Aqui, agora, Roma Festival ao ar livre 2015

Arte e criatividade são comemoradas em Roma com o Outdoor 2015, o festival com curadoria de NUfactory em sua sexta edição. “Here, Now”, o título desta sexta edição visa focar as dimensões de tempo e espaço de reflexão como a última sobre a estrutura de nossa experiência.

Aqui e agora, um lugar e um prazo. Um único, não replicável, que incorpora os diferentes planos do tempo: o passado do quartel, o presente da criação artística e a futura regeneração do espaço; e um local que não é um contêiner simples, mas um conteúdo real.

O antigo quartel SMMEP (Estabelecimento Militar de Eletrônicos de Precisão) Via Guido Reni, abandonado no início dos anos 90, torna-se o instrumento através do qual o festival aciona vários processos experienciais: o ato de transformação do espaço, a percepção de uma ‘ação transitória , interação com as obras em si, o prazer coletivo de um local regenerado, a participação ativa de artistas e aulas durante as oficinas do Outdoor Camp.

Esteja presente em um determinado momento e experiência de espaço e tempo na caixa criada entre as estruturas arquitetônicas nuas e as obras de arte contidas nelas, você se torna consciente de que se envolve com o espaço e o tempo através da… transformação…

Ao ar livre em si está em constante movimento. Nos últimos anos, tornou-se um meio de expressão e formas de comunicação nas quais transferiu várias experiências artísticas, novas linguagens e estilos criativos que atraíram cada vez mais interesse público em se tornar um ponto de referência em nível nacional para arte de rua, arte urbana e novas expressões artísticas.

A escolha dos artistas para esta edição tem como fundamento o desejo de desenhar o mapa da arte da melhor maneira possível, a partir da arte de rua, sempre a essência do festival, para alcançar outras expressões artísticas. Durante o festival, os numerosos salões do quartel são convertidos em pavilhões por nação em que a exposição é articulada.

A edição de 2015 focará a atenção em conceitos como espaço e tempo, elementos estabelecidos para uma experiência única nesse contexto específico: Aqui, Agora. Funcionários e artistas se reunirão para discutir o processo criativo em ação no antigo quartel de Guido Reni, local que de 2 a 31 de outubro de 2015 sediará a sexta edição do OUTDOOR, o festival internacional dedicado à criatividade urbana.

Com uma programação rica em torno de arte e música, conversas e filmes, o festival será um grande recipiente cultural intimamente ligado ao local em que está inserido, um local que por apenas um mês poderá ser visitado por espectadores. Aqui, agora, é uma reflexão sobre o ato de criação artística e seu gozo.

Exibição:
Uma montanha de jornais, móveis, bugigangas, máquinas e pneus estranhos. Calendários, disquetes, rodízios e computadores antigos; e depois, colocada no chão e coberta de poeira, a fita cassete de Whitney Houston, jovem e irreconhecível. De todas as coisas que capturaram minha imaginação durante a primeira visita ao quartel de Guido Reni, áreas abandonadas repletas de destroços, como um furacão havia passado e cercado pela natureza que estava lentamente retomando o espaço, minha lembrança mais vívida é, estranhamente, aquela fita cassete. Eu sabia que o possuía quando criança, mas o havia removido completamente da minha memória. Naquela noite, quando cheguei em casa, procurei e achei bem conservado e organizado com as outras fitas. Isso me fez refletir sobre como um objeto e um lugar podem ser um instrumento poderoso para desencadear diferentes reações ao longo do tempo. Aquela fita esquecida foi um objeto que me trouxe de volta no tempo, mas, ao mesmo tempo, naquele exato momento, incorporava o que estava por vir – todo o trabalho a ser concluído no quartel nos próximos meses.

Memória, amnésia, espera e criação são todas as formas de nos relacionarmos com o passado e o futuro por meio de gatilhos no presente. Aqui, agora, o título da sexta edição do festival, reflexões sobre tempo e espaço, usando essas medidas como uma maneira de estruturar nossa experiência. Aqui e agora, um lugar específico e um tempo específico, um momento único a ser replicado que engloba diferentes épocas: o passado do quartel, as criações artísticas atuais e a futura regeneração do espaço. Dessa maneira, o espaço não é apenas um vaso, mas um objeto real.

Pavilhão Italiano

Lucamaleonte
Lucamaleonte nasceu em 1983 em Roma, onde ainda trabalha e vive. Ele começou a usar cartazes e estênceis e, em seguida, dedicou sua pesquisa à pintura sobre tela. Ele é um dos poucos artistas do mundo que pode usar máscaras e pintar para a realização de estênceis de vários níveis, muito elaborados e caracterizados pela sobreposição de cores.

Uma memória pessoal que o artista decidiu tornar pública, Lucamaleonte apresenta um trabalho raro que explora seu passado. Um passado que se sobrepõe ao edifício que o abriga, sua intervenção artística confunde a linha entre público e privado. O quartel é um espaço que ele conhece bem, um lugar de suas memórias, um lugar onde seu avô foi, por muitos anos, o diretor. Por essa razão, o artista romano decidiu evocar a posse e a aposentadoria de seu avô do cargo através de seus discursos de boas-vindas e despedida, aqui recitados por seu pai. A fotografia que domina a sala nos transporta para esse dia e demonstra a visão de seu avô do palco, com seus colegas e subordinados na platéia.

Na sala adjacente, um tríptico revela seu avô vestido com um uniforme de general, o rosto escondido por um hexaedro, uma das assinaturas do artista. A primeira figura é simplesmente esboçada, como se fosse um fantasma, enquanto a última é completamente definida. O surgimento de seu avô das paredes do quartel representa o tempo que passou, bem como sua própria memória pessoal de seu avô, uma memória que o liga a esse lugar.

Nenhuma idéia
O No Idea é um laboratório formado por Mauro Pace e Saverio Virillo, ambos italianos e nascidos em 1983. Eles se definem como artesãos digitais e criativos. A No Idea está focada no design de interação, criando instalações interativas, projetando e realizando exposições emocionais, interativas e multimídia para museus e eventos. É o resultado de um sonho feito pelos dois artistas que querem revolucionar os espaços culturais, transformando suas experimentações artísticas em lugares inusitados.

A instalação de No Idea pretende ser uma representação visual das crises pós-modernas do mundo ocidental. Entre eles, a destruição de certezas, o desmoronamento de valores universais que há séculos guiaram nossas representações da lógica e o que foi posto em debate devido a fenômenos sociais e culturais e eventos contemporâneos. Um mar flutuante, simbólico da consciência do homem, cria o pano de fundo para esta instalação coletiva. À primeira vista tranquilizador, logo se revela uma cena trágica. Uma luz volumétrica repentinamente revela a presença de silhuetas, símbolos de um evento dramático que nos leva a experimentar a morte em toda a sua angústia inflexível. Um evento autêntico e imprevisível, um trauma que reconfigurou os fundamentos sobre os quais o mundo repousa.

Rub Kandy
Mimmo Rubino, conhecido como Rub Kandy, é um artista italiano e ele experimenta sua pesquisa artística em mais de um suporte. Suas obras de arte são nítidas e precisas: ele é um grande observador do contexto urbano e é capaz de desconstruí-lo por imagens e mensagens sociais profundas.

ROOM1 – descrição do trabalho por Antonella Di Lullo –
Para o Outdoor Festival, Rub Kandy decidiu invadir o espaço de três salas adjacentes na galeria central. A técnica e o meio distinguem as obras, mas existe um fio comum que as une: o espaço, as modificações do artista e a inacessibilidade das áreas. As três obras específicas do local vêm de uma pesquisa profunda sobre o edifício e seus elementos arquitetônicos. Sala 1 – Uma sala escura e estreita, cheia de água e, ao fundo, um grande círculo de luz. O espaço fechado dá uma sensação de dificuldade amplificada pela presença de uma parede, construída por necessidade quando a planta estava ativa. A grande luz e suas subsequentes reverberações são elementos que guiam o espectador e oferecem alívio da sensação avassaladora que a sala traz aos olhos.

QUARTO 2
O grande armazém que hospeda a segunda instalação de Rub Kandy foi seccionado em duas partes distintas: a primeira foi deixada intacta para demonstrar seu estado deteriorado. No fundo, a superfície branca pintada marca uma ruptura clara, transformando o espaço em uma cena asséptica. Por sua franqueza, os espaços modificam e melhoram o fluxo de tempo através do quartel e sua arquitetura.

QUARTO 3
Numerosos espelhos colhidos durante a realização do festival foram apoiados em pilastras e voltados para o espectador. Através de um jogo que multiplica o reflexo da luz nos espelhos, raios de luz cortam o espaço e alteram nossa percepção visual da sala.

Halo Halo
Halo Halo, é um artista italiano e nasceu em 1984. Ele usa uma linguagem bidimensional, criando um labirinto de sinais projetados para se reproduzir até o infinito. Suas obras são caracterizadas por uma estrutura suave, composições complexas que traçam uma órbita feita de pensamentos que se perdem em todas as direções possíveis.

Um emaranhado caótico e confuso de formas de pop art forma uma representação livre de imagens, conforme elas aparecem na mente antes de serem dominadas pela lógica. Essas são as características que definem continuamente o trabalho de Halo Halo. A sala foi preenchida, com coordenadas espaciais e elementos arquitetônicos perdendo seu significado. Em vez disso, são substituídos pelos caprichos do fluxo de consciência do artista torinês. Neste trabalho, encontramos as engrenagens mecânicas que remontam à antiga função do espaço, um pequeno auto-retrato do artista, elementos arquitetônicos clássicos e detalhes das cigarras que, com seus cantos, acompanharam o artista durante seu tempo no ex Caserma Guido Reni. Com essas imagens, o artista relembra o contexto em que trabalhou e nos convida a mergulhar completamente dentro de sua evocativa,

108
Guido Bisagni, conhecido como 108, é um artista italiano e escritor de arte de rua, nascido em 1978. Seu trabalho é abstrato, surreal e mínimo na maioria das vezes. Ele encontra inspiração no grafite neolítico europeu, na vanguarda do século XX e em artistas contemporâneos como Stak e Richard Long.

Com sua pesquisa, 108 distancia-se do rótulo de arte de rua e, ao longo dos anos, concentrou-se fortemente na forma e na cor como elementos fundamentais da linguagem pictórica, criando grandes figuras abstratas. “Para esta peça, eu queria criar uma síntese da minha pesquisa artística, concentrando-se na forma, ou melhor, na estrutura metafísica desses espaços arquitetônicos. Um tipo de respeito pela beleza dos espaços abandonados, consumidos ao longo do tempo. Usar cores brilhantes teria desrespeitoso, deslocado e deselegante “.

Seus enormes pontos negros geram uma sensação de conflito interior. Eles contêm um vazio que emana sua presença intrusiva onde quer que se olhe. Eles são um oxímoro conceitual, dado que as formas irracionais e sem forma têm, ao mesmo tempo, uma semelhança com as marcações primordiais e as formas contemporâneas. Suas figuras abstratas também contêm imperfeições, pequenos pingos erráticos que criam elementos colaterais de perturbação. O que nos perturba é o que é desconhecido e incompreensível, o que acaba por nos levar à reflexão e à contemplação, o que ocorre plenamente com essas obras.

Filippo Minelli
Ele é um artista italiano e nasceu em 1983. Ele analisa e pesquisa vários temas como arquitetura, política, comunicação e geografia, usando-os como base para suas criações, instalações e performances, documentando tudo por fotos e vídeos. Ele sempre se interessou por paisagens e espaços públicos e se tornou um pioneiro da arte de rua na Itália, graças a suas intervenções instintivas e não autorizadas.

Tudo o que fiz enquanto não servia no exército é uma instalação que, a partir de seu próprio título, envia uma clara mensagem de intenção: colocar o conceito do festival em sua cabeça e nos levar a um outro lugar feito de alusões e temas provocantes. Uma reversão que, embora à primeira vista, pareça deslocada, deseja refletir sobre os temas do festival através de sua ausência, criando um contraponto dissidente que mostra imagens adversas ligadas a esse local. Em uma praia com limites claramente definidos, com uma ironia cortante, o artista exibe, usando fotografias tiradas de seus arquivos, detalhes de lugares distantes, momentos da vida e vislumbres de experiências pessoais que são um contraponto ao passado do quartel, sua função, e o que representava. Palavras aparentemente desconectadas e opacas, vistas em pôsteres pendurados na sala,

Tommaso Garavini
Tommaso Garavini nasceu em Roma em 1972. Ele se formou na Academia de Belas Artes de Roma. Desde 1998, trabalhou como cenógrafo para cinema e teatro. Sua arte vai da pintura, design ao gráfico, esculturas e diversas instalações. Em 2003, ele escreveu uma peça teatral “Operamara”, encenada por Debora Pappalardo, Anastasia Sciuto e Igor Bacovich. Em 2006, ele fundou o ROTA-LAB, um laboratório de design e arte onde ainda trabalha.

Cenografia, design de interiores e obras de arte se reúnem neste mundo criado por Tommaso Garavini. Combinando suas habilidades, ele imediatamente nos leva ao ambiente íntimo de uma sala que funciona para contemplação entre o celeste, o terreno e o abismo. A ciência e a natureza se combinam para esta “Última Ceia” de Garavini, à medida que nos movemos do tronco escultural e queimado, representando nossos piores hábitos terrestres em direção às nuvens divinas dos elementos naturais e do ferro. É neste reino divino que vemos a união de formas naturais em cascata com as bordas afiadas de um homem feito “nuvem”.

Ao tentar imitar o caos da natureza, Garavini se deixou levar pelo ritmo do próprio meio, em um desafio de reproduzir o caos “perfeito” que encontramos no ambiente natural. Quem se senta a esta mesa com pratos simbólicos expostos? Os números também desempenham um papel importante na instalação. Treze, um número que representa o amor eterno, a limpeza espiritual ou a má sorte, dependendo da perspectiva, a figura se relaciona proporcionalmente à proporção de nuvem para mesa e escultura em madeira. Com a nuvem e a escultura em uma relação 1; 1,3 com a mesa, os significados opostos desse número se ligam à atração oposta entre o inferno e o sublime. Escalando para cima e para baixo, temos o direito de nos mover entre esses níveis, movendo-se para alcançar uma harmonia encontrada apenas no mundo natural.

Uno
Uno é um artista italiano e trabalha e vive em Roma desde 2005. As técnicas que ele usa para suas produções são as clássicas da arte de rua, mesmo quando ele começou a preferir pôsteres ou a repetição de elementos e colagens icônicas. Ele é inspirado nas lições de Warhol, Debord e Rotella, então ele brinca com as técnicas de propaganda usando sprays e pintura para criar uma infinita repetição de imagens.

O mundo da ONU é uma dança delicada de cor, proporção e padrão, empurrada quase ao limite do excesso. O principal ponto de impacto é a parede diretamente à nossa frente, um tour de force do design, padrão e cor que marcou os últimos anos da produção artística da UNO. Com base em uma ampla gama de técnicas, de estêncil e colagem a pôsteres e tinta spray à mão livre, a UNO abraça totalmente o ambiente apresentado.

À primeira vista caótico, mas sutilmente equilibrado para a harmonia, o espaço chama a atenção do losango, o ponto de apoio geométrico da sala. Dentro dessas formas, os padrões principalmente em preto e branco passam de representações sutis da face Kinder para gotas de chuva que lembram a função dessa sala, com a pia escondida no canto. Dando vida à trilha sonora do espaço, o conceito de água é onipresente, com a própria pia transformada em uma vitrine tridimensional. O efeito calmante da água em um espaço tão dinâmico é ecoado pela escolha (e não escolha) da cor. Gradientes fluorescentes brilhantes surgem em torno dos elementos em preto e branco, refletindo sutilmente as faixas douradas, que são o toque final para o que é um vislumbre de 360 ​​graus da prática artística da ONU.

Alice Pasquini
Alice Pasquini é uma artista romana que trabalha como ilustradora, cenógrafa e pintora. Suas “telas” favoritas são paredes. Ela viajou muito produzindo muitas obras de arte, por exemplo: Sidney, Nova York, Barcelona, ​​Oslo, Moscou, Paris, Copenhague, Marrakech, Saigon, Londres e Roma. Ela nasceu em 1980 e se formou na Academia de Belas Artes de Roma. Depois disso, viveu e trabalhou na Inglaterra, França e Espanha. Quando estava em Madri, participou de um curso de animação realmente prestigioso na famosa escola de animação Ars. Em 2004, obteve um mestrado em Arte Crítica na Universidade Computense. Por sua arte, Alice quer expor o momento mais íntimo de seu assunto, que são pessoas normais e as conexões sutis entre eles.

Believe It Or Not ‘- com essas palavras, Alice Pasquini leva o espectador a uma viagem através de um espaço que retrata um lado inesperado e impactante de sua obra. Um espaço guiado pela ilusão em muitos níveis, desde cores sutis que emergem do esquema de cores aparentemente em preto e branco até a estratificação de figuras e frases.

Cremos ou não? Nesta sala, pedimos que baixemos nossos guardas e mergulhemos neste mundo sombrio de Alice. Somente nesse espaço interior a artista pode divulgar um novo aspecto de sua obra, construído sobre construções de mistério e aparições que parecem fluir de todas as superfícies do espaço. Descontrolada da consideração da arte pública, a dualidade do artista está em exibição. Afastando-se das cores vibrantes que definem sua obra pública, esse cenário interior permite a aparição de personagens marginais banhados em preto, pedindo um retorno a outra era, quando fantasia e ilusão nos fizeram acreditar que tudo era possível.

2501
2501 é um artista italiano. Ele apareceu pela primeira vez na cena da arte de rua aos 14 anos, em trens e muros em Milão. Ele integra grafite, pintura em tela, esculturas e vídeos em sua pesquisa artística. Quando tinha 20 anos, mudou-se para San Paolo Brasil como designer gráfico, iniciando poucas parcerias com ONGs e ensinando às crianças nas favelas.

Recipient.cc é um coletivo artístico de Milão. É composto por profissionais de diversas áreas, como comunicação multimídia, produções de vídeo / áudio, instalações interativas, design e arte, com muitas técnicas e também comerciais.

Blind Eye Factory é um estúdio independente de artistas, especializado na produção e realização de vídeos e conteúdos fotográficos. O grupo foi fundado em 2013 pela união de Giorgio Filippini e Lorenzo Gallito. Desde o início, o estúdio concentrou sua atividade no campo da arte e do design, especialmente no “novo muralismo” e nas correntes da arte de rua.

A grande parede pintada do 2501 atende à tecnologia experimental do Destinatário e às imagens em movimento da Blind Eye Factory. Durante a instalação, o pavilhão foi transformado em um verdadeiro estúdio de arte. Nesse projeto de grupo, até o público é chamado a se envolver com a obra e a se tornar parte essencial da peça, que atingirá seu ponto de vista com as mesmas ferramentas usadas pela o artista. Os pincéis utilizados na realização do muro são disponibilizados ao público, que pode utilizá-los no papel em movimento encontrado na Macchina 03, criado pelo coletivo Destinatário. Todos os dias as folhas de papel acabadas serão penduradas ao longo das paredes do pavilhão e somente no final do festival a instalação poderá ser concluída. A instalação inteira faz parte do projeto do experimento nômade, que é uma reflexão sobre a condição mutável e fragmentada que caracteriza a sociedade contemporânea. Através de suas viagens contínuas, 2501 experiências e documentam essa condição. Uma parte do documentário do projeto, da Blind Eye Factory, estará presente no pavilhão.

Pavilhão Espanhol
Penique Productions
Penique Productions é um coletivo artístico fundado em Barcellona em 2007 por artistas de diferentes disciplinas, unidos na realização de um projeto comum baseado na criação de obras de arte efêmeras. Os trabalhos da Penique Productions são balões coloridos que invadem superfícies inteiras. Dessa forma, eles dão novas identidades aos espaços.

Para a Penique Productions, a sala é um pré-teste pelo qual podemos pensar sobre a maneira como interagimos com o espaço. Os dois artistas espanhóis usam o invólucro plástico para cobrir as superfícies dos espaços internos, graças ao ar movido por um ventilador. Dessa forma, eles mudam a percepção que temos do espaço. Por esse processo, a sala se tornou inutilizável e o espectador se sente perdido nela. Pela primeira vez e especificamente para o Outdoor Festival, eles criaram dois ambientes plásticos diferentes que interagem entre si. O envoltório amarelo gruda nas paredes da sala, destacando as formas arquitetônicas. No canto da sala, eles criaram um enorme cubo vermelho, que é o foco principal da obra de arte. Aparentemente, é como um objeto não relacionado e independente,

Pavilhão Britânico
Insa
Insa nasceu na Inglaterra e começou a pintar aos 12 anos. Hoje é um dos escritores mais inovadores e respeitados do Reino Unido. Suas obras são uma mistura de elementos diferentes e coloridos, em constante pesquisa e experimentação criativa.

O fluxo de caleidoscópio de imagens nas animações GIF de Insa tem um poder hipnótico sobre o espectador. Seus movimentos cíclicos, profundidade e cores brilhantes nos fazem demorar, imobilizando-nos como se estivéssemos sob a influência de um poderoso analgésico. A vista de cima dá uma perspectiva acentuada do trabalho, forçando-nos a observar o vórtice que domina a sala, um vórtice que, com seu movimento, afunda no nada. Acima, um crânio em rotação sem fim, irreverente e sardônico. Ambas as figuras foram criadas através de 8 camadas pintadas para formar o GIF, a marca definidora do trabalho de Insa. O artista inglês reflete sobre o conceito de imortalidade nas tendências encontradas online em oposição à vida real. Os dois objetos representados na obra têm dois significados simbólicos. O crânio rotativo é ao mesmo tempo uma alegoria da morte e,

O vórtice, na tradição antiga, um símbolo da vida e da evolução, ao mesmo tempo, através de seu movimento, nos alerta sobre a transitoriedade da vida. Todo o trabalho é uma reimaginação moderna e irônica da vanitas humana. Uma representação fictícia e brincalhona da natureza efêmera de nossa existência, o trabalho nos lembra que muitas vezes esquecemos essas condições ao mergulhar no mundo ilusório criado online.

Pavilhão Francês
Inclinar
A Tilt é um grafiteiro conhecido em todo o mundo. Ele é de Tolosa, sul da França. Ele se define como um “fetiche do grafite” e sua primeira marca foi realizada em uma rampa de skate em 1988. Sua carreira foi influenciada por longas viagens nas quais Tilt deixou sua marca, por exemplo, nos EUA, Hong Kong, Japão, México, Tailândia, Austrália, Nova Zelândia, Laos, Taiwan, Cina, Canadá, Filipinas, Indonésia e outros 12 países da Europa. Seu sempre dedicado à velha escola e estilo selvagem, pelo qual ele cria formas e cores que atraem o espectador.

Existem diferentes camadas de significado pelas quais é possível interpretar o trabalho de Tilt. Sem sombra de dúvida, a natureza primordial do grafite é essencial para o trabalho do artista francês. Sua pesquisa artística sempre se concentrou nesse tema: deixar um sinal, um nome, em uma vasta parte do mundo e em uma ampla variedade de superfícies. A jogada, muitas vezes vista como um mero ato de vandalismo, através de Tilt, é provocativamente descontextualizada. Extraído e inserido em contextos inesperados, adquire uma nova beleza que é perturbadora e desorientadora. Sob esse pretexto, as etiquetas tornam-se legitimadas, conceitualmente e esteticamente, criando um curto-circuito no preconceito negativo contra elas.

Dentro do antigo quartel, ele expandiu os limites de sua pesquisa; não apenas um ato de mera descontextualização, ele reformulou as superfícies destinadas a essas intervenções. Assim, as grandes janelas tornam-se as superfícies nas quais o artista trabalha. As inúmeras pinturas coloridas evocam os grandes vitrais das igrejas góticas e nos levam ao reino sagrado. O reflexo da luz nos pisos e paredes, bem como a parede focal com a silhueta negativa das janelas, nos atrai para o respeito e a contemplação. As grandes paredes pintadas contrastam com uma exposição de fotos tiradas das janelas do metrô de Roma, além de outras cidades internacionais e a assinatura do artista. O espectador é forçado a atravessar o pavilhão para investigar todo o espaço.

Pavilhão Holandês
Cirurgia gráfica
Graphic Surgery é uma dupla artística da Holanda. Seus nomes são Erris Huigens (1978) e Gysbert Zijlstra (1978). Eles exploraram as fronteiras de diferentes técnicas e gêneros, mantendo sempre seu estilo pessoal. Eles geralmente realizam pinturas, grafites, vídeos e instalações usando um sistema preto e branco de linhas e geometrias.

A instalação da dupla holandesa é a quarta de uma série de trabalhos focados em estruturas complexas que penetram no espaço arquitetônico. Seu trabalho é altamente influenciado pelas formas geométricas mínimas que moldam o ambiente industrial, como as vigas encontradas em armazéns e guindastes. Este último, em particular, é algo ao qual eles estão particularmente ligados, um meio funcional onipresente na paisagem urbana, mas que geralmente é ignorado ou causa aborrecimento. Para Cirurgia Gráfica, o guindaste mecânico é um símbolo da cidade em mudança, um instrumento da renovação ou da destruição de um ambiente em constante evolução. Seu trabalho para o Outdoor se concentra na reconfiguração do ambiente do quartel, implantando uma treliça preta transversalmente em três salas . Cada peça é independente, ainda, ao mesmo tempo, parte integrante da estrutura geral. Essa estrutura de madeira lembra as vigas expostas nos armazéns do edifício, das quais os artistas se inspiraram. Assim como um cristal puramente formado, aninhado em um pedaço de pedra, sua instalação transforma as salas e cria novas perspectivas espaciais.

Pavilhão grego
Alexandros Vasmolulakis
Alexandros Vasmoulakis nasceu em 1980 em Atenas. Ele vive entre Atenas e Londres, onde trabalha como freelancer. Iniciou sua pesquisa artística no campo da arte de rua e a ampliou, principalmente nos últimos anos, para grandes instalações realizadas com materiais reciclados.

RELICS – descrição do trabalho por Antonella Di Lullo –
Os objetos encontrados neste espaço abandonado recuperaram nova vida graças à arte de Alexandros Vasmoulakis. Seu trabalho para o festival Outdoor consiste em uma série de instalações, criadas com objetos e materiais que o artista encontrou durante as inspeções no local. O artista associou sua descoberta à reivindicação do festival, que é “Aqui, agora”. Podemos encontrar uma coluna feita por cadeiras, ou outra feita por gavetas, ambas representando uma espécie de presença estática, em contraste com a leveza do painel ondulado que o artista cobriu com glitter verde e que flutua no ar graças a um ventilador açao. Nas obras de Vasmoulakis, ambas as esculturas, materiais e tempo têm uma importância artística.

Pavilhão Brasileiro
Tinho
Suficiência e solidão são as duas emoções que o espectador sente inevitavelmente ao ver as obras de Tinho. Seu nome verdadeiro é Walter Nomura e nasceu em 1973 no Brasil. Ele é grafiteiro e, com seu trabalho, quer apresentar qual é a sua imagem do mundo e da sociedade brasileira moderna.

O trabalho de Walter Nomura, também conhecido como Tinho, tenta criar um diálogo pessoal com o espectador, trazendo-o de volta a um momento íntimo, o de sua infância. Através de suas pinturas evocativas e enormes bonecos, ele transmite a ansiedade da vida contemporânea, a profunda alienação e individualismo que distinguem a vida em espaços urbanos ocultos do ritmo frenético da vida cotidiana. Seus bonecos, símbolos de inocência e leveza perdidos, guiam-nos em direção a essa queixa implícita e refletem sobre os resultados finais de nossas ações. Acima de tudo, seu trabalho é fruto de uma escolha ética e moral: em uma época em que a economia cria fenômenos que destroem nosso planeta, como desperdício de recursos e geração de enormes quantidades de lixo, ele cria seus bonecos usando restos de tecido e roupa usada.

Pavilhão Norueguês
Martin Whatson
Martin Whatson nasceu em 1984 na Noruega e ainda mora lá. Ele mostra uma urgência contínua na pesquisa de beleza no que geralmente é considerado feio, fora de moda ou simplesmente não é interessante. Ele encontra inspiração em pessoas, cenas urbanas, prédios antigos e paredes arranhadas.

Estêncil e spray. Estes são os dois métodos usados ​​pelo artista norueguês para seu trabalho aqui no Outdoor – um método preciso e técnico, o outro impulsivo e caótico. A sala, em menor escala que outras, permite ao espectador uma rápida visão panorâmica, desencadeando o ritmo dinâmico do trabalho. As duas figuras estão envolvidas em uma perseguição sem fim – uma com a intenção de pintar, a outra cobrindo seus rastros com tinta branca. É um mistério quem iniciou a perseguição e quem a terminará. Esses dois gestos opostos exemplificam a natureza efêmera da arte urbana e a dinâmica que ocorre ao trabalhar em um contexto urbano. O artista reserva julgamento nesta luta entre forças opostas, limitando seu envolvimento à expressão desse jogo necessário entre forças opostas.

Projeto especial

Marine Leriche
Marine Leriche é designer gráfica, têxtil e de cenografia. Ela estudou comunicação visual e multimídia na Escola Nacional de Artes Aplicadas e Artesanato em Paris. Ela então entrou no departamento de design têxtil da ENSCI-Les Ateliers (escola nacional de estudos avançados em design). Ao mesmo tempo, ela sempre aprendeu muito trabalhando e colaborando com estilistas, artistas e agências. De fato, ela agora tem um perfil multidisciplinar. A criação é uma necessidade que ela preenche criando e coletando objetos, imagens e conteúdos em sua vida cotidiana. Ela adora aprender trabalhando em novos meios, em novos projetos, com novos parceiros. Segundo ela, é importante sempre estimular a imaginação, fazendo encontros e diálogos entre diferentes campos criativos.

Quando entramos neste local, sentimos imediatamente a necessidade de compartilhar as grandes emoções que vivenciamos nesta antiga fábrica militar. O Objets trouvés é um catálogo de sentimentos que celebra um lugar produtivo e animado que permaneceu ativo por mais de um século. Durante três meses, os sete hectares sobre os quais se desenrola o antigo quartel SMMEP foram uma terra de descobertas. Cada canto deste imenso lugar foi objeto de uma busca insaciável que ao longo do caminho se tornou um verdadeiro vício e que nos levou a coletar os fragmentos de uma vida que não é nossa.

Com a curiosidade e a emoção das crianças fazendo descobertas aventureiras em um sótão empoeirado e mofado, para nós cada objeto simboliza uma conquista e toda conquista se tornou uma história. A história que queremos contar é de imaginação. Os objetos exibidos são aparentemente inúteis, mas ricos com a energia dos homens que os usavam. Sua colocação tem uma organização estética e emocional feita deliberadamente para não reduzi-las a um catálogo científico de vida vivida dentro desses quartéis. Portanto, convidamos você a uma história que seja mais semelhante a um livro de figuras do que a um livro de história, como forma de proporcionar uma experiência pessoal, íntima e reflexiva.

Móveis, tinta, madeira, ferro, objetos enferrujados, cadeiras, poltronas, capacetes, garrafas, lâmpadas, pôsteres, cartões postais, cartas, desenhos, registros, ordens e comandos, óculos de sol, equipamento de esqui, canetas, ferramentas, botões, jaquetas, camisas , faixas e bandeiras, coisas incompreensíveis, computadores antigos, plantas, diagramas, fios elétricos, calendários eróticos, rádios, gráficos, folhetos e objetos desconhecidos, valorizados por sua beleza ou pelo simples encanto do desconhecido.

Esse tesouro coletado em três meses é organizado para transmitir um sentimento de confusão, a mesma confusão experimentada por nós no início da pesquisa. Em vez disso, a exposição adota um método de exibição que é tranquilizador e sistêmico: por cor, forma, material, textura e tema. Isso destaca a estética dos objetos, regulariza o espaço e facilita o prazer. Trazemos ao público essa fascinante jornada entre objetos cotidianos e desconhecidos justapostos de uma maneira que valorize sua normalidade – um convite a um novo olhar sublime da vida cotidiana .

Festival ao ar livre de Roma
A OUTDOOR foi criada em 2010 com a intenção de reforçar o relacionamento entre cidadão e cidade através de intervenções artísticas no tecido urbano. Depois de ter contribuído para a caracterização da antiga área industrial de Ostiense através de instalações permanentes de arte pública, o festival se concentra no tema do uso da arte nos processos de regeneração urbana como uma chave que permite ao público o acesso à dinâmica de transformação que afeta território e como meio de comunicação para a cidade em nível internacional.

O Outdoor Festival continua sua reflexão sobre a conversão de espaços públicos através da arte e da música que você faz da ferramenta para a reativação de lugares abandonados, muitas vezes favorecendo uma experiência renovada.

Mais de 70.000 metros quadrados que emergirão como sede do distrito da Cidade das Ciências e do projeto de regeneração urbana. O antigo Quartel foi reativado através de um extenso programa cultural e intervenções específicas de 17 artistas locais, nacionais e internacionais, que animam temporariamente antes de sua regeneração final.

Depois de cinco edições, mais de 70 artistas envolvidos, 16.000 participações no ano passado nos antigos costumes de San Lorenzo, o festival deste ano sugere um conceito simples e forte ao mesmo tempo.

Em colaboração com embaixadas e institutos culturais no exterior, o Outdoor Festival recebe 17 artistas de 8 países que ocupam com suas obras 10 pavilhões nos espaços abandonados do antigo quartel Guido Reni.

Obras que vão do abstrato ao 108 eclético mix de grafite, escultura e vídeo em 2501, realizadas em colaboração com o Recipient e The Blind Eye Factory. De grandes instalações gregas, Vasmoulakis trabalha com Minelli, políticas sim, mas ao mesmo tempo introspectivas.

A instalação de uma dupla holandesa geométrica essencial em preto e branco, a Graphic Surgery, Halo Halo, com seus labirintos bidimensionais e o charme do ‘trabalho do norueguês Martin em que o cinza dramático é quebrado por manchas de cor, em contraponto a os bonecos coloridos esfarrapam o Tinho brasileiro para que transmita suas mensagens sociais. A revolução espacial das produções espanholas Penique, que pediam uma nova concepção do lugar através da distorção do mesmo e do grafite francês Tilt, nos lembram que o início da escrita. A desconstrução do urbano construído por Rub Kandy, Insa e seu “giffiti”, imagens multicamadas animadas em stop motion, a pesquisa do artista de rua Lucamaleonte, que nesta ocasião se concentrará na memória e no design de interação de No Idea. E, finalmente, o Pavilhão Roma,

Um extenso programa de eventos leva o espectador a descobrir as culturas dos países anfitriões, incluindo conversa, cinema, comida e uma grande variedade de música internacional.

Planos ao ar livre para esta edição, uma especificação de extensão: juntamente com as artes visuais, a música é a co-estrela deste ano no festival. Cada obra dos 17 artistas envolvidos é combinada com a intervenção de um músico chamado para obter uma instalação sonora original.

Outdoor também possui três características especiais: a conferência criativa Italianism, de Renato Fountain, enfatizando a criatividade “Made by Italians”, uma maneira de fazer um balanço do estado da nova cena visual junto com mais de cem profissionais e artistas italianos residentes na Itália. e no exterior, do mundo da arquitetura, direção de arte, comunicação, design, fotografia, desenho animado, gráficos, ilustração, mural e vídeo.