रोम में कला और रचनात्मकता को आउटडोर 2015 के साथ मनाया जाता है, जो कि छठे संस्करण में NUfactory द्वारा क्यूरेट किया गया त्योहार है। “यहाँ, अब,” इस छठे संस्करण का शीर्षक अंतिम समय के रूप में प्रतिबिंब के समय और अंतरिक्ष आयामों पर ध्यान केंद्रित करना है, जो हमारे अनुभव की संरचना पर है।

यहां और अभी, एक स्थान और एक समय सीमा। एक अद्वितीय, गैर-प्रतिकृति, जो समय के विभिन्न विमानों का प्रतीक है: बैरक का अतीत, कलात्मक निर्माण का वर्तमान और अंतरिक्ष के भविष्य के उत्थान; और एक जगह जो एक साधारण कंटेनर नहीं है, लेकिन वास्तविक सामग्री है।

पूर्व बैरक SMMEP (स्थापना सैन्य इलेक्ट्रॉनिक उपकरण परिशुद्धता) वाया गुइडो रेनी, नब्बे के दशक की शुरुआत में छोड़ दिया गया, वे साधन बन जाते हैं जिसके माध्यम से त्योहार विभिन्न प्रक्रियाओं को अनुभवात्मक रूप से सेट करते हैं: अंतरिक्ष के परिवर्तन का कार्य, ‘क्षणिक कार्रवाई’ की धारणा , खुद के कार्यों के साथ बातचीत, एक जगह के सामूहिक आनंद को पुनर्जीवित किया, बाहरी शिविर की कार्यशालाओं के दौरान कलाकारों और वर्गों की सक्रिय भागीदारी।

किसी भी समय और अंतरिक्ष में मौजूद समय और बॉक्स में मौजूद वास्तुशिल्प संरचनाओं और उनमें मौजूद कला के कामों के बीच के समय के अनुभव पर उपस्थित रहें, आप अपने आप को अंतरिक्ष और समय के साथ उलझाने के बारे में जानते हैं … परिवर्तन के माध्यम से …

आउटडोर खुद लगातार बढ़ रहा है। पिछले वर्षों के माध्यम से यह अभिव्यक्ति और संचार रूपों का एक माध्यम बन गया है जिसमें इसने कई कलात्मक अनुभवों, नई भाषाओं और रचनात्मक शैलियों को स्थानांतरित किया है जिन्होंने राष्ट्रीय स्तर पर सड़क कला, शहरी कला के संदर्भ में अधिक से अधिक सार्वजनिक हित को आकर्षित किया है। और नए कलात्मक अभिव्यक्ति।

इस संस्करण के लिए कलाकारों की पसंद इसकी नींव के रूप में कला का एक नक्शा खींचने की इच्छा है, जो कि सड़क कला से शुरू होती है, हमेशा त्योहार का सार, अन्य कलात्मक अभिव्यक्तियों तक पहुंचने के लिए। त्यौहार के दौरान बैरक के कई हॉल राष्ट्रों द्वारा मंडप में बदल दिए जाते हैं, जिसमें प्रदर्शनी को चित्रित किया जाता है।

2015 का संस्करण अवधारणाओं पर ध्यान केंद्रित करेगा जैसे कि अंतरिक्ष और समय, उस विशिष्ट संदर्भ के लिए अद्वितीय अनुभव के लिए स्थापित तत्व: यहां, अब। कर्मचारियों और कलाकारों के लिए पूर्व Guido Reni बैरकों, एक्ट में रचनात्मक प्रक्रिया पर चर्चा करने के लिए बैठक होगी, 2 से 31 अक्टूबर 2015 तक शहरी रचनात्मकता के लिए समर्पित अंतर्राष्ट्रीय त्योहार OUTDOOR के छठे संस्करण की मेजबानी करेगा।

कला और संगीत, बात और फिल्म के चारों ओर घूमने वाले एक समृद्ध कार्यक्रम के साथ, उत्सव एक महान सांस्कृतिक कंटेनर होगा जिसमें यह निर्धारित किया जाता है कि यह एक जगह है, जो एक महीने के लिए केवल दर्शकों द्वारा दौरा किया जा सकता है। यहाँ, अब, यह कलात्मक निर्माण और उसके आनंद के कार्य पर एक प्रतिबिंब है।

प्रदर्शनी:
अख़बारों, फ़र्नीचर, नॉक-नॉक, अजीब मशीनों और टायरों का पहाड़। कैलेंडर, फ्लॉपी डिस्क, कैस्टर और पुराने कंप्यूटर; और फिर, जमीन पर रखा और धूल में ढंका, व्हिटनी ह्यूस्टन, युवा और अपरिचित द्वारा कैसेट टेप। उन सभी चीजों के बारे में जो गुइडो रेनी बैरक में पहली यात्रा के दौरान मेरी कल्पना पर कब्जा कर लिया था, परित्यक्त क्षेत्र एक मलबे के रूप में मलबे के साथ फंस गए हैं। के माध्यम से पारित किया गया था और प्रकृति से घिरा हुआ था जो धीरे-धीरे अंतरिक्ष को पीछे कर रहा था, मेरी सबसे ज्वलंत स्मृति है, अजीब, वह कैसेट टेप। मुझे पता था कि मैंने इसे एक बच्चे के रूप में स्वामित्व दिया है, लेकिन मैंने इसे अपनी स्मृति से पूरी तरह से हटा दिया था। उस रात जब मैं घर गया तो मैंने उसे खोजा, और उसे अच्छी तरह से रखा और दूसरे कैसेट्स के साथ व्यवस्थित किया। इसने मुझे इस बात पर विचार करने के लिए प्रेरित किया कि किसी वस्तु और स्थान को समय के दौरान विभिन्न प्रतिक्रियाओं को ट्रिगर करने के लिए एक शक्तिशाली साधन कैसे हो सकता है। वह भूली हुई टेप एक ऐसी वस्तु थी जो मुझे समय पर वापस ले आई, लेकिन, उसी समय, उस सटीक क्षण में, जो कुछ भी था उसे मूर्त रूप दिया – आने वाले महीनों में बैरक में पूरा होने वाला सारा काम।

स्मृति, स्मृतिलोप, प्रतीक्षा, और निर्माण वे सभी तरीके हैं जिनसे हम अतीत और भविष्य से संबंधित होते हैं। वर्तमान में, त्योहार के छठे संस्करण का शीर्षक, समय और स्थान पर प्रतिबिंब, इन उपायों का उपयोग करके हमारे अनुभव की संरचना करें। यहां और अब, एक विशिष्ट स्थान और एक विशिष्ट समय, एक अद्वितीय क्षण को दोहराया नहीं जाना चाहिए जो अपने आप में और अलग-अलग युगों को शामिल करता है: बैरक का अतीत, वर्तमान कलात्मक कृतियों और अंतरिक्ष के भविष्य के उत्थान। इस तरह अंतरिक्ष केवल एक बर्तन नहीं है, बल्कि एक वास्तविक वस्तु है।

इतालवी मंडप

Lucamaleonte
Lucamaleonte का जन्म 1983 में रोम में हुआ था जहाँ वे अभी भी काम करते हैं और रहते हैं। उन्होंने पोस्टर और स्टेंसिल का उपयोग करना शुरू कर दिया, और फिर उन्होंने अपने शोध को कैनवास पर भी चित्रित करने के लिए समर्पित किया। वह दुनिया के उन कुछ कलाकारों में से एक हैं जो बहु-स्तरीय स्टेंसिल की प्राप्ति के लिए मुखौटे और पेंट का उपयोग कर सकते हैं जो बहुत विस्तृत हैं और रंग अतिव्यापी द्वारा विशेषता हैं।

एक व्यक्तिगत स्मृति जिसे कलाकार ने सार्वजनिक रूप से प्रस्तुत करने का फैसला किया है, Lucamaleonte एक दुर्लभ काम प्रस्तुत करता है जो उसके अतीत की खोज करता है। एक अतीत जो उस इमारत के साथ ओवरलैप करता है जो इसे होस्ट करता है, उसका कलात्मक हस्तक्षेप सार्वजनिक और निजी के बीच की रेखा को धुंधला करता है। बैरक एक ऐसी जगह है जिसे वह अच्छी तरह से जानता है, उसकी यादों से एक जगह है, एक जगह जहां उसके दादाजी कई वर्षों से निदेशक थे। इस कारण से रोमन कलाकार ने अपने पिता द्वारा सुनाए गए अपने स्वागत और विदाई भाषणों के माध्यम से अपने दादाजी के उद्घाटन और कार्यालय से सेवानिवृत्त होने का फैसला किया है। कमरे पर हावी होने वाली तस्वीर हमें उस दिन तक पहुंचाती है और मंच से अपने दादा के विचारों को अपने सहयोगियों और अधीनस्थों के साथ दर्शकों के बीच प्रदर्शित करती है।

बगल के कमरे में एक ट्राइपटिक ने अपने दादा को सामान्य वर्दी में कपड़े पहने हुए प्रकट किया, उनके चेहरे को हेक्साहेड्रोन ने छिपाया, जो कलाकार के हस्ताक्षर में से एक था। पहला आंकड़ा केवल स्केच किया गया है, जैसे कि एक भूत, जबकि अंतिम एक पूरी तरह से परिभाषित है। बैरक की दीवारों से उनके दादाजी का उदय समय गुजरने का प्रतिनिधित्व करता है, साथ ही साथ अपने दादा की अपनी व्यक्तिगत स्मृति, एक स्मृति जो उन्हें इस जगह पर रखती है।

कोई जानकारी नहीं
नो आइडिया, मूरो पेस और सेवरियो विरिलो द्वारा बनाई गई एक प्रयोगशाला है जो इतालवी और 1983 में पैदा हुई है। वे खुद को डिजिटल और रचनात्मक कारीगरों के रूप में परिभाषित करते हैं। कोई भी आइडिया इंटरएक्शन डिज़ाइन पर केंद्रित नहीं है, इंटरेक्टिव इंस्टॉलेशन बनाने, संग्रहालयों और घटनाओं के लिए भावनात्मक, इंटरैक्टिव और मल्टीमीडिया एक्सपोज़र को प्रोजेक्ट करने और साकार करने के लिए। दो कलाकारों द्वारा किए गए एक सपने का परिणाम है, जो सांस्कृतिक स्थानों में क्रांतिकारी बदलाव करना चाहते हैं, असामान्य स्थानों में उनके कलात्मक प्रयोगों को बदलना।

नो आइडिया की स्थापना का उद्देश्य पश्चिमी दुनिया के उत्तर-आधुनिक संकटों का एक दृश्य प्रतिनिधित्व है। उनमें निश्चितताओं का विनाश, सदियों से चले आ रहे सार्वभौमिक मूल्यों का ढहना हमारे तर्क का प्रतिनिधित्व करता है और जिसे सामाजिक और सांस्कृतिक घटनाओं और समकालीन घटनाओं के कारण बहस के लिए रखा गया है। एक तैरता हुआ समुद्र, मनुष्य की चेतना का प्रतीक, इस सामूहिक स्थापना के लिए पृष्ठभूमि बनाता है। पहली नज़र में आश्वस्त होने पर, यह जल्द ही खुद को एक दुखद दृश्य के रूप में प्रकट करता है। एक वॉल्यूमेट्रिक लाइट अचानक सिल्हूट की उपस्थिति को धोखा देती है, एक नाटकीय घटना के प्रतीक हैं जो हमें इसके सभी अस्पष्ट पीड़ा में मृत्यु का अनुभव करने की ओर ले जाती हैं। एक प्रामाणिक, अप्रत्याशित घटना, एक आघात जिसने उन नींव को फिर से जोड़ दिया है जिस पर दुनिया टिकी हुई है।

रंडी
Mimmo Rubino, Rub Kandy के रूप में जाना जाता है, एक इतालवी कलाकार है और वह एक से अधिक समर्थनों पर अपने कलात्मक शोध का प्रयोग करता है। उनकी कलाकृतियाँ तीक्ष्ण और सटीक हैं: वे शहरी संदर्भ के एक महान पर्यवेक्षक हैं और वे इसे छवियों और गहरे सामाजिक संदेशों द्वारा फिर से बनाने में सक्षम हैं।

ROOM1 – एंटोनेला डि लुल्लो द्वारा कार्य विवरण –
आउटडोर महोत्सव के लिए रूब कैंडी ने केंद्रीय गैलरी में तीन आसन्न कमरों के स्थान पर आक्रमण करने का निर्णय लिया है। तकनीक और माध्यम कार्यों में अंतर करते हैं, फिर भी एक सामान्य धागा है जो उन्हें एकजुट करता है: अंतरिक्ष, कलाकार के संशोधन, और क्षेत्रों की दुर्गमता। तीन साइट-विशिष्ट कार्य इमारत और उसके वास्तुशिल्प तत्वों में गहन शोध से आते हैं। कक्ष 1 – पानी से भरा एक अंधेरा, संकीर्ण कमरा और पृष्ठभूमि में, प्रकाश का एक बड़ा चक्र। संलग्न स्थान एक दीवार की उपस्थिति से बढ़ाई गई कठिनाई की भावना देता है, जब पौधे सक्रिय था, आवश्यकता से निर्मित होता है। बड़ी रोशनी और उसके बाद के पुनर्जन्म तत्व ऐसे तत्व हैं जो दर्शक का मार्गदर्शन करते हैं और कमरे को उनकी आँखों पर लाती है।

ROOM 2
रब कैंडी की दूसरी स्थापना को होस्ट करने वाले बड़े गोदाम को दो अलग-अलग हिस्सों में विभाजित किया गया था: पहला इसकी खराब स्थिति को प्रदर्शित करने के लिए बरकरार रखा गया था। पृष्ठभूमि में चित्रित सफेद सतह एक स्पष्ट विराम को चिह्नित करती है, अंतरिक्ष को एक सड़न रोकनेवाला दृश्य में बदल देती है। उनके कैंडर के माध्यम से रिक्त स्थान बैरकों और इसकी वास्तुकला के माध्यम से समय के प्रवाह को संशोधित करते हैं और बढ़ाते हैं।

रूम ३
त्यौहार बनाने के दौरान बिखरे असंख्य दर्पणों को पायलटों पर झुका दिया गया और दर्शकों की ओर निशाना लगाया गया। एक गेम के माध्यम से जो दर्पण में प्रकाश के प्रतिबिंब को गुणा करता है, प्रकाश अंतरिक्ष के माध्यम से काटता है और कमरे की हमारी दृश्य धारणा को बदल देता है।

हेलो हेलो
हेलो हेलो, एक इतालवी कलाकार है और वह 1984 में पैदा हुआ था। वह दो आयामी भाषा का उपयोग करता है, जिससे खुद को अनंतता के लिए पुन: पेश करने के लिए डिज़ाइन किए गए संकेतों की एक भूलभुलैया का निर्माण होता है। उनकी रचनाओं को नरम संरचना, जटिल रचनाओं की विशेषता है जो विचारों से बने एक कक्षा का पता लगाते हैं जो सभी दिशाओं में खो जाते हैं।

पॉप कला आकृतियों की एक अराजक और भ्रामक उलझन छवियों का एक स्वतंत्र प्रतिनिधित्व करती है जैसा कि वे तर्क से अभिभूत होने से पहले मन में दिखाई देते हैं। ये ऐसी विशेषताएं हैं जो हेलो हेलो के काम को लगातार परिभाषित करती हैं। कमरे को पूरा किया गया है, स्थानिक निर्देशांक और वास्तुशिल्प तत्वों के साथ उनका महत्व खो दिया है। बल्कि, उन्हें तोरीनी कलाकार चेतना की धारा के सीटी द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। इस काम में हम यांत्रिक गियर ढूंढते हैं, जो अंतरिक्ष के पूर्व कार्य, कलाकार के एक छोटे आत्म चित्र, शास्त्रीय वास्तुशिल्प तत्वों और सिकाडों के विवरणों को नुकसान पहुंचाते हैं, जो कि उनके समय के दौरान कलाकार के साथ रहते थे। पूर्व कैसरमा गुइडो रेनी। इन छवियों के साथ, कलाकार उस संदर्भ को याद करता है जिसमें उसने काम किया था और हमें अपने उद्वार के अंदर खुद को पूरी तरह से विसर्जित करने के लिए आमंत्रित करता है,

108
गुइडो बिसग्नि, जिसे 108 के रूप में जाना जाता है, एक इतालवी कलाकार और स्ट्रीट आर्ट लेखक हैं, जो 1978 में पैदा हुए थे। उनका काम ज्यादातर समय सार, वास्तविक और कम से कम है। वह यूरोपीय नवपाषाण भित्तिचित्रों में, XX सदी में अवंत-गार्डे और स्टाक और रिचर्ड लॉन्ग जैसे समकालीन कलाकारों में प्रेरणा पाता है।

अपने शोध के साथ 108 स्ट्रीट आर्ट लेबल से खुद को दूर किया है, और वर्षों से बड़े पैमाने पर चित्र और भाषा के रूप में रंग पर ध्यान केंद्रित किया है, जो बड़े अमूर्त आंकड़े बनाते हैं। “इस टुकड़े के लिए, मैं अपने कलात्मक अनुसंधान का एक संश्लेषण बनाना चाहता था, आकार पर ध्यान केंद्रित कर रहा था, या बल्कि, इन वास्तुशिल्प रिक्त स्थान की आध्यात्मिक संरचना। परित्यक्त रिक्त स्थान की सुंदरता के प्रति सम्मान, समय के साथ भस्म होना। उज्ज्वल रंग का उपयोग करना। असम्मानजनक, जगह से बाहर, और अयोग्य। ”

उनके विशाल काले धब्बे आंतरिक संघर्ष की अनुभूति पैदा करते हैं। उनमें एक खालीपन होता है जो किसी को भी देखने पर उसकी घुसपैठ की उपस्थिति को कम कर देता है। वे एक वैचारिक ऑक्सिमोरॉन हैं जो कि तर्कहीन और निराकार आकृतियाँ हैं, एक ही समय में, दोनों प्राइमर्डियल मार्किंग और समकालीन रूपों के समान है। उनके अमूर्त आंकड़ों में खामियां, छोटे अनियमित टपकाव भी हैं जो अशांति के संपार्श्विक तत्व बनाते हैं। जो हमें परेशान करता है, वह वह है जो अज्ञात और समझ से बाहर है, जो अंततः हमें प्रतिबिंब और चिंतन की ओर लाता है, जो इन कार्यों के साथ पूरी तरह से होता है।

फिलिप्पो मिनेली
वह एक इतालवी कलाकार हैं और उनका जन्म 1983 में हुआ था। वे अपनी रचनाओं, स्थापनाओं और प्रदर्शनों के लिए आधार के रूप में उनका उपयोग करते हुए वास्तुकला, राजनीति, संचार और भूगोल जैसे कई विषयों का विश्लेषण और शोध करते हैं और चित्रों और वीडियो द्वारा सभी का दस्तावेजीकरण करते हैं। वह हमेशा परिदृश्य और सार्वजनिक स्थानों में रुचि रखते थे, और वह अपनी सहज और नहीं-अधिकृत हस्तक्षेपों के लिए इटली में स्ट्रीट आर्ट के अग्रणी बन गए।

मैंने सेना में सेवा नहीं करते हुए जो कुछ किया वह एक ऐसा संस्थापन है जो इसके बहुत ही शीर्षक से आशय का स्पष्ट संदेश भेजता है: त्योहार की अवधारणा को अपने सिर पर रखने के लिए और हमें किसी अन्य स्थान पर बना दिया गया है, जहां हमें भ्रामक और उत्तेजक विषय मिलते हैं। एक उलट, जबकि पहली नज़र में, जगह से बाहर लगता है, इसके बजाय त्योहार की थीम को उसकी अनुपस्थिति के माध्यम से प्रतिबिंबित करना चाहता है, एक असंतुष्ट प्रतिपक्ष का निर्माण करता है जो इस जगह से जुड़ी प्रतिकूल कल्पना को दर्शाता है। समुद्र तट पर स्पष्ट रूप से परिभाषित सीमाओं के साथ, कलाकार को काटता हुआ विडंबना के साथ, अपने अभिलेखागार से ली गई तस्वीरों का उपयोग करके, दूर के स्थानों का विवरण, जीवन के क्षण और व्यक्तिगत अनुभवों की झलक जो कि बैरक में एक प्रतिरूप के रूप में खड़े हैं, इसके कार्य, और यह क्या प्रतिनिधित्व किया। कमरे में लटकाए गए पोस्टर पर देखे गए अपशब्द, अपारदर्शी शब्द

तोमासो गरविनी
टॉमासो गारविनी का जन्म 1972 में रोम में हुआ था। उन्होंने रोम में ललित कला अकादमी से स्नातक किया। 1998 से उन्होंने फिल्मों और रंगमंच के लिए चित्रकार के रूप में काम किया। उनकी कला चित्रकला, डिजाइन से लेकर ग्राफिक, मूर्तियां और विभिन्न स्थापनाओं तक जाती है। 2003 में उन्होंने एक नाट्य कृति “ओपेरामार” लिखी, जिसका मंचन देबोरा पीपलार्डो, अनास्तासिया साइकोटो और इगोर बेकोविच ने किया था। 2006 में उन्होंने ROTA-LAB, एक डिज़ाइन और आर्ट लैब की स्थापना की, जहाँ वे अभी भी काम करते हैं।

Tommaso Garavini द्वारा बनाई गई इस दुनिया में सेट डिज़ाइन, इंटीरियर डिज़ाइन और फाइन आर्ट एक साथ आते हैं। अपने कौशल को मिलाकर, वह एक बार हमें एक कमरे की अंतरंग सेटिंग में लाता है जो आकाशीय, सांसारिक और रसातल के बीच चिंतन के लिए कार्य करता है। गार्विनी द्वारा इस “लास्ट सपर” के लिए विज्ञान और प्रकृति का संयोजन, जैसा कि हम झुलसे हुए, मूर्तिकला ट्रंक से चलते हैं, प्राकृतिक तत्वों और लोहे के दिव्य बादलों की ओर हमारी सबसे बुरी सांसारिक आदतों का प्रतिनिधित्व करते हैं। यह इस ईश्वरीय दायरे में है कि हम “बादल” से बने प्राकृतिक किनारों के साथ प्राकृतिक आकृतियों के मिलन को देखते हैं।

प्रकृति की अराजकता की नकल करने की कोशिश के माध्यम से, गार्विनी ने खुद को प्राकृतिक वातावरण में पाए जाने वाले “सही” अराजकता के पुनरुत्पादन की चुनौती में खुद को माध्यम की लय में जाने दिया। प्रतीकात्मक प्लेटों के साथ इस मेज पर कौन बैठा है? इंस्टॉलेशन में नंबर भी महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। तेरह, अनन्त प्रेम और आध्यात्मिक स्वच्छता या बुरी किस्मत का प्रतिनिधित्व करने वाला एक नंबर, परिप्रेक्ष्य के आधार पर, आंकड़ा आनुपातिक रूप से लकड़ी की मूर्तिकला के लिए बादल के अनुपात में शामिल होता है। बादल और मूर्तिकला दोनों के साथ, तालिका के संबंध में 1, 1,3, इस संख्या के विरोधी अर्थों में बांझ और उदात्त के बीच विरोध पुल में टाई है। ऊपर और नीचे हमें इन स्तरों के बीच बढ़ने का अधिकार है, जो केवल प्राकृतिक दुनिया में पाए गए एक सद्भाव को प्राप्त करने के लिए आगे बढ़ रहे हैं।

ऊनो
ऊनो एक इतालवी कलाकार है और वह 2005 से रोम में काम करता है और रहता है। वह अपने प्रोडक्शंस के लिए जिन तकनीकों का उपयोग करता है, वे स्ट्रीट आर्ट क्लासिक हैं, भले ही जब उसने शुरू किया था तो उसने पोस्टर या प्रतिष्ठित तत्वों और कोलाज की पुनरावृत्ति को प्राथमिकता दी थी। वह वारहोल, डेबर्ड और रोटेला के पाठों से प्रेरित है, इसलिए वह चित्रों की अनंत पुनरावृत्ति बनाने के लिए स्प्रे और पेंटिंग का उपयोग करके विज्ञापन तकनीकों के साथ खेलता है।

यूएनओ की दुनिया रंग, अनुपात, और पैटर्न का एक नाजुक नृत्य है जिसे लगभग अतिरिक्त सीमा तक धकेल दिया गया है। प्रभाव का सिद्धांत बिंदु हमारे सामने सीधे दीवार है, डिजाइन, पैटर्न और रंग का एक टूर डे बल जिसने UNO के कलात्मक उत्पादन के पिछले कई वर्षों को चिह्नित किया है। स्टैंसिल और कोलाज से लेकर पोस्टर और फ्रीहैंड स्प्रे पेंट तक, कई प्रकार की तकनीकों पर आकर्षित, यूएनओ प्रस्तुत पर्यावरण को पूरी तरह से गले लगाता है।

पहली नज़र में अराजक, फिर भी सामंजस्य के लिए संतुलित रूप से संतुलित, अंतरिक्ष रूम के फोकस, ज्यामितीय फ़ुलक्रम, रोम्बस से ध्यान खींचता है। इन रूपों के भीतर मुख्य रूप से काले और सफेद पैटर्न किंडर चेहरे के सूक्ष्म चित्रण से बारिश की बूंदों की ओर बढ़ते हैं जो इस कमरे के कार्य को याद करते हैं, इसके सिंक कोने में टक गए। अंतरिक्ष के साउंडट्रैक के लिए जीवन देते हुए, पानी की अवधारणा सर्वव्यापी है, सिंक के साथ ही तीन आयामी सीढ़ी में तब्दील हो जाती है। ऐसे गतिशील स्थान में पानी का शांत प्रभाव रंग की पसंद (और गैर-पसंद) द्वारा प्रतिध्वनित होता है। काले और सफेद तत्वों के आसपास चमकीले फ्लोरोसेंट ग्रेडिएंट्स, सोने के स्वैट्स को सूक्ष्मता से दर्शाते हैं, जो कि यूएनओ के कलात्मक अभ्यास में 360 डिग्री की झलक के लिए अंतिम स्पर्श हैं।

एलिस पास्कुनी
ऐलिस पसक्विनी एक रोमन कलाकार है जो एक इलस्ट्रेटर, दर्शनीय चित्रकार और चित्रकार के रूप में काम करता है। उसकी पसंदीदा “कैनवस” दीवारें हैं। उसने कई कलाकृतियों का निर्माण किया, उदाहरण के लिए: सिडनी, न्यूयॉर्क, बार्सिलोना, ओस्लो, मास्को, पेरिस, कोपेनहेगन, माराकेच, साइगॉन, लंदन और रोम। वह 1980 में पैदा हुई थीं, और उन्होंने रोम में ललित कला अकादमी से स्नातक किया। उसके बाद वह इंग्लैंड, फ्रांस और स्पेन में रहीं और काम किया। जब वह मैड्रिड में थी तो वह प्रसिद्ध आर्म्स एनीमेशन स्कूल में एक बहुत प्रतिष्ठित एनीमेशन कोर्स में भाग लेती थी। 2004 में उन्होंने कंपीटेंस यूनिवर्सिटी में आर्ट क्रिटिक में एमए हासिल किया। अपनी कला के द्वारा, ऐलिस अपने विषय के सबसे अंतरंग क्षण को उजागर करना चाहती है, जो सामान्य लोग हैं और उनके बीच सूक्ष्म संबंध हैं।

बिलीव इट ऑर नॉट ’- इन शब्दों के साथ, ऐलिस पसक्विनी एक अंतरिक्ष के माध्यम से दर्शकों को एक यात्रा पर लाती है जो उसके ओव्यूअर के एक अप्रत्याशित, प्रभावशाली पक्ष को दर्शाती है। सूक्ष्म रंगों से कई स्तरों पर भ्रम द्वारा निर्देशित एक स्थान, जो प्रतीत होता है कि काले और सफेद रंग योजना से आंकड़े और वाक्यांशों की छंटनी तक निकलते हैं।

क्या हम माने या न माने? इस कमरे में हमें अपने गार्डों को नीचे जाने और एलिस की इस अंधेरी दुनिया में डूबने के लिए कहा जाता है। केवल इस आंतरिक स्थान में कलाकार अपने काम के एक नए पहलू को विभाजित कर सकता है, एक जो रहस्य और स्पष्टताओं के निर्माण पर बनाया गया है जो अंतरिक्ष की हर सतह से लगता है। सार्वजनिक कला के विचार से बेलगाम, कलाकार का द्वंद्व प्रदर्शन पर है। उसके सार्वजनिक काम को परिभाषित करने वाले जीवंत रंगों से दूर, यह आंतरिक सेटिंग काले रंग में नहाए हुए फ्रिंज वर्णों की स्पष्टता की अनुमति देती है, जो दूसरे युग में वापसी के लिए बुलाती है, जब कल्पना और भ्रम ने हमें विश्वास दिलाया कि कुछ भी संभव था।

2501
2501 एक इतालवी कलाकार है। मिलान में ट्रेनों और दीवारों पर जब वह 14 साल के थे तब वह पहली बार स्ट्रीट आर्ट के दृश्य में दिखाई दिए। वह अपने कलात्मक शोध में भित्तिचित्र, कैनवास पर पेंट, मूर्तियां और वीडियो को एकीकृत करता है। जब वह 20 वर्ष के थे, तो वह एक ग्राफिक डिजाइनर के रूप में सैन पाओलो ब्राजील चले गए, एनजीओ के साथ कुछ साझेदारी शुरू की और बच्चों को फेवर में पढ़ाया।

Recipient.cc मिलान से एक कलात्मक सामूहिक है। यह विभिन्न क्षेत्रों के पेशेवरों द्वारा तैयार किया गया है, जैसे मल्टीमीडिया संचार, वीडियो / ऑडियो प्रोडक्शंस, इंटरेक्टिव इंस्टॉलेशन, डिज़ाइन और कला, बहुत सारी तकनीकी और व्यावसायिक रूप से

ब्लाइंड आई फैक्ट्री कलाकारों का एक स्वतंत्र स्टूडियो है, जो वीडियो और फोटोग्राफिक सामग्रियों के उत्पादन और प्राप्ति में विशिष्ट है। समूह की स्थापना 2013 में जियोर्जियो फिलिपिनी और लोरेंजो गैलिटो के संघ द्वारा की गई थी। शुरुआत से स्टूडियो ने कला और डिजाइन क्षेत्र में अपनी गतिविधि को केंद्रित किया, विशेष रूप से “नए भित्तिवाद” और सड़क कला धाराओं में।

2501 की बड़ी चित्रित दीवार, प्राप्तकर्ता की प्रायोगिक तकनीक और ब्लाइंड आई फैक्ट्री की चलती छवियों से मिलती है। स्थापना के दौरान मंडप एक वास्तविक कला स्टूडियो में तब्दील हो गया था। इस समूह की परियोजना में, यहां तक ​​कि जनता को काम के साथ जुड़ने और टुकड़े का एक अनिवार्य हिस्सा बनने के लिए कहा जाता है, जो उसी उपकरण के साथ अपने व्यवहार तक पहुंच जाएगा कलाकार। दीवार की प्राप्ति में उपयोग किए जाने वाले ब्रश जनता के लिए उपलब्ध कराए जाते हैं, जो उन्हें प्राप्तकर्ता के सामूहिक द्वारा बनाए गए मचिना 03 पर पाए जाने वाले चलती कागज पर उपयोग कर सकते हैं। प्रत्येक दिन कागज की तैयार शीट्स को मंडप की दीवारों के साथ लटका दिया जाएगा और केवल त्यौहार के अंत में स्थापना पूरी हो सकती है। पूरी स्थापना खानाबदोश प्रयोग परियोजना का हिस्सा है, जो बदलती और खंडित स्थिति पर एक प्रतिबिंब है जो समकालीन समाज की विशेषता है। अपनी निरंतर यात्रा के माध्यम से इस स्थिति के साथ 2501 प्रयोगों और दस्तावेजों का उपयोग किया। ब्लाइंड आई फैक्टरी द्वारा परियोजना के वृत्तचित्र वीडियो का एक हिस्सा मंडप में मौजूद होगा।

स्पैनिश Pavillion
पेनिक प्रोडक्शंस
पेनिक प्रोडक्शंस एक कलात्मक सामूहिक संग्रह है जिसकी स्थापना 2007 में बारसोना में की गई थी, जिसमें विभिन्न विषयों के कलाकारों ने एक आम परियोजना की प्राप्ति पर एकजुट किया था, जो कि पंचांग की कलाकृतियों पर आधारित थी। पेनिक प्रोडक्शंस के काम रंगीन गुब्बारे हैं जो संपूर्ण सतहों पर आक्रमण करते हैं। इस तरह वे रिक्त स्थान को नई पहचान देते हैं।

पेनिक प्रोडक्शंस के लिए कमरा एक बहाना है जिसके द्वारा हम अंतरिक्ष के साथ बातचीत करने के तरीके के बारे में सोच सकते हैं। दो स्पैनिश कलाकार इनडोर रिक्त स्थान की सतहों को कवर करने के लिए प्लास्टिक आवरण का उपयोग करते हैं, एक प्रशंसक द्वारा स्थानांतरित हवा के लिए धन्यवाद। इस तरह से वे इस धारणा को बदल देते हैं कि हमारे पास अंतरिक्ष के साथ है। लेकिन इस प्रक्रिया से कमरा अनुपयोगी हो जाता है, और दर्शक इसमें खो जाता है। पहली बार और विशेष रूप से आउटडोर महोत्सव के लिए उन्होंने दो अलग-अलग प्लास्टिक वातावरण बनाए जो एक-दूसरे के साथ बातचीत करते हैं। पीले रंग की चादर कमरे की दीवारों से चिपक जाती है, जिससे वास्तुशिल्प आकार बाहर हो जाते हैं। कमरे के कोने पर, उन्होंने एक विशाल लाल घन बनाया, जो कलाकृति का मुख्य केंद्र है। स्पष्ट रूप से एक असंबंधित और स्वतंत्र वस्तु की तरह है,

ब्रिटिश पविलियन
Insa
इंसा का जन्म इंग्लैंड में हुआ था, और उन्होंने 12 साल की उम्र में पेंटिंग शुरू की थी। आज यूनाइटेड किंगडम में सबसे नवीन और सम्मानित लेखक हैं। उनकी कलाकृतियां विभिन्न रचनात्मक और रंगीन तत्वों का मिश्रण हैं, एक निरंतर रचनात्मक शोध और प्रयोग में।

इंसा की जीआईएफ एनिमेशन में कल्पना के बहने वाले बहुरूपदर्शक दर्शकों पर एक कृत्रिम निद्रावस्था का शक्ति है। उनके चक्रीय आंदोलनों, गहराई, और शानदार रंग हमें शक्तिशाली बनाते हैं, एक शक्तिशाली दर्द निवारक के प्रभाव के रूप में, हमें डुबो देते हैं। ऊपर से दृश्य कार्य का एक संक्षिप्त परिप्रेक्ष्य देता है, हमें उस भंवर का निरीक्षण करने के लिए मजबूर करता है जो कमरे में हावी है, एक भंवर जो अपने आंदोलन के साथ, बिना किसी चीज के डूब जाता है। ऊपर यह अंतहीन रोटेशन, अपरिवर्तनीय और सरडोनिक में एक खोपड़ी बैठता है। दोनों आंकड़े जीआईएफ के रूप में चित्रित 8 परतों के माध्यम से बनाए गए थे, जो कि इंसा के काम का परिभाषित चिह्न है। अंग्रेजी कलाकार वास्तविक जीवन के विपरीत ऑनलाइन पाए गए रुझानों में अमरता की अवधारणा को दर्शाता है। कार्य में जिन दो वस्तुओं का प्रतिनिधित्व किया गया है, दोनों का दोहरा प्रतीकात्मक महत्व है। घूर्णन खोपड़ी एक बार मौत के लिए एक रूपक है और

भंवर, प्राचीन परंपरा में जीवन और विकास का प्रतीक है, साथ ही, अपने आंदोलन के माध्यम से, हमें जीवन की चंचलता के बारे में चेतावनी देता है। संपूर्ण कार्य मानव वैनिटास का एक आधुनिक और व्युत्पन्न पुन: संयोजन है। हमारे अस्तित्व के पंचांग प्रकृति का एक दूरगामी और चंचल प्रतिनिधित्व, काम हमें याद दिलाता है कि हम अक्सर इन स्थितियों को भूल जाते हैं क्योंकि हम ऑनलाइन बनाए गए भ्रम की दुनिया में डूब जाते हैं।

फ्रेंच पैविलियन
झुकाव
टिल्ट एक भित्तिचित्र कलाकार है जो पूरी दुनिया में जाना जाता है। वह फ्रांस के दक्षिण में टोलोसा से है। वह खुद को एक “भित्तिचित्रों” के रूप में परिभाषित करता है, और उसका पहला टैग 1988 में एक स्केटबोर्ड रैंप पर महसूस किया गया था। उनका कैरियर लंबी यात्राओं से प्रभावित था, जिसमें झुकाव ने अपनी छाप छोड़ी, उदाहरण के लिए n अमेरिका, हांगकांग, जापान, मैक्सिको थाईलैंड, ऑस्ट्रेलिया, न्यू ज़लैंड, लाओस, ताइवान, सीना, कनाडा, फिलीपींस, इंडोनेशिया और यूरोप के अन्य 12 देश। उनकी हमेशा पुराने स्कूल और जंगली शैली के लिए समर्पित जिसके द्वारा वह दर्शकों को आकर्षित करने वाले आकार और रंग बनाते हैं।

अर्थ की अलग-अलग परतें हैं जिनके द्वारा टिल्ट के काम की व्याख्या करना संभव है। एक संदेह की छाया के बिना भित्तिचित्रों की प्रधान प्रकृति फ्रांसीसी कलाकार के काम के लिए आवश्यक है। उनके कलात्मक शोध ने हमेशा इस विषय पर ध्यान केंद्रित किया है: एक चिन्ह, किसी का नाम, दुनिया के एक विशाल हिस्से में और सतहों की एक विस्तृत विविधता को छोड़ने के लिए। थ्रो-अप, अक्सर झुकाव के माध्यम से बर्बरता के एक मात्र कार्य के रूप में देखा जाता है, उत्तेजक रूप से decontextualized हो जाता है। अनपेक्षित संदर्भों में निकाला और डाला गया, यह एक नई सुंदरता का अधिग्रहण करता है जो कि अस्थिर और भटकाव है। इस आड़ के टैग के तहत वैचारिक और सौंदर्य दोनों रूप से वैध हो जाते हैं, जो उनके खिलाफ नकारात्मक पूर्वाग्रह में एक शॉर्ट सर्किट बनाते हैं।

पूर्व बैरक के अंदर उन्होंने अपने शोध की सीमाओं को आगे बढ़ाया है; महज एक डिकोनेक्चुअलकरण का कार्य नहीं है, उसने इन हस्तक्षेपों के लिए नियत सतहों को फिर से आकार दिया है। इस प्रकार, बड़ी खिड़कियां सतह बन जाती हैं, जिस पर कलाकार काम करता है। कई रंगीन थ्रो-अप गोथिक चर्चों की बड़ी सना हुआ ग्लास खिड़कियों को उखाड़ते हैं और हमें पवित्र क्षेत्र में ले जाते हैं। फर्श और दीवारों पर प्रकाश का प्रतिबिंब, साथ ही खिड़कियों की नकारात्मक सिल्हूट के साथ फोकल दीवार हमें सम्मान और चिंतन के लिए आकर्षित करती है। बड़ी चित्रित दीवारें रोम की मेट्रो की खिड़कियों के साथ-साथ अन्य अंतरराष्ट्रीय शहरों और कलाकार के हस्ताक्षर से ली गई तस्वीरों की एक प्रदर्शनी के विपरीत हैं। दर्शक पूरे स्थान की जांच करने के लिए मंडप से चलने को मजबूर है।

डच पैविलियन
ग्राफिक सर्जरी
ग्राफिक सर्जरी हॉलैंड की एक कलात्मक जोड़ी है। उनके नाम इरिस ह्यूजेंस (1978) और गिस्बर्ट ज़िज्लस्ट्रा (1978) हैं। उन्होंने विभिन्न तकनीकों और शैली की सीमाओं का पता लगाया, हमेशा अपनी व्यक्तिगत शैली को बनाए रखा। वे आमतौर पर चित्रों और भित्तिचित्रों, रेखाओं और ज्यामितीयों के एक काले और सफेद तंत्र का उपयोग करते हुए महसूस करते हैं।

डच जोड़ी की स्थापना जटिल संरचनाओं पर ध्यान केंद्रित करने वाली जटिल संरचनाओं पर केंद्रित कार्यों की एक श्रृंखला का चौथा है। उनका काम औद्योगिक वातावरण को आकार देने वाले न्यूनतम ज्यामितीय रूपों से अत्यधिक प्रभावित होता है, जैसे कि गोदामों और क्रेन में पाए जाने वाले बीम। उत्तरार्द्ध, विशेष रूप से, कुछ ऐसा है जो वे विशेष रूप से बंधे हैं, एक कार्यात्मक साधन जो शहरी परिदृश्य में सर्वव्यापी है, लेकिन यह अक्सर या तो अनदेखा किया जाता है या झुंझलाहट पैदा करता है। ग्राफिक सर्जरी के लिए मैकेनिकल क्रेन बदलते शहर का एक प्रतीक है, नवीकरण का एक उपकरण या लगातार विकसित हो रहे पर्यावरण का विनाश। बैरक के पर्यावरण के पुनर्निर्माण पर आउटडोर फ़ोकस के लिए उनका काम, तीन कमरों में पारगमन के लिए एक काली ट्रेविस का आरोपण करता है। । प्रत्येक टुकड़ा स्वतंत्र है, अभी तक एक ही समय में समग्र संरचना का एक अभिन्न अंग है। यह लकड़ी की संरचना इमारत के गोदामों में उजागर बीम को याद करती है, जिससे कलाकारों ने प्रेरणा ली। जैसे एक शुद्ध रूप से निर्मित क्रिस्टल पत्थर के टुकड़े में घोंसला बनाते हैं, उनकी स्थापना कमरों को बदल देती है और नए स्थानिक दृष्टिकोण बनाती है।

ग्रीक Pavillion
अलेक्जेंड्रोस वास्मोलुलकिस
अलेक्जेंड्रोस वसमुलाकिस का जन्म 1980 में एथेंस में हुआ था। वह एथेंस और लंदन के बीच रहता है जहां वह एक फ्रीलांस के रूप में काम करता है। उन्होंने सड़क कला क्षेत्र में अपना कलात्मक शोध शुरू किया, और फिर इसे बड़ा किया, विशेष रूप से पिछले कुछ वर्षों में, पुनर्नवीनीकरण सामग्री के साथ बड़े प्रतिष्ठानों को महसूस किया।

RELICS – एंटोनेला डि लुलो द्वारा काम का विवरण –
इस परित्यक्त अंतरिक्ष में पाए जाने वाले पिंडों को अलेक्जेंड्रोस वासमुलाकिस की कला की बदौलत नया जीवन मिला। आउटडोर त्योहार के लिए उनके काम में प्रतिष्ठानों की एक श्रृंखला शामिल होती है, जो उन वस्तुओं और सामग्रियों के साथ बनाई जाती हैं जो कलाकार को साइटों के निरीक्षण के दौरान मिली थीं। कलाकार ने अपनी खोज को त्योहार के दावे के साथ जोड़ा, जो “यहाँ, अब” है। हम कुर्सियों द्वारा बनाए गए एक स्तंभ, या एक और एक दराज द्वारा बनाए गए एक और पा सकते हैं, दोनों एक तरह की स्थैतिक उपस्थिति का प्रतिनिधित्व करते हैं, लहराती पैनल की लपट के विपरीत जो कलाकार हरे रंग की चमक के साथ कवर किया गया है और जो हवा में तैरता है एक प्रशंसक के लिए धन्यवाद कार्रवाई। वासमुलाकिस की कृतियों में मूर्तियां, सामग्री और समय दोनों का कलात्मक महत्व है।

ब्राजील का पाविलियन
Tinho
पीड़ित और एकांत दो भावनाएं हैं जो दर्शकों को अनिवार्य रूप से महसूस होती हैं जब वह तिन्हो कलाकृतियों को देखता है। उनका असली नाम वाल्टर नोमुरा है और उनका जन्म 1973 में ब्रासील में हुआ था। वह एक भित्तिचित्र कलाकार है, और अपने काम के साथ, वह दुनिया और आधुनिक ब्राजील के समाज की अपनी छवि पेश करना चाहता है।

वाल्टर नोमुरा उर्फ ​​तिन्हो का काम, दर्शकों के साथ एक व्यक्तिगत संवाद बनाने का प्रयास करता है, उन्हें अंतरंग समय में वापस लाता है, जो कि उनकी शैशवावस्था है। अपने उत्तेजक चित्रों और विशाल गुड़िया के माध्यम से, वह समकालीन जीवन की चिंता, गहन अलगाव और व्यक्तिवाद को व्यक्त करते हैं जो रोजमर्रा की जिंदगी की उन्मत्त गति से छिपे हुए शहरी स्थानों में जीवन को अलग करते हैं। उसकी गुड़िया, निर्दोषता और लपट के लिए प्रतीक खो गए, हमें इस निहित शिकायत की ओर मार्गदर्शन करते हैं और हमारे कार्यों के अंतिम परिणामों पर प्रतिबिंब बनाते हैं। इन सबसे ऊपर, उनका काम एक नैतिक और नैतिक विकल्प का फल है: एक ऐसे युग में जहां अर्थशास्त्र ऐसी घटनाएं पैदा करता है जो हमारे ग्रह को नष्ट कर देते हैं, जैसे कि संसाधनों की बर्बादी और भारी मात्रा में कचरा उत्पन्न करना, वह कपड़े के स्कार्प और का उपयोग करके अपनी कठपुतलियों का निर्माण करता है प्रयुक्त पोशाक।

नॉर्वेजियन Pavillion
मार्टिन व्हाट्सन
मार्टिन व्हाट्सन का जन्म 1984 में नॉर्वे में हुआ था और वे अब भी वहीं रहते हैं। वह सौंदर्य अनुसंधान में एक निरंतर आग्रह दिखाता है जो आमतौर पर बदसूरत माना जाता है, फैशन से बाहर या बस दिलचस्प नहीं है। उनकी प्रेरणा लोगों, शहरी दृश्यों, पुरानी इमारतों और बिखरी दीवारों में मिलती है।

स्टेंसिल और स्प्रे। ये दो विधियाँ हैं जिनका उपयोग नॉर्वे के कलाकार अपने काम के लिए यहां करते हैं – एक तरीका सटीक और तकनीकी, दूसरा आवेगी और अराजक। कमरे, दूसरों की तुलना में छोटे पैमाने पर, दर्शक को एक त्वरित मनोरम दृश्य की अनुमति देता है, जो काम की गतिशील लय को ट्रिगर करता है। दो आंकड़े एक अंतहीन पीछा में लगे हुए हैं – एक पेंटिंग पर एक इरादा, दूसरा सफेद पेंट के साथ अपनी पटरियों को कवर करना। यह एक रहस्य है कि पीछा किसने शुरू किया और इसे कौन खत्म करेगा। ये दो विरोधी इशारे शहरी कला के पंचांग प्रकृति और शहरी संदर्भ में काम करते समय होने वाली गतिशीलता का उदाहरण देते हैं। कलाकार विरोधी ताकतों के बीच इस लड़ाई में निर्णय लेता है, विरोधी ताकतों के बीच इस आवश्यक खेल की अभिव्यक्ति के लिए अपनी भागीदारी को सीमित करता है।

खास कार्य

समुद्री लरिके
मरीन लेरिके एक ग्राफिक, कपड़ा और सेट डिजाइनर है। उन्होंने पहले पेरिस में नेशनल स्कूल फॉर एप्लाइड आर्ट्स एंड क्राफ्ट्समैनशिप में दृश्य संचार और मल्टीमीडिया का अध्ययन किया। इसके बाद उसने ENSCI-Les Ateliers (डिजाइन में उन्नत अध्ययन के लिए राष्ट्रीय विद्यालय) में टेक्सटाइल डिज़ाइन विभाग में प्रवेश किया। उसी समय उसने हमेशा स्टाइलिस्ट, कलाकारों और एजेंसियों के साथ काम करना और सहयोग करना सीखा है। तथ्य की बात के रूप में वह अब एक बहु-विषयक प्रोफ़ाइल है। सृजन एक ऐसी ज़रूरत है जिसे वह अपने रोजमर्रा के जीवन में वस्तुओं, चित्रों और सामग्रियों को बनाने और इकट्ठा करके पूरा करती है। उसे नए माध्यमों पर, नए प्रोजेक्ट्स पर, नए साझेदारों के साथ काम करके सीखना पसंद है। उनके अनुसार, विभिन्न रचनात्मक क्षेत्रों के बीच मुठभेड़ और संवाद करके हमेशा कल्पना को प्रोत्साहित करना महत्वपूर्ण है।

जब हम इस जगह में प्रवेश करते हैं, तो हमें तुरंत उन महान भावनाओं को साझा करने की आवश्यकता महसूस होती है जो हम इस पूर्व सैन्य कारखाने में अनुभव कर रहे थे। जेटसेट ट्रोवेस भावनाओं का एक कैटलॉग है जो एक उत्पादक और जीवंत जगह मनाता है जो एक सदी से अधिक समय तक सक्रिय रहा। तीन महीनों के लिए, सात हेक्टेयर में जो पूर्व बैरक SMMEP खुलासा करता है वह खोज का देश था। इस अपार स्थान का हर कोना एक अतृप्त खोज का विषय रहा है कि जिस तरह से एक वास्तविक नशा बन गया है और जिसने हमें एक जीवन के टुकड़े एकत्र करने के लिए प्रेरित किया, न कि हमारा अपना।

धूल और मटमैले अटारी में साहसिक खोज करने वाले बच्चों की जिज्ञासा और उत्साह के साथ, हमारे लिए प्रत्येक वस्तु एक उपलब्धि का प्रतीक है और हर उपलब्धि एक कहानी बन गई है। हम जो कहानी बताना चाहते हैं, वह एक कल्पना है। प्रदर्शित की गई वस्तुएं बेकार लगती हैं, लेकिन उन पुरुषों की ऊर्जा से समृद्ध होती हैं जो उनका उपयोग करते हैं। उनके प्लेसमेंट में एक सौंदर्य और भावनात्मक संगठन है जो जानबूझकर किया गया था ताकि इन बैरकों के अंदर रहने वाले जीवन के वैज्ञानिक कैटलॉग में उन्हें कम न किया जा सके। इसलिए, हम आपको एक ऐसी कहानी में आमंत्रित करते हैं, जो इतिहास की किताब की तुलना में एक तस्वीर पुस्तक के समान है, जो व्यक्तिगत अनुभव प्रदान करने के लिए एक साधन है, जो कि अंतरंग और चिंतनशील है।

फर्नीचर, पेंट, लकड़ी, लोहा, जंग लगी वस्तुएं, कुर्सियाँ, कुर्सी, हेलमेट, बोतलें, प्रकाश बल्ब, पोस्टर, पोस्टकार्ड, पत्र, चित्र, अभिलेख, आदेश और आदेश, धूप का चश्मा, स्की उपकरण, पेन, उपकरण, बटन, जैकेट, शर्ट , बैनर और झंडे, अतुलनीय चीजें, पुराने कंप्यूटर, ब्लूप्रिंट, आरेख, बिजली के तार, कामुक कैलेंडर, रेडियो, ग्राफिक्स, उड़ने वाले और अज्ञात वस्तुओं को उनकी सुंदरता के लिए या अज्ञात के सरल आकर्षण के लिए।

तीन महीनों में एकत्र किए गए इस खजाने को भ्रम की भावना को व्यक्त करने के लिए व्यवस्थित किया गया है, वही भ्रम जो खोज की शुरुआत में हमारे द्वारा अनुभव किया गया था। इसके बजाय, प्रदर्शनी प्रदर्शन का एक तरीका अपनाती है जो आश्वस्त और व्यवस्थित होता है: रंग, आकार, सामग्री, बनावट और विषय द्वारा। यह वस्तुओं के सौंदर्य पर प्रकाश डालता है, अंतरिक्ष को नियमित करता है, और आनंद की सुविधा देता है। हम इस आकर्षक यात्रा पर जनता को हर रोज़ और अज्ञात वस्तुओं के बीच लाते हैं जो इस तरह से जुडे हुए हैं जो उनकी सामान्यता को महत्व देते हैं – हर रोज़ जीवन के लिए एक नया उदात्त रूप देखने का निमंत्रण ।

रोम आउटडोर उत्सव
शहरी कपड़े में कलात्मक हस्तक्षेप के माध्यम से नागरिक और शहर के बीच संबंधों को मजबूत करने के इरादे से OUTDOOR 2010 में बनाया गया था। स्थायी सार्वजनिक कला प्रतिष्ठानों के माध्यम से ओस्टिएंस के पूर्व औद्योगिक क्षेत्र के लक्षण वर्णन में योगदान देने के बाद, यह त्योहार शहरी पुनर्जनन की प्रक्रियाओं में कला के उपयोग के विषय पर ध्यान केंद्रित कर रहा है, जो सार्वजनिक रूप से परिवर्तन की गतिशीलता को प्रभावित करने की अनुमति देता है। क्षेत्र और एक अंतरराष्ट्रीय स्तर पर शहर के लिए संचार के साधन के रूप में।

आउटडोर फेस्टिवल कला और संगीत के माध्यम से सार्वजनिक स्थानों के रूपांतरण पर अपना प्रतिबिंब जारी रखता है जिसे आप परित्यक्त स्थानों के पुनर्सक्रियन के लिए उपकरण बनाते हैं जो अक्सर एक नए अनुभव का पक्ष लेते हैं।

70,000 वर्ग मीटर से अधिक जो शहर के विज्ञान और शहरी उत्थान परियोजना के जिले की सीट के रूप में उभरेगा। पूर्व बैरक को व्यापक सांस्कृतिक कार्यक्रम और 17 स्थानीय कलाकारों, राष्ट्रीय और अंतर्राष्ट्रीय के विशिष्ट हस्तक्षेपों के माध्यम से पुन: सक्रिय किया गया जो कि अपने अंतिम उत्थान से पहले अस्थायी रूप से चेतन करते हैं।

पांच संस्करणों के बाद, 70 से अधिक कलाकार शामिल हुए, सैन लोरेंजो के पूर्व रीति-रिवाजों में पिछले साल 16,000 प्रदर्शन हुए, इस साल त्योहार एक सरल अवधारणा और एक ही समय में मजबूत होने का सुझाव देता है।

विदेशों में दूतावासों और सांस्कृतिक संस्थानों के सहयोग से, आउटडोर फेस्टिवल 8 देशों के 17 कलाकारों को होस्ट करता है जो अपने काम के साथ पूर्व बैरक गुइडो रेनी के छोड़े गए स्थानों के भीतर 10 मंडपों पर कब्जा करते हैं।

2501 में भित्तिचित्र, मूर्तिकला और वीडियो के सार से लेकर 108 तक के मिश्रणों पर काम करता है, प्राप्तकर्ता और द ब्लाइंड आई फैक्ट्री के सहयोग से किया गया। ग्रीक वासुलाकिस के बड़े प्रतिष्ठानों से मिनेली के काम करता है, नीतियां हां, लेकिन एक ही समय में आत्मनिरीक्षण करती हैं।

एक आवश्यक ज्यामितीय काले और सफेद डच जोड़ी ग्राफिक सर्जरी की स्थापना, हेलो हेलो, अपने दो आयामी माज़ के साथ और ‘नॉर्वेजियन मार्टिन व्हॉट्सन के काम का आकर्षण जिसमें नाटकीय ग्रे रंग के पैच से टूट गया है, काउंटरपॉइंट में रंगीन गुड़ियों ने ब्राजील के टिन्हो को चीर दिया, ताकि उनके सामाजिक संदेशों का संचालन हो सके। स्पैनिश पेनिक प्रोडक्शंस की स्थानिक क्रांति, जिसने उसी की विकृति के माध्यम से जगह की एक नई अवधारणा को बुलाया और फ्रांसीसी भित्तिचित्र झुकाव ने हमें याद दिलाया कि लेखन की शुरुआत। रूब कैंडी, इंसा और इसकी “गिफ्ती” द्वारा निर्मित शहरी का पुनर्निर्माण, बहुस्तरीय छवियां एनिमेटेड स्टॉप-मोशन, सड़क कलाकार ल्यूकामेलोन्टे का शोध जो इस अवसर पर नो आइडिया की मेमोरी और इंटरैक्शन डिज़ाइन पर ध्यान केंद्रित करेगा। और अंत में, रोमा मंडप,

घटनाओं का एक व्यापक कार्यक्रम दर्शक को मेजबान देशों की संस्कृतियों की खोज करने के लिए प्रेरित करता है जिसमें बात, सिनेमा, भोजन और अंतर्राष्ट्रीय संगीत का एक बड़ा चयन शामिल है।

इस संस्करण के लिए बाहरी योजनाएं एक विस्तार विनिर्देश हैं: दृश्य कला के साथ, संगीत इस वर्ष उत्सव के सह-कलाकार हैं। शामिल किए गए 17 कलाकारों के प्रत्येक कार्य को एक संगीतकार के हस्तक्षेप के साथ जोड़ा जाता है जिसे ध्वनि स्थापना मूल प्राप्त करने के लिए कहा जाता है।

आउटडोर में तीन विशेष विशेषताएं भी हैं: क्रिएटिव कॉन्फ्रेंस इटालियनवाद, रेनाटो फाउंटेन द्वारा रचनात्मकता पर जोर देते हुए “इटालियंस द्वारा निर्मित”, इटली में रहने वाले एक सौ से अधिक पेशेवरों और कलाकारों के साथ नए दृश्य दृश्य की स्थिति का जायजा लेने का एक तरीका। और विदेश में, वास्तुकला, कला निर्देशन, संचार, डिजाइन, फोटोग्राफी, कार्टून, ग्राफिक्स, चित्रण, भित्ति और वीडियो की दुनिया से।