예술과 독창성은 NUfactory에서 6 번째 에디션으로 기획 한 Outdoor 2015와 함께 로마에서 축하됩니다. 이번 6 판의 제목 인 “여기,”는 우리가 경험 한 구조의 마지막으로 반사 시간과 공간 크기에 초점을 맞추는 것을 목표로합니다.
여기와 지금, 장소와 시간 제한. 독창적이고 복제 할 수없는 다른 시간면을 구현합니다. 막사의 과거, 예술적 창조의 현재 및 미래 공간의 재생; 단순한 컨테이너가 아니라 실제 컨텐츠 인 장소.
구 막사 SMMEP (Establishment Military Electronic Appliance Precision) 구이도 레니 (Juido Reni)를 통해 90 년대 초에 버려진 그들은 축제가 다양한 과정을 경험하게하는 계기가되었습니다. 공간의 변형 행위, ‘일시적인 행동의 인식’ , 작품 자체와의 상호 작용, 재생산 된 장소의 집단적 즐거움, 야외 캠프 워크숍에서 예술가와 수업의 적극적인 참여.
공간과 시간의 주어진 시간과 경험에 노출 된 건축 구조와 그 안에 포함 된 예술 작품 사이에 만들어지는 상자에 존재하면…
야외 자체는 끊임없이 움직입니다. 지난 몇 년 동안 그것은 표현과 의사 소통의 매개체가되었으며 국가 차원에서 거리 예술, 도시 예술에 대한 참조 지점이되는 데 점점 더 많은 대중의 관심을 불러 일으키는 몇 가지 예술적 경험, 새로운 언어 및 창조적 인 스타일을 전달했습니다. 그리고 새로운 예술적 표현.
이 에디션의 아티스트 선택은 기본적으로 거리 예술에서 시작하여 항상 축제의 본질 인 다른 예술적 표현에 도달하기 위해 예술의지도를 최대한으로 끌어 내고자하는 소망입니다. 축제 기간 동안 수많은 막사 홀이 전시회가 표현 된 국가별로 파빌리온으로 개조됩니다.
2015 년판은 특정 상황에 맞는 경험을 위해 설립 된 요소, 시공간, 시간과 같은 개념에 주목할 것입니다. 2015 년 10 월 2 일부터 31 일까지 도시 창조성에 전념하는 국제 축제 인 OUTDOOR의 여섯 번째 판을 개최 할 구이도 레니 막사에서 진행되는 창의적인 과정에 대해 직원과 예술가가 회의를가집니다.
예술과 음악, 토크, 영화를 중심으로 한 풍부한 일정으로, 축제는 정해진 장소와 밀접한 관련이있는 훌륭한 문화 컨테이너가 될 것입니다. 한 달 동안 만 관람객이 방문 할 수있는 장소입니다. 여기, 그것은 예술적 창조 행위와 그 즐거움에 대한 성찰입니다.
전시회:
신문, 가구, 손잡이, 이상한 기계 및 타이어의 산. 달력, 플로피 디스크, 캐스터 및 오래된 컴퓨터; 귀도 레니 막사를 처음 방문하는 동안 나의 상상을 사로 잡은 모든 것 중 허리케인처럼 잔해가 흩어진 버려진 지역 천천히 공간을 되찾아가는 본성으로 지나가고 내 생생한 기억은 이상하게도 카세트 테이프입니다. 나는 어린 시절 그것을 소유하고 있다는 것을 알았지 만, 그것을 내 기억에서 완전히 제거했습니다. 그날 밤 집에 돌아와서 다른 카세트와 잘 정리하고 정리했습니다. 시간이 지남에 따라 물체와 장소가 어떻게 다른 반응을 일으키는 강력한 도구가 될 수 있는지에 대해 생각해 보았습니다. 그 잊혀진 테이프는 나를 제 시간에 되돌려 놓은 대상 이었지만, 동시에 그 정확한 순간에 다가올 몇 달 동안 막사에서 완성 될 모든 일이 생겨났습니다.
기억, 기억 상실, 대기, 창조는 우리가 현재의 방아쇠를 통해 과거와 미래와 관련되는 모든 방법입니다. 여기서 축제 6 편의 제목, 시간과 공간에 대한 반성, 이러한 조치를 방법으로 사용합니다. 우리의 경험을 구조화하십시오. 여기와 지금, 특정 장소와 특정 시간, 그 자체로 다른 시대를 포함하지 않는 독특한 순간 : 막사 과거, 현재 예술 작품 및 미래 공간 재생. 이런 식으로 공간은 단순한 용기가 아니라 실제 물체입니다.
이탈리아 파빌리온
루카 마 레온 테
Lucamaleonte는 1983 년 로마에서 태어나 여전히 일하고 살고 있습니다. 그는 포스터와 스텐실을 사용하기 시작했고, 캔버스에 그림을 그리기 위해 연구를 바쳤다. 그는 세계에서 몇 안되는 예술가 중 한 명이며 마스크와 페인트를 사용하여 다단계 스텐실을 구현할 수 있습니다.
작가가 공개하기로 결정한 개인적인 기억, Lucamaleonte는 그의 과거를 탐구하는 드문 작품을 제시합니다. 과거의 건물과 겹치는 과거의 예술적 개입은 공공과 민간의 경계를 흐리게합니다. 병영은 그가 잘 아는 공간, 기억에서 나온 장소, 할아버지가 수년간 감독이었던 곳입니다. 이런 이유로 로마 예술가는 그의 아버지가 인용 한 환영과 작별 연설을 통해 할아버지의 취임과 퇴직을 불러 오기로 결정했습니다. 방을 지배하는 사진은 우리를 그 날로 운송하고 그의 할아버지와 청중들과 함께 무대에서 할아버지의 견해를 보여줍니다.
인접한 방에서 삼부작은 할아버지가 장군의 유니폼을 입고 그의 얼굴이 작가의 서명 중 하나 인 육면체로 숨겨져 있음을 드러냅니다. 첫 번째 그림은 유령처럼, 마지막 그림은 완전히 정의 된 것처럼 간단히 스케치됩니다. 막사의 벽에서 할아버지의 출현은 지나간 시간과 할아버지에 대한 자신의 기억, 그를이 장소에 묶는 기억을 나타냅니다.
몰라
No Idea는 Mauro Pace와 Saverio Virillo에 의해 이탈리아와 1983 년에 태어난 연구소입니다. 그들은 스스로를 디지털 및 창의적 장인으로 정의합니다. No Idea는 인터랙티브 디자인, 인터랙티브 설치, 박물관 및 이벤트를위한 정서적, 인터랙티브 및 멀티미디어 박람회 투영 및 실현에 중점을 둡니다. 문화 공간에 혁명을 일으키고 예술적인 실험을 특이한 곳에서 변화시키고 자하는 두 예술가의 꿈의 결과입니다.
No Idea의 설치는 서방 세계의 포스트 모던 위기를 시각적으로 표현하는 것을 목표로합니다. 그중에서도 확실성의 파괴, 수세기 동안 존재해온 보편적 가치의 무너짐은 우리의 논리의 표현과 사회적, 문화적 현상 및 현대 사건으로 인해 논쟁을 제기 한 것들을 이끌었습니다. 사람의 의식을 상징하는 떠 다니는 바다가이 집단 설치의 배경을 만듭니다. 언뜻보기에 안심하면서 곧 비극적 인 장면으로 드러납니다. 부피가 큰 빛이 갑자기 실루엣의 존재를 배신합니다. 극적인 사건의 상징은 우리가 모든 고뇌의 고통에서 죽음을 경험하게 만듭니다. 진정한 예측할 수없는 사건으로, 세계가 놓인 기초를 재구성 한 외상입니다.
캔디 캔디
Rub Kandy로 알려진 Mimmo Rubino는 이탈리아 예술가이며 여러 가지 지원에 대한 그의 예술적 연구를 실험합니다. 그의 작품은 날카 롭고 정확합니다. 그는 도시 상황을 잘 관찰하고 이미지와 깊은 사회적 메시지로 해체 할 수 있습니다.
ROOM1-Antonella Di Lullo의 작품 설명-
야외 축제를 위해 Rub Kandy는 중앙 갤러리에서 3 개의 인접한 방의 공간을 침범하기로 결정했습니다. 기법과 매체는 작품을 구별하지만 공간, 예술가의 수정, 영역의 접근 불가능 등 공통적 인 스레드가 있습니다. 세 가지 사이트 별 작품은 건물과 건축 요소에 대한 심층적 인 연구에서 비롯됩니다. 방 1 – 물로 채워진 어둡고 좁은 방과 배경에는 커다란 빛의 원이 있습니다. 밀폐 된 공간은 식물이 활성화되었을 때 필요에 따라 지어진 벽의 존재로 증폭되는 어려움을줍니다. 큰 빛과 그에 따른 잔향은 관중을 안내하고 방이 눈에 가져 오는 압도적 인 센세이션에서 벗어날 수있는 요소입니다.
2 실
Rub Kandy의 두 번째 시설을 수용하는 대형 창고는 두 부분으로 나뉘어져 있습니다. 첫 번째는 손상 상태를 나타 내기 위해 그대로 두었습니다. 배경에서 칠해진 흰색 표면은 공간을 무균 장면으로 변형시키는 명확한 휴식을 나타냅니다. 칸도를 통해 공간은 막사와 그 구조를 통해 시간의 흐름을 수정하고 향상시킵니다.
3 실
축제를 만드는 동안 청소 된 수많은 거울이 필라 스터에 의지하여 시청자를 향했습니다. 거울에 빛의 반사를 곱하는 게임을 통해 빛의 광선이 공간을 통과하여 방에 대한 시각적 인식을 바꿉니다.
헤일로 헤일로
Halo Halo는 이탈리아 예술가이며 1984 년에 태어났습니다. 그는 2 차원 언어를 사용하여 무한대로 재현되도록 설계된 미로를 만들어냅니다. 그의 작품은 부드러운 구조, 가능한 모든 방향으로 길을 잃은 생각으로 이루어진 궤도를 추적하는 복잡한 구성이 특징입니다.
혼란스럽고 혼란스러운 팝 아트 형태의 엉킴은 논리에 압도되기 전에 마음에 나타나는 이미지를 자유롭게 표현합니다. 이것이 Halo Halo의 작업을 지속적으로 정의하는 특성입니다. 공간 좌표와 건축 요소의 중요성을 잃은 채 방이 완성되었습니다. 오히려 그들은 토리노 예술가의 의식 흐름의 변덕으로 대체됩니다. 이 작품에서 우리는 공간의 이전 기능, 예술가의 작은 자화상, 고전적인 건축 요소 및 처마와 함께 예술가가 그의 시간 동안 예술가와 함께 유지 한 매미의 세부 사항으로 되돌아 간 기계 장치를 찾습니다. 전 Caserma Guido Reni. 이 이미지를 통해 작가는 자신이 일한 상황을 떠올리고 우리를 그의 연상 속에 완전히 몰두 시키라고 초대합니다.
108
108로 잘 알려진 Guido Bisagni는 1978 년에 태어난 이탈리아 예술가이자 거리 예술 작가입니다. 그의 작품은 대부분 추상적이고 초현실적이며 최소한입니다. 그는 유럽 신석기 시대 낙서, XX 세기 아방가르드 및 Stak와 Richard Long과 같은 현대 예술가들에게서 영감을 얻었습니다.
그의 연구는 거리 예술 레이블과 108 거리를두고, 수년에 걸쳐 그림 언어의 기본 요소 인 형태와 색상에 크게 집중하여 큰 추상 인물을 만듭니다. “이 작품에서는 모양에 집중하거나 건축 공간의 형이상학 적 구조에 중점을 둔 예술 연구를 종합하고 싶었습니다. 버려진 공간의 아름다움에 대한 존중은 시간이 지남에 따라 소비되었습니다. 밝은 색상을 사용하면 무례하고, 제자리에 있지 않고, 우아하지 않았습니다. ”
그의 거대한 검은 반점은 내부 갈등을 불러 일으킨다. 그들은 어디를 가든지 몰입감있는 존재감을 발산하는 공허함을 포함하고 있습니다. 그것들은 비이성적이고 형태가없는 형태가 동시에 원시적 표식과 현대적인 형태 모두와 유사하다는 점을 고려할 때 개념적 옥시 모론입니다. 그의 추상 인물에는 결함의 부수적 요소를 생성하는 불완전한 작은 불규칙한 물방울이 포함되어 있습니다. 우리를 방해하는 것은 알려지지 않았고 이해할 수없는 것인데, 궁극적으로 우리를이 작품들과 함께 완전히 반영되고 묵상하게합니다.
필리포 미넬리
그는 이탈리아 작가이며 1983 년에 태어났습니다. 건축, 정치, 커뮤니케이션 및 지리와 같은 많은 주제를 창작, 설치 및 공연의 기반으로 사용하여 사진과 비디오로 문서화하고 분석합니다. 그는 항상 풍경과 공공 장소에 관심을 보였으며 본능적이고 승인되지 않은 개입 덕분에 이탈리아의 거리 예술 개척자가되었습니다.
내가 군대에서 복무하지 않았던 동안 내가 한 모든 일은 제목에서 분명한 의도의 메시지를 보내는 시설이다. 축제의 개념을 머리에 담아 암시와 도발적인 주제로 만들어진 다른 곳으로 데려다주는 것. 언뜻보기에는 틀린 것처럼 보이지만 축제의 부재를 통해 축제의 주제를 반영하여 반대의 반대 이미지를 만들어내는 반대 입장을 만듭니다. 명확하게 정의 된 경계를 가진 해변에서 작가는 자신의 아카이브에서 찍은 사진, 먼 곳의 세부 사항, 삶의 순간 및 병영의 과거, 그 기능에 대항하는 개인 경험의 엿보기를 사용하여 전시합니다. 그리고 그것이 무엇을 나타내는 지. 방에 걸려있는 포스터에서 볼 수있는 연결이 끊긴 불투명 한 단어
톰 마소 가라 비니
Tommaso Garavini는 1972 년 로마에서 태어났습니다. 로마의 미술 아카데미를 졸업했습니다. 1998 년부터 영화와 연극의 시나리오 학자로 일했다. 그의 예술은 그림, 디자인, 그래픽, 조각 및 다양한 설치에 이르기까지 다양합니다. 2003 년 그는 Debora Pappalardo, Anastasia Sciuto 및 Igor Bacovich가 공연 한 연극 작품 “Operamara”를 썼습니다. 2006 년 그는 여전히 일하는 디자인 및 아트 랩인 ROTA-LAB을 설립했습니다.
Tommaso Garavini가 만든이 세상에서 세트 디자인, 인테리어 디자인 및 미술이한데 모입니다. 그는 자신의 기술을 결합하여 하늘, 땅, 심연 사이를 묵상하는 방의 친밀한 환경으로 한 번에 우리를 데려옵니다. 과학과 자연은 가라 비니의이 “최후의 만찬”과 조화를 이룹니다. 우리는 조각난 나무 줄기에서 자연의 원소와 철의 신성한 구름을 향한 최악의 지상 습관을 나타냅니다. 이 신성한 영역에서 우리는 “구름”을 만든 사람의 날카로운 가장자리와 계단식 자연 모양의 결합을 볼 수 있습니다.
자연의 혼돈을 모방하려는 시도를 통해 가라 비니는 자연 환경에서 발견 된 “완벽한”혼돈을 재현하기위한 도전으로 매체 자체의 리듬에 가두 었습니다. 맨 손으로 놓인 상징적 인 접시와 함께이 테이블에 누가 앉아 있습니까? 숫자는 설치에서 중요한 역할을합니다. 관점에 따라 영원한 사랑과 영적 청결 또는 불운을 나타내는 13, 숫자는 구름 대 테이블 대 나무 조각의 비율에 비례합니다. 구름과 조각이 테이블과 1; 1,3 관계에서,이 숫자의 반대 의미는 지옥과 숭고한 사이의 반대 당김과 관련이 있습니다. 위아래로 확장하면 자연계에서만 볼 수있는 조화를 이루기 위해이 레벨 사이를 이동할 권리가 있습니다.
우노
우노는 이탈리아 예술가이며 2005 년부터 로마에서 일하고 살고있다. 자신이 제작하는 데 사용하는 기술은 처음에는 포스터를 선호하거나 상징적 인 요소와 콜라주의 반복을 선호하지만 거리 예술 클래식 기법이다. 그는 Warhol, Debord 및 Rotella의 교훈에서 영감을 얻었으며 스프레이와 페인팅을 사용하여 광고 기술을 사용하여 무한한 이미지 반복을 만듭니다.
UNO의 세계는 색상, 비율 및 패턴의 섬세한 춤으로 거의 한계를 뛰어 넘었습니다. 임팩트의 주요 포인트는 지난 몇 년 동안 UNO의 예술적 결과물을 보여준 디자인, 패턴 및 색상의 투어 디 포스 인 우리 바로 앞에있는 벽입니다. UNO는 스텐실 및 콜라주에서 포스터 및 자유형 스프레이 페인트에 이르기까지 광범위한 기술을 바탕으로 제시된 환경을 완벽하게 수용합니다.
언뜻보기에는 혼란 스럽지만 조화를 위해 미묘하게 균형을 이룬 공간은 공간의 기하학적 받침 인 마름모에서 초점을 맞 춥니 다. 이러한 형태 내에서 주로 흑백 패턴은 킨더 얼굴의 미묘한 묘사에서 빗방울로 이동합니다. 공간의 사운드 트랙에 생명을 불어 넣음으로써 물의 개념은 전 세계적으로 존재하며 싱크 자체는 3 차원 쇼케이스로 변형되었습니다. 이러한 역동적 인 공간에서 물의 진정 효과는 선택 (및 비 선택) 색상에 의해 반영됩니다. 밝은 색의 그라디언트가 검은 색과 흰색 요소 주위에 튀어 나와 골드 스와 스에 미묘하게 반영되어 UNO의 예술적 실습을 360도 엿볼 수 있습니다.
앨리스 파스 퀴니
Alice Pasquini는 일러스트 레이터, 시나리오 작가 및 화가로 일하는 로마 예술가입니다. 그녀가 가장 좋아하는 “캔버스”는 벽입니다. 그녀는 시드니, 뉴욕, 바르셀로나, 오슬로, 모스크바, 파리, 코펜하겐, 마라케시, 사이공, 런던 및 로마와 같은 많은 예술 작품을 많이 여행했습니다. 그녀는 1980 년에 태어 났으며 로마의 미술 아카데미를 졸업했습니다. 그 후 그녀는 영국, 프랑스 및 스페인에서 살면서 일했습니다. 그녀가 마드리드에 있었을 때 그녀는 유명한 Ars 애니메이션 학교에서 정말 유명한 애니메이션 과정에 참석했습니다. 2004 년 그녀는 Computense University에서 미술 평론가를 전공했습니다. 그녀의 예술로, Alice는 그녀의 주제의 가장 친밀한 순간, 즉 정상적인 사람들과 그들 사이의 미묘한 관계를 드러내고 싶어합니다.
믿거 나 말거나 ‘앨리스 파스 퀴니는이 말을 통해 관중을 예상치 못한 충격적인 측면을 묘사하는 공간을 통해 항해하게합니다. 겉보기 흑백 색 구성표에서 나오는 미묘한 색상에서 그림과 문구의 계층화에 이르기까지 여러 수준의 환상으로 안내되는 공간입니다.
우리는 믿거 나 믿지 않습니까? 이 방에서 우리는 경비원을 실망시키고이 어두운 세상의 앨리스에 몰입해야합니다. 작가는이 실내 공간에서만 공간의 모든 표면에서 쏟아져 나오는 미스터리와 유령의 구성물 위에 세워진 작품의 새로운 측면을 드러 낼 수 있습니다. 공공 예술에 대한 고려에서 벗어나 작가의 이중성은 전시되고있다. 그녀의 공공 작업을 정의하는 생생한 색상에서 벗어나,이 실내 환경은 검은 색으로 입힌 프린지 캐릭터의 등장을 허용하여 환상과 환상이 우리에게 무엇이든지 가능하다고 믿었을 때 다른 시대로 돌아올 것을 요구합니다.
2501
2501은 이탈리아 작가입니다. 그는 14 살 때 밀라노의 기차와 벽에있는 스트리트 아트 장면에 처음 등장했습니다. 그는 예술 연구에 낙서, 캔버스에 페인트, 조각 및 비디오를 통합합니다. 20 세 때 그래픽 디자이너로 브라질 산 파올로로 이주하여 NGO와 파트너쉽을 맺고 파벨 라스의 아이들에게 가르치기 시작했습니다.
Recipient.cc는 밀라노의 예술 단체입니다. 멀티미디어 커뮤니케이션, 비디오 / 오디오 프로덕션, 대화식 설치, 디자인 및 예술과 같은 다양한 분야의 전문가들로 구성되어 있으며 기술 및 상업 분야가 풍부합니다.
Blind Eye Factory는 비디오 및 사진 컨텐츠 제작 및 구현에 특화된 독립적 인 아티스트 스튜디오입니다. 이 그룹은 2013 년 Giorgio Filippini와 Lorenzo Gallito의 연합에 의해 설립되었습니다. 스튜디오는 처음부터 예술과 디자인 분야, 특히 “새로운 벽화”와 거리 예술의 흐름에 초점을 맞췄습니다.
2501의 큰 페인트 벽은 Recipient의 실험 기술과 Blind Eye Factory의 움직이는 이미지를 충족시킵니다. 설치하는 동안 파빌리온은 실제 예술 스튜디오로 변모되었습니다.이 그룹 프로젝트에서는 대중조차도 작품에 참여하고 작품의 필수 부분이되어야하며,이 도구는 사용하는 것과 동일한 도구로 결실을 맺습니다. 아티스트. 벽을 실현하는 데 사용되는 브러시는 대중이 이용할 수 있으며, 수령인 집단이 만든 Macchina 03에있는 움직이는 종이에 사용할 수 있습니다. 매일 완성 된 종이가 파빌리온의 벽을 따라 매달리고 축제가 끝날 때만 설치가 완료 될 수 있습니다. 전체 설치는 유목 실험 프로젝트의 일부입니다. 그것은 현대 사회를 특징 짓는 변화하고 분열 된 상태에 대한 성찰입니다. 그의 지속적인 여행을 통해 2501 실험 과이 조건을 문서화합니다. 블라인드 아이 팩토리 (Blind Eye Factory)의 프로젝트 다큐멘터리 비디오의 일부가 파빌리온에 전시 될 예정이다.
스페인 파빌리온
피닉스 프로덕션
Penique Productions는 2007 년 Barcellona에서 여러 분야의 예술가들이 설립 한 예술적 단체로, 임시 예술 작품 제작을 기반으로 공통 프로젝트를 실현하는 데 통일되어 있습니다. Penique Productions의 작품은 전체 표면을 침범하는 다채로운 풍선입니다. 그런 식으로 그들은 공간에 새로운 정체성을 부여합니다.
Penique Productions의 경우 공간은 공간과 상호 작용하는 방식에 대해 생각할 수있는 사전 테스트입니다. 두 스페인 예술가는 플라스틱 래퍼를 사용하여 팬이 움직이는 공기 덕분에 실내 공간의 표면을 덮습니다. 그런 식으로 그들은 공간에 대한 인식을 바꾼다.이 과정에서 방은 사용할 수 없게되었고 관중은 그 공간을 잃어버린다. 처음으로 그리고 특히 야외 축제를 위해 그들은 서로 상호 작용하는 두 개의 다른 플라스틱 환경을 만들었습니다. 노란색 랩은 방 벽에 붙어 건축 모양이 두드러집니다. 방 구석에 그들은 작품의 주요 초점 인 거대한 빨간색 큐브를 만들었습니다. 분명히 무관하고 독립적 인 대상과 같습니다.
영국 파빌리온
인사
Insa는 영국에서 태어 났으며 12 살 때 그림을 그리기 시작했습니다. 오늘은 영국에서 가장 혁신적이고 존경받는 작가 중 한 사람입니다. 그의 작품은 끊임없이 창의적인 연구와 실험에서 다양하고 화려한 요소가 혼합되어 있습니다.
Insa의 GIF 애니메이션에서 흐르는 이미지의 만화경은 관중들에게 최면의 힘을 가지고 있습니다. 그들의주기적인 움직임, 깊이 및 화려한 색상은 우리를 더 오래 머무르게 만들어 강력한 진통제의 영향을받는 것처럼 우리를 움직이게합니다. 위로부터의 견해는 작업의 강조된 관점을 제공하여, 우리를 방을 지배하는 와류, 그 움직임과 함께 무 (無)로 가라 앉는 와류를 관찰하게한다. 그 위에는 끝없는 회전의 두개골이 있으며, 불의하고 사르 도닉합니다. 두 인물 모두 8 개의 층으로 그려져 Insa의 작품의 핵심 인 GIF를 형성합니다. 영국 예술가는 실생활과 반대되는 온라인 트렌드에서 불멸의 개념을 반영합니다. 작품에 표현 된 두 대상은 모두 이중의 상징적 의미를 가지고있다. 회전하는 두개골은 한 번에 죽음에 대한 우화이며
고대 전통에서 와동은 생명과 진화의 상징 인 동시에 운동을 통해 생명의 일시적인 변화에 대해 경고합니다. 전체 작품은 인간의 바니 타에 대한 현대적이고 파괴적인 재구성입니다. 우리의 존재의 일시적인 성격에 대한 유쾌하고 유쾌한 표현 인이 작업은 온라인으로 만들어진 환상의 세계에 빠질 때 종종 이러한 조건을 잊어 버린다는 것을 상기시킵니다.
프랑스 파빌리온
경사
Tilt는 전 세계적으로 잘 알려진 낙서 예술가입니다. 그는 프랑스 남부의 톨 로사 출신입니다. 그는 자신을 “낙서 축제가”로 정의하고 그의 첫 번째 태그는 1988 년 스케이트 보드 진입로에서 실현되었습니다. 그의 경력은 Tilt가 미국, 홍콩, 일본, 멕시코, 태국, 호주, 뉴질랜드, 라오스, 대만,시나, 캐나다, 필리핀, 인도네시아 및 유럽의 다른 12 개국. 그는 항상 구식과 야생 스타일에 전념하여 관중을 유혹하는 모양과 색상을 만듭니다.
Tilt의 작업을 해석 할 수있는 여러 가지 의미의 계층이 있습니다. 의심의 여지없이 그래피티의 기본적 본질은 프랑스 작가의 작품에 필수적입니다. 그의 예술 연구는 항상이 주제에 중점을 두었습니다. 전 세계의 넓은 지역과 다양한 표면에 사람의 이름을 남기는 것입니다. 틸트 (Tilt)를 통한 단순한 기물 파손 행위로 보이는 드로우 업은 도발적으로 비 컨텍스트 화된다. 예상치 못한 상황에서 추출되고 삽입되어 불안정하고 혼란스러운 새로운 아름다움을 얻습니다. 이 모습에서 태그는 개념적으로나 심미적으로 합법화되어 부정적인 편견에서 단락을 일으킨다.
전 막사 안에서 그는 연구의 한계를 뛰어 넘었다. 그는 단순한 비 맥락화의 행위가 아니라, 이러한 개입의 대상이되는 표면을 재구성했다. 따라서 큰 창문은 아티스트가 작업하는 표면이됩니다. 수많은 화려한 던지는 고딕 양식의 교회의 큰 스테인드 글라스 창문을 불러 일으켜 우리를 신성한 영역으로 인도합니다. 창문의 부정적인 실루엣이있는 초점 벽뿐만 아니라 바닥과 벽에 빛이 반사되면 존경과 묵상을받을 수 있습니다. 큰 페인트 벽은 로마 지하철의 창문뿐만 아니라 다른 국제 도시와 예술가의 서명을 찍은 사진 전시회와 대조됩니다. 시청자는 전체 공간을 조사하기 위해 파빌리온을 걸어야합니다.
네덜란드 파빌리온
그래픽 수술
그래픽 수술은 네덜란드의 예술 듀오입니다. 그들의 이름은 Erris Huigens (1978)와 Gysbert Zijlstra (1978)입니다. 그들은 항상 자신의 스타일을 유지하면서 다양한 기술과 장르의 경계를 탐험했습니다. 그들은 일반적으로 선과 도형의 흑백 시스템을 사용하여 그림, 낙서, 비디오 및 설치를 실현합니다.
네덜란드 듀오의 설치는 건축 공간을 관통하는 복잡한 구조에 중점을 둔 일련의 작품 중 네 번째입니다. 그들의 작업은 창고 및 크레인에서 발견되는 빔과 같은 산업 환경을 형성하는 최소한의 기하학적 형태에 의해 크게 영향을받습니다. 특히 후자는 특히 도시 환경에 존재하는 기능적 수단이지만 특히 무시되거나 성가신 기능적인 수단입니다. 그래픽 수술의 경우 기계식 크레인은 변화하는 도시의 상징, 갱신 또는 지속적으로 발전하는 환경 파괴의 도구입니다. 야외 활동은 막사 환경 재구성에 중점을 두어 3 개의 방에 가로로 검은 격자를 심습니다. . 각 조각은 독립적이며 그러나 동시에 전체 구조의 필수 부분입니다. 이 목재 구조물은 예술가들이 영감을 얻은 건물 창고의 노출 된 광선을 상기시킵니다. 돌 조각으로 둘러 쌓인 순수하게 형성된 결정처럼, 설치는 방을 변형시키고 새로운 공간적 관점을 만듭니다.
그리스 파빌리온
알렉산드로스 바스 몰라라 키스
Alexandros Vasmoulakis는 1980 년 아테네에서 태어났습니다. 그는 아테네와 런던 사이에서 프리랜서로 일하고 있습니다. 그는 거리 예술 분야에서 예술 연구를 시작한 후 특히 지난 몇 년 동안 재활용 재료로 실현되는 대규모 설치로 확대했습니다.
RELICS-Antonella Di Lullo의 작품 설명-
이 버려진 공간에서 발견 된 물건들은 Alexandros Vasmoulakis의 예술 덕분에 새로운 삶을 되찾았습니다. 야외 축제를위한 그의 작품은 작가가 현장 검사 중에 찾은 물건과 재료로 만든 일련의 설치물로 구성됩니다. 예술가는 그들의 발견을 축제 주장과 연관시켰다. 우리는 예술가가 녹색 반짝이로 덮고 팬으로 인해 공중에 떠있는 물결 모양의 패널의 밝기와 대조적으로 의자로 만든 기둥 또는 서랍으로 만든 또 다른 기둥을 찾을 수 있습니다. 동작. Vasmoulakis의 작품에서 조각품, 재료 및 시간은 예술적으로 중요합니다.
브라질 파빌리온
틴호
Tinho 작품을 볼 때 관객이 필연적으로 느끼는 두 가지 감정은 의심과 고독입니다. 그의 실제 이름은 Walter Nomura이며 1973 년 브라질에서 태어났습니다. 그는 낙서 예술가이며 그의 작품으로 세계와 현대 브라질 사회에 대한 그의 이미지가 무엇인지 발표하려고합니다.
일명 Tinho 인 월터 노무라 (Walter Nomura)의 작품은 시청자와의 개인적인 대화를 만들어 어린 시절의 친밀한 시간으로 되돌아갑니다. 그는 화려한 그림과 거대한 인형을 통해 현대 도시의 불안, 숨은 도시 공간의 삶과 열광적 인 일상 생활을 구별하는 심오한 소외 및 개인주의를 전합니다. 그의 인형, 무죄와 가벼움의 상징은 우리를이 암묵적인 불만으로 인도하고 우리의 행동의 최종 결과를 반영합니다. 무엇보다도 그의 작품은 도덕적, 윤리적 선택의 결과입니다. 자원 낭비와 엄청난 양의 쓰레기 생성과 같이 경제가 지구를 파괴하는 현상을 일으키는 시대에 그는 직물 조각을 사용하여 인형을 만들고 중고 의류.
노르웨이 파빌리온
마틴 왓슨
Martin Whatson은 1984 년 노르웨이에서 태어나 여전히 그곳에 살고 있습니다. 그는 일반적으로 못 생겼거나 유행에 맞지 않거나 단순히 흥미롭지 않은 것에 대한 미용 연구에서 계속 시급함을 보여줍니다. 그는 사람, 도시 장면, 오래된 건물 및 긁힌 벽에서 영감을 얻습니다.
스텐실 및 스프레이. 이것들은 야외에서 그의 작업을 위해 노르웨이 예술가가 사용하는 두 가지 방법입니다. 하나는 정확하고 기술적이며 다른 하나는 충동적이고 혼란입니다. 방은 다른 것보다 작은 규모로 관객에게 빠른 파노라마 뷰를 제공하여 작업의 역동적 인 리듬을 유발합니다. 두 인물은 끝없는 추격에 종사합니다. 하나는 그림에 대한 의도이고, 다른 하나는 흰색 페인트로 트랙을 덮고 있습니다. 추격을 시작한 사람은 누가 미스터리입니다. 이 두 개의 반대되는 제스처는 도시 예술의 일시적인 성격과 도시 상황에서 일하는 동안 발생하는 역학을 보여줍니다. 예술가는이 세력에서 반대 세력 사이의 판단을 내림으로써, 상대 세력 사이에 필요한 게임의 표현에 대한 그의 참여를 제한합니다.
특별 프로젝트
마린 레리 케
Marine Leriche는 그래픽, 섬유 및 세트 디자이너입니다. 그녀는 파리 국립 응용 예술 공예 기술 학교에서 시각 커뮤니케이션 및 멀티미디어를 처음 공부했습니다. 그녀는 ENSCI-Les Ateliers (디자인의 고급 연구를위한 국립 학교)의 섬유 디자인 부서에 입학했습니다. 동시에 그녀는 항상 스타일리스트, 아티스트 및 대행사와 많은 작업과 협업을 배웠습니다. 사실 그녀는 이제 여러 분야의 프로필을 가지고 있습니다. 창조는 일상 생활에서 사물, 그림 및 내용을 만들고 수집하여 성취해야 할 필요입니다. 그녀는 새로운 매체, 새로운 프로젝트, 새로운 파트너와 함께 일함으로써 학습을 좋아합니다. 그녀에 따르면, 서로 다른 창조적 분야 사이에서 만남과 대화를 통해 항상 상상력을 자극하는 것이 중요합니다.
이곳에 들어서 자마자 우리는이 전 군사 공장에서 경험했던 위대한 감정을 공유해야한다는 느낌을 즉시 느꼈습니다 .Objets trouvés는 1 세기 넘게 활동적인 생산적이고 활기찬 장소를 기념하는 감정의 카탈로그입니다. 3 개월 동안, 이전 막사 SMMEP가 펼쳐진 7 헥타르는 발견의 땅이었다. 이 거대한 곳의 구석 구석은 그 길을 따라 진정한 중독이되어 우리 자신이 아닌 삶의 파편을 모으게하는 참을 수없는 탐구의 대상이었습니다.
먼지가 많고 엉뚱한 다락방에서 모험적인 발견을하는 아이들의 호기심과 흥분으로, 우리에게 각 개체는 성취를 상징하고 모든 성취는 이야기가되었습니다. 우리가 이야기하고 싶은 이야기는 상상력 중 하나입니다. 전시 된 물건들은 겉으로는 가치가 없어 보이지만 그것을 사용한 사람들의 에너지가 풍부합니다. 그들의 배치는이 막사 안에 사는 생명의 과학적 카탈로그로 축소시키지 않기 위해 의도적으로 미적, 정서적 조직을 갖추고 있습니다. 따라서 우리는 개인 경험을 제공하기위한 수단으로서 역사 책보다 그림책과 유사한 이야기에 여러분을 초대합니다.
가구, 페인트, 목재, 철, 녹슬었던 물건, 의자, 안락 의자, 헬멧, 병, 전구, 포스터, 엽서, 편지, 그림, 기록, 명령과 명령, 색안경, 스키 장비, 펜, 도구, 단추, 재킷, 셔츠 , 배너 및 깃발, 이해할 수없는 것, 오래된 컴퓨터, 청사진, 다이어그램, 전선, 에로틱 한 달력, 라디오, 그래픽, 전단지 및 미지의 단순한 매력으로 평가되는 미지의 물건.
3 개월 동안 수집 된이 보물은 수색 초기에 경험했던 혼란과 혼동의 느낌을 전달하기 위해 마련되었습니다. 대신, 전시는 색상, 모양, 재료, 질감 및 주제에 따라 안심하고 체계적인 디스플레이 방법을 채택합니다. 우리는 일상의 가치를 부여하는 방식으로 일상과 미지의 물체 사이의 매혹적인 여행을 대중에게 제공합니다. .
로마 야외 축제
OUTDOOR는 도시 직물에 예술적 개입을 통해 시민과 도시 간의 관계를 강화하기 위해 2010 년에 설립되었습니다. 영구적 인 공공 예술 설치를 통해 Ostiense의 이전 산업 지역의 특성화에 기여한 후, 축제는 도시 재생 과정에서 예술의 사용 주제에 중점을 두어 영향을 미치는 변화의 역학에 대한 대중의 접근을 허용합니다 국제적 차원에서 도시와의 의사 소통 수단으로서의 영토.
아웃 도어 페스티벌은 종종 새로운 경험을 선호하는 버려진 장소의 재 활성화를위한 도구가되는 예술과 음악을 통해 공공 장소의 전환을 계속 반영합니다.
과학 도시 및 도시 재생 프로젝트 지구의 자리로 7 만 평방 미터 이상 등장 할 것입니다. 전 막사들은 광범위한 문화 프로그램과 최종 재생 이전에 일시적으로 애니메이션을 적용한 17 명의 현지 및 국제 아티스트의 사이트 별 개입을 통해 재 활성화되었습니다.
San Lorenzo의 이전 관습에서 작년에 16,000 건의 출연을 기록한 5 편의 편집자, 70 명 이상의 아티스트가 참가한 올해의 축제는 간단한 컨셉과 동시에 강력 함을 시사합니다.
해외 페스티벌 및 해외 문화 연구소와의 협력을 통해 Outdoor Festival은 8 개 국가의 17 명의 예술가를 보유하고 있으며, 이들은 전 병영 Guido Reni의 버려진 공간 내에서 10 개의 파빌리온을 작품으로 보유하고 있습니다.
2501 개 작품은 Recipient 및 The Blind Eye Factory와 공동으로 수행 한 그래피티, 조각 및 비디오의 추상에서 108 개 정도의 다양한 혼합 작품입니다. 그리스어 Vasmoulakis의 대규모 설치에서 Minelli의 작품, 그렇습니다. 그러나 동시에 내성적입니다.
2 차원 미로와 ‘역사적 회색이 컬러 패치에 의해 깨지는 노르웨이 마틴 (Nordan Martin)의 작품의 매력을 갖춘 필수 기하학 흑백 네덜란드어 듀오 그래픽 수술 Halo Halo 설치 화려한 인형은 브라질 Tinho를 아 사회 메시지를 전달합니다. 스페인 피 니케 프로덕션의 공간 혁명은 같은 곳의 왜곡과 프랑스 낙서 틸트를 통해 장소에 대한 새로운 개념을 요구했습니다. Rub Kandy, Insa가 건축 한 도시의 해체와 “giffiti”, 다층 이미지 애니메이션 스톱 모션, 거리 예술가 Lucamaleonte의 연구는이 경우 No Idea의 메모리 및 인터랙션 디자인에 중점을 둘 것입니다. 마지막으로 Roma Pavilion은
광범위한 이벤트 프로그램을 통해 시청자는 대화, 영화, 음식 및 다양한 국제 음악을 포함한 호스트 국가의 문화를 발견 할 수 있습니다.
이 에디션의 야외 계획은 확장 사양입니다. 시각 예술과 함께 음악은 올해 축제의 공동 스타입니다. 참여한 17 명의 아티스트의 각 작품은 사운드 설치 원본을 달성하기 위해 불려지는 음악가의 개입과 결합됩니다.
아웃 도어는 또한 세 가지 특별한 기능을 가지고 있습니다 : Renato Fountain의 창의적 회의 이탈리아주의, 이탈리아에 거주하는 100 명 이상의 전문가 및 아티스트와 함께 새로운 시각적 장면의 상태를 파악하는 방법 인 “Made by Italians”를 강조합니다. 건축, 예술 방향, 커뮤니케이션, 디자인, 사진, 만화, 그래픽, 일러스트레이션, 벽화 및 비디오의 세계에서