux classiques et des détails des cigales qui, avec leurs gazouillis, accompagnaient l’artiste pendant son séjour à la ex Caserma Guido Reni. Avec ces images, l’artiste rappelle le contexte dans lequel il a travaillé et nous invite à nous plonger complètement dans son évocateur,

108
Guido Bisagni, bien connu sous le nom de 108, est un artiste et écrivain de street art italien, né en 1978. Son travail est abstrait, surréaliste et minimal la plupart du temps. Il puise son inspiration dans le graffiti néolithique européen, dans l’avant-garde du XXe siècle et dans des artistes contemporains comme Stak et Richard Long.

Avec ses recherches, 108 se distancie du label d’art de la rue et, au fil des ans, s’est fortement concentré sur la forme et la couleur en tant qu’éléments fondamentaux du langage pictural, créant de grandes figures abstraites. «Pour cette pièce, j’ai voulu créer une synthèse de ma recherche artistique, en me concentrant sur la forme, ou plutôt, la structure métaphysique de ces espaces architecturaux. Une sorte de respect envers la beauté des espaces abandonnés, consommés au fil du temps. irrespectueux, déplacé et inélégant.  »

Ses énormes taches noires génèrent une sensation de conflit intérieur. Ils contiennent un vide qui émane de sa présence intrusive partout où l’on regarde. Ils sont un oxymore conceptuel étant donné que les formes irrationnelles et sans forme ont, en même temps, une ressemblance avec les marques primordiales et les formes contemporaines. Ses figures abstraites contiennent également des imperfections, de petits ruissellements erratiques qui créent des éléments collatéraux de perturbation. Ce qui nous dérange, c’est ce qui est inconnu et incompréhensible, ce qui nous amène finalement vers la réflexion et la contemplation, qui se produit pleinement avec ces œuvres.

Filippo Minelli
Il est un artiste italien et il est né en 1983. Il analyse et recherche de nombreux thèmes comme l’architecture, la politique, la communication et la géographie en les utilisant comme base pour ses créations, installations et performances, documentant le tout par des images et des vidéos. Il s’est toujours intéressé aux paysages et aux espaces publics, et il est devenu un pionnier du Street Art en Italie grâce à ses interventions instinctives et non autorisées.

Tout ce que j’ai fait alors que je ne servais pas dans l’armée est une installation qui, de par son titre même, envoie un message d’intention clair: pour mettre en avant le concept du festival et nous amener dans un ailleurs fait d’allusions et de thèmes provocateurs. Un retournement qui, à première vue, semble hors de propos, souhaite plutôt réfléchir sur les thèmes du festival à travers son absence, créant un contrepoint dissident qui montre des images défavorables liées à ce lieu. Sur une plage aux limites clairement définies, avec une ironie mordante, l’artiste expose, en utilisant des photographies prises dans ses archives, des détails de lieux éloignés, des moments de la vie et des aperçus d’expériences personnelles qui constituent un contrepoint au passé de la caserne, sa fonction, et ce que cela représentait. Mots apparemment déconnectés et opaques, vus sur des affiches accrochées dans la pièce,

Tommaso Garavini
Tommaso Garavini est né à Rome en 1972. Il est diplômé de l’Académie des beaux-arts de Rome. À partir de 1998, il travaille comme scénographe pour le cinéma et le théâtre. Son art va de la peinture, du design au graphisme, en passant par les sculptures et diverses installations. En 2003, il a écrit une pièce de théâtre « Operamara » qui a été mise en scène par Debora Pappalardo, Anastasia Sciuto et Igor Bacovich. En 2006, il a fondé ROTA-LAB, un laboratoire de design et d’art où il travaille toujours.

Scénographie, design d’intérieur et beaux-arts se rejoignent dans ce monde créé par Tommaso Garavini. Combinant ses compétences, il nous amène immédiatement dans le cadre intime d’une pièce qui fonctionne pour la contemplation entre le céleste, le terrestre et l’abîme. La science et la nature se combinent pour cette « Dernière Cène » de Garavini, alors que nous nous déplaçons du tronc brûlé et sculptural, représentant nos pires habitudes terrestres vers les nuages ​​divins d’éléments naturels et de fer. C’est dans ce royaume divin que nous voyons l’union de formes naturelles en cascade avec les arêtes vives d’un «nuage» créé par l’homme.

En tentant d’imiter le chaos de la nature, Garavini s’est laissé aller au rythme du médium lui-même dans un défi de reproduire le chaos « parfait » que nous trouvons dans l’environnement naturel. Qui est assis à cette table avec des assiettes symboliques mises à nu? Les nombres jouent également un rôle important dans l’installation. Treize, un nombre représentant l’amour éternel et la propreté spirituelle ou la malchance, selon la perspective, le chiffre est proportionnellement lié au rapport nuage / table / sculpture en bois. Avec le nuage et la sculpture dans une relation de 1; 1,3 avec la table, les significations opposées de ce nombre sont liées à l’attraction opposée entre l’enfer et le sublime. En progressant de haut en bas, nous avons le droit de nous déplacer entre ces niveaux, en nous déplaçant pour atteindre une harmonie que l’on ne trouve que dans le monde naturel.

Uno
Uno est un artiste italien et il travaille et vit à Rome depuis 2005. Les techniques qu’il utilise pour ses productions sont les classiques du street art, même si à ses débuts il préfère les affiches ou la répétition d’éléments iconiques et de collages. Il est inspiré par les leçons de Warhol, Debord et Rotella, il joue donc avec les techniques publicitaires en utilisant des pulvérisations et de la peinture pour créer une répétition infinie d’images.

Le monde d’UNO est une danse délicate de couleurs, de proportions et de motifs poussés presque à la limite de l’excès. Le principal point d’impact est le mur juste en face de nous, un tour de force du design, du motif et de la couleur qui a marqué les dernières années de la production artistique de l’UNO. S’appuyant sur un large éventail de techniques, du pochoir et du collage aux affiches et à la peinture en aérosol à main levée, UNO embrasse pleinement l’environnement présenté.

À première vue chaotique, mais subtilement équilibré pour l’harmonie, l’espace se concentre sur le losange, le point d’appui géométrique de la pièce. Au sein de ces formes, les motifs principalement noirs et blancs passent de représentations subtiles du visage de Kinder à des gouttes de pluie qui rappellent la fonction de cette pièce, avec son évier niché dans le coin. Donnant vie à la bande-son de l’espace, le concept de l’eau est omniprésent, avec l’évier lui-même transformé en vitrine tridimensionnelle. L’effet calmant de l’eau dans un espace aussi dynamique est répercuté par le choix (et le non-choix) de la couleur. Des dégradés fluorescents lumineux apparaissent autour des éléments noirs et blancs, reflétant subtilement les bandes d’or, qui sont la touche finale à ce qui est un aperçu à 360 degrés de la pratique artistique de UNO.

Alice Pasquini
Alice Pasquini est une artiste romaine qui travaille comme illustratrice, scénographe et peintre. Ses « toiles » préférées sont les murs. Elle a beaucoup voyagé en produisant de nombreuses œuvres d’art, par exemple: Sidney, New York, Barcelone, Oslo, Moscou, Paris, Copenhague, Marrakech, Saigon, Londres et Rome. Née en 1980, elle est diplômée de l’Académie des Beaux-Arts de Rome. Après cela, elle a vécu et travaillé en Angleterre, en France et en Espagne. À Madrid, elle a suivi un cours d’animation vraiment prestigieux à la célèbre école d’animation d’Ars. En 2004, elle a obtenu une maîtrise en critique d’art à l’Université Computense. Par son art, Alice veut exposer le moment le plus intime de son sujet, qui sont des gens normaux et les connexions subtiles entre eux.

Believe It Or Not ‘- avec ces mots, Alice Pasquini emmène le spectateur dans un voyage à travers un espace qui dépeint un côté inattendu et percutant de son œuvre. Un espace guidé par l’illusion à plusieurs niveaux, des couleurs subtiles qui émergent du jeu de couleurs apparemment noir et blanc à la superposition de figures et de phrases.

Croyons-nous ou ne croyons-nous pas? Dans cette pièce, on nous demande de laisser tomber nos gardes et de nous plonger dans ce monde sombre d’Alice. Ce n’est que dans cet espace intérieur que l’artiste peut divulguer un nouvel aspect de son travail, construit sur des constructions de mystère et d’apparitions qui semblent se répandre de toutes les surfaces de l’espace. Libérée de la considération de l’art public, la dualité de l’artiste est exposée. S’éloignant des couleurs vibrantes qui définissent son travail public, ce décor intérieur permet l’apparition de personnages marginaux baignés de noir, appelant à un retour à une autre époque, où la fantaisie et l’illusion nous faisaient croire que tout était possible.

2501
2501 est un artiste italien. Il est apparu pour la première fois sur la scène du Street Art à l’âge de 14 ans, dans les trains et les murs de Milan. Il intègre le graffiti, la peinture sur toile, les sculptures et les vidéos dans sa recherche artistique. À l’âge de 20 ans, il a déménagé à San Paolo au Brésil en tant que graphiste, démarrant quelques partenariats avec des ONG et enseignant aux enfants des favelas.

Recipient.cc est un collectif artistique de Milan. Il est composé de professionnels de différents domaines, comme la communication multimédia, les productions vidéo / audio, les installations interactives, le design et l’art, avec beaucoup de techniques et aussi commerciaux

Blind Eye Factory est un studio indépendant d’artistes, spécialisé dans la production et la réalisation de contenus vidéo et photographiques. Le groupe a été fondé en 2013 par l’union de Giorgio Filippini et Lorenzo Gallito. Dès le début, le studio a concentré son activité dans le domaine de l’art et du design, notamment dans le « nouveau muralisme » et les courants du street art.

Le grand mur peint du 2501 rencontre la technologie expérimentale de Recipient et les images en mouvement de Blind Eye Factory. Lors de l’installation, le pavillon a été transformé en un véritable studio d’art.Dans ce projet de groupe, même le public est appelé à s’engager dans l’œuvre et à devenir un élément essentiel de la pièce, qui se concrétisera avec les mêmes outils utilisés par l’artiste. Les pinceaux utilisés dans la réalisation du mur sont mis à la disposition du public, qui peut les utiliser sur le papier en mouvement trouvé sur Macchina 03, créé par le collectif Destinataire. Chaque jour, les feuilles de papier finies seront accrochées le long des murs du pavillon et ce n’est qu’à la fin du festival que l’installation pourra être complète. L’ensemble de l’installation fait partie du projet d’expérimentation Nomade, qui est une réflexion sur la condition changeante et fragmentée qui caractérise la société contemporaine. À travers ses voyages continus, 2501 expériences et documentent cette condition. Une partie de la vidéo documentaire du projet, de Blind Eye Factory, sera présente dans le pavillon.

Pavillon espagnol
Penique Productions
Penique Productions est un collectif artistique fondé à Barcellona en 2007 par des artistes de différentes disciplines unis dans la réalisation d’un projet commun basé sur la réalisation d’œuvres éphémères. Les œuvres de Penique Productions sont des ballons colorés qui envahissent des surfaces entières. Ils donnent ainsi de nouvelles identités aux espaces.

Pour Penique Productions, la pièce est un prétest par lequel nous pouvons penser à la façon dont nous interagissons avec l’espace. Les deux artistes espagnols utilisent le film plastique pour recouvrir les surfaces des espaces intérieurs, grâce à l’air déplacé par un ventilateur. De cette façon, ils changent la perception que nous avons de l’espace. Par ce processus, la salle est devenue inutilisable et le spectateur s’y sent perdu. Pour la première fois et spécifiquement pour le Festival en plein air, ils ont créé deux environnements plastiques différents qui interagissent les uns avec les autres. L’enveloppe jaune colle aux murs de la pièce, faisant ressortir les formes architecturales. Au coin de la pièce, ils ont créé un énorme cube rouge, qui est le principal objectif de l’œuvre d’art. Apparemment, c’est comme un objet indépendant et indépendant,

Pavillon britannique
Insa
Insa est né en Angleterre et il a commencé à peindre à l’âge de 12 ans. Aujourd’hui, c’est l’un des écrivains les plus innovants et respectés du Royaume-Uni. Ses œuvres sont un mélange d’éléments différents et colorés, dans une constante recherche créative et expérimentation.

Le kaléidoscope fluide d’images dans les animations GIF d’Insa a un pouvoir hypnotique sur le spectateur. Leurs mouvements cycliques, leur profondeur et leurs couleurs brillantes nous font nous attarder, nous immobilisant comme sous l’influence d’un puissant analgésique. La vue d’en haut donne une perspective accentuée de l’œuvre, nous obligeant à observer le vortex qui domine la pièce, un vortex qui, avec son mouvement, s’enfonce dans le néant. Au-dessus se trouve un crâne en rotation sans fin, irrévérencieux et sardonique. Les deux figures ont été créées à travers 8 couches peintes pour former le GIF, la marque distinctive du travail d’Insa. L’artiste anglais réfléchit sur le concept d’immortalité dans les tendances trouvées en ligne par opposition à la vie réelle. Les deux objets représentés dans l’œuvre ont tous deux une double signification symbolique. Le crâne en rotation est à la fois une allégorie de la mort et,

Le vortex, dans la tradition ancienne un symbole de vie et d’évolution, en même temps, par son mouvement, nous met en garde contre la fugacité de la vie. L’ensemble de l’œuvre est une réinvention moderne et dérisoire de la vanité humaine. Représentation farfelue et ludique de la nature éphémère de notre existence, l’œuvre nous rappelle que nous oublions souvent ces conditions lorsque nous nous enfonçons dans le monde illusoire créé en ligne.

Pavillon français
Inclinaison
Tilt est un graffeur bien connu dans le monde entier. Il vient de Tolosa, dans le sud de la France. Il se définit comme un « fétichiste des graffitis », et son premier tag a été réalisé sur une rampe de skateboard en 1988. Sa carrière a été influencée par de longs voyages dans lesquels Tilt a laissé sa marque, par exemple aux États-Unis, à Hong Kong, au Japon, au Mexique, Thaïlande, Australie, Nouvelle-Zélande, Laos, Taïwan, Chine, Canada, Philippines, Indonésie et 12 autres pays d’Europe. Son toujours dévoué à la vieille école et au style sauvage par lequel il crée des formes et des couleurs qui attirent le spectateur.

Il existe différentes couches de sens par lesquelles il est possible d’interpréter le travail de Tilt. Sans l’ombre d’un doute, la nature primordiale du graffiti est essentielle au travail de l’artiste français. Sa recherche artistique s’est toujours concentrée sur ce thème: laisser un signe, son nom, dans une grande partie du monde et sur une grande variété de surfaces. La projection, souvent considérée comme un simple acte de vandalisme, à travers Tilt devient décontextualisée de manière provocante. Extraite et insérée dans des contextes inattendus, elle acquiert une nouvelle beauté troublante et désorientante. Sous cette apparence, les étiquettes deviennent légitimées, tant sur le plan conceptuel qu’esthétique, créant un court-circuit dans les préjugés négatifs à leur encontre.

A l’intérieur de l’ancienne caserne, il a repoussé les limites de ses recherches; pas seulement un acte de simple décontextualisation, il a remodelé les surfaces destinées à ces interventions. Ainsi, les grandes fenêtres deviennent les surfaces sur lesquelles l’artiste travaille. Les nombreuses touches colorées évoquent les grands vitraux des églises gothiques et nous conduisent dans le royaume sacré. La réflexion de la lumière sur les sols et les murs, ainsi que le mur focal avec la silhouette négative des fenêtres nous incitent au respect et à la contemplation. Les grands murs peints contrastent avec une exposition de photos prises des fenêtres du métro de Rome, ainsi que d’autres villes internationales, et la signature de l’artiste. Le spectateur est obligé de traverser le pavillon pour enquêter sur tout l’espace.

Pavillon néerlandais
Chirurgie graphique
Graphic Surgery est un duo artistique hollandais. Leurs noms sont Erris Huigens (1978) et Gysbert Zijlstra (1978). Ils ont exploré les frontières des différentes techniques et genres, en conservant toujours leur style personnel. Ils réalisent généralement des peintures, des graffitis, des vidéos et des installations en utilisant un système de lignes et de géométries en noir et blanc.

L’installation du duo néerlandais est la quatrième d’une série d’œuvres centrées sur des structures complexes qui pénètrent l’espace architectural. Leur travail est fortement influencé par les formes géométriques minimales qui façonnent l’environnement industriel, telles que les poutres trouvées dans les entrepôts et les grues. Ce dernier, en particulier, est quelque chose à quoi ils sont particulièrement liés, un moyen fonctionnel qui est omniprésent dans le paysage urbain, mais qui est souvent ignoré ou crée de la gêne. Pour la chirurgie graphique, la grue mécanique est un symbole de la ville en mutation, un instrument de renouvellement ou de destruction d’un environnement en constante évolution.Leur travail pour Outdoor se concentre sur la reconfiguration de l’environnement de la caserne, implantant un treillis noir transversalement dans trois salles . Chaque pièce est indépendante, tout en faisant partie intégrante de la structure globale. Cette structure en bois rappelle les poutres apparentes des entrepôts du bâtiment, dont les artistes se sont inspirés. Tout comme un cristal purement formé niché dans un morceau de pierre, leur installation transforme les pièces et crée de nouvelles perspectives spatiales.

Pavillon grec
Alexandros Vasmolulakis
Alexandros Vasmoulakis est né en 1980 à Athènes. Il vit entre Athènes et Londres où il travaille en indépendant. Il a commencé sa recherche artistique dans le domaine du street art, puis l’a élargie, surtout ces dernières années, à de grandes installations réalisées avec des matériaux recyclés.

RELICS – description de travail d’Antonella Di Lullo –
Les objets trouvés dans cet espace abandonné ont retrouvé une nouvelle vie grâce à l’art d’Alexandros Vasmoulakis. Son travail pour le festival Outdoor consiste en une série d’installations, créées avec des objets et des matériaux que l’artiste a trouvés lors des visites des sites. L’artiste a associé sa découverte à la revendication du festival, qui est « Ici, maintenant ». On retrouve une colonne faite de chaises, ou une autre faite de tiroirs, représentant toutes deux une sorte de présence statique, contrastant avec la légèreté du panneau ondulé que l’artiste recouvre de paillettes vertes et qui flotte dans l’air grâce à un ventilateur action. Dans les œuvres de Vasmoulakis, les sculptures, les matériaux et le temps ont une importance artistique.

Pavillon brésilien
Tinho
La souffrance et la solitude sont les deux émotions que le spectateur ressent inévitablement lorsqu’il voit les œuvres de Tinho. Son vrai nom est Walter Nomura, et il est né en 1973 au Brésil. C’est un graffeur, et avec son travail, il veut présenter quelle est son image du monde et de la société brésilienne moderne.

L’œuvre de Walter Nomura, alias Tinho, tente de créer un dialogue personnel avec le spectateur, le ramenant à une époque intime, celle de son enfance. À travers ses peintures évocatrices et ses énormes poupées, il transmet l’angoisse de la vie contemporaine, l’aliénation profonde et l’individualisme qui distinguent la vie dans les espaces urbains cachés du rythme effréné de la vie quotidienne. Ses poupées, symboles de l’innocence et de la légèreté perdues, nous guident vers cette plainte implicite et provoquent une réflexion sur le résultat final de nos actions. Par-dessus tout, son travail est le fruit d’un choix moral et éthique: à une époque où l’économie crée des phénomènes qui détruisent notre planète, comme le gaspillage de ressources et la génération d’énormes quantités de déchets, il crée ses marionnettes à l’aide de chutes de tissu et les vêtements usagés.

Pavillon norvégien
Martin Whatson
Martin Whatson est né en 1984 en Norvège et il y vit toujours. Il montre une urgence continue dans la recherche de beauté dans ce qui est généralement considéré comme laid, démodé ou tout simplement pas intéressant. Il puise son inspiration dans les gens, les scènes urbaines, les vieux bâtiments et les murs rayés.

Pochoir et vaporisateur. Ce sont les deux méthodes utilisées par l’artiste norvégien pour son travail ici à Outdoor – une méthode précise et technique, l’autre impulsive et chaotique. La salle, à plus petite échelle que les autres, permet au spectateur une vue panoramique rapide, déclenchant le rythme dynamique de l’œuvre. Les deux personnages sont engagés dans une poursuite sans fin – une intention de peindre, l’autre couvrant ses traces de peinture blanche. C’est un mystère qui a commencé la poursuite et qui la terminera. Ces deux gestes opposés illustrent la nature éphémère de l’art urbain et les dynamiques qui se produisent en travaillant dans un contexte urbain. L’artiste réserve son jugement dans cette lutte entre forces opposées, limitant son implication à l’expression de ce jeu nécessaire entre forces opposées.

Projet spécial

Marine Leriche
Marine Leriche est graphiste, textile et scénographe. Elle a d’abord étudié la communication visuelle et le multimédia à l’École nationale supérieure des arts appliqués et de l’artisanat de Paris. Elle entre ensuite au département de design textile de l’ENSCI-Les Ateliers (Ecole nationale supérieure de design). En même temps, elle a toujours beaucoup appris en travaillant et en collaborant avec des stylistes, des artistes et des agences. En fait, elle a maintenant un profil multidisciplinaire. La création est un besoin qu’elle satisfait en créant et en collectionnant des objets, des images et des contenus dans sa vie quotidienne. Elle aime apprendre en travaillant sur de nouveaux médiums, sur de nouveaux projets, avec de nouveaux partenaires. Selon elle, il est important de toujours stimuler l’imagination en faisant des rencontres et des dialogues entre différents domaines créatifs.

Lorsque nous sommes entrés dans ce lieu, nous avons immédiatement ressenti le besoin de partager les grandes émotions que nous vivions dans cette ancienne usine militaire.Objets trouvés est un catalogue de sentiments qui célèbre un lieu productif et vivant qui est resté actif pendant plus d’un siècle. Pendant trois mois, les sept hectares sur lesquels se déroule l’ancienne caserne SMMEP ont été une terre de découverte. Chaque recoin de cet immense lieu a fait l’objet d’une quête insatiable qui au fil du temps devient une véritable addiction et qui nous a amenés à rassembler les fragments d’une vie qui n’est pas la nôtre.

Avec la curiosité et l’excitation des enfants qui font des découvertes aventureuses dans un grenier poussiéreux et moisi, pour nous chaque objet symbolise une réalisation et chaque réalisation est devenue une histoire. L’histoire que nous voulons raconter est une histoire d’imagination. Les objets exposés sont apparemment sans valeur, mais riches de l’énergie des hommes qui les ont utilisés. Leur placement a une organisation esthétique et émotionnelle faite délibérément afin de ne pas les réduire à un catalogue scientifique de la vie vécue à l’intérieur de ces casernes. Par conséquent, nous vous invitons à une histoire qui ressemble plus à un livre d’images qu’à un livre d’histoire comme moyen de fournir une expérience personnelle, intime et réfléchie.

Meubles, peinture, bois, fer, objets rouillés, chaises, fauteuils, casques, bouteilles, ampoules, affiches, cartes postales, lettres, dessins, enregistrements, commandes et commandes, lunettes de soleil, matériel de ski, stylos, outils, boutons, vestes, chemises , bannières et drapeaux, choses incompréhensibles, vieux ordinateurs, plans, diagrammes, fils électriques, calendriers érotiques, radios, graphiques, prospectus et objets inconnus appréciés pour leur beauté ou pour le simple charme de l’inconnu.

Ce trésor collecté en trois mois est agencé pour transmettre un sentiment de confusion, la même confusion que nous avons connue au début de la recherche. Au lieu de cela, l’exposition adopte une méthode d’affichage rassurante et systémique: par la couleur, la forme, la matière, la texture et le thème. Cela met en valeur l’esthétique des objets, régularise l’espace et facilite le plaisir.Nous amenons le public dans ce fascinant voyage entre des objets du quotidien et des objets inconnus juxtaposés d’une manière qui valorise leur normalité – une invitation à un nouveau regard sublime sur la vie quotidienne .

Festival en plein air de Rome
OUTDOOR a été créé en 2010 dans le but de renforcer la relation entre le citoyen et la ville à travers des interventions artistiques dans le tissu urbain. Après avoir contribué à la caractérisation de l’ancienne zone industrielle d’Ostiense à travers des installations d’art public permanent, le festival se concentre sur le thème de l’utilisation de l’art dans les processus de régénération urbaine comme clé permettant au public d’accéder à la dynamique de transformation affectant territoire et comme moyen de communication de la ville au niveau international.

Outdoor Festival poursuit sa réflexion sur la reconversion des espaces publics à travers l’art et la musique que vous faites devenir l’outil de réactivation de lieux abandonnés favorisant souvent une expérience renouvelée.

Plus de 70 000 mètres carrés qui émergeront comme siège du quartier de la Cité des sciences et du projet de régénération urbaine. L’ancienne caserne a été réactivée grâce à un vaste programme culturel et des interventions spécifiques au site de 17 artistes locaux, nationaux et internationaux qui s’animent temporairement avant sa régénération finale.

Après cinq éditions, plus de 70 artistes impliqués, 16 000 apparitions l’an dernier dans les anciennes coutumes de San Lorenzo, le festival propose cette année un concept simple et fort à la fois.

En collaboration avec les ambassades et instituts culturels à l’étranger, Outdoor Festival accueille 17 artistes de 8 pays qui occupent avec leurs œuvres 10 pavillons dans les espaces abandonnés de l’ancienne caserne Guido Reni.

Des œuvres allant de l’abstrait à 108 mix éclectiques de graffitis, de sculptures et de vidéos en 2501 réalisées en collaboration avec le Destinataire et The Blind Eye Factory. De grandes installations d’œuvres grecques Vasmoulakis de Minelli, politiques oui, mais en même temps introspectives.

L’installation d’un duo néerlandais et noir géométrique essentiel de Chirurgie Graphique, Halo Halo, avec ses labyrinthes bidimensionnels et le charme du «travail du norvégien Martin Whatson dans lequel le gris dramatique est cassé par des taches de couleur, en contrepoint de les poupées colorées chiffonnent le brésilien Tinho pour qu’il transmette ses messages sociaux. La révolution spatiale des Productions Péniques Espagnoles, qui a appelé à une nouvelle conception du lieu à travers la distorsion des mêmes et le graffiti français Tilt nous rappellent que le début de l’écriture. La déconstruction de l’urbain construit par Rub Kandy, Insa et ses « giffiti », images multicouches animées en stop-motion, la recherche du street artist Lucamaleonte qui à cette occasion se concentrera sur la mémoire et le design d’interaction de No Idea. Et enfin, le pavillon Roma,

Un vaste programme d’événements amène le spectateur à découvrir les cultures des pays d’accueil, notamment la conversation, le cinéma, la gastronomie et une large sélection de musique internationale.

Plans d’extérieur pour cette édition une spécification d’extension: avec les arts visuels, la musique est cette année co-star du festival. Chaque œuvre des 17 artistes impliqués est associée à l’intervention d’un musicien appelé à réaliser une installation sonore originale.

Outdoor a également trois particularités: la conférence créative Italianism, de Renato Fountain, qui met l’accent sur la créativité « Made by Italians », un moyen de faire le point sur l’état de la nouvelle scène visuelle avec plus d’une centaine de professionnels et artistes italiens résidant en Italie. et à l’étranger, des mondes de l’architecture, de la direction artistique, de la communication, du design, de la photographie, du dessin animé, du graphisme, de l’illustration, de la murale et de la vidéo.