Une hiérarchie des genres est une formalisation qui classe différents genres dans une forme d’art en fonction de leur prestige et de leur valeur culturelle. Les hiérarchies les plus connues sont soutenues par les académies européennes entre le dix-septième siècle et l’âge moderne, et d’elles la hiérarchie que pour les genres picturaux tenait l’Académie française qui a joué un rôle central dans l’art académique.

Le débat sur l’esthétique de la peinture, qui n’a cessé de s’accroître depuis la Renaissance, était fondé sur l’importance de l’allégorie: des éléments picturaux tels que la ligne et la couleur étaient utilisés pour véhiculer une idée ultime ou un thème fédérateur. Pour cette raison, l’idéalisme était adopté dans l’art, de sorte que les formes naturelles seraient généralisées et, à leur tour, subordonnées à l’unité de l’œuvre d’art. L’objectif était de transmettre une vérité universelle à travers l’imitation de la nature.

André Félibien, théoricien du classicisme français dans un prologue aux Conférences de l’Académie codifie la peinture classique par thèmes picturaux: «histoire, portrait, paysage, paysages marins, fleurs et fruits». La peinture d’histoire a été considérée dans le grand genre et a inclus des peintures avec des thèmes religieux, mythologiques, historiques, littéraires ou allégoriques. Ils incarnaient une certaine interprétation de la vie ou portaient un message intellectuel ou moral. Les dieux et les déesses des mythologies anciennes représentaient différents aspects de la psyché humaine, les figures religieuses représentaient des idées différentes et l’histoire, comme d’autres sources, représentait une dialectique ou un jeu d’idées. Pendant longtemps, surtout pendant la Révolution française, la peinture d’histoire s’est souvent concentrée sur la représentation d’un nu masculin héroïque; bien que cela a diminué au 19ème siècle.

Sur la base de cette hiérarchie, les genres suivants sont classés du plus noble au plus noble:
La peinture d’histoire, y compris les sujets historiquement importants, religieux, mythologiques ou allégoriques
Scène de genre: représentation de scènes de la vie quotidienne.
Peinture portrait
Peinture d’animaux
Nature morte

Selon l’Académie, les portraits, les paysages et les natures mortes étaient inférieurs parce qu’ils étaient de simples représentations d’objets extérieurs, sans force morale ni imagination artistique. La peinture de genre, ni idéale dans le style, ni élevée dans le sujet, était admirée pour son habileté, son ingéniosité et même son humour, mais elle n’était jamais confondue avec le grand art. La hiérarchie des genres avait aussi une correspondance avec la hiérarchie des formats: grand format pour la peinture d’histoire, petit pour les natures mortes.

Selon l’Académie, le peintre devrait imiter Dieu, dont le travail le plus parfait est l’homme, et montre des groupes de figures humaines et a choisi des thèmes d’histoire et de fable. «Il faut, écrit Félibien,« comme les historiens, représenter de grands événements ou comme des poètes, des sujets qui plairont, et grimper encore plus haut, pouvoir cacher sous le voile de la fable les vertus des grands hommes et les mystères les plus exaltés. .

Le terme est principalement utilisé dans le domaine de la peinture, et à partir de la Haute Renaissance, époque à laquelle la peinture s’est affirmée comme la forme la plus élevée de l’art. Cela n’avait pas été le cas dans l’art médiéval et les secteurs de la commande d’art de la société ont pris une période considérable pour accepter complètement ce point de vue. Les dessins animés de Raphaël sont un exemple clair du statut continu de la tapisserie, la forme d’art la plus chère du 16ème siècle. Au début du Moyen-Âge, les pièces de métal les plus recherchées étaient généralement les plus appréciées, et les matériaux précieux restaient un ingrédient important dans l’appréciation de l’art jusqu’au XVIIe siècle au moins. Jusqu’au XIXe siècle, les objets d’art les plus extravagants restaient plus chers, à la fois neufs et sur le marché de l’art, que tous sauf quelques tableaux. Les écrits classiques qui valorisaient les compétences suprêmes des artistes individuels étaient influents, de même que les développements dans l’art qui ont permis à l’artiste de la Renaissance de démontrer son talent et son invention à un degré supérieur à ce qui était habituellement possible au Moyen Age.

En littérature, l’épopée était considérée comme la forme la plus élevée, pour la raison exprimée par Samuel Johnson dans sa Vie de John Milton: « Par le consentement général des critiques, la première louange du génie est due à l’auteur d’un poème épique, comme exige un assemblage de toutes les puissances qui sont seules suffisantes pour d’autres compositions.  » Ci-dessous, la poésie lyrique et la poésie comique, avec un classement similaire pour le théâtre. Le roman a mis longtemps à établir une place ferme dans la hiérarchie, ne le faisant que comme une croyance en une hiérarchie systématique des formes expirées au 19ème siècle.

En musique, les mises en scène de mots se voient accorder un statut plus élevé que les œuvres purement instrumentales, au moins jusqu’à la période baroque, et l’opéra conserve un statut supérieur pendant beaucoup plus longtemps. Le statut des œuvres varie également avec le nombre de joueurs et de chanteurs impliqués, avec ceux des grandes forces, qui sont certainement plus difficiles à écrire et plus coûteux à réaliser, étant donné leur statut plus élevé. Tout élément de la comédie réduit le statut d’une œuvre, bien que, comme dans d’autres formes d’art, augmente souvent sa popularité.

Interprétation:
Selon le concept académique, les tableaux de genre se situaient au niveau le plus bas, parce qu’ils étaient simplement narratifs, imprégnant l’art, sans aucune tentative de moralité et d’édification. Cette peinture de genre, bien que parfaite dans le style et le design, ne se vantait que de talent, d’ingéniosité et même d’humour, mais n’a jamais été considérée comme un art de premier plan.

La vie moderne – les événements modernes, les manières, les vêtements, l’apparence – étaient considérés comme incompatibles avec le style élevé, et seul un passé idéalisé pouvait servir de sujet convenable, noble et pertinent. (En conséquence, le corps ordinaire ne servait pas non plus d’objet de représentation – seuls de beaux corps idéaux étaient peints d’une manière antique).

Les théoriciens de l’art académique ont estimé que cette hiérarchie était justifiée, car elle reflétait la possibilité inhérente d’un impact moral pour chacun des genres. Ainsi, par exemple, un artiste livrera une moralité beaucoup plus efficace à travers une toile historique, puis un portrait ou une peinture de genre, qu’à travers un paysage ou une nature morte. En outre, les maîtres de l’Antiquité et de la Renaissance ont cru que la forme la plus élevée de l’art est l’image d’une figure humaine. Ainsi, un paysage ou une nature morte, où une personne n’a pas été représentée, est en effet une forme plus «basse» du genre. Enfin, le système de la hiérarchie académique reflète la valeur potentielle de chacune des toiles: une grande peinture historique est le genre le plus approprié et pratique pour un ordre d’état, puis un portrait, un genre domestique et un paysage – et les natures mortes sont généralement peu profonde et sont effectuées pour des intérieurs personnels.

Les raisons:
Andrei Aleksandrovich Karev écrit: « La conscience de la variété du genre en tant que propriété de la culture du Temps Nouveau dans les conditions des Lumières était, dans une certaine mesure, analogue à la gravitation à la connaissance encyclopédique, et donc à la même cognition multidimensionnelle La croissance de la spécialisation sans la perte de l’universalisme en général est une caractéristique précieuse de cette époque, qui a permis de voir simultanément le petit et le grand, le particulier et l’universel, et enfin l’humain et le divin. Un point de vue unique sur tel ou tel objet ne contredit nullement l’image générale de l’univers, bien qu’il ne l’ait pas directement attiré, comme il l’était à l’époque baroque: l’intérêt pour la multiplicité de la multiplicité de l’être est remplacé ses facettes séparées, qui ont une beauté indépendante et, par conséquent, la valeur. [russe] Académie des Arts ne pouvait pas aider mais réagir à ce processus et, sans attendre l’émergence des demandes appropriées dans l’environnement des clients, ouverts un par les classes, dans lequel ils ont enseigné les caractéristiques du travail dans un genre particulier  »

Impact:
Ce système hiérarchique, basé sur les traditions de l’art grec et romain, résumées pendant la Renaissance italienne, a été utilisé par les académies comme base pour l’attribution des prix et des bourses, ainsi qu’un système de diffusion dans les salons publics. Il a également eu un impact significatif sur la valeur estimée des œuvres d’art.

L’académie française a organisé des concours Grand et Petits Prix respectivement dans deux directions. Ainsi, les prix les plus élevés ont été donnés a priori à des œuvres du genre historique – une pratique qui a provoqué beaucoup de mécontentement parmi les étudiants. Cette hiérarchie inflexible a provoqué beaucoup de mécontentement parmi les artistes célèbres, ce qui a finalement conduit à saper l’autorité des académies. De plus, pour des raisons de prestige, certains peintres ont tenté d’écrire de grandioses peintures historiques, ce qui n’a pas du tout été le cas. Si l’artiste avait un portraitiste plutôt qu’un peintre historique, l’échec aurait pu lui causer un traumatisme.

Portrait:
Curieusement, l’endroit opprimé du portrait dans cette hiérarchie. Dans la revue du Salon de 1791, on pouvait lire: «Le peintre historique, qui doit imiter la nature sous tous ses aspects, doit pouvoir écrire des portraits, mais un portrait ne peut être considéré comme un genre indépendant.

Kathrmer de Kensi, l’un des théoriciens les plus influents du classicisme, considérait le genre du portrait si bas qu’il n’y prêta même pas une attention particulière: «Il n’y a rien de plus limité que le plaisir que procure la contemplation d’un portrait. mis à part l’intérêt qui donne au portrait une affection personnelle ou publique et le talent de l’artiste, il est évident que l’esprit et l’imagination ne sont presque pas impliqués dans ce genre d’imitation. »Le plaisir obtenu du portrait ne peut être comparé au plaisir esthétique , dont la réalisation est l’objectif des beaux-arts. Le portrait montre ce qui existe réellement, alors que «le grand art, avec l’aide de ce qui est, doit dépeindre ce qui n’existe pas vraiment, devrait montrer l’idéal».

Les critiques ont cependant admis l’inévitabilité de l’existence d’un portrait historique qui, dans leur conviction profonde, ne peut être créé que par un peintre historique. « Ce sont eux, les peintres historiques, qui peuvent écrire un vrai portrait. » À propos des portraits historiques sont souvent écrits dans les revues d’expositions, parfois ils sont considérés immédiatement après l’image historique. A propos des portraits d’individus (qui chaque année sont devenus de plus en plus) préfèrent ne pas les mentionner ou simplement les lister par leurs noms, sans les commenter du tout. Comprendre le portrait comme une sorte de complément à l’image historique était très commun. Cela a été écrit non seulement par les partisans bien connus du classicisme de Kathrmer de Kensi, Delescluze, mais aussi par les critiques de la prochaine génération, dont les vues esthétiques étaient plus flexibles

Art de la Renaissance
La hiérarchie est née de la lutte pour obtenir l’acceptation de la peinture comme l’un des arts libéraux, et ensuite des controverses pour établir un statut égal ou supérieur en leur sein avec l’architecture et la sculpture. Ces questions ont été considérées d’une grande importance par les théoriciens de l’artiste tels que Leon Battista Alberti, Léonard de Vinci et Giorgio Vasari. Contre les sculpteurs, Léonard soutenait que l’effort intellectuel nécessaire pour créer une illusion de tridimensionnalité rendait l’art des peintres supérieur à celui du sculpteur, qui ne pouvait le faire qu’en enregistrant des apparences. Dans son De Pictura («À propos de la peinture») de 1441, Alberti soutenait que la peinture d’histoire à plusieurs figures était la forme d’art la plus noble, la plus difficile, qui exigeait la maîtrise de tous les autres. , et parce qu’il a le plus grand potentiel pour déplacer le spectateur. Il a mis l’accent sur la capacité de représenter les interactions entre les figures par le geste et l’expression.

Les théoriciens du début et de la fin de la Renaissance ont accepté l’importance de représenter la nature de près, au moins jusqu’aux écrits postérieurs de Michel-Ange, fortement influencé par le néoplatonisme. À l’époque des théoriciens maniéristes tels que Gian Paolo Lomazzo et Federico Zuccari (tous deux aussi peintres), ce n’était pas une priorité. Tous deux mettaient l’accent sur la beauté comme «quelque chose qui était directement infusé dans l’esprit de l’homme par l’esprit de Dieu, et qui existait indépendamment de toute impression sensorielle», une vision qui réduit davantage le statut des œuvres selon le réalisme. En pratique, la hiérarchie représentait peu de rupture avec la pensée médiévale et classique, sauf pour placer la peinture d’histoire séculaire dans la même classe que l’art religieux et pour distinguer (pas toujours clairement) entre les sujets religieux iconiques statiques et les scènes narratives. statut supérieur. Des idées de décorum ont également alimenté la hiérarchie; les sujets comiques, sordides ou simplement frivoles ou les traitements se classaient plus bas que les sujets élevés et moraux.

Dans le paysage de la Renaissance, les genres et les natures mortes n’existaient pratiquement pas comme genres établis. La discussion sur le statut ou l’importance des différents types de peinture concernait principalement les sujets d’histoire par opposition aux portraits, initialement petits et sans prétention. sujets mythologiques. Pour la plupart des artistes, un certain réalisme était nécessaire dans un portrait; peu pourraient prendre l’approche autoritaire de Michel-Ange, qui a largement ignoré l’apparition réelle des Médicis dans ses sculptures de la chapelle des Médicis, disant soi-disant qu’en mille ans personne ne connaîtrait la différence (une réplique que Gainsborough aurait aussi utilisée, avec un délai plus court).

Beaucoup de portraits étaient extrêmement flatteurs, ce qui pouvait être justifié par un appel à l’idéalisme aussi bien que par la vanité du modèle; le théoricien Armenini a prétendu en 1587 que « les portraits d’excellents artistes sont considérés comme peints avec un meilleur style [maniera] et une plus grande perfection que d’autres, mais le plus souvent ils sont moins bons portraits ». D’un autre côté, un certain nombre d’assistants et leurs parents, prétendants ou courtisans se plaignaient que les peintres ne rendaient pas justice à la réalité de la personne.

La question du décorum dans l’art religieux est devenue le centre d’efforts intenses de l’Église catholique après les décrets sur l’art du Concile de Trente de 1563. Des peintures représentant des événements bibliques comme si elles se produisaient dans les foyers de riches Italiens contemporains furent attaquées, et bientôt cessé. Jusqu’au défi du Caravage à la fin du siècle, l’art religieux devint tout à fait idéal.

Art du 17ème et 18ème siècle:
Les nouveaux genres du paysage, de la peinture de genre, de la peinture animale et de la nature morte ont pris leur essor au XVIIe siècle, avec la cessation virtuelle de la peinture religieuse dans les pays protestants et l’expansion de l’achat d’images à la classe moyenne prospère. Bien que des développements similaires se soient produits dans tous les pays européens avancés, ils ont été les plus évidents dans les écoles extrêmement productives de la peinture hollandaise de l’âge d’or et de la peinture baroque flamande. Cependant, aucun théoricien n’a émergé pour défendre les nouveaux genres, et la quantité relativement faible d’écrits théoriques hollandais, de Karel van Mander, de Samuel Dirksz van Hoogstraten, de Gerard de Lairesse et d’autres, se contentait surtout de remanier les points de vue italiens. curieusement en contradiction avec l’art hollandais en cours de production à leur époque.

La hiérarchie était généralement acceptée par les artistes, et même des spécialistes du genre tels que Jan Steen, Karel Dujardin et Vermeer produisaient quelques tableaux d’histoire, mieux payés lorsque les commissions pouvaient être obtenues, mais en général beaucoup plus difficiles à vendre. L’histoire malheureuse de la dernière commission d’histoire de Rembrandt, La Conspiration de Claudius Civilis (1661) illustre à la fois son engagement à la forme et les difficultés qu’il a eu à trouver une audience. En Flandre, ainsi que de grandes quantités d’œuvres de genre pur, il y avait une tendance vers les peintures d’histoire avec un élément de genre majeur, que ce soit des animaux, des paysages ou des natures mortes. Souvent, les différents éléments ont été peints par différents artistes; Rubens et Frans Snyders ont souvent coopéré de cette manière.

La taille des tableaux, et très souvent les prix qu’ils réalisaient, tendaient de plus en plus à refléter leur position dans la hiérarchie à cette époque. Jusqu’à la période romantique, le prix et la qualité de ce qui était essentiellement des paysages pouvaient être augmentés en ajoutant de petites figures mythologiques ou religieuses, créant un paysage avec …, une pratique qui remonte aux débuts de la peinture de paysage dans les paysages du monde flamand de Joachim Patinir au début du 16ème siècle. La peinture baroque flamande a été la dernière école à peindre souvent les genres les plus bas à une grande taille, mais généralement combinés avec des sujets de figure.

Dans ses Discourses des années 1770 et 1780, le peintre britannique Sir Joshua Reynolds a réitéré l’argument de la nature morte au plus bas de la hiérarchie des genres, au motif qu’il entravait l’accès du peintre aux formes centrales, produits de la généralisa- tion de l’esprit. pouvoirs. Au sommet régnait la peinture d’histoire centrée sur le corps humain: la familiarité avec les formes du corps permettait à l’esprit du peintre, en comparant d’innombrables instances de la forme humaine, d’en abstraire les traits typiques ou centraux qui représentaient l’essence du corps ou idéal.

Bien que Reynolds fût d’accord avec Félibien sur l’ordre naturel des genres, il soutint qu’une œuvre importante de tout genre de peinture pouvait être produite sous la main du génie: «Qu’il s’agisse de la figure humaine, d’un animal ou même d’objets inanimés, rien n’est beau, mais peu prometteur, mais peut être élevé dans la dignité, transmettre le sentiment, et produire l’émotion, dans les mains d’un peintre de génie.Qu’a été dit de Virgil, qu’il a jeté même le fumier au sol avec un air de La dignité peut s’appliquer au Titien, quoi qu’il ait touché, naturellement naturel et familier, par une sorte de magie qu’il investit de grandeur et d’importance.

Bien que les académies européennes aient d’habitude strictement insisté sur cette hiérarchie, au cours de leur règne, beaucoup d’artistes ont su inventer de nouveaux genres qui ont élevé les sujets inférieurs à l’importance de la peinture d’histoire. Reynolds lui-même y parvint en inventant le style de portrait que l’on appelait le Grand Manner, où il flattait ses personnages en les assimilant à des personnages mythologiques. Jean-Antoine Watteau a inventé un genre qui s’appelait fêtes galantes, où il montrerait des scènes d’amusements courtois se déroulant en milieu arcadien; ceux-ci avaient souvent une qualité poétique et allégorique qui était considérée pour les ennoblir.

Claude Lorrain a pratiqué un genre appelé le paysage idéal, où une composition serait vaguement basée sur la nature et parsemée de ruines classiques comme cadre d’un thème biblique ou historique. Il combinait habilement paysage et peinture d’histoire, légitimant ainsi le premier. Il est synonyme du terme de paysage historique qui a reçu une reconnaissance officielle à l’Académie française lorsqu’un Prix de Rome pour le genre a été créé en 1817. Enfin, Jean-Baptiste-Siméon Chardin a pu créer des natures mortes qui étaient considérées comme charme et beauté à mettre aux côtés des meilleurs sujets allégoriques. Cependant, conscient de cette hiérarchie, Chardin a commencé à inclure des figures dans son travail vers 1730, principalement des femmes et des enfants.

19ème siècle:
Le romantisme a considérablement accru le statut de la peinture de paysage, en commençant par l’art britannique et plus progressivement celui de la peinture de genre, qui a commencé à influencer la peinture historique dans les traitements anecdotiques du style Troubadour en France et les tendances équivalentes ailleurs. Les paysages ont pris de l’ampleur pour refléter leur nouvelle importance, correspondant souvent à des peintures d’histoire, en particulier dans l’Hudson River School américaine et la peinture russe. Les peintures d’animaux ont également augmenté en taille et en dignité, mais le portrait complet, même de la royauté, est devenu principalement réservé aux grands bâtiments publics.

Jusqu’au milieu du 19ème siècle, les femmes étaient en grande partie incapables de peindre des peintures d’histoire car elles n’étaient pas autorisées à participer au processus final de la formation artistique – celle du dessin de la vie, afin de protéger leur pudeur. Ils pouvaient travailler à partir de reliefs, de gravures, de moulages et des maîtres anciens, mais pas du modèle nu. Au lieu de cela, ils ont été encouragés à participer aux formes de peinture inférieures telles que le portrait, le paysage et le genre. Ceux-ci étaient considérés comme plus féminins en ce sens qu’ils attiraient l’œil plutôt que l’esprit.

Vers la fin du XIXe siècle, les peintres et les critiques commencent à se rebeller contre les nombreuses règles de l’Académie française, notamment le statut accordé à la peinture d’histoire qui commence à être achetée principalement par des organismes publics d’une sorte ou d’une autre sujets préférés de plus bas dans la hiérarchie. En Grande-Bretagne, le mouvement préraphaélite tente de revitaliser la peinture d’histoire, avec un succès mitigé; d’autres mouvements ont fait des efforts similaires. Beaucoup de préraphaélites ont terminé leur carrière en peignant principalement d’autres sujets. Les nouveaux mouvements artistiques comprenaient les Réalistes et les Impressionnistes, qui cherchaient chacun à représenter le moment présent et la vie quotidienne observés par l’œil, et sans signification historique; les réalistes choisissent souvent la peinture de genre et la nature morte, tandis que les impressionnistes se concentrent le plus souvent sur les paysages.

Au moment où les descendants valorisent les toiles de genre bas, en particulier les portraits et les scènes de la vie, alors que la peinture historique académique semble dans la plupart des cas ennuyeuse et peu engageante. De nouvelles tendances artistiques émergentes – le réalisme, et plus tard l’impressionnisme, s’intéressaient à décrire la vie quotidienne et le moment présent.