Искусство и творчество празднуют в Риме на открытом 2015, фестиваль, куратор которого NUfactory в своем шестом выпуске. «Здесь, сейчас», заголовок этого шестого издания направлен на то, чтобы сфокусировать время и пространство измерений как последнее, на котором строится наш опыт.

Здесь и сейчас место и срок. Уникальный, не тиражируемый, который воплощает различные планы времени: прошлое казарм, настоящее художественного творчества и будущее возрождение пространства; и место, которое не является простым контейнером, но реальным содержанием.

Бывшие казармы SMMEP (учреждение военных электронных приборов Precision). Через Гвидо Рени, заброшенную в начале девяностых, они становятся инструментом, с помощью которого фестиваль приводит в движение различные эмпирические процессы: акт трансформации пространства, восприятие «переходного действия». взаимодействие с самими работами, коллективное наслаждение возрожденным местом, активное участие художников и классов во время мастер-классов Outdoor Camp.

Присутствие в любое время и опыт пространства и времени в коробке, которая создается между голыми архитектурными сооружениями и содержащимися в них произведениями искусства, вы начинаете осознавать, что взаимодействуете с пространством и временем через … трансформацию …

Сама наружность постоянно движется. В последние годы он стал средством выражения и общения, в котором он перенес несколько художественных переживаний, новые языки и творческие стили, которые привлекали все больший общественный интерес к тому, чтобы стать на национальном уровне ориентиром для уличного искусства, городского искусства. и новые художественные выражения.

Выбор художников для этого издания имеет в своей основе желание нарисовать карту искусства как можно больше, начиная от уличного искусства, всегда суть фестиваля, чтобы достичь других художественных выражений. Во время фестиваля многочисленные залы казарм превращаются в павильоны по нации, в которой выставлена ​​экспозиция.

В выпуске 2015 года основное внимание будет уделено таким понятиям, как пространство и время, элементам, созданным для опыта, уникального для этого конкретного контекста: здесь, сейчас. Сотрудники и художники встретятся, чтобы обсудить творческий процесс в действии в бывших казармах Гвидо Рени, месте, где со 2 по 31 октября 2015 года пройдет шестой выпуск OUTDOOR, международного фестиваля, посвященного городскому творчеству.

С богатым графиком, вращающимся вокруг искусства и музыки, разговоров и кино, фестиваль станет отличным культурным контейнером, тесно связанным с местом, где он установлен, местом, которое зрители могут посетить только в течение одного месяца. Здесь, сейчас, это отражение акта художественного творчества и его наслаждения.

Выставка:
Гора газет, мебели, безделушек, странных машин и шин. Календари, дискеты, ролики и старые компьютеры; и затем, помещенный на землю и покрытый пылью, кассета Уитни Хьюстон, молодая и неузнаваемая. Из всех вещей, которые захватили мое воображение во время первого посещения казарм Гвидо Рени, заброшенные районы, усыпанные обломками, как ураган Проехав и окруженный природой, которая медленно захватывает пространство, мое самое яркое воспоминание, как ни странно, та кассета. Я знал, что мне принадлежало это как ребенок, но я полностью удалил это из своей памяти. В тот вечер, когда я вернулся домой, я искал его и обнаружил, что он хорошо хранится и организован с другими кассетами. Это заставило меня задуматься о том, как объект и место могут быть мощным инструментом для запуска различных реакций с течением времени. Эта забытая лента была предметом, который вернул меня назад во времени, но в то же время, в тот самый момент, воплотил то, что было впереди — всю работу, которая будет завершена в казармах в ближайшие месяцы.

Память, амнезия, ожидание и творчество — это все, что мы связываем с прошлым и будущим с помощью триггеров в настоящем. Вот, теперь, название шестого издания фестиваля, размышления о времени и пространстве, используя эти меры как способ структурировать наш опыт. Здесь и сейчас определенное место и определенное время, уникальный момент, который нельзя воспроизвести, который сам по себе охватывает разные эпохи: прошлое казарм, текущие художественные творения и будущее возрождение пространства. Таким образом, пространство — это не просто сосуд, а реальный объект.

Итальянский павильон

Lucamaleonte
Lucamaleonte родился в 1983 году в Риме, где он до сих пор работает и живет. Он начал использовать плакаты и трафареты, а затем посвятил свои исследования рисованию на холсте. Он один из немногих художников в мире, который может использовать маски и краски для реализации многоуровневых трафаретов, которые очень тщательно продуманы и характеризуются перекрывающимися цветами.

Личная память, которую художник решил обнародовать, Lucamaleonte представляет редкую работу, исследующую его прошлое. Прошлое, которое пересекается со зданием, в котором оно находится, его художественное вмешательство стирает грань между общественным и частным. Казармы — это место, которое он хорошо знает, место из его воспоминаний, место, где его дедушка много лет был директором. По этой причине римский художник решил вызвать инаугурацию и отставку своего деда из офиса через его приветственные и прощальные речи, произнесенные здесь его отцом. Фотография, которая доминирует над комнатой, переносит нас к тому дню и демонстрирует вид его деда со сцены, с его коллегами и подчиненными в аудитории.

В соседней комнате триптих показывает его деда, одетого в униформу генерала, его лицо скрыто шестигранником, одной из подписей художника. Первая фигура просто нарисована, как будто призрак, а последняя полностью определена. Выход его деда из стен казарм представляет собой прошедшее время, а также его личную память о дедушке, память, которая связывает его с этим местом.

Без понятия
No Idea — это лаборатория, созданная итальянскими мастерами Mauro Pace и Saverio Virillo, родившимися в 1983 году. Они считают себя цифровыми и креативными мастерами. No Idea ориентирована на интерактивное проектирование, создание интерактивных инсталляций, проектирование и реализацию эмоциональных, интерактивных и мультимедийных экспозиций для музеев и событий. Является результатом мечты двух художников, которые хотят революционизировать культурные пространства, превращая свои художественные эксперименты в необычные места.

Целью инсталляции No Idea является визуальное представление постмодернистских кризисов в западном мире. Среди них — разрушение определенности, разрушение общечеловеческих ценностей, которые веками руководили нашими представлениями о логике, и то, что выставлялось на обсуждение из-за социальных и культурных явлений и современных событий. Плавающее море, символизирующее сознание человека, создает фон для этой коллективной инсталляции. На первый взгляд обнадеживающий, он вскоре показывает себя как трагическая сцена. Объемный свет внезапно выдает присутствие силуэтов, символов драматического события, которое приводит нас к смерти во всех ее непреклонных страданиях. Подлинное, непредсказуемое событие, травма, которая изменила основы, на которых покоится мир.

Руб Канди
Миммо Рубино, известный как Руб Канди, является итальянским художником, и он экспериментирует со своими художественными исследованиями на нескольких опорах. Его работы точны и точны: он большой наблюдатель городского контекста и способен деконструировать его с помощью изображений и глубоких социальных сообщений.

ROOM1 — описание работы Антонеллы Ди Лулло —
Для наружного фестиваля Руб Канди решил вторгнуться в пространство трех смежных залов в центральной галерее. Техника и среда отличают работы, но есть общая нить, которая объединяет их: пространство, модификации художника и недоступность областей. Три работы, специфичные для конкретного места, происходят из глубокого исследования здания и его архитектурных элементов. Комната 1 — темная, узкая комната, наполненная водой и на заднем плане большим кругом света. Закрытое пространство создает ощущение трудности, усиливающееся наличием стены, построенной по необходимости, когда завод работал. Большой свет и его последующие реверберации являются элементами, которые направляют зрителя и дают отсрочку от ошеломляющего ощущения, которое комната вызывает у них на глазах.

КОМНАТА 2
Большой склад, на котором размещена вторая установка Руб Канди, был разделен на две отдельные части: первая была оставлена ​​нетронутой, чтобы продемонстрировать ее ухудшенное состояние. На заднем плане окрашенная белая поверхность отмечает четкий разрыв, превращая пространство в асептическую сцену. Благодаря их искренности пространства изменяют и усиливают течение времени через казармы и их архитектуру.

КОМНАТА 3
Многочисленные зеркала, извлеченные во время проведения фестиваля, были оперены на пилястры и направлены на зрителя. Благодаря игре, которая умножает отражение света в зеркалах, лучи света прорезают пространство и меняют наше зрительное восприятие комнаты.

Halo Halo
Halo Halo, итальянский художник, родился в 1984 году. Он использует двумерный язык, создавая лабиринт знаков, предназначенных для воспроизведения себя до бесконечности. Его работы характеризуются мягкой структурой, сложными композициями, которые прослеживают орбиту, состоящую из мыслей, которые теряются во всех возможных направлениях.

Хаотичный и запутанный клубок поп-арта формирует свободное представление изображений, появляющихся в уме, прежде чем их переполняет логика. Это характеристики, которые постоянно определяют работу Halo Halo. Комната была заполнена, пространственные координаты и архитектурные элементы потеряли свое значение. Скорее, они заменены капризами потока сознания торинского художника. В этой работе мы находим механические механизмы, которые возвращают к прежней функции пространства, небольшой автопортрет художника, классические архитектурные элементы и детали цикад, которые, с их щебетанием, сопровождали художника во время его пребывания в бывший Казерма Гвидо Рени. С этими изображениями художник вспоминает контекст, в котором он работал, и предлагает нам полностью погрузиться в его воспоминания,

108
Гвидо Бизаньи, известный как 108, — итальянский художник и писатель стрит-арта, 1978 года рождения. Его работы в большинстве случаев абстрактны, сюрреалистичны и минимальны. Он находит вдохновение в европейских неолитических граффити, в авангарде XX века и в современных художниках, таких как Стак и Ричард Лонг.

Благодаря своим исследованиям 108 дистанцируется от лейбла уличного искусства, и за прошедшие годы он сосредоточился на форме и цвете как основных элементах изобразительного языка, создавая большие абстрактные фигуры. «Для этого произведения я хотел создать синтез моих художественных исследований, концентрируясь на форме или, вернее, метафизической структуре этих архитектурных пространств. Какое-то уважение к красоте заброшенных пространств, потребляемых с течением времени. Использование яркого цвета могло бы был неуважительным, неуместным и не элегантным «.

Его огромные черные пятна создают ощущение внутреннего конфликта. Они содержат пустоту, которая излучает навязчивое присутствие, куда бы вы ни смотрели. Они представляют собой концептуальный оксюморон, учитывая, что иррациональные и бесформенные формы имеют в то же время сходство как с изначальными отметинами, так и с современными формами. Его абстрактные фигуры также содержат недостатки, небольшие ошибочные капли, которые создают побочные элементы беспорядка. То, что нас беспокоит, это то, что неизвестно и непостижимо, то, что в конечном итоге подводит нас к размышлению и созерцанию, что полностью происходит с этими работами.

Филиппо Минелли
Он итальянский художник и родился в 1983 году. Он анализирует и исследует многие темы, такие как архитектура, политика, коммуникации и география, используя их в качестве основы для своих творений, инсталляций и перформансов, документируя все с помощью картинок и видео. Его всегда интересовали пейзажи и общественные места, и он стал пионером стрит-арта в Италии благодаря своим инстинктивным и несанкционированным вмешательствам.

Все, что я делал, пока не служил в армии, — это инсталляция, которая из самого названия дает четкое представление о намерениях: создать концепцию фестиваля с ног на голову и привести нас в другое место, созданное из аллюзий и провокационных тем. Разворот, который, на первый взгляд кажется неуместным, вместо этого желает поразмышлять над темами фестиваля через его отсутствие, создавая диссидентский контрапункт, демонстрирующий негативные образы, связанные с этим местом. На пляже с четко очерченными границами, с резкой иронией художник демонстрирует фотографии, взятые из его архивов, детали отдаленных мест, жизненные моменты и проблески личного опыта, которые противопоставляют прошлое казарм, его функции, и что это представляет. Кажущиеся несвязными, непрозрачные слова, увиденные на плакатах, висящих в комнате,

Томмазо Гаравини
Томмазо Гаравини родился в Риме в 1972 году. Окончил Академию изящных искусств в Риме. С 1998 года работал сценографом в кино и театре. Его искусство простирается от живописи, дизайна до графики, скульптур и различных инсталляций. В 2003 году он написал театральную пьесу «Операмара», которую поставили Дебора Паппалардо, Анастасия Сьюто и Игорь Бачович. В 2006 году он основал ROTA-LAB, дизайнерскую и художественную лабораторию, где он до сих пор работает.

Сценография, дизайн интерьера и изобразительное искусство объединяются в этом мире, созданном Томмазо Гаравини. Совмещая свои навыки, он сразу же приводит нас в интимную обстановку комнаты, которая функционирует для созерцания между небесным, земным и бездной. Наука и природа объединяются для этой «Тайной вечери» Гаравини, когда мы движемся от выжженного скульптурного ствола, отражающего наши худшие земные привычки, к божественным облакам природных элементов и железа. Именно в этом божественном царстве мы видим объединение каскадных природных форм с острыми краями искусственного «облака».

Пытаясь подражать хаосу природы, Гаравини позволил себе перейти к ритму самой среды в попытке воспроизвести «идеальный» хаос, который мы находим в естественной среде. Кто сидит за этим столом с открытыми символическими тарелками? Номера также играют важную роль в установке. Тринадцать, число, представляющее вечную любовь и духовную чистоту или неудачу, в зависимости от перспективы, фигура пропорционально соотносит соотношение облака и стола к деревянной скульптуре. С облаком и скульптурой в соотношении 1: 1,3 к столу противоположные значения этого числа связывают противоположное притяжение между адом и возвышенным. Масштабируя вверх и вниз, мы имеем право перемещаться между этими уровнями, чтобы достичь гармонии, которую можно найти только в мире природы.

Организация Объединенных Наций
Уно — итальянский художник, он работает и живет в Риме с 2005 года. Техники, которые он использует для своих постановок, являются классиками уличного искусства, хотя, когда он начинал, он предпочитал плакаты или повторение знаковых элементов и коллажей. Он вдохновлен уроками Уорхола, Деборда и Ротеллы, поэтому он играет с рекламными техниками, используя брызги и живопись для создания бесконечных повторений изображений.

Мир UNO — это тонкий танец цвета, пропорций и узоров, выдвинутый почти до предела. Принципиальная точка воздействия — стена прямо перед нами, опора дизайна, рисунка и цвета, которые ознаменовали последние несколько лет творческой деятельности ООН. Опираясь на широкий спектр технологий, от трафарета и коллажей до плакатов и аэрозольной краски от руки, UNO полностью охватывает представленную окружающую среду.

На первый взгляд хаотичное, но тонко сбалансированное для гармонии пространство фокусируется на ромбе, геометрической опоре комнаты. Внутри этих форм в основном черно-белые узоры переходят от тонких изображений лица Киндер к каплям дождя, которые напоминают о функции этой комнаты, а ее раковина спрятана в угол. Придавая жизнь саундтреку пространства, концепция воды вездесуща, а сама раковина превращается в трехмерную витрину. Успокаивающий эффект воды в таком динамичном пространстве повторяется выбором (и не выбором) цвета. Яркие флуоресцентные градиенты появляются вокруг черно-белых элементов, тонко отражаясь от золотых полос, которые являются последним штрихом к тому, что представляет собой 360-градусный взгляд на художественную практику ООН.

Алиса Паскуини
Алиса Паскуини — римская художница, которая работает иллюстратором, сценографом и художником. Ее любимые «холсты» — стены. Она много путешествовала, создавая множество произведений искусства, например: Сидней, Нью-Йорк, Барселона, Осло, Москва, Париж, Копенгаген, Марракеш, Сайгон, Лондон и Рим. Она родилась в 1980 году и окончила Академию изобразительных искусств в Риме. После этого она жила и работала в Англии, Франции и Испании. Когда она была в Мадриде, она посещала действительно престижный анимационный курс в знаменитой анимационной школе Ars. В 2004 году она получила степень магистра искусствоведения в Компютенском университете. Своим искусством Алиса хочет раскрыть самый интимный момент своего предмета: обычные люди и тонкие связи между ними.

Хотите верьте, хотите нет », — с этими словами Алиса Пасквини отправляет зрителя в путешествие через пространство, которое изображает неожиданную, впечатляющую сторону ее творчества. Пространство, управляемое иллюзией на многих уровнях, от тонких цветов, которые появляются из, казалось бы, черно-белой цветовой схемы до наслоения цифр и фраз.

Мы верим или не верим? В этой комнате нас просят опустить наших охранников и погрузиться в этот темный мир Алисы. Только в этом внутреннем пространстве художник может раскрыть новый аспект своей работы, построенный на конструкциях таинственности и видений, которые, кажется, льются с любой поверхности пространства. Необузданный от рассмотрения общественного искусства, двойственность художника демонстрируется. Отойдя от ярких цветов, которые определяют ее общественную деятельность, эта обстановка интерьера позволяет появиться пограничным персонажам, залитым черным, призывая вернуться в другую эпоху, когда фантазия и иллюзия заставили нас поверить, что все возможно.

2501
2501 — итальянский художник. Он впервые появился на сцене уличного искусства, когда ему было 14 лет, на поездах и стенах в Милане. Он объединяет граффити, краски на холсте, скульптуры и видео в своих художественных исследованиях. Когда ему было 20 лет, он переехал в Сан-Паулу, Бразилия, в качестве графического дизайнера, начав несколько партнерских отношений с неправительственными организациями и обучая детей на фавелах.

Recipient.cc — художественный коллектив из Милана. Он состоит из профессионалов из разных областей, таких как мультимедийные коммуникации, видео / аудио, интерактивные инсталляции, дизайн и искусство, с большим количеством технических, а также коммерческих

Blind Eye Factory — независимая мастерская художников, специализирующаяся на производстве и реализации видео и фотографического контента. Группа была основана в 2013 году союзом Джорджио Филиппини и Лоренцо Галлито. Студия с самого начала сосредоточила свою деятельность в области искусства и дизайна, особенно в сфере «нового мурализма» и стрит-арта.

Большая окрашенная стена 2501 соответствует экспериментальной технологии получателя и движущимся изображениям фабрики слепых глаз. Во время установки павильон был превращен в настоящую художественную студию. В этом групповом проекте даже публика призвана участвовать в работе и стать неотъемлемой частью произведения, которое достигнет своей цели с помощью тех же инструментов, которые используются художник. Кисти, используемые при реализации стены, доступны для общественности, и они могут использовать их на движущейся бумаге, найденной на Macchina 03, созданной коллективом получателей. Каждый день готовые листы бумаги будут вывешиваться вдоль стен павильона, и только в конце фестиваля установка может быть завершена. Вся установка является частью экспериментального проекта кочевников, что является отражением меняющегося и раздробленного состояния, которое характеризует современное общество. Через его непрерывные путешествия 2501 экспериментирует и документирует это состояние. Часть документального видео проекта, созданного Blind Eye Factory, будет представлена ​​в павильоне.

Испанский павильон
Пеник Продакшнс
Penique Productions — художественный коллектив, основанный в Барселоне в 2007 году художниками из разных дисциплин, объединенных в реализацию общего проекта, основанного на создании эфемерных произведений искусства. Работы Penique Productions — это разноцветные воздушные шарики, которые охватывают все поверхности. Таким образом, они дают новые идентичности пространствам.

Для Penique Productions комната — это предварительный тест, с помощью которого мы можем думать о том, как мы взаимодействуем с пространством. Два испанских художника используют пластиковую упаковку для покрытия поверхностей внутри помещений благодаря воздуху, перемещаемому вентилятором. Таким образом они изменяют восприятие, которое мы имеем с пространством. Благодаря этому процессу комната стала непригодной для использования, и зритель чувствует себя потерянным в ней. Впервые и специально для Фестиваля на открытом воздухе они создали две разные пластиковые среды, которые взаимодействуют друг с другом. Желтая пленка прилипает к стенам комнаты, выделяя архитектурные формы. В углу комнаты они создали огромный красный куб, который является основным направлением работы. По-видимому, как не связанный и независимый объект,

Британский павильон
Инса
Инса родился в Англии и начал рисовать, когда ему было 12 лет. Сегодня один из самых новаторских и уважаемых писателей в Соединенном Королевстве. Его работы представляют собой смесь разных и красочных элементов, в постоянных творческих исследованиях и экспериментах.

Плавный калейдоскоп изображений в GIF-анимации Insa обладает гипнотической силой над зрителем. Их циклические движения, глубина и яркие цвета заставляют нас задерживаться, словно под воздействием мощного обезболивающего. Вид сверху дает акцентированный взгляд на работу, заставляя нас наблюдать вихрь, который доминирует в комнате, вихрь, который своим движением погружается в небытие. Над ним сидит череп в бесконечном вращении, непочтительный и сардонический. Обе фигуры были созданы через 8 слоев, нарисованных, чтобы сформировать GIF, определяющий признак работы Инсы. Английский художник размышляет о концепции бессмертия в тенденциях, обнаруживаемых в Интернете, а не в реальной жизни. Оба объекта, представленные в работе, имеют двойное символическое значение. Вращающийся череп — это аллегория смерти и

Вихрь, в древней традиции символ жизни и эволюции, в то же время своим движением предупреждает нас о скоротечности жизни. Вся работа представляет собой современное и насмешливое переосмысление человеческих ванит. Эта работа напоминает нам эфемерную природу нашего фарса и напоминает нам о том, что мы часто забываем об этих условиях, погружаясь в иллюзорный мир, созданный онлайн.

Французский павильон
Наклон
Тилт — художник граффити, хорошо известный во всем мире. Он из Тулосы, на юге Франции. Он определяет себя как «фанат граффити», и его первая метка была реализована на рампе для скейтбордов в 1988 году. На его карьеру повлияли длительные поездки, в которых Тилт оставил свой след, например, в США, Гонконге, Японии, Мексике, Таиланд, Австралия, Новая Зеландия, Лаос, Тайвань, Китай, Канада, Филиппины, Индонезия и другие 12 стран Европы. Его всегда посвящают старой школе и дикому стилю, с помощью которого он создает формы и цвета, которые привлекают зрителя.

Существуют разные уровни смысла, с помощью которых можно интерпретировать работу Тилта. Без тени сомнения первозданная природа граффити важна для работ французского художника. Его художественные исследования всегда были сосредоточены на этой теме: оставить знак, свое имя в обширной части мира и на самых разных поверхностях. Бросок, часто рассматриваемый как простой акт вандализма, через Tilt становится вызывающе деконтекстуализированным. Извлеченный и вставленный в неожиданных контекстах, он приобретает новую красоту, которая тревожит и дезориентирует. Под этим видом теги становятся легитимными как концептуально, так и эстетически, создавая короткое замыкание в негативном предубеждении против них.

В бывших казармах он раздвинул границы своих исследований; не просто акт простой деконтекстуализации, он изменил поверхности, предназначенные для этих вмешательств. Таким образом, большие окна становятся поверхностями, на которых работает художник. Многочисленные красочные рвоты вызывают большие витражи готических церквей и ведут нас в священное царство. Отражение света на полах и стенах, а также фокусная стена с негативным силуэтом окон привлекают нас к уважению и созерцанию. Большие окрашенные стены контрастируют с выставкой фотографий, сделанных из окон римского метро, ​​а также других международных городов, и подписью художника. Зритель вынужден пройти через павильон, чтобы исследовать все пространство.

Голландский павильон
Графическая хирургия
Графическая хирургия — художественный дуэт из Голландии. Их зовут Эррис Хайгенс (1978) и Гисберт Зийльстра (1978). Они исследовали границы разных техник и жанров, всегда сохраняя свой личный стиль. Они обычно реализуют картины, граффити, видео и инсталляции, используя черно-белую систему линий и геометрий.

Инсталляция голландского дуэта является четвертой из серии работ, направленных на сложные структуры, проникающие в архитектурное пространство. На их работу сильно влияют минимальные геометрические формы, которые формируют промышленную среду, такие как балки, найденные на складах и краны. Последнее, в частности, является чем-то, к чему они особенно привязаны, функциональным средством, которое вездесуще в городском ландшафте, но которое часто либо игнорируется, либо вызывает раздражение. Для графической хирургии механический кран является символом изменяющегося города, инструментом обновления или разрушения постоянно развивающейся среды. Их работа для наружных работ направлена ​​на реконфигурацию среды казарм, имплантируя черную решетку поперек в трех комнатах. , Каждый кусок независим, но в то же время является неотъемлемой частью общей структуры. Эта деревянная конструкция напоминает открытые балки на складах здания, откуда художники черпали вдохновение. Точно так же, как кристаллы, сформированные из кусочков камня, они инсталлируют комнаты и создают новые пространственные перспективы.

Греческий павильон
Александрос Васмолулакис
Александрос Васмулакис родился в 1980 году в Афинах. Он живет между Афинами и Лондоном, где он работает внештатным сотрудником. Он начал свои художественные исследования в области уличного искусства, а затем расширил их, особенно в последние несколько лет, до больших инсталляций, выполненных из переработанных материалов.

РЕЛИКА — описание работы Антонеллы Ди Лулло —
Предметы, которые были найдены в этом заброшенном месте, обрели новую жизнь благодаря искусству Александра Васмулакиса. Его работа для фестиваля под открытым небом состоит из серии инсталляций, созданных из предметов и материалов, которые художник обнаружил во время осмотра площадок. Художник связал свое открытие с фестивальной претензией, которая называется «Здесь, сейчас». Мы можем найти колонну из стульев или другую из ящиков, которые представляют собой статичное присутствие, в отличие от легкости волнистой панели, которую художник покрывал зеленым блеском и которая плавает в воздухе благодаря вееру действие. В работах Васмулакиса и скульптура, материалы и время имеют художественное значение.

Бразильский павильон
Tinho
Терпение и одиночество — две эмоции, которые зритель неизбежно испытывает, когда видит произведения Тиньо. Его настоящее имя Уолтер Номура, и он родился в 1973 году в Бразилии. Он художник граффити, и своими работами он хочет представить, какой у него образ мира и современного бразильского общества.

Работа Уолтера Номура, он же Тинью, пытается создать личный диалог со зрителем, возвращая их в интимное время, в период их младенчества. Через его вызывающие воспоминания картины и огромных кукол он передает беспокойство современной жизни, глубокое отчуждение и индивидуализм, которые отличают жизнь в скрытых городских пространствах от неистового темпа повседневной жизни. Его куклы, символы невинности и утраченной легкости, ведут нас к этой скрытой жалобе и вызывают размышления о конечных результатах наших действий. Прежде всего, его работа является плодом морально-этического выбора: в эпоху, когда экономика создает явления, которые разрушают нашу планету, такие как растрата ресурсов и образование огромного количества мусора, он создает своих марионеток, используя клочки ткани и Подержанная одежда.

Норвежский павильон
Мартин Ватсон
Мартин Ватсон родился в 1984 году в Норвегии и до сих пор живет там. Он демонстрирует постоянную актуальность исследований красоты в том, что обычно считается некрасивым, не в моде или просто неинтересно. Его находит вдохновение в людях, городских сценах, старых зданиях и поцарапанных стенах.

Трафарет и спрей. Это два метода, используемые норвежским художником для его работы здесь на улице — один метод точный и технический, другой импульсивный и хаотичный. Комната, в меньшем масштабе, чем другие, дает зрителю быстрый панорамный вид, вызывая динамический ритм работы. Две фигуры вовлечены в бесконечную погоню — одна намеревается рисовать, другая покрывает его следы белой краской. Это загадка, кто начал погоню и кто ее закончит. Эти два противоположных жеста иллюстрируют эфемерную природу городского искусства и динамику, возникающую при работе в городском контексте. Художник оставляет за собой право судить в этой борьбе между противоборствующими силами, ограничивая свое участие выражением этой необходимой игры между противоборствующими силами.

Специальный проект

Марин Лериш
Марин Лериш — графический, текстильный и сценограф. Сначала она изучала визуальные коммуникации и мультимедиа в Национальной школе прикладного искусства и мастерства в Париже. Затем она поступила в отдел текстильного дизайна в ENSCI-Les Ateliers (Национальная школа повышения квалификации в области дизайна). В то же время она всегда многому научилась, работая и сотрудничая со стилистами, художниками и агентствами. На самом деле она сейчас имеет междисциплинарный профиль. Творение — это потребность, которую она удовлетворяет, создавая и собирая предметы, картинки и содержимое в своей повседневной жизни. Она любит учиться, работая на новых носителях, над новыми проектами, с новыми партнерами. По ее словам, важно всегда стимулировать воображение, встречаясь и общаясь между разными творческими полями.

Когда мы вошли в это место, мы сразу почувствовали необходимость поделиться великими эмоциями, которые мы испытывали на этом бывшем военном заводе. Objts Trouvés — это каталог чувств, который отмечает продуктивное и оживленное место, которое оставалось активным на протяжении более столетия. В течение трех месяцев семь гектаров, на которых разворачиваются бывшие казармы SMMEP, были землей открытий. Каждый уголок этого огромного места был предметом ненасытного квеста, который на этом пути стал настоящей зависимостью и заставил нас собирать фрагменты жизни, а не нашей.

С любопытством и волнением детей, делающих авантюрные открытия на пыльном и затхлом чердаке, для нас каждый объект символизирует достижение, а каждое достижение стало историей. История, которую мы хотим рассказать, — это история воображения. Выставленные предметы кажутся бесполезными, но богаты энергией людей, которые их использовали. Их размещение имеет эстетическую и эмоциональную организацию, созданную специально для того, чтобы не сводить их к научному каталогу жизни, жившему в этих бараках. Поэтому мы приглашаем вас в историю, которая больше похожа на книжку с картинками, чем на книгу по истории, в качестве средства для обеспечения личного опыта, который является интимным и рефлексивным.

Мебель, краски, дерево, железо, ржавые предметы, стулья, кресла, шлемы, бутылки, лампочки, плакаты, открытки, письма, рисунки, записи, приказы и команды, солнцезащитные очки, лыжное снаряжение, ручки, инструменты, пуговицы, куртки, рубашки баннеры и флаги, непонятные вещи, старые компьютеры, чертежи, схемы, электрические провода, эротические календари, радио, графика, листовки и неизвестные предметы, которые ценятся за их красоту или за простое очарование неизвестного.

Это сокровище, собранное за три месяца, предназначено для того, чтобы передать чувство замешательства, то же замешательство, которое мы испытали в начале поиска. Вместо этого выставка использует метод отображения, который является обнадеживающим и системным: по цвету, форме, материалу, текстуре и теме. Это подчеркивает эстетику объектов, упорядочивает пространство и облегчает удовольствие. Мы проводим публику в этом увлекательном путешествии между повседневными и неизвестными объектами, сопоставленными таким образом, который придает ценность их нормальности — приглашение к новому возвышенному взгляду на повседневную жизнь. ,

Рим Открытый фестиваль
OUTDOOR был создан в 2010 году с целью укрепления отношений между гражданином и городом посредством художественных вмешательств в городскую ткань. После внесения вклада в характеристику бывшей промышленной зоны Остиенсе с помощью постоянных общественных художественных инсталляций, фестиваль фокусируется на теме использования искусства в процессах городской регенерации в качестве ключа, обеспечивающего доступ общественности к динамике трансформации, влияющей на территория и как средство связи для города на международном уровне.

Открытый фестиваль продолжает размышлять о преобразовании общественных пространств с помощью искусства и музыки, которые вы превращаете в инструмент для оживления заброшенных мест, часто в пользу обновленного опыта.

Более 70 000 квадратных метров, которые станут центром города науки и проекта по возрождению города. Бывшие казармы были восстановлены благодаря обширной культурной программе и мероприятиям 17 местных художников, как национальных, так и международных, которые временно оживляют перед окончательным возрождением.

После пяти изданий, в которых участвовало более 70 художников, в прошлом году 16 000 выступлений в бывших обычаях Сан-Лоренцо, фестиваль в этом году предлагает простую концепцию и одновременно сильную.

В сотрудничестве с посольствами и культурными институтами за рубежом фестиваль наружной рекламы принимает 17 художников из 8 стран, которые занимают своими работами 10 павильонов в заброшенных местах бывших казарм Гвидо Рени.

Работы в диапазоне от абстрактных до 108 эклектичных композиций граффити, скульптуры и видео 2501 года выполнены в сотрудничестве с Получателем и Фабрикой слепых глаз. Из крупных инсталляций греческого Vasmoulakis работы Минелли, политики да, но в то же время интроспективно.

Инсталляция существенного геометрического черно-белого голландского дуэта Graphic Surgery, Halo Halo, с его двумерными лабиринтами и очарованием работы норвежского Мартина Ватсона, в которой драматический серый цвет разбит цветными пятнами, в противоположность Разноцветные куклы тряпичны бразильским Tinho, так что проводит свои социальные сообщения. Пространственная революция испанской Penique Productions, которая потребовала новой концепции места посредством искажения того же самого и французского граффити Тилт, напоминает нам о начале написания. Деконструкция городской застройки, построенной Рубом Канди, Insa и ее «giffiti», многослойные изображения, анимированные стоп-движениями, исследование уличного художника Lucamaleonte, которое в этом случае будет сосредоточено на памяти и интерактивном дизайне No Idea. И, наконец, цыганский павильон,

Обширная программа мероприятий побуждает зрителя открыть для себя культуру принимающих стран, включая разговоры, кино, еду и большой выбор международной музыки.

На открытом воздухе в этом издании планируется расширение спецификации: наряду с изобразительным искусством музыка в этом году становится одной из звезд фестиваля. Каждая работа из 17 задействованных художников сочетается с вмешательством музыканта, призванного добиться оригинальной звуковой инсталляции.

На улице также есть три особенности: творческая конференция «Итальянство» Ренато Фонтана, в которой сделан акцент на творчестве «Сделано итальянцами», способ подвести итоги состояния новой визуальной сцены вместе с итальянскими более ста профессионалами и художниками, проживающими в Италии. и за рубежом, из мира архитектуры, художественного руководства, коммуникации, дизайна, фотографии, мультфильма, графики, иллюстрации, фрески и видео.