Jerarquía de los géneros

Una jerarquía de géneros es cualquier formalización que clasifica diferentes géneros en una forma de arte en términos de su prestigio y valor cultural. Las jerarquías más conocidas son apoyadas por las academias europeas entre el siglo XVII y la edad moderna, y de ellas la jerarquía que para los géneros pictóricos albergaba la Academia Francesa que desempeñaba un papel central en el arte académico.

El debate sobre la estética de la pintura, que continuó en ascenso desde el Renacimiento, se basaba en la importancia de la alegoría: elementos pictóricos como la línea y el color se utilizaban para transmitir una idea fundamental o un tema unificador. Por esta razón, el idealismo fue adoptado en el arte, de modo que las formas naturales se generalizarían y, a su vez, se subordinarían a la unidad de la obra de arte. El objetivo era transmitir una verdad universal a través de la imitación de la naturaleza.

André Félibien, un teórico del clasicismo francés en un prólogo de las Conferencias de la Academia codifica la pintura clásica por temas pictóricos: “historia, retrato, paisaje, paisajes marinos, flores y frutos”. La pintura de historia se consideró en el género grande e incluyó pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos. Incorporaron alguna interpretación de la vida o llevaron un mensaje intelectual o moral. Los dioses y diosas de las mitologías antiguas representaban diferentes aspectos de la psique humana, las figuras religiosas representaban diferentes ideas, y la historia, como otras fuentes, representaba una dialéctica o un juego de ideas. Durante mucho tiempo, especialmente durante la Revolución Francesa, la pintura histórica a menudo se centró en la representación de un desnudo masculino heroico; aunque esto disminuyó en el siglo XIX.

Según esa jerarquía, los siguientes géneros se clasifican de mayor a menos noble:
Pintura histórica, incluyendo temas históricamente importantes, religiosos, mitológicos o alegóricos
Escena de género: representación de escenas de la vida cotidiana.
Retrato de pintura
Pintura animal
Naturaleza muerta

Según la Academia, los retratos, los paisajes y las naturalezas muertas eran inferiores porque eran simples representaciones de objetos externos, sin fuerza moral o imaginación artística. La pintura de género -ni ideal en el estilo, ni elevada en el tema- fue admirada por su habilidad, ingenio e incluso su humor, pero nunca se confundió con el gran arte. La jerarquía de géneros también tenía una correspondencia con la jerarquía de formatos: gran formato para la pintura histórica, pequeño para naturalezas muertas.

Según la Academia, el pintor debe imitar a Dios, cuya obra más perfecta es el hombre, y muestra grupos de figuras humanas y elige temas de historia y fábula. “Debe”, escribe Félibien, “como historiadores, representar grandes eventos, o como poetas, sujetos que agradarán, y escalar aún más alto, ser capaz de esconder bajo el velo de la fábula las virtudes de los grandes hombres y los misterios más exaltados .

El término se usa principalmente en el campo de la pintura, y desde el Alto Renacimiento en adelante, momento en el que la pintura se había afirmado como la forma más elevada del arte. Este no había sido el caso en el arte medieval y los sectores de comisionamiento de arte de la sociedad necesitaron un período considerable para aceptar completamente este punto de vista. Las caricaturas de Rafael son un claro ejemplo del estado continuo del tapiz, la forma de arte más cara del siglo XVI. En el período Medieval temprano, las piezas de metalistería eran típicamente las más apreciadas, y los materiales valiosos permanecieron como un ingrediente importante en la apreciación del arte hasta al menos el siglo XVII. Hasta el siglo XIX, los objetos de arte más extravagantes seguían siendo más caros, tanto nuevos como en el mercado del arte, que todos los pocos cuadros. Escrituras clásicas que valoraban las habilidades supremas de artistas individuales fueron influyentes, así como desarrollos en el arte que permitieron al artista del Renacimiento demostrar su habilidad e invención en mayor medida de lo que era posible en la Edad Media.

En literatura, la epopeya fue considerada la forma más alta, por la razón expresada por Samuel Johnson en su Life of John Milton: “Por el consentimiento general de los críticos, la primera alabanza al genio se debe al escritor de un poema epick, ya que requiere un conjunto de todos los poderes que son individualmente suficientes para otras composiciones “. Debajo de eso vinieron la poesía lírica y la poesía cómica, con un ranking similar para el drama. La novela tardó mucho tiempo en establecer un lugar firme en la jerarquía, y lo hizo solo cuando la creencia en cualquier jerarquía sistemática de formas expiró en el siglo XIX.

En música, los ajustes de las palabras recibieron un estatus más elevado que las obras meramente instrumentales, al menos hasta el período barroco, y la ópera retuvo un estado superior por mucho más tiempo. El estado de los trabajos también varía según la cantidad de jugadores y cantantes involucrados, con los de las grandes fuerzas, que sin duda son más difíciles de escribir y más costosas de realizar, dado un estatus superior. Sin embargo, cualquier elemento de la comedia redujo el estado de una obra, como en otras formas de arte, a menudo aumentando su popularidad.

Interpretación:
De acuerdo con el concepto académico, las pinturas de “género” se encontraban en el nivel más bajo, porque eran meramente narrativas, imprimían arte, sin ningún intento de moralidad y edificación. Esta pintura de género, aunque perfecta en estilo y diseño, se jactó solo por la habilidad, el ingenio e incluso el humor, pero nunca se consideró arte elevado.

La vida moderna (eventos modernos, modales, vestimenta, apariencia) se consideraba incompatible con el estilo elevado, y solo un pasado idealizado podía servir como un tema adecuado, noble y relevante. (En consecuencia, el cuerpo ordinario tampoco sirvió como objeto de representación; solo los cuerpos bellos e ideales se pintaron de forma antigua).

Los teóricos del arte académico creían que esta jerarquía estaba justificada, ya que reflejaba la posibilidad inherente de impacto moral para cada uno de los géneros. Entonces, por ejemplo, un artista entregará una moralidad mucho más efectiva a través de un lienzo histórico, luego un retrato o una pintura de género, que a través de un paisaje o naturaleza muerta. Además, los maestros de la antigüedad y el Renacimiento creían que la forma más elevada de arte es la imagen de una figura humana. Por lo tanto, un paisaje o naturaleza muerta, donde una persona no fue retratada, es de hecho una forma más “baja” del género. Finalmente, el sistema de la jerarquía académica refleja el valor potencial de cada uno de los lienzos: una pintura histórica grande es el género más adecuado y conveniente para un orden estatal, luego un retrato, un género doméstico y un paisaje, y las naturalezas muertas suelen ser superficial y se realizan para interiores personales.

Razones:
Andrei Aleksandrovich Karev escribe: “La conciencia de la variedad de género de la pintura como una propiedad de la cultura del Nuevo Tiempo en las condiciones de la Ilustración era, en cierta medida, análoga a la gravitación al conocimiento enciclopédico, y por lo tanto a la misma cognición multidimensional del mundo. El crecimiento de la especialización sin la pérdida del universalismo en general es una característica preciosa de este tiempo, que permitió ver simultáneamente lo pequeño y lo grande, lo particular y lo universal, y finalmente lo humano y lo divino. el punto de vista único sobre este u otro objeto no contradice en absoluto la imagen general del universo, aunque no le atraía directamente, como en la época del Barroco. El interés en la multiplicidad de la multiplicidad del ser se reemplaza por la atención al sus facetas separadas, que tienen una belleza independiente y, en consecuencia, valor. [La Academia de las Artes de Rusia] no pudo evitar reaccionar ante este proceso y, sin esperar la aparición de las solicitudes apropiadas en el entorno de los clientes, se abrieron una por una clases, en las que se enseñaron las características del trabajo en un género en particular ”

Impacto:
Este sistema jerárquico, basado en las tradiciones del arte griego y romano, resumidas durante el Renacimiento italiano, fue utilizado por las academias como base para la concesión de premios y becas, así como también como un sistema de reunión en exposiciones públicas (Salones). También tuvo un impacto significativo en el valor estimado de las obras de arte.

La academia francesa tuvo concursos Grand y Petits Prix respectivamente en dos direcciones. Por lo tanto, los premios más altos se otorgaron a priori a trabajos en el género histórico, una práctica que causó mucho descontento entre los estudiantes. Esta jerarquía inflexible causó mucho descontento entre artistas famosos, lo que eventualmente llevó a socavar la autoridad de las academias. Además, por el bien del prestigio, algunos pintores intentaron escribir grandiosas pinturas históricas, que no resultaron en absoluto. Si el artista tenía un retratista en lugar de un pintor histórico, el fracaso podría haberle causado un trauma.

Retrato:
Curiosamente, el lugar oprimido del retrato en esta jerarquía. En la reseña del Salón de 1791 fue posible leer: “El pintor histórico, que debe imitar la naturaleza en todos sus aspectos, debe ser capaz de escribir retratos. Sin embargo, un retrato no puede considerarse un género independiente”.

Kathrmer de Kensi, uno de los teóricos más influyentes del clasicismo, consideró el género de retratos tan bajo que ni siquiera le prestó especial atención: “No hay nada más limitado que el placer que se obtiene al contemplar un retrato. Aparte del interés que le da al retrato el afecto y el talento personal o público del artista, entonces es obvio que la mente y la imaginación casi no están involucradas en este tipo de imitación. “El placer obtenido del retrato no se puede comparar con el placer estético , cuyo logro es el objetivo de las bellas artes. El retrato muestra lo que realmente existe, mientras que “el gran arte, con la ayuda de lo que es, debe representar lo que en realidad no existe, debe mostrar el ideal”.

Los críticos, sin embargo, admitieron la inevitabilidad de la existencia de un retrato histórico, que, en su profunda convicción, solo puede ser creado por un pintor histórico. “Son ellos, los pintores históricos, quienes pueden escribir un retrato real”. Acerca de los retratos históricos a menudo se escriben en las reseñas de las exposiciones, a veces se consideran inmediatamente después de la imagen histórica. Acerca de los retratos de individuos (que cada año se vuelven más y más) prefieren no mencionarlos o simplemente listarlos por sus nombres, sin comentar en absoluto. Comprender el retrato como una especie de complemento de la imagen histórica fue muy común. Esto fue escrito no solo por los bien conocidos seguidores del clasicismo de Kathrmer de Kensi, Delescluze, sino también por los críticos de la próxima generación, cuyos puntos de vista estéticos eran más flexibles

Arte renacentista:
La jerarquía surgió de la lucha para ganar la aceptación de la pintura como una de las artes liberales, y luego las controversias para establecer un estatus igual o superior dentro de ellos con la arquitectura y la escultura. Estos temas fueron considerados de gran importancia por los teóricos de los artistas como Leon Battista Alberti, Leonardo da Vinci y Giorgio Vasari. Contra los escultores, Leonardo argumentó que el esfuerzo intelectual necesario para crear una ilusión de tridimensionalidad hizo que el arte de los pintores fuera superior al del escultor, que podía hacerlo simplemente grabando apariencias. En su De Pictura (“Acerca de la pintura”) de 1441, Alberti argumentó que la pintura de historia de múltiples figuras era la forma más noble de arte, por ser la más difícil, que requería dominio de todas las demás, porque era una forma visual de la historia. y porque tenía el mayor potencial para mover al espectador. Puso énfasis en la capacidad de representar las interacciones entre las figuras por gesto y expresión.

Los teóricos del Renacimiento temprano y alto aceptaron la importancia de representar la naturaleza de cerca, al menos hasta los escritos posteriores de Miguel Ángel, que fue fuertemente influenciado por el neoplatonismo. Para los teóricos manieristas como Gian Paolo Lomazzo y Federico Zuccari (ambos también pintores), esta era una prioridad mucho menor. Ambos enfatizaron la belleza como “algo que fue directamente infundido en la mente del hombre desde la mente de Dios, y existió allí independientemente de cualquier impresión sensorial”, una visión destinada a reducir aún más el estado de las obras dependiendo del realismo. En la práctica, la jerarquía representaba una pequeña ruptura con el pensamiento medieval y clásico, excepto para colocar la pintura de historia secular en la misma clase que el arte religioso, y para distinguir (no siempre claramente) entre temas religiosos icónicos estáticos y escenas de figuras narrativas, dando a este último estado más alto. Las ideas de decoro también se incorporaron a la jerarquía; temas o tratamientos cómicos, sórdidos o meramente frívolos clasificados como inferiores a los elevados y morales.

Durante el paisaje renacentista, las escenas de género y las naturalezas muertas apenas existían como géneros establecidos, por lo que la discusión sobre el estado o importancia de los diferentes tipos de pintura se refería principalmente a temas de historia y retratos, inicialmente pequeños y sin pretensiones, y religiosos icónicos tipo retrato y temas mitológicos. Para la mayoría de los artistas, era necesario un compromiso con el realismo en un retrato; pocos podrían tomar el enfoque prepotente de Miguel Ángel, que ignoró en gran medida la apariencia real de los Medici en sus esculturas de la Capilla Medici, supuestamente diciendo que en mil años nadie sabría la diferencia (una réplica que también se dice que usó Gainsborough, con un marco de tiempo más corto).

Muchos retratos eran extremadamente favorecedores, lo que podría justificarse apelando al idealismo, así como a la vanidad del modelo; el teórico Armenini afirmó en 1587 que “se considera que los retratos de artistas excelentes están pintados con un mejor estilo [maniera] y una mayor perfección que otros, pero la mayoría de las veces son menos buenos retratos”. Por otro lado, la cantidad de asistentes a la corte y sus padres, pretendientes o cortesanos se quejaron de que los pintores no le hicieron justicia a la realidad de la modelo.

La cuestión del decoro en el arte religioso se convirtió en el foco del intenso esfuerzo de la Iglesia católica después de los decretos sobre el arte del Concilio de Trento de 1563. Se atacaron pinturas que representan acontecimientos bíblicos como si estuvieran ocurriendo en los hogares de ricos italianos contemporáneos. pronto cesó. Hasta el desafío de Caravaggio a fines de siglo, el arte religioso se hizo completamente ideal.

Arte de los siglos XVII y XVIII:
Los nuevos géneros del paisaje, la pintura de género, la pintura animal y la naturaleza muerta se hicieron evidentes en el siglo XVII, con el cese virtual de la pintura religiosa en los países protestantes y la expansión de la compra de cuadros a la clase media próspera. Aunque se produjeron desarrollos similares en todos los países avanzados de Europa, fueron más evidentes en las escuelas enormemente productivas de la pintura de la Edad de Oro holandesa y la pintura barroca flamenca. Sin embargo, ningún teórico surgió para defender los nuevos géneros, y la relativamente pequeña cantidad de escritos teóricos holandeses, de Karel van Mander, Samuel Dirksz van Hoogstraten, Gerard de Lairesse y otros, se contentaron en su mayoría con reformular los puntos de vista italianos, para que sus escritos parezcan extrañamente en desacuerdo con el arte holandés que en realidad se produce en su día.

La jerarquía fue aceptada mayoritariamente por artistas, e incluso especialistas en el género como Jan Steen, Karel Dujardin y Vermeer produjeron algunas pinturas de historia, que fueron mejor pagadas cuando se podían obtener comisiones, pero en general eran mucho más difíciles de vender. La desdichada historia de la última comisión de historia de Rembrandt, La conspiración de Claudio Civilis (1661), ilustra tanto su compromiso con la forma como las dificultades que tuvo para encontrar una audiencia. En Flandes, además de grandes cantidades de obras de género puro, hubo una tendencia hacia las pinturas de historia con un elemento de género principal, ya fueran animales, paisajes o naturalezas muertas. A menudo los diferentes elementos fueron pintados por diferentes artistas; Rubens y Frans Snyders a menudo cooperaron de esta manera.

El tamaño de las pinturas y, muy a menudo, los precios que percibieron, tendieron a reflejar cada vez más su posición en la jerarquía en este período. Hasta el período romántico, el precio y la venta de lo que esencialmente eran paisajes se podían incrementar agregando pequeñas figuras mitológicas o religiosas, creando un paisaje con …, una práctica que se remonta a los inicios de la pintura de paisajes en los paisajes flamencos de Joaquín. Patinir a principios del siglo XVI. La pintura barroca flamenca fue la última escuela en pintar a menudo los géneros más bajos en gran tamaño, pero por lo general combinados con temas de figuras.

El pintor británico Sir Joshua Reynolds en sus Discursos de los años 1770 y 1780, reiteró el argumento de la naturaleza muerta en la posición más baja de la jerarquía de géneros argumentando que interfería con el acceso del pintor a formas centrales, esos productos de la generalización de la mente potestades. En la cumbre reinaba la pintura de historia, centrada en el cuerpo humano: la familiaridad con las formas del cuerpo permitía a la mente del pintor, al comparar innumerables instancias de la forma humana, abstraer de ella las características típicas o centrales que representaban la esencia del cuerpo o ideal

Aunque Reynolds estuvo de acuerdo con Félibien sobre el orden natural de los géneros, sostuvo que una obra importante de cualquier género de pintura podría producirse bajo la mano del genio: “Ya sea la figura humana, un animal o incluso objetos inanimados, hay no es nada, aunque poco prometedor en apariencia, sino que puede elevarse a la dignidad, transmitir sentimiento y producir emoción, en las manos de un pintor de genio. Lo que se dijo de Virgil, que arrojó incluso el estiércol sobre el suelo con un aire de dignidad, se puede aplicar a Tiziano; cualquier cosa que tocó, aunque naturalmente significa, y habitualmente familiar, por un tipo de magia que él invirtió con grandeza e importancia “.

Aunque las academias europeas generalmente insistieron estrictamente en esta jerarquía, durante su reinado, muchos artistas pudieron inventar nuevos géneros que elevaron los temas inferiores a la importancia de la pintura histórica. El propio Reynolds logró esto inventando el estilo de retratos que se llamaba Grand Manner, donde elogiaba a sus modelos comparándolos con personajes mitológicos. Jean-Antoine Watteau inventó un género que se llamaba fêtes galantes, donde mostraba escenas de diversiones cortesanas que tenían lugar en un ambiente arcadiano; éstos a menudo tenían una cualidad poética y alegórica que se consideraba que los ennoblecía.

Claude Lorrain practicó un género llamado el paisaje ideal, donde una composición se basa libremente en la naturaleza y salpicada de ruinas clásicas como escenario de un tema bíblico o histórico. Combina ingeniosamente la pintura del paisaje y la historia, legitimando así la primera. Es sinónimo del término paisaje histórico que recibió el reconocimiento oficial en la Académie française cuando se estableció un Prix de Rome para el género en 1817. Finalmente, Jean-Baptiste-Siméon Chardin pudo crear pinturas de bodegones que se consideraban tenían el encanto y belleza como para situarse junto a los mejores sujetos alegóricos. Sin embargo, consciente de esta jerarquía, Chardin comenzó a incluir figuras en su trabajo alrededor de 1730, principalmente mujeres y niños.

Siglo 19:
El romanticismo aumentó en gran medida el estado de la pintura de paisaje, comenzando en el arte británico y más gradualmente en la pintura de género, que comenzó a influir en la pintura de historia en los tratamientos anecdóticos del trovador de estilo en Francia y tendencias equivalentes en otros lugares. Los paisajes crecieron en tamaño para reflejar su nueva importancia, a menudo coincidiendo con las pinturas de historia, especialmente en la Escuela Americana del Río Hudson y la pintura rusa. Las pinturas de animales también aumentaron en tamaño y dignidad, pero el retrato de cuerpo entero, incluso de la realeza, se volvió mayoritariamente reservado para grandes edificios públicos.

Hasta mediados del siglo XIX, las mujeres no podían pintar cuadros de historia, ya que no se les permitía participar en el proceso final de formación artística: el del dibujo de la vida, para proteger su modestia. Podrían trabajar desde relieves, grabados, moldes y desde los Viejos Maestros, pero no desde el modelo desnudo. En cambio, se los alentó a participar en las formas de pintura inferiores, tales como retratos, paisajes y géneros. Estos fueron considerados más femeninos ya que apelaban al ojo en lugar de a la mente.

Hacia finales del siglo XIX, pintores y críticos comenzaron a rebelarse contra las numerosas reglas de la Académie française, incluido el estatus otorgado a la pintura de historia, que comenzaba a ser comprada principalmente por organismos públicos de un tipo u otro, como compradores privados. sujetos preferidos de abajo en la jerarquía. En Gran Bretaña, el movimiento Prerrafaelita intentó revitalizar la pintura histórica, con éxito mixto; otros movimientos hicieron esfuerzos similares. Muchos prerrafaelistas terminaron sus carreras principalmente pintando otros temas. Los nuevos movimientos artísticos incluían a los realistas y los impresionistas, cada uno de los cuales buscaba representar el momento presente y la vida cotidiana según lo observado por el ojo, y desapegado de la importancia histórica; los realistas a menudo escogían la pintura de género y la naturaleza muerta, mientras que los impresionistas con mayor frecuencia se centraban en los paisajes.

Por el momento, los descendientes valoran los lienzos de bajo género, en particular, los retratos y las escenas de la vida, mientras que la pintura académica histórica en la mayoría de los casos parece aburrida y poco atractiva. Surgieron nuevas tendencias artísticas: el realismo y el impresionismo posterior se interesaron en representar la vida cotidiana y el momento actual.