这里,现在,罗马户外节2015

NUfactory第六届户外节在罗马举办了2015年户外艺术节,以庆祝艺术和创造力。第六版的标题是“这里,现在”,其重点是反射时间和空间维度,这是我们体验的最后一个维度。

这里和现在,一个地方和一个时间限制。独特的,不可复制的,体现了不同的时间平面:营房的过去,艺术创作的现在以及空间的未来复兴;还有一个不是简单容器而是真实内容的地方。

前军营SMMEP(建立军事电子设备的精确度)通过Guido Reni,在90年代初被废弃,它们成为节日推动各种体验过程的工具:空间转变的行为,对“短暂行为的感知” ,与作品本身的互动,重新获得场所的集体享受,户外营地工作坊中艺术家和班级的积极参与。

在任何给定的时间出现,并在其中包含的裸露建筑结构和艺术品之间的盒子中出现时空体验,您会通过…变换意识到自己与时空的互动。

户外本身一直在移动。在过去的几年中,它已成为表达和交流形式的媒介,在其中它转移了几种艺术经验,新的语言和创作风格,吸引了越来越多的公众兴趣,成为国家一级街头艺术,城市艺术的参照点和新的艺术表现形式。

本届艺术家的选择基于渴望绘制最大的艺术地图的基础,从街头艺术(一直是节日的本质)开始,以达到其他艺术表现。在节日期间,军营的众多大厅被国家明确地改建为展馆。

2015年版将重点关注时空等概念,这些元素是为特定背景特有的体验而建立的:此处,现在。工作人员和艺术家将在前吉多·雷尼(Guido Reni)军营中开会讨论创意过程,该场所将于2015年10月2日至31日举行第六届户外活动(OUTDOOR),这是国际性的城市创意节。

由于艺术,音乐,谈话和电影的日程安排很丰富,因此音乐节将是一个伟大的文化容器,与它所处的地方紧密相连,这个地方只能供观众参观一个月。现在,这里是对艺术创作及其享受的反思。

展览:
一堆报纸,家具,小玩意,奇怪的机器和轮胎。日历,软盘,脚轮和旧计算机;后来,惠特尼·休斯敦(Whitney Houston)的盒式磁带被放置在地面上,被灰尘覆盖,年轻而无法辨认。穿过慢慢被空间占据的大自然所包围,我最生动的记忆是那个盒式磁带。我知道我小时候拥有它,但是我已经完全将其从记忆中删除了。那天晚上,当我回到家时,我搜寻了它,发现它保存完好并与其他录像带井井有条。这使我思考了一个对象和一个地方如何成为一个强大的工具,可以随着时间的推移触发不同的反应。那个被遗忘的录音带使我回到了过去,但与此同时,在那个精确的时刻,它体现了即将来临的一切-未来几个月将在军营中完成的所有工作。

记忆,健忘,等待和创造都是我们通过当下的触发因素与过去和未来联系在一起的所有方式。现在,该节第六届的标题是对时间和空间的反思,使用这些措施来构建我们的经验。在这里和现在,一个特定的地方和特定的时间,一个无法复制的独特时刻,其本身包含着不同的时代:营房的过去,当前的艺术创作以及空间的未来再生。这样,空间不仅是船只,而且是实际物体。

意大利馆

卢卡马莱昂特
Lucamaleonte于1983年出生于罗马,至今仍在这里工作和生活。他开始使用海报和模具,然后他的研究也致力于在画布上绘画。他是世界上为数不多的可以使用蒙版和油漆来实现多层模板的艺术家之一,这些模板非常精细且具有重叠颜色的特征。

艺术家决定将自己的个人记忆公开,Lucamaleonte展示了一部罕见的作品,探索了他的过去。与过去的建筑物重叠的过去,他的艺术干预模糊了公共和私人之间的界限。军营是他所熟悉的空间,是他记忆中的地方,是祖父多年来担任导演的地方。因此,这位罗马艺术家决定通过他的父亲致欢迎辞和告别辞来唤起祖父的就职典礼和退休。占据整个房间的照片将我们带到了那天,并从舞台上展示了​​祖父的观点,以及他的同事和下属在观众席中的表现。

在相邻的房间里,一个三联画显示他的祖父穿着将军的制服,他的脸被六面体隐藏,这是艺术家的签名之一。简单地勾勒出第一个图形,好像是一个鬼影,而最后一个图形则被完全定义。他的祖父从军营的墙上出来代表了已经过去的时间,以及他对祖父的个人记忆,这种记忆将他与这个地方联系在一起。

不知道
No Idea是由意大利的Mauro Pace和Saverio Virillo成立于1983年的实验室。他们将自己定义为数字和创意工匠。No Idea专注于互动设计,创建互动装置,设计和实现博物馆和活动的情感,互动和多媒体展览。这是两位艺术家的梦想的结果,他们想要革新文化空间,在不寻常的地方改变他们的艺术实验。

No Idea的装置旨在以视觉方式表现西方世界的后现代危机。其中包括确定性的破坏,普遍价值的崩溃,这些价值观指导了我们的逻辑表示法,并且由于社会和文化现象以及当代事件而被提出来进行辩论。象征着人类意识的浮海为这一集体装置创造了背景。乍一看令人放心,它很快就展现出自己是悲惨的一幕。大量的光线突然背叛了剪影的出现,这是一个戏剧性事件的象征,它使我们经历了所有不屈不挠的痛苦。一个真实的,不可预测的事件,是一种创伤,重新构造了世界赖以生存的基础。

鲁·康迪
Mimmo Rubino,被称为Rub Kandy,是一位意大利艺术家,他在不止一种支撑物上进行艺术研究。他的作品敏锐而精确:他是城市环境的杰出观察者,并且能够通过图像和深刻的社会信息来解构。

ROOM1-Antonella Di Lullo的作品描述-
对于户外节,Rub Kandy决定入侵中央画廊中三个相邻房间的空间。技术和媒介区分了这些作品,但有一个共同的线索将它们结合在一起:空间,艺术家的修改以及区域的难以接近性。这三个针对特定地点的作品来自对建筑物及其建筑元素的深入研究。 1号房–黑暗狭窄的房间,里面装满了水,并在背景中充满了一大圈光。封闭的空间给人一种艰苦的感觉,因为墙壁的存在加剧了这种困难,而墙壁是在植物活跃时根据需要建造的。巨大的灯光和随后的混响是引导观众并从房间给他们的眼睛带来压倒性感觉的感觉中获得缓解的元素。

2号房
托管Rub Kandy的第二个设施的大型仓库分为两个不同的部分:第一个保留完整以展示其恶化的状态。在背景中,白色油漆表面标志着一个明显的断裂,使空间变成了无菌场景。通过他们的坦率,这些空间改变并增强了穿过营房及其建筑的时间流。

3号房
音乐节制作期间扫过的许多镜子都靠在壁柱上,并对准观众。通过使镜子中的光反射倍增的游戏,光束穿过空间并改变了我们对房间的视觉感知。

你好你好
Halo Halo是一位意大利艺术家,他出生于1984年。他使用一种二维语言,创建了迷宫般的符号,旨在将自身复制到无限。他的作品以柔软的结构,复杂的构图为特征,这些构图追寻着由思绪构成的轨道,这些思想在所有可能的方向上迷失了。

波普艺术形状的混乱和混乱缠结形成了图像的自由表示,当它们出现在大脑中之前就被逻辑所淹没。这些都是不断定义Halo Halo工作的特征。房间已经完成填充,空间坐标和建筑元素失去了意义。相反,它们被Torinese艺术家的意识流的异想天开所代替。在这项工作中,我们发现了可以追溯到空间原有功能的机械装置,艺术家的小自画像,古典建筑元素以及蝉鸣声随其鸣叫而一直伴随着艺术家的细节。前Caserma Guido Reni。通过这些图像,艺术家回想起了他所处的环境,并邀请我们将自己完全沉浸在他令人回味的,

108
吉多·比萨尼(Guido Bisagni),以108岁而著名,是一位意大利艺术家和街头艺术作家,出生于1978年。他的作品大部分时间都是抽象的,超现实的且极少的。他在20世纪前卫的欧洲新石器时代涂鸦以及Stak和Richard Long等当代艺术家中找到灵感。

通过他的研究,他与街道艺术标签之间的距离为108,并且多年来,他一直专注于形式和色彩,这是绘画语言的基本要素,从而创造了大型抽象人物。“对于这件作品,我想对自己的艺术研究进行综合,专注于这些建筑空间的形状或形而上学的结构。随着时间的流逝,对废弃空间之美的一种尊重。使用鲜艳的色彩将变得不敬,不合时宜和不雅。”

他巨大的黑点产生了内部冲突的感觉。它们包含着一种空虚感,这种虚无感散发出来,无论出现在何处。鉴于非理性和无形式的形状同时具有与原始标记和现代形式的相似性,因此它们是一种概念上的矛盾。他的抽象图形还包含瑕疵,不规则的细小水滴,这些杂物会造成干扰。困扰我们的是未知和难以理解的事物,最终使我们陷入反思和沉思,而这些思考完全发生在这些作品中。

菲利波·米内利(Filippo Minelli)
他是一位意大利艺术家,出生于1983年。他以建筑,政治,传播和地理等主题为创作,装置和表演的基础进行分析和研究,并通过图片和视频进行记录。他一直对风景和公共空间感兴趣,由于他的直觉和未经授权的干预,他成为了意大利街头艺术的先驱。

当我不在部队服役时,我所做的一切都是一个装置,从它的名称开始就发出了一个明确的意图信息:抓住节日的概念,将我们带到一个由典故和挑衅性主题构成的其他地方。乍一看似乎不合时宜,但相反,它希望通过节日的缺席来反思节日的主题,从而形成异议的对立面,显示与该地方相关的不良图像。在界限分明的海滩上,艺术家讽刺地展示了自己的作品,他使用从档案中拍摄的照片,遥远地方的细节,生活时刻以及个人经历的瞥见,这些都是与兵营过去,功能,以及它代表什么 挂在房间里的海报上看似看似不连贯,不透明的词,

汤玛索·加拉维尼(Tommaso Garavini)
汤玛索·加拉维尼(Tommaso Garavini)于1972年出生于罗马。他毕业于罗马美术学院。从1998年开始,他担任电影和戏剧的舞台设计师。他的艺术从绘画,设计到图形,雕塑和各种装置。2003年,他写了一部戏剧作品《歌剧》,由黛博拉·帕帕拉多,阿纳斯塔西娅·斯休托和伊戈尔·巴科维奇上演。2006年,他创立了ROTA-LAB,这是一个仍在工作的设计和艺术实验室。

托马索·加拉维尼(Tommaso Garavini)在这个世界上集合了布景设计,室内设计和美术。结合他的技能,他立刻将我们带入一个私密的房间,该房间的作用是沉思于天地,尘世和深渊之间。当我们从焦灼的雕塑树干移动时,科学与自然相结合,成为Garavini的“最后的晚餐”,代表了我们最糟糕的尘世生活习惯,朝着自然元素和铁的神圣云朵飞去。在这个神圣的境界中,我们看到了层叠的自然形状与人造云的锋利边缘的结合。

通过尝试模仿自然的混乱,加拉维尼让自己走上了媒介本身的节奏,以重现我们在自然环境中发现的“完美”混乱。谁坐在这张桌子旁裸露着象征性的盘子?数字在安装过程中也起着重要作用。十三,代表永恒的爱和精神上的清洁或运气不佳的数字,根据角度来看,该图成比例地与云与桌子的比例与木雕的比例相关。由于云朵和雕塑都与桌子成1; 1,3的关系,所以这个数字的相反含义与地狱和崇高之间的相反拉力相关。向上和向下缩放,我们有权在这些级别之间移动,以实现仅在自然世界中发现的和谐。

宇野
Uno是一位意大利艺术家,自2005年以来一直在罗马工作和生活。即使开始创作时,他还是喜欢海报或重复使用标志性元素和拼贴画,但他在作品中使用的技术仍是街头艺术的经典作品。他的灵感来自沃霍尔(Warhol),德博尔德(Debord)和罗泰拉(Rotella)的课程,因此他运用广告技术,使用喷剂和绘画来创建无限的图像重复。

UNO的世界是色彩,比例和图案的微妙舞蹈,几乎已超出极限。冲击的主要点是就在我们面前的墙,这是设计,图案和颜色的象征,这标志着UNO过去几年的艺术创作。从模板,拼贴画到海报和手绘喷漆,广泛使用的技术使UNO完全接受所呈现的环境。

乍一看,混乱而又和谐的平衡,空间从菱形(房间的几何支点)吸引了注意力。在这些形式中,主要的黑白图案从对Kinder脸部的微妙描绘过渡到雨滴,让人联想起这个房间的功能,将水槽塞入角落。水赋予了空间生命的音效,水的概念无处不在,水槽本身变成了三维陈列柜。在这种动态空间中,水的镇静效果会与颜色的选择(和非选择)相呼应。黑白元素周围闪烁着明亮的荧光渐变色,巧妙地反射了金条,这是对UNO艺术实践360度瞥见的最后一笔。

爱丽丝·帕斯奎尼(Alice Pasquini)
爱丽丝·帕斯奎尼(Alice Pasquini)是一位罗马画家,曾担任插画家,场景设计师和画家。她最喜欢的“画布”是墙壁。她到处旅行,创作了许多艺术品,例如:悉尼,纽约,巴塞罗那,奥斯陆,莫斯科,巴黎,哥本哈根,马拉喀什,西贡,伦敦和罗马。她出生于1980年,毕业于罗马美术学院。之后,她在英国,法国和西班牙生活和工作。在马德里时,她参加了著名的Ars动画学校的一门非常著名的动画课程。2004年,她在Computense大学获得了艺术评论专业的文学硕士学位。通过她的艺术,爱丽丝想暴露出她拍摄对象中最亲密的时刻,这些时刻是普通人及其之间的微妙联系。

信不信由你’-用这些话,爱丽丝·帕斯奎尼(Alice Pasquini)带领观众穿越太空,描绘了她作品中意想不到的,富有冲击力的一面。从幻象引导的空间,从看似黑白的配色方案中出现的细微颜色,到人物和短语的分层。

我们相信还是不相信?在这个房间里,我们被要求放下警惕,让自己沉浸在爱丽丝的黑暗世界中。艺术家只有在这个内部空间中才能透露其作品的新方面,它是建立在似乎从空间的各个表面倾泻而出的神秘和幻影的基础之上的。从公共艺术的考虑中解脱出来,艺术家的双重性得以展现。远离定义她的公共作品的鲜艳色彩,这种内部布置允许呈现黑色沐浴的边缘角色,呼吁回到另一个时代,幻想和幻觉使我们相信一切皆有可能。

2501
2501是一位意大利艺术家。他14岁时首次出现在街头艺术界,当时他在米兰的火车和墙壁上。他将涂鸦,画布上的颜料,雕塑和视频整合到他的艺术研究中。20岁那年,他移居巴西的San Paolo担任平面设计师,与NGO建立了很少的合作伙伴关系,并为贫民窟的孩子们授课。

Recipient.cc是来自米兰的艺术团体。它由来自不同领域的专业人员组成,例如多媒体通信,视频/音频制作,交互式装置,设计和艺术,以及许多技术和商业领域。

Blind Eye Factory是一家由艺术家组成的独立工作室,专门从事视频和摄影内容的生产和实现。该集团由乔治·菲利皮尼(Giorgio Filippini)和洛伦佐·加利托(Lorenzo Gallito)的联盟于2013年成立。从一开始,工作室就将其活动集中在艺术和设计领域,特别是在“新壁画”和街头艺术潮流中。

2501的大粉刷墙壁符合收件人的实验技术和盲眼工厂的动态图像。在安装过程中,展馆变成了一个真正的艺术工作室。在这个小组项目中,甚至公众也被要求参与其中并成为作品的重要组成部分,这将通过与艺术家使用的相同工具得以实现。艺术家。用于实现隔离墙的刷子已向公众开放,他们可以在由收件人集体创建的Macchina 03上找到的移动纸上使用它们。每天,成品纸都会沿着展馆的墙壁悬挂,只有在节日结束时才能完成安装。整个安装是Nomadic实验项目的一部分,这反映了代表当今社会的不断变化和零散的状况。通过他的连续旅行2501实验并记录了这种情况。展馆将展示盲人工厂项目的部分纪录片视频。

西班牙馆
Penique Productions
Penique Productions是一家艺术团体,由来自不同领域的艺术家于2007年在巴塞罗纳成立,他们共同致力于实现基于临时艺术品的共同项目。Penique Productions的作品是侵入整个表面的彩色气球。这样,他们为空间赋予了新的身份。

对于Penique Productions而言,房间是一个预先测试,通过它我们可以考虑与空间互动的方式。两位西班牙画家借助风扇将空气包裹起来,使用塑料包装纸覆盖室内空间的表面。通过这种方式,他们改变了我们对空间的感知,通过这个过程,房间变得无法使用,观众感到迷失在其中。第一次,特别是在户外节上,他们创造了两个相互影响的不同塑料环境。黄色的包装纸贴在房间的墙上,使建筑形状脱颖而出。在房间的一角,他们创造了一个巨大的红色立方体,这是艺术品的主要焦点。显然就像一个无关的独立对象,

英国馆
因沙
因萨(Insa)出生于英国,他12岁开始画画。今天是英国最具创新精神和最受尊敬的作家之一。在不断的创造性研究和实验中,他的作品融合了不同而多彩的元素。

Insa的GIF动画中流动的图像万花筒对观众具有催眠作用。它们的周期性运动,深度和鲜艳的色彩使我们流连忘返,仿佛在强大的止痛药的作用下使我们无法动弹。从上方可以看到工作的突出视角,迫使我们观察主导整个房间的涡流,随着它的运动,涡流沉入虚无。头骨上方是无休止的旋转,顽固而充满讽刺意味的头骨。这两幅图都是通过8层油漆绘制而成的,形成了Insa作品的标志GIF。这位英国艺术家在网上发现的与现实生活相反的趋势中,对不朽的概念进行了反思。作品中的两个对象都有双重象征意义。旋转的头骨立刻成为死亡的寓言,

涡流在古代传统中是生命和进化的象征,同时通过其运动向我们发出生命瞬息的警告。整个作品是对人类虚荣主义的现代性和讽刺性的重新构想。这部作品是对我们生存短暂性的讽刺和嬉戏表示,它提醒我们,当我们沉入在线创建的虚幻世界中时,我们常常会忘记这些条件。

法国馆
倾斜
Tilt是一位享誉全球的涂鸦艺术家。他来自法国南部的托洛萨。他自称为“涂鸦小说家”,他的第一个标签是在1988年在滑板坡道上实现的。他的职业生涯受到Tilt离开他的足迹的长途旅行的影响,例如在美国,香港,日本,墨西哥,泰国,澳大利亚,新西兰,老挝,台湾,中国,加拿大,菲律宾,印度尼西亚等欧洲的12个国家。他始终致力于守旧派和野性风格,通过这种方式他创造出吸引观众的形状和颜色。

通过不同的含义层次,可以解释Tilt的作品。毫无疑问,涂鸦的原始性质对于这位法国艺术家的作品至关重要。他的艺术研究始终围绕这一主题:在世界的大部分地区和各种各样的表面上留下一个名字的名字。通过Tilt引发的呕吐(通常仅被视为故意破坏行为)变得极具挑衅性。提取并插入到意想不到的环境中,它获得了令人不安和迷惑的新美。在这种幌子下,标签在概念上和美学上都被合法化,从而在对它们的负面偏见中造成了短路。

在以前的军营内,他推动了研究的极限。他不只是单纯的去上下文化行为,还改变了旨在进行这些干预的表面。因此,大窗户成为艺术家工作的表面。无数五颜六色的装饰物唤起了哥特式教堂的大型彩色玻璃窗,并将我们带入了神圣的境界。地板和墙壁上的光反射,以及带有窗户负面轮廓的焦墙,都吸引了我们的敬意和沉思。涂满油漆的大墙与罗马地铁以及其他国际城市的窗户的摄影作品展览以及艺术家的签名形成鲜明对比。观看者被迫穿过凉亭以调查整个空间。

荷兰馆
图形外科
Graphic Surgery是来自荷兰的艺术二人组。他们的名字叫埃里斯·惠根斯(Erris Huigens,1978)和吉斯伯特·泽伊斯特拉(Gysbert Zijlstra,1978)。他们探索了不同技术和流派的边界,始终保持着自己的风格。他们通常使用黑白线条和几何图形系统来实现绘画,涂鸦,视频和装置。

荷兰二重奏的装置是一系列作品的第四部分,作品的重点是渗透到建筑空间中的复杂结构。他们的工作受到影响工业环境的最小几何形状的强烈影响,例如仓库和起重机中的横梁。特别是后者,是他们特别联系的东西,一种在城市景观中无所不在的功能性手段,但通常要么被忽略要么制造烦恼。对于图形外科而言,机械起重机是不断变化的城市的象征,是不断发展的环境的更新或破坏的工具,他们在户外工作的重点是对营房环境的重新配置,在三个房间内横向植入黑色格子。每一件都是独立的,但同时也是整体结构的组成部分。这种木质结构让人联想起建筑仓库中裸露的横梁,艺术家从中汲取了灵感。就像镶嵌在一块石头中的纯水晶一样,它们的安装改变了房间并创造了新的空间视角。

希腊馆
亚历山德罗斯·瓦斯莫鲁拉基斯(Alexandros Vasmolulakis)
Alexandros Vasmoulakis于1980年出生于雅典。他住在雅典和伦敦之间,在那里他是自由职业者。他开始在街头艺术领域进行艺术研究,然后将其扩大,尤其是在最近几年中,扩大到使用可回收材料实现的大型装置。

RELICS-Antonella Di Lullo的作品描述-
由于亚历山德罗斯·瓦斯穆拉基斯(Alexandros Vasmoulakis)的艺术,在这个废弃的空间中发现的物体重新获得了新生。他为户外音乐节创作的作品包括一系列装置,这些装置使用艺术家在现场视察期间发现的物体和材料制成。艺术家将他们的发现与节日声明联系在一起,即“现在就在这里”。我们可以找到由椅子制成的柱子,或由抽屉制成的另一柱子,它们既代表一种静态存在,又与波浪形面板的轻盈形成鲜明对比,该面板上艺术家涂满了绿色闪光,并借助风扇漂浮在空中行动。在Vasmoulakis的作品中,雕塑,材料和时间都具有艺术意义。

巴西馆
天保
欣赏和孤独是观众在看Tinho艺术品时不可避免地感受到的两种情感。他的真名叫Walter Nomura,他于1973年出生于巴西。他是一位涂鸦艺术家,他想通过他的作品展示他对世界和现代巴西社会的印象。

Walter Nomura(又名Tinho)的作品试图与观众进行个人对话,使他们回到婴儿时代的亲密时光。通过他令人回味的绘画和巨大的玩偶,他传达了当代生活的焦虑,深刻的疏离和个人主义,使隐藏的城市空间中的生活与疯狂的日常生活区分开来。他的洋娃娃,失去了纯真和淡淡的象征,引导我们朝着这种含蓄的抱怨前进,并引起我们对行动最终结果的反思。最重要的是,他的工作是道德和道德选择的结果:在这个时代,经济学创造了破坏我们星球的现象,例如浪费资源和产生大量垃圾,他用布屑和木偶制造了木偶。旧衣服。

挪威馆
马丁·沃森
马丁·沃森(Martin Whatson)于1984年出生于挪威,如今他仍然在那里生活。他在美容研究中表现出了持续的紧迫性,通常认为丑陋,过时或根本不有趣。他的灵感来自于人,城市风光,老建筑和划痕的墙壁。

模板和喷涂。这是挪威艺术家在户外活动中使用的两种方法,一种是精确和技术性的方法,另一种是冲动的和混乱的方法。这个房间的规模比其他房间小,可以让观众快速欣赏全景,并激发作品的动态节奏。这两个人物被无休止地追逐着-一个打算绘画,另一个打算用白色涂料覆盖他的足迹。开始追逐并完成追逐是一个谜。这两个相反的手势体现了城市艺术的短暂性质,以及在城市环境中工作时发生的动态变化。艺术家在对立部队之间的战斗中保留判断力,将他的参与限制在对立部队之间这种必要游戏的表达上。

特别项目

海洋莱里奇
Marine Leriche是一位平面,纺织品和布景设计师。她首先在巴黎国立应用艺术与工艺学院学习视觉传达和多媒体。然后,她进入了ENSCI-Les Ateliers(国家高级设计学院)的纺织品设计系。同时,她一直在学习与造型师,艺术家和代理商的合作和合作方面。事实上,她现在拥有多学科的档案。她通过在日常生活中制作和收集物品,图片和内容来满足创造的需求。她喜欢通过与新合作伙伴一起在新媒体,新项目上工作来学习。据她说,重要的是要通过在不同创作领域之间进行相遇和对话来激发想象力。

当我们进入这个地方时,我们立即感到有必要分享我们在这家前军事工厂中所经历的巨大情感。Objetstrouvés是一种情感的目录,庆祝一个活跃而活跃的地方超过一个世纪的活跃和活跃。在过去的三个月中,覆盖了前SMMEP军营的7公顷土地被发现。这个无处不在的地方的每个角落都是一个永无止境的追求的主题,一路走来,它成为一种真正的沉迷,并导致我们收集生活的残缺而不是我们自己的残缺。

随着孩子们的好奇心和兴奋,他们在尘土飞扬的发霉的阁楼中进行冒险性发现,对我们来说,每个对象都象征着一项成就,而每一项成就都成为一个故事。我们想讲的故事是一种想象力。展出的这些物品看似毫无价值,但却充满了使用它们的人的精力。为了不使他们沦为居住在这些营房中的生命的科学目录,他们的摆放有一个精心设计的美学和情感组织。因此,我们邀请您进入一个故事,该故事更像是一本图画书,而不是一本历史书,以提供亲密和反思的个人体验。

家具,油漆,木材,铁,生锈的物体,椅子,扶手椅,头盔,瓶子,灯泡,海报,明信片,字母,图纸,记录,命令和命令,太阳镜,滑雪装备,笔,工具,纽扣,夹克,衬衫,标语和旗帜,难以理解的事物,旧计算机,蓝图,图表,电线,色情日历,收音机,图形,传单和未知物体,这些物体以它们的美丽或未知的简单魅力而受到重视。

经过三个月收集的宝藏旨在传达一种困惑,这与我们在搜索之初所经历的困惑相同。取而代之的是,展览采用一种放心而系统的方式进行展示:通过颜色,形状,材料,纹理和主题。这彰显了物件的美感,调节了空间并促进了人们的愉悦。我们使公众参与到日常物件与未知物件之间的迷人之旅中,并为它们的常态增值,这是对新的崇高眼界的一种邀请。

罗马户外节
OUTDOOR成立于2010年,旨在通过对城市结构的艺术干预来加强市民与城市之间的关系。在通过永久性公共艺术装置为奥斯蒂森前工业区的特征做出贡献之后,该节日的重点是在城市更新过程中使用艺术这一主题,作为使公众能够获得影响变革的动力的关键领土,并作为该城市在国际层面的交流手段。

户外节继续反映出通过艺术和音乐将公共空间转化为现实,您将使之成为重新生活通常有利于重新体验的废弃场所的工具。

超过70,000平方米将成为科学城和城市更新项目区的所在地。通过广泛的文化计划和17位本地和国际艺术家的现场干预,重新启用了前军营,这些艺术家在最终恢复之前会暂时进行动画处理。

经过五个版本,有70多位艺术家参与其中,去年在圣洛伦佐的前习俗中参加了16,000次演出,今年的音乐节暗示了一个简单的概念,同时又很强。

在与国外大使馆和文化机构的合作下,户外音乐节接待了来自8个国家/地区的17位艺术家,他们的作品在前军营Guido Reni的废弃空间中占据了10个展馆。

与收件人和盲眼工厂合作,在2501年进行了从抽象到108种折衷的涂鸦,雕塑和视频混合创作。从米涅利(Minelli)的希腊瓦斯穆拉基斯(Vasmoulakis)希腊作品的大型装置中可以看出,政策是正确的,但同时也是内省的。

与基本的黑白几何荷兰二人组图形外科手术设备Halo Halo相比,它具有二维迷宫和挪威马丁·Whatson作品的魅力,其中戏剧性的灰色被色彩斑块打破,这与五彩缤纷的洋娃娃在巴西Tinho身上散布着,从而传达了自己的社交信息。西班牙Penique Productions的空间革命,通过对空间的扭曲和法国涂鸦Tilt的出现,要求对该场所进行新的构想,这提醒我们这是写作的开始。由Insa的Rub Kandy及其“吉夫蒂”(Giffiti)所建造的城市的解构,多层动画的定格动画,街头艺术家Lucamaleonte的研究,这次将集中于No Idea的记忆和交互设计。最后是罗马馆

广泛的活动节目使观众发现东道国的文化,包括谈话,电影,美食和各种国际音乐。

此版本的户外计划是扩展规格:与视觉艺术一起,音乐是今年音乐节的主演。所涉及的17位艺术家的每件作品都与一位被叫来获得声音装置原创作品的音乐家的干预相结合。

户外还具有三个特殊功能:由雷纳托·福纳特(Renato Fountain)强调创意“意大利人制造”的创意会议“意大利主义”,这是一种与意大利以及一百多名居住在意大利的专业人士和艺术家一起评估新视觉场景现状的方法以及来自世界各地的建筑,艺术指导,传播,设计,摄影,卡通,图形,插图,壁画和视频。