La arquitectura posmoderna es un estilo o movimiento que surgió en la década de 1960 como una reacción contra la austeridad, la formalidad y la falta de variedad de la arquitectura moderna, particularmente en el estilo internacional defendido por Le Corbusier y Ludwig Mies van der Rohe. El movimiento recibió una doctrina del arquitecto y teórico de la arquitectura Robert Venturi en su libro de 1966 Complexity and Contradiction in Architecture. El estilo floreció desde la década de 1980 hasta la década de 1990, particularmente en el trabajo de Venturi, Philip Johnson, Charles Moore y Michael Graves. A finales de la década de 1990 se dividió en una multitud de nuevas tendencias, incluida la arquitectura de alta tecnología, el neoclasicismo y el deconstructivismo.

Orígenes
La arquitectura posmoderna surgió en la década de 1960 como una reacción contra las deficiencias percibidas de la arquitectura moderna, particularmente sus rígidas doctrinas, su uniformidad, su falta de ornamentos y su hábito de ignorar la historia y la cultura de las ciudades donde apareció. El arquitecto e historiador de arquitectura Robert Venturi dirigió el ataque en 1966 en su libro Complejidad y contradicción en la arquitectura. Venturi resumió el tipo de arquitectura que quería ver reemplazar el modernismo:

«Hablo de una arquitectura compleja y contradictoria basada en la riqueza y la ambigüedad de la experiencia moderna, incluida esa experiencia inherente al arte … Acojo con agrado los problemas y aprovecho las incertidumbres … Me gustan los elementos que son híbridos en lugar de» puros » , comprometer en lugar de «limpiar», … acomodar en lugar de excluir … Estoy buscando una vitalidad desordenada sobre la unidad obvia … Prefiero «ambos» y «a» o «o», blanco y negro, y a veces gris, a negro o blanco … Una arquitectura de complejidad y contradicción debe encarnar la difícil unidad de la inclusión más que la fácil unidad de la exclusión «.

En lugar de las doctrinas funcionales del modernismo, Venturi propuso dar énfasis primario a la fachada, incorporando elementos históricos, un uso sutil de materiales inusuales y alusiones históricas, y el uso de fragmentación y modulaciones para hacer el edificio interesante. El segundo libro de Venturi, Learning from Las Vegas (1972), en coautoría con su esposa, Denise Scott Brown, y Steven Izenour, desarrolló aún más su argumento contra el modernismo. Instó a los arquitectos a tomar en consideración y celebrar la arquitectura existente en un lugar, en lugar de tratar de imponer una utopía visionaria a partir de sus propias fantasías. Sostuvo que los elementos ornamentales y decorativos «se adaptan a las necesidades existentes de variedad y comunicación». El libro fue instrumental para abrir los ojos de los lectores a nuevas formas de pensar sobre los edificios, ya que se basó en toda la historia de la arquitectura, tanto de estilo alto como en lengua vernácula, histórica y moderna, y en respuesta a la famosa máxima de Mies van der Rohe «. Menos es más «, respondió Venturi, a» Menos es un aburrimiento «. Venturi citó los ejemplos de sus propios edificios, Guild House, en Filadelfia, como ejemplos de un nuevo estilo que acogió la variedad y las referencias históricas, sin volver a la reactivación académica de los viejos estilos.

En Italia, al mismo tiempo, el arquitecto Aldo Rossi lanzó una revuelta similar contra el modernismo estricto, que criticaba la reconstrucción de ciudades y edificios italianos destruidos durante la guerra en el estilo modernista, que no tenían relación con la historia de la arquitectura. , planos callejeros originales o cultura de las ciudades. Rossi insistió en que las ciudades deberían reconstruirse de manera que preservaran su tejido histórico y sus tradiciones locales. Hubo ideas similares y se presentaron proyectos en la Bienal de Venecia en 1980. Christian de Portzamparc en Francia y Ricardo Bofill en España, y en Japón por Arata Isozaki se unieron al llamado por un estilo posmoderno.

Posmodernismo en Europa
Mientras que el postmodernismo era mejor conocido como un estilo estadounidense, también aparecieron ejemplos notables en Europa. En 1991, Robert Venturi completó el ala Sainsbury de la National Gallery en Londres, que era moderno pero armonizado con la arquitectura neoclásica en Trafalgar Square y sus alrededores. El arquitecto nacido en Alemania Helmut Jahn construyó el rascacielos Messeturm en Frankfurt, Alemania, un rascacielos adornado con la torre puntiaguda de una torre medieval.

Uno de los primeros arquitectos postmodernistas en Europa fue James Stirling (1926-1992). Fue un primer crítico de la arquitectura modernista, culpando al modernismo por la destrucción de las ciudades británicas en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Diseñó proyectos de vivienda pública coloridos en el estilo posmoderno, así como la Neue Staatsgalerie en Stuttgart, Alemania (1977-1983) y el Kammertheater en Stuttgart (1977-1982), así como el Museo Arthur M. Sackler en la Universidad de Harvard en los Estados Unidos.

Uno de los ejemplos más visibles del estilo posmoderno en Europa es el Edificio SIS en Londres de Terry Farrell (1994). El edificio, junto al Támesis, es la sede del Servicio de Inteligencia Secreto británico. El crítico Deyan Sudjic en The Guardian en 1992 lo describió como un «epitafio para la ‘arquitectura de los años ochenta … Es un diseño que combina una gran seriedad en su composición clásica con un posible sentido del humor involuntario. El edificio podría interpretarse igualmente plausible como un templo maya o una pieza de maquinaria art déco ruidosa ‘.

El arquitecto italiano Aldo Rossi (1931-1997) fue conocido por sus obras posmodernas en Europa, el Museo Bonnefanten en Maastricht, Holanda, terminado en 1995. Rossi fue el primer italiano en ganar el premio más prestigioso en arquitectura, el Premio Pritzker, en 1990. Se destacó por combinar formas rigurosas y puras con elementos evocadores y simbólicos tomados de la arquitectura clásica.

El arquitecto español Ricardo Bofill también es conocido por sus primeros trabajos posmodernos, incluido un complejo residencial en forma de castillo con paredes rojas en Culpe, en la costa de España (1973).

Las obras del arquitecto austríaco Friedensreich Hundertwasser se consideran ocasionalmente como una expresión especial de la arquitectura posmoderna.

Posmodernismo en Japón
Los arquitectos japoneses Tadao Ando (nacido en 1941) e Isozaki Arata (nacido en 1931) introdujeron las ideas del movimiento posmoderno en Japón. Antes de abrir su estudio en Osaka en 1969, Ando viajó mucho por América del Norte, África y Europa, absorbiendo los estilos europeo y americano, y no tenía educación arquitectónica formal, aunque enseñó más tarde en la Universidad de Yale (1987), la Universidad de Columbia (1988) y Universidad de Harvard (1990). La mayoría de sus edificios estaban construidos con concreto crudo en formas cúbicas, pero tenían amplias aberturas que traían luz y vistas de la naturaleza exterior. A partir de la década de 1990, comenzó a utilizar la madera como material de construcción e introdujo elementos de la arquitectura tradicional japonesa, especialmente en su diseño del Museo de la Cultura de Madera (1995). Su Casa Bennesse en Naoshima, Kagama, tiene elementos de la arquitectura japonesa clásica y un plan que integra sutilmente la casa en el paisaje natural. Ganó el Premio Pritzker, el premio de arquitectura más prestigioso, en 1995.

Isozaki Arata trabajó dos años en el estudio de Kenzo Tange, antes de abrir su propia firma en Tokio en 1963. Su Museo de Arte Contemporáneo en Nagi combina ingeniosamente madera, piedra y metal, y unió tres formas geométricas, un cilindro, un medio cilindro y un bloque extendido, para presentar tres artistas diferentes en diferentes configuraciones. Su Art Tower en Mito, Japón (1986-1990) presentó una torre de aluminio postmodernista que giraba sobre su propio eje. Además de los museos y centros culturales en Japón, diseñó el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA), (1981-86) y el museo y centro de investigación científica COSI Columbus en Columbus, Ohio.

Salas de conciertos – Sydney Opera House y la Filarmónica de Berlín
La Sydney Opera House en Sydney, Australia, del arquitecto danés Jørn Utzon (1918-2008) es una de las obras más reconocibles de la arquitectura de la posguerra, y abarca la transición del modernismo al posmodernismo. La construcción comenzó en 1957 pero no se completó hasta 1973 debido a problemas de ingeniería difíciles y costos crecientes. Las gigantescas conchas de concreto se elevan sobre las plataformas que forman el techo de la sala. El arquitecto renunció antes de que se completara la estructura, y el interior fue diseñado en gran medida después de que abandonó el proyecto. La influencia de la Ópera de Sydney, se puede ver en las salas de conciertos posteriores con techos altos hechos de acero inoxidable ondulado.

Uno de los edificios más influyentes del período posmoderno fue la Filarmónica de Berlín, diseñada por Hans Scharoun (1893-1972) y completada en 1963. El exterior, con sus techos inclinados y su fachada deslizada, era una clara ruptura con el anterior, más austero salas de conciertos modernistas. La revolución real estaba dentro, donde Scharoun colocó la orquesta en el centro, con el público sentado en terrazas a su alrededor. Él lo describió de esta manera: «La forma dada a la sala está inspirada en un paisaje; en el centro hay un valle, en la parte inferior se encuentra la orquesta. A su alrededor, por todas partes, se elevan las terrazas, como los viñedos. un paisaje terrenal, el techo de arriba aparece como un cielo «. Siguiendo su descripción, las futuras salas de conciertos, como el Walt Disney Concert Hall de Frank Gehry en Los Ángeles, y la Philharmonie de Paris de Jean Nouvel (2015) utilizaron el término «estilo viña» y colocaron la orquesta en el centro, en lugar de en un escenario al final del pasillo.

Características
Complejidad y contradicción
La arquitectura posmoderna surgió por primera vez como una reacción contra las doctrinas de la arquitectura moderna, tal como lo expresaron los arquitectos modernistas, incluidos Le Corbusier y Ludwig Mies van der Rohe. En lugar de las doctrinas modernistas de la simplicidad expresadas por Mies en su famoso «menos es más»; y la funcionalidad, «la forma sigue a la función» y la doctrina de Le Corbusier de que «una casa es una máquina para vivir», la posmodernidad, en palabras de Robert Venturi, ofrece complejidad y contradicción. Los edificios posmodernos tenían formas curvas, elementos decorativos, asimetría, colores brillantes y características a menudo tomadas de periodos anteriores. Colores y texturas sin relación con la estructura o función del edificio. Mientras rechazaba el «puritanismo» del modernismo, exigía un retorno al ornamento y una acumulación de citas y collages tomados de estilos pasados. Tomó prestado libremente de la arquitectura clásica, la arquitectura rococó, neoclásica, la secesión vienesa, el movimiento de arte y artesanía británico, el Jugendstil alemán.

Los edificios posmodernos a menudo combinaban asombrosas nuevas formas y características con elementos aparentemente contradictorios del clasicismo. James Stirling, arquitecto de la Neue Staatsgalerie en Stuttgart, Alemania (1984), describió el estilo como «representación y abstracción, monumental e informal, tradicional y de alta tecnología».

Fragmentación
La arquitectura posmoderna a menudo divide los edificios grandes en varias estructuras y formas diferentes, a veces representando diferentes funciones de esas partes del edificio. Con el uso de diferentes materiales y estilos, un solo edificio puede aparecer como una pequeña ciudad o pueblo. Un ejemplo es el Museo Staditsches de Hans Hollein en Munich (1972-74).

Formas asimétricas y oblicuas
Las formas asimétricas son una de las marcas registradas de la posmodernidad. En 1968, el arquitecto francés Claude Parent y el filósofo Paul Virilio diseñaron una iglesia, Saint-Bernadette-du-Banlay en Nevers, Francia, en forma de un enorme bloque de hormigón inclinado hacia un lado. Al describir la forma, escribieron: «una línea diagonal en una página blanca puede ser una colina, una montaña, una pendiente, un ascenso o un descenso». Los edificios de los padres se inspiraron en parte en fortines alemanes concretos que descubrió en la costa francesa que se habían deslizado por los acantilados, pero que estaban perfectamente intactos, con paredes inclinadas y suelos inclinados. Las composiciones postmodernistas rara vez son simétricas, equilibradas y ordenadas. Los edificios oblicuos que se inclinan, se inclinan y parecen a punto de caer son comunes.

Color
El color es un elemento importante en muchos edificios postmodernos, para dar a las fachadas variedad y personalidad, a veces se usa vidrio coloreado, o azulejos de cerámica, o piedra. Los edificios del arquitecto mexicano Luis Barragán ofrecen colores brillantes de luz solar que dan vida a las formas.

Humor y «campamento»
El humor es una característica particular de muchos edificios posmodernos, particularmente en los Estados Unidos. Un ejemplo es el Edificio de Binoculares en el barrio de Venice de Los Ángeles, diseñado por Frank Gehry en colaboración con el escultor Claes Oldenberg (1991-2001). La puerta de entrada del edificio tiene la forma de un enorme par de binoculares; los autos entran al garaje pasando debajo de los binoculares. El humor de «campamento» fue popular durante el período posmoderno; era un humor irónico basado en la premisa de que algo podía parecer tan malo (como un edificio que parecía a punto de colapsar) que era bueno. La crítica estadounidense Susan Sontag en 1964 definió el campo como un estilo que ponía el acento en la textura, la superficie y el estilo en detrimento del contenido, que adoraba la exageración, y las cosas que no eran lo que parecían. La arquitectura posmoderna a veces usaba el mismo sentido de la teatralidad, el sentido del absurdo y la exageración de las formas.

Los objetivos de la Postmodernidad, que incluyen resolver los problemas del Modernismo, comunicar significados con ambigüedad y sensibilidad para el contexto del edificio, están sorprendentemente unificados para un período de edificios diseñados por arquitectos que en gran parte nunca colaboraron entre sí. Estos objetivos, sin embargo, dejan espacio para diversas implementaciones, como puede ilustrarse por la variedad de edificios creados durante el movimiento.

Teorías de la arquitectura posmoderna
Las características de la posmodernidad permiten que su objetivo se exprese de diversas maneras. Estas características incluyen el uso de formas esculturales, ornamentos, antropomorfismo y materiales que realizan trompe l’oeil. Estas características físicas se combinan con características conceptuales de significado. Estas características de significado incluyen pluralismo, doble codificación, arbotantes y techos altos, ironía y paradoja, y contextualismo.

Las formas escultóricas, no necesariamente orgánicas, fueron creadas con mucho ardor. Estos se pueden ver en el Museo Abteiberg de Hans Hollein (1972-1982). El edificio se compone de varias unidades de construcción, todas muy diferentes. Las formas de cada edificio no se parecen en nada a las rigideces del Modernismo. Estas formas son esculturales y son un tanto lúdicas. Estas formas no se reducen a un mínimo absoluto; están construidos y formados por su propio bien. Las unidades de construcción encajan juntas de una manera muy orgánica, lo que mejora el efecto de las formas.

Después de muchos años de abandono, el ornamento regresó. La casa Venice Beach de Frank Gehry, construida en 1986, está llena de pequeños detalles ornamentales que se hubieran considerado excesivos e innecesarios en el Modernismo. Venice Beach House tiene un conjunto de troncos circulares que existen principalmente para la decoración. Los registros en la parte superior tienen un propósito menor de sostener las cubiertas de las ventanas. Sin embargo, el mero hecho de que podrían haber sido reemplazados por una uña prácticamente invisible hace que su existencia exagerada sea en gran parte ornamental. El adorno en el Edificio de Servicios Municipales de Portland de Michael Graves («Edificio de Portland») (1980) es aún más prominente. Las dos formas triangulares que emiten son en gran parte ornamentales. Existen por motivos estéticos o por su propio propósito.

La posmodernidad, con su sensibilidad al contexto del edificio, no excluyó las necesidades de los humanos del edificio. El cementerio Brion de Carlo Scarpa (1970-72) ejemplifica esto. Los requisitos humanos de un cementerio es que posee una naturaleza solemne, pero no debe causar que el visitante se deprima. El cementerio de Scarpa logra el ambiente solemne con los colores grises apagados de las paredes y las formas claramente definidas, pero la hierba verde brillante evita que esto sea demasiado abrumador.

Los edificios posmodernos a veces utilizan trompe l’oeil, creando la ilusión de espacio o profundidades donde en realidad no existe, como lo han hecho los pintores desde los romanos. El edificio de Portland (1980) tiene pilares representados en el costado del edificio que hasta cierto punto parecen ser reales, pero no lo son.

El Museo de Arte de Hood (1981-1983) tiene una fachada simétrica típica que prevalecía a lo largo de los edificios posmodernos.

La Casa Vanna Venturi de Robert Venturi (1962-64) ilustra el objetivo postmodernista de comunicar un significado y la característica del simbolismo. La fachada es, según Venturi, una imagen simbólica de una casa que se remonta al siglo XVIII. Esto se logra en parte mediante el uso de la simetría y el arco sobre la entrada.

Quizás el mejor ejemplo de ironía en los edificios posmodernos es la Piazza d’Italia (1978) de Charles Moore. Moore cita (arquitectónicamente) elementos del renacimiento italiano y la antigüedad romana. Sin embargo, lo hace con un giro. La ironía viene cuando se observa que los pilares están cubiertos de acero. También es paradójico en la forma en que cita la antigüedad italiana muy lejos del original en Nueva Orleans.

La doble codificación significaba que los edificios transmiten muchos significados simultáneamente. El Edificio Sony en Nueva York lo hace muy bien. El edificio es un rascacielos alto que trae consigo connotaciones de tecnología muy moderna. Sin embargo, la parte superior contradice esto. La sección superior transmite elementos de la antigüedad clásica. Esta doble codificación es un rasgo prevalente de la posmodernidad.

Las características de Postmodernism eran algo unificadas dadas sus diversas apariencias. Lo más notable entre sus características son sus formas juguetonamente extravagantes y el humor de los significados que transmiten los edificios.

La arquitectura posmoderna como un estilo internacional, cuyos primeros ejemplos se citan generalmente como de la década de 1950, pero no se convirtió en un movimiento hasta fines de la década de 1970 y continúa influyendo en la arquitectura actual. Se dice que la postmodernidad en la arquitectura es anunciada por el retorno de «ingenio, ornamento y referencia» a la arquitectura en respuesta al formalismo del Estilo Internacional de la modernidad. Al igual que con muchos movimientos culturales, algunas de las ideas más pronunciadas y visibles de la posmodernidad se pueden ver en la arquitectura. Las formas y espacios funcionales y formalizados del estilo modernista son reemplazados por una estética diversa: los estilos chocan, la forma se adopta por sí misma y abundan las nuevas formas de ver los estilos familiares y el espacio. Quizás lo más obvio es que los arquitectos redescubrieron los ornamentos arquitectónicos del pasado y las formas que habían sido abstraídas por los arquitectos modernistas.

La arquitectura posmoderna también ha sido descrita como neo-ecléctica, donde la referencia y el ornamento han regresado a la fachada, reemplazando los estilos modernos agresivamente desorganizados. Este eclecticismo a menudo se combina con el uso de ángulos no ortogonales y superficies inusuales, más famoso en la Galería Estatal de Stuttgart de James Stirling y en la Plaza de Italia de Charles Moore. El edificio del Parlamento escocés en Edimburgo también ha sido citado como de moda posmoderna.

Los arquitectos modernistas pueden considerar los edificios posmodernos como vulgares, asociados con una ética populista, y compartir los elementos de diseño de los centros comerciales, abarrotados de «gew-gaws». Los arquitectos posmodernos pueden considerar muchos edificios modernos como sin alma y sosos, demasiado simplistas y abstractos. Este contraste se ejemplificó en la yuxtaposición de los «blancos» contra los «grises», en los que los «blancos» buscaban continuar (o revivir) la tradición modernista de purismo y claridad, mientras que los «grises» adoptaban una perspectiva más multifacética. visión cultural, vista en la declaración de Robert Venturi que rechaza la visión del mundo «blanco o negro» del modernismo en favor de «blanco y negro y algunas veces gris». La divergencia de opiniones se reduce a una diferencia de objetivos: el modernismo tiene sus raíces en el uso mínimo y verdadero del material así como en la ausencia de ornamentos, mientras que el posmodernismo es un rechazo de las reglas estrictas establecidas por los primeros modernistas y busca significado y expresión en el uso de técnicas de construcción, formas y referencias estilísticas.

Una forma de construcción que tipifica las exploraciones de Postmodernism es el tejado a dos aguas tradicional, en lugar del tejado plano icónico del modernismo. Arrojando agua lejos del centro del edificio, una cubierta de este tipo siempre tenía un propósito funcional en climas con lluvia y nieve, y era una forma lógica de lograr tramos más grandes con miembros estructurales más cortos, pero era relativamente raro en los edificios modernistas. (Después de todo, estas eran «máquinas para vivir», según LeCorbusier, y las máquinas no solían tener tejados a dos aguas). Sin embargo, las raíces modernistas del posmodernismo aparecen en algunos de los ejemplos notables de techos «recuperados». Por ejemplo, la casa Vanna Venturi de Robert Venturi rompe el aguilón en el medio, negando la funcionalidad del formulario, y el edificio 1001 de la Quinta Avenida de Philip Johnson en Manhattan (que no debe confundirse con el Centro de Congresos de Portland, una vez referido por el mismo nombre) anuncia una forma de techo de mansarda como un frente obviamente plano y falso. Otra alternativa a los techos planos del modernismo sería exagerar un techo tradicional para llamar aún más la atención sobre él, como cuando Kallmann McKinnell & Wood de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias en Cambridge, Massachusetts, pone tres niveles de tejado a cuatro aguas uno sobre otro para una declaración enfática de refugio.

Relación con estilos anteriores
Una nueva tendencia se hizo evidente en el último cuarto del siglo 20 cuando algunos arquitectos comenzaron a alejarse del funcionalismo moderno que consideraban aburrido y que algunos de los ciudadanos consideraban poco acogedor e incluso desagradable. Estos arquitectos se volcaron hacia el pasado, citando aspectos pasados ​​de varios edificios y uniéndolos (incluso algunas veces de forma inarmónica) para crear un nuevo medio de diseño de edificios. Un ejemplo vívido de este nuevo enfoque fue que el posmodernismo vio el regreso de las columnas y otros elementos de los diseños premodernos, a veces adaptando ejemplos griegos y romanos clásicos (pero no simplemente recreándolos, como se hizo en la arquitectura neoclásica). En el Modernismo, la columna tradicional (como característica de diseño) se trató como una forma de tubería cilíndrica, reemplazada por otros medios tecnológicos como voladizos, o completamente enmascarada por fachadas de muros cortina. El renacimiento de la columna fue una necesidad estética más que tecnológica. Los edificios modernistas de gran altura se volvieron monolíticos en la mayoría de los casos, rechazando el concepto de una pila de elementos de diseño variados para un único vocabulario desde el nivel del suelo hasta la parte superior, incluso en casos extremos utilizando una «huella» constante (sin «diseño de tarta nupcial»), con el edificio a veces incluso sugiriendo la posibilidad de una única extrusión metálica directamente desde el suelo, principalmente mediante la eliminación de elementos visuales horizontales, esto se vio más estrictamente en los edificios del World Trade Center de Minoru Yamasaki.

Otro regreso fue el «ingenio, ornamento y referencia» que se ve en los edificios más antiguos en fachadas decorativas de terracota y adornos de bronce o acero inoxidable de los períodos de Bellas Artes y Art Déco. En las estructuras posmodernas, esto a menudo se lograba colocando citas contradictorias de estilos de construcción anteriores uno junto al otro, e incluso incorporando referencias estilísticas de mobiliario a gran escala.

El contextualismo, una tendencia del pensamiento en las últimas partes del siglo XX, influye en las ideologías del movimiento postmoderno en general. El contextualismo se centra en la creencia de que todo conocimiento es «sensible al contexto». Esta idea se tomó aún más para decir que el conocimiento no puede ser entendido sin considerar su contexto. Mientras que ejemplos notables de arquitectura moderna respondieron sutil y directamente a su contexto físico (analizado por Thomas Schumacher en «Contextualism: Urban Ideals and Deformations», y por Colin Rowe y Fred Koetter en Collage City), la arquitectura posmoderna a menudo abordaba el contexto en términos de los materiales, formas y detalles de los edificios que lo rodean: el contexto cultural.

Las raíces de la posmodernidad
El movimiento posmodernista a menudo se ve (especialmente en los EE. UU.) Como un movimiento estadounidense, comenzando en los Estados Unidos alrededor de los años 1960- 1970 y luego extendiéndose a Europa y al resto del mundo, para permanecer hasta el presente. En 1966, sin embargo, el historiador de arquitectura Sir Nikolaus Pevsner habló de un expresionismo revivido como «un nuevo estilo, sucesor de mi Modern Modern of the 1930s, un estilo postmoderno», e incluyó como ejemplos la obra de Le Corbusier en Ronchamp y Chandigarh , Denys Lasdun en el Royal College of Physicians en Londres, Richard Sheppard en Churchill College, Cambridge, y James Stirling y James Gowan en Leicester Engineering Building, así como también la casa de huéspedes de Philip Johnson en New Canaan, Connecticut. Pevsner desaprobaba estos edificios por su autoexpresión e irracionalismo, pero los reconoció como «el estilo legítimo de los años 50 y 60» y definió sus características. El trabajo de definir Postmodernism fue asumido posteriormente por una generación más joven que dio la bienvenida en lugar de rechazar lo que vieron sucediendo y, en el caso de Robert Venturi, contribuyó a ello.

Los objetivos de Postmodernism o Late-modernism comienzan con su reacción al modernismo; trata de abordar las limitaciones de su predecesor. La lista de objetivos se amplía para incluir la comunicación de ideas con el público a menudo de una manera divertida o ingeniosa. A menudo, la comunicación se realiza citando ampliamente estilos arquitectónicos pasados, a menudo muchos a la vez. Al separarse del modernismo, también se esfuerza por producir edificios que sean sensibles al contexto en el que se construyen.

La posmodernidad tiene su origen en el fracaso percibido de la arquitectura moderna. Su preocupación por el funcionalismo y la construcción económica significaba que los adornos se eliminaban y los edificios se cubrían con una apariencia completamente austera. Muchos sentían que los edificios no satisfacían la necesidad humana de comodidad tanto para el cuerpo como para el ojo, que el modernismo no explicaba el deseo de belleza. El problema empeoró cuando algunos bloques de apartamentos ya monótonos degeneraron en barrios marginales. En respuesta, los arquitectos buscaron reintroducir el ornamento, el color, la decoración y la escala humana en los edificios. La forma ya no debe definirse únicamente por sus requisitos funcionales o apariencia mínima.

Cambiando pedagogías
Los críticos del reduccionismo del modernismo a menudo notaron el abandono de la enseñanza de la historia de la arquitectura como un factor causal. El hecho de que varios de los principales actores del alejamiento del modernismo se formaron en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Princeton, donde el recurso a la historia siguió siendo parte del entrenamiento de diseño en los años 40 y 50 fue significativo. El creciente interés en la historia tuvo un profundo impacto en la educación arquitectónica. Los cursos de historia se volvieron más típicos y regularizados. Con la demanda de profesores conocedores de la historia de la arquitectura, surgieron varios programas de doctorado en las escuelas de arquitectura con el fin de diferenciarse de los programas de doctorado de historia del arte, donde los historiadores de la arquitectura habían entrenado previamente. En los Estados Unidos, MIT y Cornell fueron los primeros, creados a mediados de la década de 1970, seguidos por Columbia, Berkeley y Princeton. Entre los fundadores de los nuevos programas de historia arquitectónica estuvieron Bruno Zevi en el Instituto de Historia de la Arquitectura en Venecia, Stanford Anderson y Henry Millon en el MIT, Alexander Tzonis en la Architectural Association, Anthony Vidler en Princeton, Manfredo Tafuri en la Universidad de Venecia, Kenneth Frampton en la Universidad de Columbia, y Werner Oechslin y Kurt Forster en ETH Zürich.

La creación de estos programas fue paralela a la contratación, en la década de 1970, de historiadores formados profesionalmente por las escuelas de arquitectura: Margaret Crawford (con un doctorado de la UCLA) en SCI-Arc; Elisabeth Grossman (PhD, Brown University) en Rhode Island School of Design; Christian Otto (PhD, Universidad de Columbia) en la Universidad de Cornell; Richard Chafee (PhD, Courtauld Institute) en la Universidad Roger Williams; y Howard Burns (MA Kings College) en Harvard, por nombrar solo algunos ejemplos. Entonces surgió una segunda generación de académicos que comenzó a extender estos esfuerzos en la dirección de lo que ahora se llama «teoría»: K. Michael Hays (PhD, MIT) en Harvard, Mark Wigley (PhD, Universidad de Auckland) en Princeton (ahora en Columbia University), y Beatriz Colomina (PhD, Escuela de Arquitectura, Barcelona) en Princeton; Mark Jarzombek (PhD MIT) en Cornell (ahora en MIT), Jennifer Bloomer (PhD, Georgia Tech) en Iowa State y Catherine Ingraham (PhD, Johns Hopkins) ahora en Pratt Institute.

El posmodernismo con su diversidad posee sensibilidad al contexto y la historia del edificio, y los requisitos del cliente. Los arquitectos posmodernos a menudo consideraron los requisitos generales de los edificios urbanos y sus alrededores durante el diseño del edificio. Por ejemplo, en Venice Beach House de Frank Gehry, las casas vecinas tienen un color plano brillante similar. Esta sensibilidad vernácula es a menudo evidente, pero otras veces los diseños responden a vecinos de mayor estilo. El Museo Arthur M. Sackler de James Stirling en la Universidad de Harvard presenta una esquina redondeada y un diseño de ladrillo a rayas que se relaciona con la forma y decoración del Victorian Memorial Hall policromado al otro lado de la calle, aunque en ninguno de los casos es un elemento imitativo o historicista.

Movimientos subsecuentes
Después de la respuesta posmoderna contra el modernismo, se establecieron varias tendencias en la arquitectura, aunque no necesariamente siguiendo los principios del posmodernismo. Al mismo tiempo, los movimientos recientes de New Urbanism y New Classical Architecture promueven un enfoque sostenible hacia la construcción, que aprecia y desarrolla el crecimiento inteligente, la tradición arquitectónica y el diseño clásico. Esto en contraste con la arquitectura modernista y globalmente uniforme, así como apoyándose en urbanizaciones solitarias y expansión suburbana. Ambas tendencias comenzaron en la década de 1980. El Premio de Arquitectura Driehaus es un premio que reconoce los esfuerzos en Nuevo Urbanismo y Nueva Arquitectura Clásica, y está dotado con un premio en dinero dos veces más alto que el Premio Pritzker modernista. Algunos arquitectos posmodernos, como Robert AM Stern y Albert, Righter y Tittman, han pasado del diseño posmoderno a nuevas interpretaciones de la arquitectura tradicional.