Tarsila do Amaral

Tarsila de Aguiar do Amaral, (1 de septiembre de 1886 – 17 de enero de 1973), conocida internacionalmente como Tarsila do Amaral o simplemente Tarsila, es considerada una de las principales Artistas modernistas latinoamericanos, descritos como «el pintor brasileño que mejor logró las aspiraciones brasileñas de expresión nacionalista en un estilo moderno». Fue miembro del «Grupo dos Cinco» (Grupo de los Cinco), que fue un grupo de cinco artistas brasileños que se consideran la mayor influencia en el movimiento de arte moderno en Brasil. Los otros miembros del «Grupo dos Cinco» son Anita Malfatti, Menotti Del Picchia, Mário de Andrade y Oswald de Andrade. Tarsila también fue instrumental en la formación del Movimiento Antropofagia (1928-1929); ella fue, de hecho, la que inspiró el famoso «Manifiesto del caníbal» de Oswald de Andrade.

Biografía
Nacida el 1 de septiembre de 1886 en Capivari, en el interior de São Paulo, fue hija de José Estanislau do Amaral Filho y Lídia Dias de Aguiar, y nieta de José Estanislau do Amaral, apodada «la millonaria» por virtud de inmensa La fortuna acumulada en las fincas del interior de São Paulo.

Su padre heredó la fortuna y varias granjas, donde Tarsila y sus siete hermanos pasaron la infancia. Cuando era niña, hizo uso de productos franceses importados y fue educada de acuerdo con el gusto del tiempo. Su primer maestro, el belga Mlle. Marie van Varemberg d’Egmont, le enseñó a leer, escribir, bordar y hablar francés. Su madre pasaba horas en el piano y contaba historias de las novelas que leía a los niños. Su padre recitó versos en francés, extraídos de los numerosos volúmenes de su biblioteca.

Tarsila fue la tía del geólogo Sérgio Estanislau do Amaral.

Estudios en São Paulo y Barcelona.
Tarsila do Amaral estudió en São Paulo, en un colegio de monjas en el barrio de Santana y en el Colegio Sion. Y completó sus estudios en Barcelona, ​​España, en el Colegio Sacré-Coeur.

Primer matrimonio
Al llegar de Europa, en 1906, se casó con el doctor André Teixeira Pinto. Su esposo se opuso al desarrollo artístico de Tarsila y exigió dedicarse exclusivamente a la vida doméstica, lo que llevó a la separación de la pareja. La anulación definitiva del matrimonio se produjo años después. Con él tuvo su única hija, la niña Dulce, nacida el mismo año de la boda. Tarsila se separó poco después del nacimiento de la hija y volvió a vivir con los padres en la granja, llevándose a Dulce.

Carrera temprana
Comenzó a aprender pintura en 1917, con Pedro Alexandrino Borges. Más tarde estudió con el alemán George Fischer Elpons. En 1920, viajó a París y asistió a la Academia Juliana, donde dibujó intensamente desnudos y modelos en vivo. También estudió en la Academia de Émile Renard.

A pesar de haber tenido contacto con las nuevas tendencias y vanguardias, Tarsila solo se adhirió a las ideas modernistas cuando regresó a Brasil, en 1922. En una confeitaria paulistana, fue presentada por Anita Malfatti a los modernistas Oswald de Andrade, Mário de Andrade y Menotti Del Picchia. Estos nuevos amigos comenzaron a asistir a su taller, formando el Grupo de los Cinco.

En enero de 1923, en Europa, Tarsila se unió a Oswald de Andrade y la pareja viajó por Portugal y España. De vuelta en París, estudió con artistas cubistas: asistió a la Academia Lhote, conoció a Pablo Picasso y se hizo amigo del pintor Fernand Léger, visitando la academia de este maestro del cubismo, de la cual Tarsila preservó principalmente la técnica suave de la pintura y una cierta Influencia del modelado legeriano.

Fases y antropofagia pau-brasil.
En 1924, durante un viaje de «redescubrimiento de Brasil» con los modernistas brasileños y con el poeta franco-suizo Blaise Cendrars, Tarsila comenzó su fase artística «Pau-Brasil», dotada de colores y temas notablemente tropicales y brasileños, donde el «nacional» Animales «(mencionado en un poema de Carlos Drummond de Andrade), la exuberancia de la fauna y la flora brasileñas, las máquinas, los carriles, símbolos de la modernidad urbana.

Se casó con Oswald de Andrade en 1926 y en el mismo año realizó su primera exposición individual en la Galería Percier de París. En 1928, Tarsila pinta el Abaporu, cuyo nombre de origen indígena significa «hombre que come carne humana», obra que originó el Movimiento Antropofágico, idealizado por su esposo.

La antropofagia propuso la digestión de influencias extranjeras, como en el ritual caníbal (en el que el enemigo es devorado con la creencia de que uno puede absorber sus cualidades), para que el arte nacional adquiera un rostro más brasileño.

En julio de 1929, Tarsila expuso sus pinturas por primera vez en Brasil, en Río de Janeiro. Ese mismo año, debido a la caída de la Bolsa de Nueva York, conocida como la Crisis de 1929, Tarsila y su familia de agricultores sienten en sus bolsillos los efectos de la crisis del café y Tarsila pierde su granja. Más tarde, ese mismo año, Oswald de Andrade se separó de Tarsila porque se enamoró y decidió casarse con la revolucionaria Patricia Galvao, conocida como Pagu. Tarsila sufre demasiado por la separación y la pérdida de la granja, lo que la lleva a rendirse aún más a su trabajo en el mundo artístico.

En 1930, Tarsila obtuvo el puesto de conservador de la Pinacoteca del Estado de São Paulo. Comenzó a organizar el catálogo de la colección del primer museo de arte de São Paulo. Sin embargo, con el advenimiento de la dictadura de Getúlio Vargas y la caída de Julio Prestes, perdió su puesto.

Viaje a la URSS y fase social.
En 1931, Tarsila vendió algunas pinturas de su colección privada para viajar a la Unión Soviética con su nuevo esposo, el psiquiatra Osorio Cesar, de Paraiba, quien la ayudaría a adaptarse a diferentes formas de pensamiento político y social. La pareja viajó a Moscú, Leningrado, Odessa, Constantinopla, Belgrado y Berlín. Pronto volvería a París, donde Tarsila se dio cuenta de los problemas de la clase trabajadora. Sin dinero, trabajó como obrera de la construcción, pintora de paredes y puertas. Pronto consiguió el dinero para volver a Brasil. Con la crisis de 1929, había perdido casi toda su riqueza y fortuna.

En Brasil, debido a su participación en reuniones políticas de izquierda y su llegada después de un viaje a la URSS, Tarsila es considerada sospechosa y es arrestada, acusada de subversión. En 1933, a partir de la pintura «Operários», el artista comienza una fase de temas más sociales, de los cuales ejemplos son las pantallas Operarios y Segunda Clase. A mediados de los años treinta, el escritor Luis Martins, veinte años más joven que Tarsila, se convierte en su compañero constante, primero de las pinturas después de la vida sentimental. Se separa de Osório y se casa con Luis, con quien vivió hasta los años 50.

A partir de la década de 1940, Tarsila comenzó a pintar con estilos de fases anteriores. Expuso en la 1ª y 2ª Bienales de São Paulo y ganó una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM) en 1960. Es una sala especial en la Bienal de São Paulo de 1963, y al año siguiente se presenta. en la 32a Bienal de Venecia.

Últimas décadas: 1960 y 1970.
En 1965, Louis y su familia se separaron solos, se sometieron a una cirugía de columna, ya que le dolía mucho, y un error médico la dejó paralizada, permaneciendo en una silla de ruedas hasta sus últimos días.

En 1966, Tarsila perdió a su única hija, Dulce, quien murió de un ataque de diabetes, por su desesperación. En estos tiempos difíciles, Tarsila declara, en una entrevista, su enfoque del espiritismo.

A partir de ahí, comienza a vender sus fotos, donando parte del dinero obtenido a una institución administrada por Chico Xavier, de quien se hace amigo. La visitó, al pasar por São Paulo, y ambos mantuvieron correspondencia.

Tarsila do Amaral, el artista-símbolo del modernismo brasileño, murió en el Hospital de Beneficencia Portuguesa, en São Paulo, el 17 de enero de 1973 debido a causas naturales. Fue enterrada en el cementerio de la Consolación con un vestido blanco, según su deseo.

Representaciones en la cultura.
Tarsila do Amaral ha sido interpretada como un personaje en cine y televisión, interpretada por Esther Góes en la película «Eternamente Pagu» (1987), Eliane Giardini en la miniserie «Um Só Coração» (2004) y «JK» (2006).

El artista fue también el tema de la obra Tarsila, escrita entre noviembre de 2001 y mayo de 2002 por Maria Adelaide Amaral. La obra se organizó en 2003 y se publicó en forma de libro en 2004. El personaje del título fue interpretado por la actriz Esther Góes y la obra también tuvo como personajes a Oswald de Andrade, Mário de Andrade y Anita Malfatti.

Tarsila do Amaral fue honrada por la Unión Astronómica Internacional, que el 20 de noviembre de 2008 atribuyó el nombre «Amaral» a un cráter en el planeta Mercurio.

En 2008, se lanzó el Catálogo Raisonné Tarsila do Amaral, una catalogación completa de las obras del artista en tres volúmenes, en la realización de los Proyectos Culturales Base7, patrocinados por Petrobras, en colaboración con la Pinacoteca del Estado de São Paulo, Secretaría de Estado de São Paulo. Cultura y Gobierno del Estado de São Paulo.

Carrera
A partir de 1916, Tarsila do Amaral estudió pintura en São Paulo. Más tarde estudió dibujo y pintura con el pintor académico Pedro Alexandrino. Todos estos eran maestros respetados pero conservadores. Debido a que Brasil carecía de un museo de arte público o una importante galería comercial hasta después de la Segunda Guerra Mundial, el mundo del arte brasileño era estéticamente conservador y la exposición a las tendencias internacionales era limitada.

Modernismo brasileño
Al regresar a São Paulo en 1922, Tarsila estuvo expuesta a muchas cosas después de conocer a Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade y Menotti Del Picchia. Estos compañeros artistas formaron un grupo que se llamó «el Grupo Dos Cinco». Antes de su llegada a São Paulo desde Europa, el grupo organizó la Semana de Arte Moderno (Semana del Arte Moderno) durante la semana del 11 al 18 de febrero de 1922. El evento fue fundamental para el desarrollo del modernismo en Brasil. Los participantes estaban interesados ​​en cambiar el establecimiento artístico conservador en Brasil alentando un modo distintivo del arte moderno. Se le pidió a Tarsila que se uniera al movimiento y juntos se convirtieron en el Grupo dos Cinco, que buscaba promover la cultura brasileña, el uso de estilos que no eran específicamente europeos, y la inclusión de cosas que eran indígenas al Brasil.

Durante un breve regreso a París en 1923, Tarsila estuvo expuesta al cubismo, el futurismo y el expresionismo mientras estudiaba con André Lhote, Fernand Léger y Albert Gleizes. Los artistas europeos en general habían desarrollado un gran interés en las culturas africanas y primitivas en busca de inspiración. Esto llevó a Tarsila a utilizar las formas indígenas de su propio país al tiempo que incorporaba los estilos modernos que había estudiado. Mientras estaba en París en ese momento, pintó una de sus obras más famosas, A Negra (1923). El tema principal de la pintura es una gran figura femenina negroide con un solo seno prominente. Tarsila estilizó la figura y aplanó el espacio, rellenando el fondo con formas geométricas.

Emocionada por su nuevo estilo desarrollado y por sentirse cada vez más nacionalista, escribió a su familia en abril de 1923:

«Me siento cada vez más brasileño. Quiero ser el pintor de mi país. Qué agradecido estoy por haber pasado toda mi infancia en la granja. Los recuerdos de estos tiempos se han vuelto preciosos para mí. Quiero, en arte, a sé la niña de São Bernardo, jugando con muñecas de paja, como en la última foto en la que estoy trabajando … No creas que esta tendencia se ve de manera negativa aquí. Al contrario. Lo que quieren aquí es que cada uno traiga la «Contribución de su propio país. Esto explica el éxito del ballet ruso, los gráficos japoneses y la música negra. París ya tenía suficiente arte parisino».

Periodo pau-brasil
Oswald de Andrade, que se había convertido en su compañero de viaje, la acompañó por toda Europa. Al regresar a Brasil a fines de 1923, Tarsila y Andrade viajaron por todo Brasil para explorar la variedad de la cultura indígena y encontrar inspiración para su arte nacionalista. Durante este período, Tarsila hizo dibujos de los diversos lugares que visitaron, lo que se convirtió en la base de muchas de sus próximas pinturas. También ilustró la poesía que Andrade escribió durante sus viajes, incluido su libro de poemas fundamental titulado Pau Brasil, publicado en 1924. En el manifiesto del mismo nombre, Andrade destacó que la cultura brasileña era un producto de la importación de la cultura europea y llamó a los artistas a cree obras que fueran únicamente brasileñas para «exportar» la cultura brasileña, al igual que la madera del árbol de Brasil se había convertido en una importante exportación al resto del mundo. Además, desafió a los artistas a utilizar un enfoque modernista en su arte, una meta por la que se habían esforzado durante la Semana de Arte Moderna en São Paulo.

Durante este tiempo, los colores de Tarsila se volvieron más vibrantes. De hecho, escribió que había encontrado los «colores que había adorado de niña. Más tarde me enseñaron que eran feos y poco sofisticados». Su pintura inicial de este período fue E.C.F.B. (Estrada de Ferro Central do Brasil), (1924). Además, en ese momento, le interesaba la industrialización y su impacto en la sociedad.

Periodo de antropofagia
En 1926, Tarsila se casó con Andrade y continuaron viajando por Europa y Medio Oriente. En París, en 1926, tuvo su primera exposición individual en la Galerie Percier. Las pinturas que se muestran en la exposición incluyen São Paulo (1924), A Negra (1923), Lagoa Santa (1925) y Morro de Favela (1924). Sus obras fueron elogiadas y llamadas «exóticas», «originales», «ingenuas» y «cerebrales», y comentaron sobre su uso de colores brillantes e imágenes tropicales.

Mientras estuvo en París, estuvo expuesta al surrealismo y después de regresar a Brasil, Tarsila comenzó un nuevo período de pintura en el que abandonó los paisajes y paisajes urbanos, y comenzó a incorporar el estilo surrealista en su arte nacionalista. Este cambio también coincidió con un movimiento artístico más grande en São Paulo y otras partes de Brasil que se centró en celebrar a Brasil como el país de las grandes serpientes. Las ciudades también impactaron la forma en que se formó su arte. Incluyendo representaciones verticales de los edificios en grandes ciudades, como Sao Paulo, su arte se convirtió en un ícono. Estas piezas de arte que ella hizo podrían incluir pequeños aspectos de la ciudad, como una bomba de gas, o grandes elementos como edificios. Su mezcla de detalles era importante porque esos detalles formaban la ciudad. Sobre la base de las ideas del movimiento Pau-Brasil anterior, los artistas se esforzaron por apropiarse de los estilos e influencias europeas para desarrollar modos y técnicas que eran únicamente suyos y brasileños. Este movimiento Pau-Brasil fue un concepto modernista de Brasil.

La primera pintura de Tarsila durante este período fue Abaporu (1928), que fue entregada como pintura sin título a Andrade por su cumpleaños. El sujeto es una gran figura humana estilizada con enormes pies sentados en el suelo junto a un cactus con un sol de rodaja de limón en el fondo. Andrade seleccionó el título eventual, Abaporu, que es un término indio para «man eat», en colaboración con el poeta Raul Bopp. Esto se relacionó con las ideas actuales de la fusión del estilo e influencias europeas. Poco después, Andrade escribió su Manifiesto de Antropofagia, que literalmente llamó a los brasileños a devorar los estilos europeos, librándose de todas las influencias directas y creando su propio estilo y cultura. El colonialismo jugó un papel en su trabajo; Tarsila incorporó este concepto en su arte. En lugar de ser devorados por Europa, ellos mismos devorarían a Europa. Andrade usó a Abaporu para la portada del manifiesto como una representación de sus ideales. Al año siguiente, la influencia del manifiesto continuó, Tarsila pintó Antropofagia (1929), que presentaba la figura de Abaporu junto con la figura femenina de A Negra de 1923, así como la hoja de plátano brasileña, el cactus y nuevamente el sol de la rodaja de limón.

En 1929, Tarsila tuvo su primera exposición individual en Brasil en el Hotel Palace en Río de Janeiro, y fue seguida por otra en el Salón Gloria en São Paulo. En 1930, apareció en exposiciones en Nueva York y París. Desafortunadamente, 1930 también vio el final del matrimonio de Tarsila y Andrade. Esto puso fin a su colaboración.

Carrera posterior y muerte.
En 1931, Tarsila viajó a la Unión Soviética. Mientras estuvo allí, tuvo exposiciones de sus obras en Moscú en el Museo de Arte Occidental, y viajó a otras ciudades y museos. La pobreza y la situación de los rusos tuvieron un gran efecto en ella, como se ve en su pintura Workers (Operarios) (1933). A su regreso a Brasil en 1932, se involucró en la Revuelta Constitucional de São Paulo contra la dictadura en Brasil, dirigida por Getúlio Vargas. Junto con otros que eran vistos como izquierdistas, fue encarcelada por un mes porque sus viajes la hacían parecer una simpatizante comunista.

El resto de su carrera se centró en temas sociales. Representante de este período es la pintura Segundo Class (1931), que ha empobrecido a hombres, mujeres y niños rusos como tema. También comenzó a escribir una columna semanal de arte y cultura para el Diario de São Paulo, que continuó hasta 1952.

En 1938, Tarsila finalmente se estableció definitivamente en São Paulo, donde pasó el resto de su carrera pintando personas y paisajes brasileños. En 1950, tuvo una exposición en el Museo de Arte Moderno de São Paulo, donde un crítico la llamó «la más brasileña de pintores aquí, que representa el sol, las aves y los espíritus juveniles de nuestro país en desarrollo, tan simples como los elementos de nuestra Tierra y naturaleza … murió en São Paulo en 1973. La vida de Tarsila es una marca del cálido carácter brasileño y una expresión de su exuberancia tropical «.

Legado
Además de las 230 pinturas, cientos de dibujos, ilustraciones, grabados, murales y cinco esculturas, el legado de Tarsila es su efecto en la dirección del arte latinoamericano. Tarsila hizo avanzar el modernismo en América Latina y desarrolló un estilo único en Brasil. Siguiendo su ejemplo, otros artistas latinoamericanos fueron influenciados para comenzar a utilizar la materia indígena brasileña y desarrollar su propio estilo. El cráter de Amaral en Mercurio lleva su nombre.

En 2018, MoMA inauguró una exposición individual de su obra, la octava retrospectiva sobre artistas de América Latina, después de exposiciones en Diego Rivera, Cândido Portinari, Roberto Matta, Manuel Álvarez Bravo, Armando Reverón, José Clemente Orozco y Joaquín Torres García.

Trabajos mayores
Un pescador, años 20, Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
«A Negra», 1923,
Cuca, 1924, Museo de Grenoble, Francia.
Paisaje con toro, 1925, coleccionista privado.
O Ovo, 1928, Gilberto Chateaubriand, Río de Janeiro
Abaporu, 1928, Eduardo Constantini, MALBA, Buenos Aires.
Lago, 1928, Colección privada, Río de Janeiro.
Antropofagia, 1929, Paulina Nemirovsky, Fundación Nemirovsky, San Pablo
Sol poente, 1929, Colección privada, São Paulo.
Segunda clase, 1933, Colección privada, São Paulo
Retrato de Vera Vicente Azevedo, 1937, Museo de Arte Brasileño, São Paulo
Paisaje púrpura con 3 casas y montañas, 1969–72, James Lisboa Escritorio de Arte, São Paulo

Exposiciones
1922 – Salon de la Societe des Artistes Français en París (grupo)
1926 – Galerie Percier, París (solo)
1928 – Galerie Percier, París (solo)
1929 – Hotel Palace, Rio de Janeiro (solo)
1929 – Salón Gloria, São Paulo (solo)
1930 – Nueva York (grupo)
1930 – París (grupo)
1931 – Museo de Arte Occidental, Moscú
1933 – I Salón Paulista de Bellas Artes, São Paulo (grupo)
1951 – I Bienal de São Paulo, São Paulo (grupo)
1963 – VII Bienal de São Paulo, São Paulo (grupo)
1963 – XXXII Bienal de Venecia, Venecia (grupo)
2005 – Mujer: Metamorfosis de la modernidad, Fundación Joan Miró, Barcelona (grupo)
2005 – Brasil: Nostalgia corporal, Museo Nacional de Arte Moderno, Tokio, Japón (grupo)
2006 – Salao del 31: Diferencas en proceso, Museo Nacional de Bellas Artes, Río de Janeiro (grupo)
2006 – Dibujo moderno brasileño: 1917-1950, Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro (grupo)
2006 – Ciccillo, Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo, São Paulo (grupo)
2007 – Un siglo de arte brasileño: Colección de Gilbert Chateaubriand, Museo Oscar Niemeyer, Curitiba (grupo)
2009 – Tarsila do Amaral, Fundación Juan March, Madrid.
2017 – Tarsila do Amaral: Inventando el arte moderno en Brasil, Art Institute of Chicago, Chicago (solo)
2018 – Brasil: Body & Soul, The Guggenheim, Nueva York (grupo)
2018 – Tarsila do Amaral: Inventando el arte moderno en Brasil, Museo de Arte Moderno, Nueva York (solo)