流派层次结构（Hierarchy of genres）是将艺术流派的高低层次形式化，从声望和文化价值的角度来看，它们以艺术的形式对不同的流派进行排序。最着名的等级体系得到了十七世纪和现代之间的欧洲学院的支持，在图像类型中，举办法兰西学院在学术艺术中起着核心作用。
关于绘画美学的争论，从文艺复兴以来，绘画美学的的形式增加，是基于讽喻的重要性：线条和色彩等绘画元素被用来传达一个最终的想法或统一的主题。因此，唯心主义在艺术中被采纳，自然形式将被推广，并且依附于艺术作品的统一。其目的是通过模仿自然来传播普遍的真理。
法国古典主义理论家安德烈·费利比安（AndréFélibien）在学院会议的序幕中以图画主题：“历史，肖像画，风景，海景，鲜花和水果”来编纂古典绘画。历史绘画被认为是一个大类，包括宗教，神话，历史，文学或寓言主题的绘画。它们体现了对生活的一些解读，或者带有智力或道德的信息。古代神话中的神仙女神代表了人类心灵的不同方面，宗教人物代表了不同的思想，历史与其他来源一样，代表了辩证法或思想游戏。长期以来，特别是在法国大革命时期，历史绘画往往集中在英雄男性裸体的表现上，尽管这个排名在19世纪变得没那么重要了。
根据这一理论，以下类型从最高贵到最不贵重：
历史绘画，包括历史上重要的，宗教，神话或寓言主题
场景绘画：代表日常生活中的场景。
肖像画
动物画
静物画
据学院介绍，画像，风景和静物是低劣的，因为它们是外在物体的简单表征，没有道德力量或艺术想象力。这种风格的绘画 – 既不是风格上的理想，也不是主体上的高尚 – 因其技巧，独创性甚至幽默而受到赞赏，但它从未与伟大的艺术相混淆。体裁的层次也与格式的等级对应：历史绘画的大格式，静物的小格式。
据学院介绍，画家应该模仿上帝，他的最完美的作品是人，并且展示了人物形象，选择了历史和寓言的主题。费利比恩写道，“它必须”像历史学家一样，代表着伟大的事件，或者像诗人，受欢迎的臣民;更高的攀登，能够隐藏伟人的美德和最崇高的奥秘。
这个术语主要用在绘画领域，从高级文艺复兴开始，到那时，绘画已经把自己定位为艺术的最高形式。中世纪的艺术并非如此，社会上的艺术委员会花了相当长的时间才完全接受这个观点。拉斐尔漫画是十六世纪最昂贵的艺术形式挂毯的持续状态的明显例子。在早期的中世纪时期，金属制品的奢侈品一般是最受重视的，至少在17世纪之前，有价值的材料仍然是欣赏艺术品的重要组成部分。直到19世纪为止，最奢侈的艺术品在艺术品市场上的价格仍然高于一些画作。重视个别艺术家最高技能的古典作品是有影响力的，以及艺术的发展使文艺复兴时期的艺术家能够展示他们的技能和发明的程度比中世纪通常可能的更大。
在文学中，史诗被认为是最高的形式，因为塞缪尔约翰逊在他的“约翰·米尔顿的生活”中所表达的理由：“在批评者的普遍赞同下，天才的第一个赞美是由于作为一个epick诗，因为它要求所有单独为其他作品充分的权力组合。“下面是抒情诗和漫画诗，与戏剧类似。这部小说花了很长时间在这个等级制度中建立了一个牢固的地位，只是因为相信任何一种系统的等级形式在十九世纪已经过期。
在音乐中，至少在巴洛克时期之前，言语环境比单纯的乐器作品要更高，而歌剧保持了更长时间的优越地位。作品的地位也随参与者和歌手的数量而变化，对于大部队来说也是如此，鉴于更高的地位，这些作品当然更难以书写，而且成本更高。喜剧中的任何因素都会降低作品的地位，但是，正如其他艺术形式一样，这种作品的普及程度也越来越高。
解释：
按照学术观念，“流派”画作是最低层次的，因为他们只是叙述，印艺，没有任何道德和教化的尝试。这种风格的绘画尽管在风格和设计上都很完美，但是它们的技巧，独创性，甚至是幽默都是吹嘘的，但从未被认为是高级艺术。
现代生活 – 现代事件，礼仪，衣着，外貌 – 被认为与高贵的风格不相容，只有理想化的过去才能成为一个适宜，高贵和相关的话题。 （因此，普通的身体也不能作为描绘的对象 – 只有美丽的，理想的身体被用古色古香的方式画出来）。
学术艺术理论家认为，这种等级制是合理的，因为它反映了每种类型的道德影响的内在可能性。所以，比如，一个艺术家将通过一幅历史画布，一幅肖像画或者风俗画，而不是一幅风景画或者一幅静物画来传递一种更有效的道德观。另外，古代和文艺复兴的大师们认为艺术的最高形式是人物的形象。因此，一个人没有被描绘的风景或静物，实际上是一种更“低”的体裁形式。最后，学术等级体系反映了每幅画布的潜在价值：一幅大型的历史画作是一个国家秩序的最适宜和便利的体裁，然后是一幅肖像画，一种家庭题材和一幅风景画 – 静物画通常浅而且被执行为个人内部。
原因：
安德烈·阿列克桑德罗维奇·卡列夫（Andrei Aleksandrovich Karev）写道：“在启蒙运动的条件下，对作为新时代文化属性的绘画风格的认识在一定程度上类似于对百科知识的引力，因此也具有相同的多维认知世界的专业化，没有普遍主义的失去一般的专业化的增长是这个时代的一个宝贵的特点，这使得它可以同时看到大小，特殊和普遍，最后是人和神。在这个或那个客体上的独特的观点根本不与宇宙的一般形象相抵触，尽管它并不像在巴洛克时代那样直接吸引它，对多样性的多样性的兴趣被关注其独立的方面，这是独立的美丽，因此，价值。[俄]艺术学院不能不对这个过程作出反应，而不等待出现在顾客的环境中提出适当的要求，逐一开设班级，在其中教授特定类型的工作特征“
影响：
在意大利文艺复兴时期，这种基于希腊罗马艺术传统的等级体系，被学院用作颁发奖品和奖学金的基础，以及在公共展览（沙龙）上悬挂的系统。它也对艺术品的估价有重大影响。
法国学院分别在两个方向分别举行了Grand和Petits Prix比赛。因此，最高奖项是以历史文体中的作品为先，这种做法引起了学生们的不满。这种僵化的等级制引起了知名艺术家的不满，最终导致了学院权威的破坏。此外，为了威望，有的画家试图写出宏伟的历史画，根本不是。如果艺术家有肖像画家而不是历史画家，那么失败可能会给他带来创伤。
肖像：
奇怪的是，在这个层次上的肖像被压迫的地方。在回顾“1791年沙龙”时，可以这样写道：“历史的画家，必须模仿自然的各个方面，必须能写肖像，但肖像不能被认为是一种独立的文体。
作为古典主义最有影响力的理论家之一，凯瑟尔·德·肯西（Kathrmer de Kensi）认为肖像画风格如此之低以致于他甚至没有特别关注：“没有什么比考虑肖像时获得的快乐更有限，除了赋予艺术家肖像个人或公共感情和才华的兴趣之外，很显然，这种模仿几乎不涉及思维和想象。“从肖像中获得的快乐不能与审美快感，其成就是美术的目标。这幅肖像显示了真正存在的东西，而“伟大的艺术必须借助于真实的东西来描绘那些不存在的东西，才能显示理想”。
然而，批评家承认，历史画像的存在是不可避免的，而这种历史画像深深的信念只能由历史画家创造。 “他们是历史的画家，谁能写出真正的肖像呢？”关于历史肖像往往写在展览的评论，有时他们被认为是在历史图片后立即。关于个人的肖像（每年越来越多）不愿意提及，或者只是简单地列出他们的名字，而没有任何评论。把这幅肖像理解为对历史图景的一种补充是非常普遍的。这不仅是由着名的Kathrmer de Kensi，Delescluze的着名追随者撰写的，而且也是由下一代的批评家撰写的，他们的审美观更加灵活
文艺复兴艺术：
等级制是由于接受绘画作为文科之一的斗争而产生的，然后是在建筑和雕塑之间建立平等或优越地位的争论。这些问题被Leon Battista Alberti，Leonardo da Vinci和Giorgio Vasari等艺术家理论家认为是非常重要的。列奥纳多反对雕塑家，认为创造三维幻象所需要的智力努力使得画家的艺术优于雕塑家，而雕塑家只能通过记录外表才能做到这一点。阿尔贝蒂在1441年的“关于绘画”（De Pictura）中辩称，多重数字的历史绘画是最高贵的艺术形式，因为它是最难的，需要掌握所有其他的东西，因为它是一种视觉形式的历史，因为它有最大的潜力来移动观众。他强调通过手势和表达来描绘人物之间的相互作用的能力。
早期文艺复兴时期的理论家接受了密切代表自然的重要性，至少直到被新柏拉图主义强烈影响的米开朗基罗的后期作品。在像Gian Paolo Lomazzo和Federico Zuccari（都是画家）这样的风格主义理论家的时代，这远不是重点。他们都把美貌强调为“从上帝的思想直接注入人心的东西，存在于任何意义上的独立印象”，这种观点必然会进一步降低现实主义的作品地位。在实践中，除了将世俗的历史绘画与宗教艺术放在同一个班级之外，中世纪和古典思想的分层体现了一点点的突破，并且将静态的标志性宗教主体与叙述人物的场景区分开来（并不总是清楚）更高的地位。礼物的想法也被纳入了层次结构;讽刺的，肮脏的或仅仅是轻浮的主题或治疗而不是高尚的和道德的。
在文艺复兴时期，风俗场景和静物几乎不存在作为既定流派，所以不同类型的绘画的地位或重要性的讨论主要是关于历史题材和肖像，最初是小而朴实，肖像式的宗教和肖像神话学科。对于大多数艺术家来说，对于现实主义的一些承诺是必要的，很少有人可以采取米开朗基罗的高压手段，在很大程度上忽视了美第奇在他的美第奇教堂的雕塑的实际外观，据说在一千年内没有人会知道它的差异（反驳庚斯博罗也被用来说，时间更短）。
许多肖像是非常讨人喜欢的，这可以通过呼吁理想主义以及保姆的虚荣来证明;理论家亚美尼尼（Armenini）在1587年声称，“优秀的艺术家的肖像画被认为具有更好的风格和更完美的表现，但更多的时候往往不是更好的相似性”。另一方面，一些堂皇的保姆和他们的父母，追求者或朝臣抱怨说，画家完全没有正确处理现实的保姆。
宗教艺术中的礼仪问题成为天主教会在1563年特伦特委员会艺术法令颁布后的大力努力的焦点。描绘圣经事件的画像仿佛是在富有的当代意大利人的家庭中发生的，遭到袭击，很快停止。直到本世纪末卡拉瓦乔的挑战之前，宗教艺术变得十分理想。
十七世纪和十八世纪的艺术：
17世纪的风景画，风俗画，动物画，静物画等新类型在新教国家实现了宗教绘画的虚拟停止，以及向繁荣的中产阶级扩展图画购买。尽管在所有先进的欧洲国家都有类似的发展，但在荷兰黄金时代绘画和佛兰芒巴洛克式绘画的极富生产力的学校中，却是最为明显的。然而，没有任何理论家出现过支持新的流派，而由卡雷尔·范·曼德（Karel van Mander），塞缪尔·德尔克斯·范·霍格斯特拉恩（Samuel Dirksz van Hoogstraten），杰拉德·德莱塞斯（Gerard de Lairesse）等人撰写的相对较少的荷兰理论着作大多满足于重新审视意大利的观点，奇怪的是与当时实际上正在制作的荷兰艺术不符。
大多数艺术家都接受这种等级制度，即使是像扬·斯蒂恩（Jan Steen），卡尔·杜雅丁（Karel Dujardin）和维米尔（Vermeer）这样的流派专家也能创作出一些历史画作，这些画作在获得佣金时可以得到更好的支付，但总的来说，伦勃朗最后一个历史委员会的不幸历史，“克劳狄斯·豪斯的阴谋”（1661年）说明了他对形式的承诺和他在寻找观众方面遇到的困难。在法兰德斯，以及大量纯粹的流派作品，有一个主要的流派元素，无论是动物，风景或静物的历史绘画的趋势。不同的元素往往是由不同的艺术家绘制的。鲁本斯和弗兰斯·斯奈德经常以这种方式合作。
绘画的大小，往往是他们所实现的价格，越来越倾向于反映他们在这个时期等级的地位。在浪漫时期之前，通过增加小型的神话或宗教人物，可以增加本质上是风景的价格和可销售性，从而创造出一种风景……这种做法可以追溯到约阿希姆佛兰芒世界风景画的开始帕提尼在十六世纪初。佛兰芒巴洛克风格的绘画是最经常绘制大尺寸的最低流派的学校，但通常与人物题材相结合。
英国画家约书亚·雷诺兹爵士（Sir Joshua Reynolds）在1770年代和1780年代的谈话中，重申了静物的这一论点，认为它在文类体系中处于最低位置，理由是它干扰了画家获取中心形式的思路，权力。在这次首脑会议上，历史绘画以人体为中心：熟悉身体的形态，通过比较无数的人体形态，从中抽象出那些代表人体本质的典型或中心特征或理想。
尽管雷诺赞同费利比安关于这些流派的自然秩序，但他认为，任何一种绘画类型的重要作品都可以在天才之手下产生：“无论是人物，动物，还是无生命的物体，那里在天才的画家手中，没有什么是外表上看不见的东西，而是可以升华成尊严，传达情感和产生情感的。关于维吉尔的说法，他甚至用粪便把粪放在地上尊严，可能适用于提香;不管他自然而然地，常常熟悉的，他用一种他投入了巨大而重要的魔力。
尽管欧洲书院通常严格地坚持这一等级制，但在他们的统治下，许多艺术家能够创造出新的类型，将低下的题材提升到历史绘画的重要性。雷诺兹自己通过发明被称为大礼仪的肖像风格来实现这一点，在那里他通过将他们比作神话人物而使他的保姆们受宠若惊。让·安托万·瓦托（Jean-Antoine Watteau）发明了一个名为FêtesGalantes的流派，在那里他将展示在阿卡迪亚（Arcadian）场景中进行宫廷娱乐的场景。这些往往具有诗歌和寓言的质量，被认为是高尚的。
克劳德·洛兰（Claude Lorrain）练习了一种称为理想景观的风格，其中的作品将松散地以自然为基础，点缀古典的废墟作为圣经或历史主题的场景。巧妙地将景观与历史绘画结合起来，使前者合法化。这是历史景观这个术语在法国艺术学院获得官方认可的同义词，当时罗马的一个类别大奖是在1817年建立的。最后，Jean-Baptiste-SiméonChardin能够创作被认为具有魅力和美丽被放置在最好的寓言主题旁边。然而，意识到这种等级制度，查尔丁在1730年左右开始在工作中包括人物，主要是妇女和儿童。
19世纪：
浪漫主义大大增加了风景画的地位，从英国的艺术开始，风格绘画的风格渐渐增加，开始影响法国风格的轶事的历史绘画，在其他地方也有同样的趋势。景观的规模越来越大，以反映其新的重要性，往往配合历史绘画，特别是在美国哈得逊河学校和俄罗斯的绘画。动物画的规模和尊严也有所增加，但全幅肖像，甚至是皇室的肖像，大部分都留给了大型公共建筑。
直到十九世纪中叶，女性在很大程度上无法绘制历史绘画，因为她们不允许参加艺术培训的最后过程 – 即生命绘画，以保护自己的谦逊。他们可以从浮雕，版画，演员和老大师，但不是从裸体模型。相反，他们被鼓励参与较低的绘画形式，如肖像，风景和流派。这些被认为是更女性化，因为他们呼吁眼睛，而不是头脑。
到了十九世纪末，画家和批评家们开始反抗法国艺术学院的许多规定，其中包括历史绘画的地位，这个地位开始主要由这样或那样的公共机构购买，作为私人买家首选科目从较低的层次。在英国，拉斐尔前派运动试图重振历史绘画，取得了混合的成功。其他动作也做出了类似的努许多拉斐尔前派人物的职业生涯主要是为了绘画其他主题。新的艺术运动包括现实主义者和印象派主义者，他们每个人都试图描绘眼下所看到的现在和日常生活，而不具有历史意义;现实主义者往往选择流派绘画和静物，而印象派最常关注的景观。
此刻，后人重视低俗流派，特别是人物肖像和场景，而大多数情况下，学术的历史绘画则显得枯燥乏味。出现了新的艺术趋势 – 现实主义和后来的印象主义，对描绘日常生活和当下的时刻感兴趣。