장르의 계층 구조 란 명성과 문화적 가치 측면에서 예술 형식에 따라 다른 장르를 부여하는 형식화입니다. 가장 잘 알려진 계층 구조는 17 세기와 현대 시대의 유럽 아카데미에 의해 지원되었으며, 그 중 회화 장르의 경우 학술적 예술에서 중심 역할을 한 프랑스 아카데미를 개최 한 계층 구조가 사용되었습니다.

르네상스 시대 이후로 계속해서 이어지는 그림의 미학에 대한 논쟁은 알레고리의 중요성에 기반을두고 있습니다. 선과 색과 같은 그림 요소가 궁극적 인 아이디어 나 주제를 전달하는 데 사용되었습니다. 이런 이유로 이상주의는 예술에서 채택되었으므로 자연적 형태가 일반화되고 차례로 예술 작품의 단일성에 종속된다. 목적은 보편적 진리를 자연의 모방을 통해 전하는 것이 었습니다.

앙드레 펠리 비엔 (Antré Félibien)은 프랑스 고전주의의 이론가로, 학술회의 프롤로그에서 “역사, 인물, 풍경, 바다 풍경, 꽃과 과일”이라는 그림 테마로 고전 그림을 체계적으로 정리합니다. 역사 페인팅은 큰 장르에서 고려되었으며 종교, 신화, 역사, 문학 또는 비 유적 주제의 그림이 포함되었습니다. 그들은 삶에 대한 어떤 해석을 구현하거나 지적 또는 도덕적 메시지를 전달했습니다. 고대 신화의 신들과 여신들은 인간 심리의 다양한 양상을 나타내었고, 종교적 인물들은 다양한 관념을 대표했으며 역사는 다른 출처와 마찬가지로 변증 법적 변증법이나 사상의 게임을 대표했다. 오랜 시간 동안, 특히 프랑스 혁명 기간 동안 역사 그림은 종종 영웅적 남성 누드의 표현에 초점을 두었습니다. 이것은 19 세기에 감소했다.

이 계층을 기반으로 다음 장르가 가장 높은 것부터 가장 작은 것까지 분류됩니다.
역사적으로 중요하고 종교적이며 신화 적이며 우화적인 주제를 포함한 역사 그림
장르 장면 (장르 또는 장르) : 일상 생활 장면을 표현합니다.
초상화 그림
동물 그림
정물

아카데미에 따르면 초상화, 풍경, 정물은 도덕적 인 힘이나 예술적 상상력이없이 외부 물체를 단순하게 표현했기 때문에 열등했습니다. 스타일이 이상적도 아니고 주제도 높지 않은 장르의 그림은 그 기술, 독창성, 심지어는 유머에도 감탄했지만 결코 위대한 예술과 혼동하지 않았습니다. 장르의 계층 구조는 형식의 계층 구조와도 일치합니다 : 역사 그림을위한 대형 포맷, 정지 수명을위한 소형 포맷.

아카데미에 따르면 화가는 인간이 가장 완벽하게 작동하는 하나님을 모방하고 인물 집단을 보여주고 역사와 우화의 주제를 선택해야합니다. 펠리 비엔은 “역사가들처럼 훌륭한 역사를 보여 주거나 시인들과 같은 사람들을 기쁘게하는 사람들”이라고 쓰고, 심지어는 더 높은 등반을하고 우화의 베일 아래에서 위인들의 미덕과 가장 고귀한 신비를 숨길 수 있어야한다고 펠리 비앙은 썼다 .

이 용어는 주로 회화 분야에서, 그리고 높은 르네상스 시대 이후부터는 회화가 예술의 가장 높은 형태라고 주장한시기였다. 이것은 중세 예술의 경우는 아니었고 사회의 예술 시운전 부문은이 견해를 완전히 받아들이는 데 상당한 기간이 걸렸다. Raphael Cartoons은 16 세기 가장 비싼 형태의 예술 인 태피스트리의 지속적인 지위에 대한 분명한 예입니다. 초기 중세 시대에는 화려한 금속 조각이 일반적으로 가장 높이 평가되었으며 귀중한 재료는 적어도 17 세기까지 예술 감상에 중요한 요소로 남아있었습니다. 19 세기가 될 때까지 가장 화려했던 오브제의 예술은 새로운 그림과 예술 시장 모두에서 약간의 그림을 제외하고는 훨씬 비쌌습니다. 개개의 예술가의 최고 기술을 중시했던 고전 문학은 영향력이 있었으며, 르네상스 예술가가 중세 시대에 가능했던 것보다 더 높은 수준의 기술과 발명을 선보일 수있게 해주는 예술 발전의 영향을 받았습니다.

문학에서 서사시는 존 밀턴 (John Milton)의 생애에서 사무엘 존슨 (Samuel Johnson)이 표현한 이유에서 가장 높은 형태로 간주되었습니다. “비평의 일반적인 동의에 따라 천재에 대한 첫 번째 칭찬은 에픽시의 작가에 의한 것입니다. 다른 작곡에 단독으로 충분한 모든 힘의 집합이 필요합니다. ” 그 밑에는 서정시와 희극 시가 드라마와 비슷한 순위로 나왔습니다. 소설은 19 세기에 만료 된 형태의 체계적인 계층 구조에 대한 신념으로서 만 그러 하듯이, 계층 구조에 확고한 자리를 정하는데 오랜 시간이 걸렸다.

음악에서 단어의 설정은 적어도 바로크 시대까지 악기 연주보다 높은 지위를 부여 받았으며 오페라는 훨씬 더 오랫동안 우수한 지위를 유지했습니다. 작품의 지위는 관련된 선수와 가수의 수에 따라 달라지며, 더 높은 지위를 부여 받으면 수행하기가 더 어렵고 비용이 많이 드는 대형 군대의 경우와 함께 다릅니다. 코미디의 요소는 다른 예술 형식과 마찬가지로 작품의 상태를 줄였으며 종종 인기를 높였습니다.

해석:
학문적 개념에 따르면, “장르”그림은 도덕과 교화에 대한 어떤 시도도하지 않고 단지 내러티브, 각인 예술 이었기 때문에 가장 낮은 수준에있었습니다. 이 장르의 그림은 비록 스타일과 디자인면에서 완벽 함에도 불구하고 기술, 독창성, 유머 감각을 자랑하지만 결코 높은 예술로 간주되지 않았습니다.

현대 생활, 즉 현대의 사건, 예절, 옷, 외모 등은 높은 스타일과 양립 할 수없는 것으로 여겨졌 고, 이상화 된 과거 만이 적합하고 고귀하며 관련있는 주제로 작용할 수있었습니다. (따라서, 평범한 몸체도 묘사의 대상이되지 못했습니다. 아름답고 이상적인 몸체 만 골동품으로 그렸습니다.)

학계의 이론가들은이 장르가 각 장르에 대한 도덕적 영향의 고유 한 가능성을 반영했기 때문에이 계층 구조가 정당하다고 믿었습니다. 예를 들어, 예술가는 풍경이나 정물을 통하는 것보다 역사적인 캔버스, 인물 사진 또는 장르 그림을 통해 훨씬 더 효과적인 도덕성을 전달할 것입니다. 또한, 고대와 고대 르네상스의 주인공은 가장 높은 형태의 예술은 인간 형상의 이미지라고 믿었습니다. 따라서 사람이 묘사되지 않은 풍경이나 정물은 실제로는 장르의 “낮은”형태입니다. 마지막으로, 학업 계층의 시스템은 각 캔버스의 잠재적 가치를 반영합니다. 큰 역사적인 그림은 주 교과서, 초상화, 가계 장르 및 경관을위한 가장 적합하고 편리한 장르이며 여전히 평생은 보통입니다 얕은이며 개인 인테리어 수행됩니다.

원인:
Andrei Aleksandrovich Karev는 다음과 같이 썼다 : “계몽의 조건에서 새로운 시간의 문화의 속성으로서의 장르의 다양성에 대한 인식은 어느 정도까지는 백과 사전 지식에 대한 중력과 유사하므로 동일한 다차원인지 보편주의를 상실하지 않는 전문성의 성장은이 시간의 귀중한 특징이며, 크고 작은 보편적 인 보편적 인 보편적 인 마침내 인간과 신의 모습을 동시에 볼 수있게 해줍니다. 이 또는 그 대상에 대한 독특한 시각은 바로크 시대와 마찬가지로 우주의 일반적인 이미지와 모순되지 않았지만, 바로크 시대와 마찬가지로 직접적으로 호소하지는 않았다. 존재의 다양성에 대한 관심은 독립적 인 아름다움과 그에 따른 가치를 지닌 독립된 패싯이 있습니다. [Russian] Arts Academy of Arts는이 과정에 도움을 줄 수는 없지만 출현을 기다리지 않고 고객의 환경에서 적절한 요청을 한 클래스에 하나씩 열어 특정 장르에서 일의 특징을 가르쳤다 ”

충격:
그리스와 로마 예술의 전통을 바탕으로 한이 계층 적 체계는 이탈리아 르네상스 시대에 요약되어 학회에서 상과 장학금 수여의 기반으로 사용되었으며 공공 전시회 (Salons)에서 수거하는 시스템으로 사용되었습니다. 또한 예술 작품의 예상 가치에 상당한 영향을 미쳤다.

프랑스 아카데미는 Grand & Petits Prix 경연 대회를 각각 두 가지 방향으로 개최했습니다. 따라서 가장 높은상은 역사적인 장르의 작품에 선험적으로 주어졌으며, 이는 학생들에게 많은 불만을 안겨주었습니다. 이 유연하지 못한 계층 구조로 인해 유명한 예술가들 사이에서 많은 불만이 생겨 결국 아카데미의 권위가 훼손되었습니다. 또한 명성을 기하기 위해 일부 화가들은 웅장한 역사적인 그림을 그리는 시도를했으며 이는 전혀 드러나지 않았습니다. 작가가 역사 화가가 아닌 초상가를 가진다면 실패로 인해 외상이 생길 수 있습니다.

초상화:
호기심,이 계급에있는 초상화의 억압 된 장소. 1791 년 살롱을 검토 한 결과, “모든 측면에서 자연을 모방해야하는 역사적인 화가는 초상화를 쓸 수 있어야하지만 초상화는 독립적 인 장르로 간주 될 수 없습니다.”라고 읽을 수있었습니다.

고전주의의 가장 영향력있는 이론가 중 한 명인 Kathrmer de Kensi는 초상 장르를 너무 낮게 고려하여 특별한주의를 기울이지 않았습니다. “초상화를 심사숙고하는 것에서 얻을 수있는 즐거움보다 더 제한된 것은 없습니다. 초상화의 개인적 또는 대중적 애정과 예술가의 재능을 부여하는 흥미를 제외하고는 마음과 상상력이 이런 종류의 모방에 거의 관여하지 않는다는 것이 명백합니다. “초상에서 얻은 즐거움은 심미적 쾌락과 비교 될 수 없습니다 , 그 업적은 미술의 목표입니다. 초상화는 실제로 존재하는 것을 보여주고, “위대한 예술은 실제로 존재하지 않는 것을 묘사해야하는 것의 도움을 받아 이상을 보여 주어야합니다.”

그러나 비평가들은 역사적인 초상화의 존재가 필연적이라는 것을 인정했다. 그들의 깊은 확신은 역사적인 화가에 의해서만 만들어 질 수있다. “그들은 진짜 초상화를 쓸 수있는 역사 화가들입니다.” 역사적인 초상화는 종종 전시회의 리뷰에 쓰여지는데, 때로는 역사적인 그림 바로 다음에 고려됩니다. 개인의 초상화 (매년 점점 더 많아짐)는 전혀 언급하지 않고 언급하거나 단순히 이름으로 나열하는 것을 선호하지 않습니다. 인물 사진을 역사적인 그림을 보완하는 것으로 이해하는 것은 매우 일반적입니다. 이것은 Kathrmer de Kensi, Delescluze의 고전주의의 유명한 지지자뿐만 아니라 미적 견해가보다 유연한 차세대 비평가들에 의해 작성되었습니다

르네상스 예술 :
계급은 교양을 수용하기위한 투쟁에서 비롯되었으며, 교양과 조각으로 그 안에서 동등하거나 우월한 지위를 확립한다는 논쟁이있었습니다. 이러한 문제는 Leon Battista Alberti, Leonardo da Vinci, Giorgio Vasari와 같은 예술가 이론가들에게 매우 중요한 것으로 간주되었습니다. 조각가들에 대하여, 레오나르도는 3 차원 성의 환상을 창조하는데 필요한 지적 노력이 화가의 예술을 조각가의 예술보다 우월하게 만들었다 고 주장했다. 조각가의 예술은 외관을 기록함으로써 그렇게 할 수 있었다. 알베르티 (Alberti)는 1441 년의 <그림에 대하여> (De Pictura)에서 다 인물 역사 페인팅은 역사상 시각적 인 형식 이었기 때문에 다른 모든 것에 대한 숙달이 가장 어려운 것으로서 가장 고귀한 예술 형식이라고 주장했다 그리고 뷰어를 이동할 가능성이 가장 높기 때문에 그는 제스처와 표현을 통해 인물 간의 상호 작용을 묘사하는 능력에 중점을 두었습니다.

초기 르네상스 시대와 높은 르네상스 시대의 이론가들은 최소한 신 플라톤주의에 의해 강하게 영향을받은 미켈란젤로 (Michelangelo)의 후기 저서까지 자연을 긴밀히 대표하는 중요성을 인정했다. Gian Paolo Lomazzo와 Federico Zuccari (둘 다 화가들)와 같은 매너 론적 이론가들에 의해, 이것은 훨씬 덜 우선 순위였습니다. 두 사람 모두 아름다움을 “하나님의 마음에서 사람의 마음 속에 직접적으로 주입 된 것으로, 어떤 감각과도 독립적으로 존재했다”는 사실을 현실주의에 의존하는 작품의 상태를 더 줄이기위한 관점으로 강조했다. 실제로 계급은 중세와 고전적 사고를 거의하지 못했지만, 세속적 인 역사 그림을 종교 예술과 동일한 계급에 배치하고 정적 인 상징적 인 종교 주제와 내러티브 그림 장면을 구별하기 (항상은 아니지만)하여 후자에게 높은 지위. 예의 범절의 아이디어는 또한 계층 구조로 공급된다. 희극, 독선적 인 또는 단순한 경솔한 과목 또는 치료는 고상하고 도덕적 인 것보다 낮게 평가되었습니다.

르네상스 시대에는 장르와 정물이 확립 된 장르로 거의 존재하지 않았기 때문에 다양한 그림 유형의 지위 나 중요성에 대한 논의는 주로 역사 대상과 관련하여 초기에는 작고 소박한 초상화 형식의 종교 및 신화적인 주제. 대부분의 예술가들에게는 현실주의에 대한 어떤 의지가 초상화에서 필요했습니다. Medici Chapel 조각상에서 Medici의 실제 모습을 거의 무시한 Michelangelo의 고수준 접근법을 취할 수있는 사람은 거의 없었습니다. 천년 동안 아무도 그 차이를 알 수 없을 것이라고 말했던 것입니다. (Gainsborough는 또한 사용했다고 말하지만, 짧은 기간으로).

많은 초상화가 극도로 아첨을했고, 이는 이상 주의자와 간병인의 허영심에 호소함으로써 정당화 될 수있었습니다. 이론가 인 아르메 니니 (Armorini)는 1587 년에 “훌륭한 예술가들의 초상화는 다른 스타일보다 더 나은 스타일 (maniera)과 완성도로 그려지는 것으로 여겨지지만, 그렇지 않은 경우보다 적게 좋은 모양”이라고 주장했다. 한편, 많은 수의 법원 방문객과 그 부모, 구혼자 또는 법원은 화가가 시위자의 현실을 완전히 판단하지 못했다고 불평했다.

종교 예술에 대한 예의 범절의 문제는 1563 년 트렌트 협의회의 예술에 관한 법령 이후 가톨릭 교회의 과감한 노력의 초점이되었습니다. 부유 한 동시대 이탈리아 인 가정에서 일어나는 것처럼 성서적 사건을 묘사 한 그림이 공격 받았고 곧 멈췄다. 세기 말에 카라 베조 (Caravaggio)의 도전에 이르기까지 종교 예술은 철저히 이상적이었습니다.

17 세기와 18 세기 예술 :
풍경, 장르 그림, 동물 그림 및 정물의 새로운 장르는 개신교 국가에서 종교적 그림의 가상 중단과 번영하는 중산층으로의 그림 구매 확대로 인해 17 세기에 독자적으로 등장했습니다. 비슷한 발전이 모든 선진 유럽 국가에서 발생했지만 네덜란드 Golden Age 그림과 플란더스 바로크 그림의 엄청난 생산력을 자랑하는 학교에서 가장 분명했습니다. 그러나 카렐 판만더, 사무엘 더크 스 호프 스트라 텐, 제라드 데 라이 레스 (Gerard de Lairesse)와 같은 다른 네덜란드 이론 학자들의 글은 새로운 장르를 옹호하는 이론가가 출현하지 않았고, 대부분 이탈리아의 견해를 다시 표현할 수있는 내용 이었기 때문에 그들의 글을 볼 수있다. 기이하게도 그들의 날에 실제로 생산되는 네덜란드 예술과의 차이에.

그 계층 구조는 주로 예술가들에 의해 받아 들여지고 Jan Steen, Karel Dujardin, Vermeer와 같은 장르 전문가조차도 커미션을 얻을 수있을 때 더 나은 보수를 받았지만 일반적으로 판매하기는 훨씬 더 어려웠던 몇 개의 역사 그림을 제작했습니다. 렘브란트의 마지막 역사위원회의 불행한 역사, Claudius Civilis (1661)의 음모는 그가 청중을 찾는 데있어 어려움과 형태에 대한 헌신을 보여줍니다. 플랑드르에서는 순수한 장르 작품뿐만 아니라 동물, 풍경 또는 정물과 같은 주요 장르 요소를 가진 역사 그림을 향한 추세가있었습니다. 종종 다른 요소들은 다른 예술가들에 의해 그려졌다. Rubens와 Frans Snyders는 종종 이런 방식으로 협력합니다.

그림의 크기, 그리고 종종 그들이 깨달은 가격은이시기의 계층 구조에서의 위치를 ​​반영하는 경향이 커졌습니다. 낭만주의 기간까지 근본적으로 풍경이었던 것의 가격과 판매 가능성은 작은 신화 적 또는 종교적 인물을 추가하고 조랑말의 플랑드르 세계 풍경에서 풍경화의 시작으로 돌아가는 관습을 창조함으로써 증가 될 수 있습니다 Patinir는 16 세기 초반에 나타났습니다. 플랑드르 바로크 양식은 종종 가장 낮은 장르를 큰 크기로 칠하는 마지막 학교 였지만 일반적으로 피겨 주제와 결합되었습니다.

영국 화가 조슈아 레이놀즈 경 (Sir Joshua Reynolds)은 1770 년대와 1780 년대의 담론에서 정물에 대한 접근을 방해 한 장르의 계층 구조에서 가장 낮은 순위에 대한 정물에 대한 논거를 되풀이했다. 힘. 정상 회담에서 인물 중심의 역사 그림을 들었습니다. 신체 형태에 익숙하면 화가의 마음이 무수히 많은 인간 형태를 비교하여 신체의 본질을 대표하는 전형적 또는 중심적 특징을 추상화했습니다. 또는 이상.

Reynolds는 장르의 자연스런 질서에 대해 Félibien과 동의했지만, 어떤 장르의 그림에서나 중요한 작품은 천재의 손에 의해 만들어 질 수 있다고 주장했다. “그것은 인물이든, 동물이든, 또는 무생물이든간에 외관상 의문을 품지는 않지만 아무것도 아니지만 천재 화가의 손에 감정을 전달하고 감정을 전달할 수있다. 버질에 대해 말한 것은 그가 땅에 똥을 던져 버렸다고했다. 존엄성은 티티 아니 (Titian)에게도 적용될 수 있지만 그가 만진 것은 무엇이든 자연스럽고 친숙 함을 의미합니다.

유럽의 아카데미는 대개 엄격히이 계층 구조를 주장했지만, 많은 예술가들이 새로운 장르를 창안하여 더 낮은 과목에 역사 그림의 중요성을 부각시켰다. 레이놀즈 자신은 그랜드 매너 (Grand Manner)라고 불리는 초상화 스타일을 발명하여이를 달성했습니다. Jean-Antoine Watteau는 fêtes galantes라고 불리는 장르를 발명했으며, 거기에서 그는 아카디아 지역에서 일어난 정중 한 오락 장면을 보여줄 것입니다. 이들은 종종 시적이며 우화적인 품질을 지니고있어 그것을 고독하게 여겼다.

클로드 로레인 (Claude Lorrain)은 이상적인 풍경이라는 장르를 선보였습니다.이 장르는 자연을 바탕으로 느슨하게 구성되어 있으며 성서적 또는 역사적 테마의 배경으로 고전 유적지가 점재되어 있습니다. 그것은 경치와 역사 페인팅을 artfully 결합하여 이전을 정당화합니다. Jean-Baptiste-Siméon Chardin은 1817 년에 장르에 대한 Prix de Rome이 설립되었을 때 Académie française에서 공식 인정을받은 역사적 풍경과 동의어입니다. Jean-Baptiste-Siméon Chardin은 매력과 아름다움이 가장 우화적인 주제와 함께 배치됩니다. 그러나이 계층 구조에 대해 잘 알고있는 샤르뎅은 주로 여성과 어린이들에 관한 1730 년경의 작품에서 인물을 포함하기 시작했습니다.

19 세기:
낭만주의는 영국 미술에서 시작하여 풍경화의 지위를 크게 높이고 프랑스의 스타일 트루 다르 (The Troubadour) 스타일의 일화에서 역사 페인팅에 영향을 미치기 시작한 장르 페인팅 (genre painting)을 점차적으로 증가시켰다. 풍경은 새로운 중요성을 반영하기 위해 크기가 커졌으며 특히 미국 허드슨 강 학교와 러시아 그림에서 역사 그림과 일치하는 경우가 많았습니다. 동물 그림은 크기와 위엄이 증가했지만 로열티가있는 전체 길이의 초상은 대부분 대형 공공 건물을 위해 보존되었습니다.

19 세기 중반이 될 때까지 여성들은 자신의 겸손을 보호하기 위해 삶의 그림을 그리는 마지막 과정에 참여할 수 없기 때문에 역사 그림을 그릴 수 없었습니다. 그들은 구호품, 지문, 캐스트 및 Old Masters에서 작업 할 수 있지만 누드 모델에서는 작업 할 수 없습니다. 대신 초상화, 풍경, 장르와 같은 더 낮은 그림 형식에 참여하는 것이 좋습니다. 이들은 마음보다 눈을 호소했다는 점에서 더 여성 스럽다고 여겨졌습니다.

19 세기 말 무렵 화가들과 비평가들은 역사적인 회화에 부여 된 지위를 포함하여 아카데미 프랑세즈의 많은 규칙들에 반항하기 시작했다.이 회화는 주로 공공 부문에서 개인 구매자로 구입하기 시작했다. 우선 순위가 낮은 계층부터 하위 계층까지. 영국에서 라파엘 전 (Pre-Raphaelite) 운동은 역사적인 회화를 활성화 시키려고 노력했다. 다른 운동들은 비슷한 노력을했습니다. 많은 라파엘 전 (Pre-Raphaelites)은 주로 다른 과목들을 그림으로 그린 ​​경력을 마감했습니다. 새로운 예술적 운동에는 현 시점과 일상 생활을 눈으로 관찰하고 역사적인 의미에서 벗어나지 못하게하는 현실 주의자와 인상파가 포함됩니다. 현실 주의자들은 종종 장르 회화와 정물을 선택하고, 인상주의자는 흔히 풍경에 초점을 맞 춥니 다.

현재 자손들은 낮은 장르의 캔버스, 특히 인물과 장면을 가치있게 여기는 반면, 대부분의 경우 학문적 인 역사적인 그림은 지루하고도 마음에 들지 않는 것처럼 보입니다. 현실주의와 후기 인상파라는 새로운 예술적 경향이 일상 생활과 현재 순간을 묘사하는 데 관심이있었습니다.