Иерархия жанров — это любая формализация, которая имеет разные жанры в художественной форме с точки зрения их престижа и культурной ценности. Самые известные иерархии поддерживаются европейскими академиями между семнадцатым веком и современной эпохой, и из них иерархия, которую для живописных жанров занимала Французская академия, игравшая центральную роль в академическом искусстве.

Дискуссия об эстетике живописи, которая продолжала вступать в силу с эпохи Возрождения, основывалась на важности аллегории: для того, чтобы передать окончательную идею или объединяющую тему, использовались живописные элементы, такие как линия и цвет. По этой причине идеализм был принят в искусстве, так что естественные формы были бы обобщены и, в свою очередь, подчинены единству произведения искусства. Цель состояла в том, чтобы передать универсальную истину посредством имитации природы.

Андре Фелибиен, теоретик французского классицизма в прологе к конференциям Академии, классифицирует классическую живопись по живописным темам: «история, портрет, пейзаж, морские пейзажи, цветы и фрукты». История живописи рассматривалась в большом жанре и включала картины с религиозными, мифологическими, историческими, литературными или аллегорическими темами. Они воплотили некоторую интерпретацию жизни или несли интеллектуальное или моральное послание. Боги и богини древних мифологий представляли различные аспекты человеческой психики, религиозные фигуры представляли разные идеи, а история, как и другие источники, представляла собой диалектику или игру идей. В течение долгого времени, особенно во время Французской революции, история живописи часто фокусировалась на представлении героической мужской обнаженной; хотя это снизилось в XIX веке.

Основываясь на этой иерархии, следующие жанры классифицируются от большинства до наименее благородных:
История живописи, включая исторически важные, религиозные, мифологические или аллегорические предметы
Жанр сцены: представление сцен из повседневной жизни.
Портретная живопись
Живопись животных
Натюрморт

По словам Академии, портреты, пейзажи и натюрморты были хуже, потому что они были простыми представлениями внешних объектов, без нравственной силы или художественного воображения. Картина жанра — ни идеальная по стилю, ни возвышенная в предмете — восхищалась его мастерством, изобретательностью и даже ее юмором, но она никогда не смешивалась с великим искусством. Иерархия жанров также соответствовала иерархии форматов: большой формат для рисования истории, маленький для натюрмортов.

По словам Академии, художник должен подражать Богу, чья самая совершенная работа — человек, и показывает группы человеческих фигур и выбирает темы истории и басни. «Должно быть, — пишет Фелибиен, — как историки, представляют великие события или, как поэты, предметы, которые будут угождать, и подниматься еще выше, смогут спрятать под завесу басни достоинства великих людей и самые возвышенные тайны ,

Этот термин в основном используется в области живописи, а также с самого Высокого Возрождения, и к тому времени живопись утверждала себя как высшая форма искусства. Это не имело место в средневековом искусстве, и для занятия искусством ввода в эксплуатацию общества потребовался значительный период, чтобы полностью принять эту точку зрения. Мультфильмы Рафаэля — яркий пример постоянного статуса гобелена, самой дорогой формы искусства в 16 веке. В ранне-средневековый период щедрые куски металлоконструкций, как правило, считались наиболее высоко оцененными, а ценные материалы оставались важным компонентом в оценке искусства, по крайней мере, до 17-го века. До XIX века самые экстравагантные предметы искусства оставались более дорогими, как новыми, так и на рынке искусства, чем все, кроме нескольких картин. Классические писания, которые оценивали высшие навыки отдельных художников, были влиятельными, а также событиями в искусстве, которые позволили художнику эпохи Возрождения продемонстрировать свое мастерство и изобретение в большей степени, чем это было обычно возможно в средние века.

В литературе эпос считался высшей формой по причине, выраженной Самуэлем Джонсоном в его жизни Джона Мильтона: «По общему согласию критиков первая похвала гения связана с писателем эпической поэмы, поскольку она требует совокупности всех мощностей, которые достаточно для других композиций ». Ниже вышла лирическая поэзия и комическая поэзия, с аналогичным рейтингом для драмы. Роман занял много времени, чтобы установить прочное место в иерархии, делая это только как вера в любую систематическую иерархию форм, истекшую в XIX веке.

В музыке настройки слов получили более высокий статус, чем просто инструментальные произведения, по крайней мере до барочного периода, а опера сохранила превосходный статус намного дольше. Статус работ также варьируется в зависимости от количества игроков и певцов, которые связаны с большими силами, которые, безусловно, сложнее писать и дороже выполнять, учитывая более высокий статус. Любой элемент комедии уменьшил статус произведения, хотя, как и в других художественных формах, часто увеличивает его популярность.

Интерпретация:
Согласно академической концепции, «жанровые» картины стояли на самом низком уровне, потому что они были просто повествованием, импринтингом искусства, без каких-либо попыток нравственности и назидания. Эта жанровая живопись, хотя и идеальная по стилю и дизайну, похвасталась только умением, изобретательностью и даже юмором, но никогда не считалась искусством.

Современная жизнь — современные события, манеры, одежда, внешность — считались несовместимыми с высоким стилем, и только идеализированное прошлое могло служить подходящей, благородной и актуальной темой. (Соответственно, обычное тело тоже не служило объектом изображения — только красивые, идеальные тела были окрашены античным способом).

Теоретики академического искусства полагали, что эта иерархия оправдана, поскольку она отражает присущую возможность морального воздействия для каждого из жанров. Так, например, художник будет доставлять гораздо более эффективную мораль через историческое полотно, затем портретную или жанровую живопись, чем через пейзаж или натюрморт. Кроме того, мастера древности и эпохи Возрождения считали, что высшая форма искусства — это образ человеческой фигуры. Таким образом, пейзаж или натюрморт, где человек не был изображен, на самом деле является более «низкой» формой жанра. Наконец, система академической иерархии отражает потенциальную ценность каждого из холстов: большая историческая картина — наиболее подходящий и удобный жанр для государственного заказа, тогда портрет, домашний жанр и пейзаж — и натюрморты обычно мелкие и выполнены для личных интерьеров.

Причины:
Андрей Александрович Карев пишет: «Осознание жанрового разнообразия живописи как свойства культуры Нового времени в условиях Просвещения в известной мере было аналогично гравитации для энциклопедического знания и, следовательно, к тому же многомерному познанию мира. Рост специализации без потери универсализма в целом является драгоценной особенностью этого времени, которая позволяла одновременно видеть малый и большой, конкретный и универсальный, а в конечном итоге и человеческий и божественный. уникальная точка зрения на тот или иной объект вовсе не противоречила общему образу вселенной, хотя она не обращалась к нему напрямую, как это было в эпоху барокко. Интерес к множественности множественности бытия заменяется вниманием к его отдельные грани, которые имеют независимую красоту и, соответственно, ценность. Академия художеств не могла не реагировать на этот процесс и, не дожидаясь появления соответствующих запросов в среде клиентов, открываемых по отдельности классами, в которых они изучали особенности работы в определенном жанре »

Влияние:
Эта иерархическая система, основанная на традициях греческого и римского искусства, подведенных во время итальянского Возрождения, использовалась академиями в качестве основы для присуждения премий и стипендий, а также системы вывешивания на общественных выставках (салоны). Это также оказало значительное влияние на оценочную стоимость произведений искусства.

Французская академия проводила конкурсы Гран-при и Петиса, соответственно, в двух направлениях. Таким образом, высшие призы были даны априори произведениям в историческом жанре — практике, вызвавшей много недовольства среди студентов. Эта негибкая иерархия вызвала много недовольства среди известных художников, что в конечном итоге привело к подрыву авторитета академий. Кроме того, ради престижа, некоторые художники пытались писать грандиозные исторические картины, которые оказались совсем не такими. Если бы у художника был портретист, а не исторический художник, неудача могла бы вызвать у него травму.

Портрет:
Любопытно, что угнетенное место портрета в этой иерархии. В обзоре Салона 1791 года можно было прочитать: «Исторический художник, который должен подражать природе во всех ее аспектах, должен иметь возможность писать портреты. Однако портрет нельзя считать независимым жанром».

Каттермер де Кенси, один из самых влиятельных теоретиков классицизма, считал портретный жанр настолько низким, что даже не обращал на него особого внимания: «Нет ничего более ограниченного, чем удовольствие, которое вы получаете от созерцания портрета. в стороне от интереса, который придает портрету личную или общественную привязанность и талант художника, тогда очевидно, что ум и воображение почти не участвуют в подобном подражании ». Удовольствие, полученное от портрета, не может сравниться с эстетическим удовольствием , достижение которой является целью изобразительного искусства. Портрет показывает, что на самом деле существует, а «великое искусство, с помощью того, что есть, должно изображать то, что на самом деле не существует, должно показывать идеал».

Критики, однако, признали неизбежность существования исторического портрета, который, по их глубокой убежденности, может быть создан только историческим художником. «Это они, исторические художники, могут написать настоящий портрет». О исторических портретах часто пишут в обзорах выставок, иногда они рассматриваются сразу после исторической картины. О портретах людей (которые каждый год становились все больше и больше) предпочитают не упоминать или просто перечислять их по их именам, не комментируя вообще. Понимание портрета как своего рода дополнения к исторической картине было очень распространенным явлением. Это было написано не только известными приверженцами классицизма Катмер-де-Кенси, Делесклюзе, но и критиками следующего поколения, чьи эстетические взгляды были более гибкими

Ренессансное искусство:
Иерархия выросла из борьбы за признание живописи как одного из либеральных искусств, а затем противоречия, чтобы установить в них равный или превосходный статус с архитектурой и скульптурой. Эти вопросы считались очень важными художниками-теоретиками, такими как Леон Баттиста Альберти, Леонардо да Винчи и Джорджио Вазари. Против скульпторов Леонардо утверждал, что интеллектуальные усилия, необходимые для создания иллюзии трехмерности, сделали искусство художников выше, чем у скульптора, который мог сделать это только путем записи выступлений. В своей книге «О живописи» от 1441 года Альберти утверждал, что многозначная история живописи была самой благородной формой искусства, как самой сложной, которая требовала овладения всеми остальными, потому что это была визуальная форма истории , и потому что у него был наибольший потенциал для перемещения зрителя. Он акцентировал внимание на способности изображать взаимодействия между фигурами жестом и выражением.

Теоретики Раннего и Высокого Возрождения признали важность представления природы близко, по крайней мере до поздних работ Микеланджело, на которую сильно повлиял неоплатонизм. К моменту теоретиков-маньеристов, таких как Джан Паоло Ломаццо и Федерико Зуккари (оба они также художники), это было гораздо менее приоритетным. Оба подчеркивали красоту как «нечто, которое прямо влилось в сознание человека из разума Бога и существовало там независимо от каких-либо чувственных впечатлений», взгляд, связанный с дальнейшим уменьшением статуса произведений в зависимости от реализма. На практике иерархия представляла собой небольшой разрыв с средневековой и классической мыслью, за исключением того, что она занимала светскую историю в том же классе, что и религиозное искусство, и различать (не всегда четко) между статическими культовыми религиозными сюжетами и сюжетами повествования, более высокий статус. Идеи приличия также питаются в иерархию; комические, грязные или просто несерьезные предметы или лечение, которые оцениваются ниже, чем повышенные и моральные.

Во время пейзажа эпохи Возрождения жанровые сцены и натюрморты едва ли существовали как установленные жанры, поэтому обсуждение статуса или важности различных видов живописи в основном касалось предметов истории, в отличие от портретов, изначально маленьких и неприхотливых, и культовых портретных религиозных и мифологические сюжеты. Для большинства художников в портрете требовалась определенная приверженность реализму; мало кто мог принять высокомерный подход Микеланджело, который в значительной степени проигнорировал реальный вид Медичи в его скульптурах Медичи-часовни, предположительно говоря, что через тысячу лет никто не узнает разницу (также говорят, что реплика Гейнсборо использовала, с более короткими временными рамками).

Многие портреты были чрезвычайно лестными, что можно было бы оправдать призывом к идеализму, а также тщеславием няни; теоретик Арменини заявил в 1587 году, что «портреты прекрасных художников считаются красивыми с лучшим стилем [maniera] и более совершенным, чем другие, но чаще всего они менее хороши». С другой стороны, количество придворных сиделок и их родителей, женихов или придворных жаловалось, что художники полностью не оправдали реальность няни.

Вопрос о приличии в религиозном искусстве стал предметом пристального внимания католической церкви после декретов об искусстве Трентского собора 1563. Картины с изображением библейских событий, как если бы они происходили в семьях состоятельных современных итальянцев, подвергались нападениям и вскоре прекратился. До конца Караваджо в конце века религиозное искусство стало полностью идеальным.

Искусство 17-го и 18-го века:
Новые жанры пейзажа, жанровая живопись, живопись живописи и натюрморт вступили в свои права в 17 веке, с виртуальным прекращением религиозной живописи в протестантских странах и расширением покупки картин в процветающий средний класс. Хотя подобные изменения произошли во всех развитых европейских странах, они были наиболее очевидны в чрезвычайно продуктивных школах живописи голландского золотого века и живописи фламандского барокко. Однако теоретиков не появлялось, чтобы отстаивать новые жанры, а относительно небольшое количество голландской теоретической письменности Карела ван Мандера, Самуэля Диркша ван Хоогстратена, Жерара де Лэрессе и других, было в основном удовлетворено, чтобы перефразировать итальянские взгляды, чтобы их произведения могли казаться странно в расхождении с голландским искусством, которое на самом деле производится в свое время.

Иерархия была в основном принята художниками, и даже такие жанроведы, как Ян Стин, Карел Дужардин и Вермеер, создали несколько картин истории, которые лучше оплачивались, когда можно было получить комиссионные, но в целом гораздо труднее продать. Несчастная история последней исторической комиссии Рембрандта «Заговор Клавдия Цивилиса» (1661) иллюстрирует как его приверженность форме, так и трудности, которые он испытывал в поиске аудитории. Во Фландрии, а также в большом количестве произведений чистого жанра существовала тенденция к картинам истории с основным жанровым элементом, будь то животные, пейзаж или натюрморт. Часто различные элементы были написаны разными художниками; Таким образом, Рубенс и Франс Снайдерс часто сотрудничали.

Размер картин, и очень часто цены, которые они реализовали, все чаще склонялись к отражению их позиции в иерархии в этот период. До романтического периода цена и распродажа того, что было по существу пейзажами, можно было увеличить, добавив небольшие мифологические или религиозные фигуры, создав пейзаж с …, практикой, которая вернулась к истокам пейзажной живописи во фламандских земных ландшафтах Иоакима Патинир в начале 16 века. Фламандская живопись в стиле барокко была последней школой, которая часто рисовала самые низкие жанры большого размера, но обычно сочеталась с фигурами.

Британский художник сэр Джошуа Рейнольдс в своих «Дискурсах» 1770-х и 1780-х годов повторил аргумент о натюрмоции на низшую позицию в иерархии жанров на том основании, что он мешал доступу живописца к центральным формам, к тем продуктам обобщения ума полномочия. На саммите царило историческое живопись, сосредоточенное на человеческом теле: знакомство с формами тела позволило разуму художника, сравнив бесчисленные экземпляры человеческой формы, отвлечь от него те типичные или центральные черты, которые представляли суть тела или идеально.

Хотя Рейнольдс согласился с Фелибиеном относительно естественного порядка жанров, он считал, что важную работу из любого жанра живописи можно создать под рукой гения: «Является ли это человеческая фигура, животное или даже неодушевленные предметы, ничто, но бесперспективно по внешнему виду, но может быть поднято в достоинство, передать чувства и произвести эмоции в руках гениального живописца. Что было сказано о Вергилии, что он бросил даже навоз на землю с помощью достоинство, может быть применено к Тициану, все, что он коснулся, но, естественно, означает и привычно знакомый с помощью волшебства, которое он вложил в величие и важность ».

Хотя европейские академии обычно строго настаивали на этой иерархии, за время своего правления многие художники могли изобретать новые жанры, которые поднимали нижние сюжеты к важности истории живописи. Сам Рейнольдс достиг этого, изобретая стиль портретирования, который назывался Великим Манером, где он льстил своим сидетелям, уподобляя их мифологическим персонажам. Жан-Антуан Ватто изобрел жанр, который назывался fêtes galantes, где он показывал сцены придворных развлечений, происходящих в Arcadian; они часто имели поэтическое и аллегорическое качество, которые считались облагороженными.

Клод Лоррен практиковал жанр, названный идеальным ландшафтом, где композиция была бы свободно основана на природе и усеяна классическими руинами как место для библейской или исторической темы. Это искусно сочетало пейзажную и историческую живопись, тем самым узаконивая первое. Это синоним термина «исторический пейзаж», получившего официальное признание в франциске Académie, когда в 1817 году был создан Prix de Rome для жанра. Наконец, Jean-Baptiste-Siméon Chardin смог создать картины натюрморта, которые считались очарование и красоту, которые будут расположены рядом с лучшими аллегорическими предметами. Однако, зная об этой иерархии, Шардин начал включать цифры в свою работу примерно в 1730 году, главным образом женщины и дети.

19 век:
Романтизм значительно увеличил статус пейзажной живописи, начиная с британского искусства и более постепенно, чем жанровой живописи, которая начала влиять на историю живописи в анекдотических процедурах стиля «Трубадур» во Франции и эквивалентных тенденциях в других местах. Пейзажи росли в размерах, чтобы отразить их новое значение, часто сопоставляя картины истории, особенно в американской школе реки Гудзон и русской живописи. Животные картины также увеличились в размерах и достоинстве, но полный портрет, даже роялти, в основном был зарезервирован для больших общественных зданий.

До середины XIX века женщины в основном не могли рисовать картины истории, так как им не разрешалось участвовать в заключительном процессе художественного обучения — рисования жизни, чтобы защитить их скромность. Они могли работать с рельефами, отпечатками, бросками и старыми мастерами, но не с обнаженной модели. Вместо этого им было предложено принять участие в нижних формах живописи, таких как портреты, пейзаж и жанр. Они считались более женственными, поскольку они обращались к глазу, а не к разуму.

К концу 19-го века художники и критики начали восставать против многих правил франшизы Академии, в том числе статуса, приданного исторической живописи, которая начинала покупаться в основном государственными органами того или иного типа, поскольку частные покупатели предпочтительные предметы из нижней иерархии. В Британии прерафаэлитовское движение пыталось оживить историю живописи со смешанным успехом; другие движения предприняли аналогичные усилия. Многие прерафаэлиты закончили свою карьеру, в основном, рисовали другие предметы. Новые художественные движения включали Реалистов и Импрессионистов, каждый из которых стремился изобразить настоящий момент и повседневную жизнь, наблюдаемую глазом, и не привязан к историческому значению; Реалисты часто выбирают жанровую живопись и натюрморт, в то время как импрессионисты чаще всего фокусируются на пейзажах.

В настоящее время потомки ценят полотна низкого жанра, в частности, портреты и сцены из жизни, а академическая историческая живопись в большинстве случаев кажется скучной и непривлекательной. Появились новые художественные тенденции — реализм, а позднее импрессионизм, были заинтересованы в том, чтобы изображать повседневную жизнь и текущий момент.