Eine Hierarchie von Genres ist jede Formalisierung, die verschiedene Genres in einer Kunstform nach Prestige und kulturellem Wert einordnet. Die bekanntesten Hierarchien werden von den europäischen Akademien zwischen dem 17. Jahrhundert und der Moderne unterstützt, und von ihnen die Hierarchie, die für die Bildgattungen die französische Akademie hielt, die eine zentrale Rolle in der akademischen Kunst spielte.

Die Debatte um die Ästhetik der Malerei, die seit der Renaissance immer mehr an Bedeutung gewann, basierte auf der Bedeutung der Allegorie: Bildelemente wie Linie und Farbe wurden verwendet, um eine endgültige Idee oder ein verbindendes Thema zu vermitteln. Aus diesem Grunde wurde in der Kunst der Idealismus übernommen, so daß die Naturformen verallgemeinert und der Einheit des Kunstwerks unterworfen werden sollten. Ziel war es, durch Nachahmung der Natur eine universelle Wahrheit zu vermitteln.

André Félibien, ein Theoretiker des französischen Klassizismus in einem Prolog zu den Konferenzen der Akademie kodifiziert klassische Malerei nach Bildthemen: „Geschichte, Porträt, Landschaft, Seestücke, Blumen und Früchte“. Geschichtsmalerei wurde in großem Stil betrachtet und umfasste Gemälde mit religiösen, mythologischen, historischen, literarischen oder allegorischen Themen. Sie verkörperten eine Interpretation des Lebens oder trugen eine intellektuelle oder moralische Botschaft. Die Götter und Göttinnen der antiken Mythologien repräsentierten verschiedene Aspekte der menschlichen Psyche, religiöse Figuren repräsentierten unterschiedliche Ideen, und die Geschichte repräsentierte wie andere Quellen eine Dialektik oder ein Spiel von Ideen. Lange vor allem während der Französischen Revolution konzentrierte sich die Historienmalerei oft auf die Darstellung eines heroischen männlichen Aktes; obwohl dies im 19. Jahrhundert zurückging.

Basierend auf dieser Hierarchie werden die folgenden Genres von den meisten zu den am wenigsten edlen klassifiziert:
Historienmalerei, einschließlich historisch wichtiger, religiöser, mythologischer oder allegorischer Themen
Genreszene: Darstellung von Szenen aus dem Alltag.
Porträtgemälde
Tiermalerei
Stillleben

Der Akademie zufolge waren die Porträts, Landschaften und Stillleben minderwertig, weil sie einfache Darstellungen äußerer Objekte ohne moralische Kraft oder künstlerische Vorstellungskraft darstellten. Die Malerei des Genres – weder ideal im Stil, noch erhöht im Thema – wurde für seine Fähigkeit, Einfallsreichtum und sogar seinen Humor bewundert, aber es wurde nie mit großer Kunst verwechselt. Auch die Hierarchie der Genres entsprach der Hierarchie der Formate: Großformat für Historienmalerei, Kleinbild für Stillleben.

Der Akademie zufolge sollte der Maler Gott nachahmen, dessen vollkommenste Arbeit der Mensch ist, und Gruppen von menschlichen Figuren zeigen und Themen der Geschichte und der Fabel auswählen. „Es muss“, schreibt Félibien, „wie Historiker große Ereignisse darstellen, oder wie Dichter, Untertanen, die erfreuen werden, und noch höher klettern können, unter dem Schleier der Fabel die Tugenden großer Männer und die erhabensten Geheimnisse verbergen können .

Der Begriff wird vor allem im Bereich der Malerei und seit der Hochrenaissance verwendet, in der sich die Malerei als höchste Kunstform durchgesetzt hat. Dies war in der Kunst des Mittelalters nicht der Fall, und die Kunst-beauftragenden Sektoren der Gesellschaft brauchten eine beträchtliche Zeit, um diese Ansicht voll zu akzeptieren. Die Raphael Cartoons sind ein deutliches Beispiel für den fortwährenden Status der Tapisserie, der teuersten Kunstform des 16. Jahrhunderts. Im frühen Mittelalter waren verschwenderische Metallarbeiten in der Regel die am meisten geschätzten, und wertvolle Materialien blieben bis mindestens zum 17. Jahrhundert ein wichtiger Bestandteil der Wertschätzung der Kunst. Bis ins 19. Jahrhundert blieben die extravagantesten Objets der Kunst teurer, sowohl neu als auch auf dem Kunstmarkt, als alle bis auf wenige Gemälde. Klassische Werke, die die höchsten Fähigkeiten einzelner Künstler schätzten, waren ebenso einflussreich wie Entwicklungen in der Kunst, die es dem Renaissancekünstler ermöglichten, seine Fähigkeiten und Erfindungen in einem größeren Maße zu demonstrieren, als es im Mittelalter normalerweise möglich war.

In der Literatur galt das Epos als die höchste Form, aus dem von Samuel Johnson in seinem Leben von John Milton geäußerten Grund: „Durch die allgemeine Zustimmung von Kritikern ist das erste Lob des Genies dem Schriftsteller eines Epick-Gedichtes zu verdanken erfordert eine Zusammenstellung aller Kräfte, die für andere Kompositionen allein ausreichen. “ Darunter kamen Lyrik und komische Poesie mit einer ähnlichen Rangfolge für das Drama. Der Roman brauchte lange Zeit, um einen festen Platz in der Hierarchie einzunehmen, und dies nur, wenn der Glaube an eine systematische Formenhierarchie im 19. Jahrhundert auslief.

In der Musik wurde den Vertonungen zumindest bis zur Barockzeit ein höherer Stellenwert eingeräumt als nur Instrumentalwerken, und die Oper blieb lange Zeit überlegen. Der Status der Werke variiert auch mit der Anzahl der beteiligten Spieler und Sänger, mit denen für große Streitkräfte, die bei höherem Status sicherlich schwieriger zu schreiben und teurer auszuführen sind. Jedes Element der Komödie reduzierte den Status eines Werkes jedoch, wie in anderen Kunstformen, oft seine Popularität.

Deutung:
Nach dem akademischen Konzept standen die „Genre“ -Malereien auf der untersten Ebene, weil sie nur narrative, prägende Kunst ohne jeden Versuch der Moral und Erbauung waren. Dieses Genremalerei, obwohl perfekt in Stil und Design, rühmte sich nur für Können, Einfallsreichtum und sogar Humor, wurde aber nie als hohe Kunst angesehen.

Das moderne Leben – moderne Ereignisse, Manieren, Kleidung, Aussehen – galt als unvereinbar mit hohem Stil, und nur eine idealisierte Vergangenheit konnte als geeignetes, edles und relevantes Thema dienen. (Demnach diente auch der gewöhnliche Körper nicht als Objekt der Darstellung – nur schöne, ideale Körper wurden auf antike Weise gemalt).

Theoretiker der akademischen Kunst glaubten, dass diese Hierarchie gerechtfertigt sei, da sie die inhärente Möglichkeit moralischer Auswirkungen für jedes der Genres widerspiegele. So wird zum Beispiel ein Künstler eine viel effektivere Moral durch eine historische Leinwand, dann ein Porträt- oder Genrebild, als durch eine Landschaft oder ein Stillleben liefern. Darüber hinaus glaubten Meister der Antike und der Renaissance, dass die höchste Form der Kunst das Bild einer menschlichen Figur ist. So ist eine Landschaft oder ein Stillleben, in dem eine Person nicht porträtiert wurde, tatsächlich eine „tiefere“ Form des Genres. Schließlich spiegelt das System der akademischen Hierarchie den potentiellen Wert jeder der Leinwände wider: ein großes historisches Gemälde ist das geeignetste und bequemste Genre für eine staatliche Ordnung, dann ein Porträt, ein Haushaltsgenre und eine Landschaft – und Stilleben sind normalerweise flach und werden für persönliche Innenräume durchgeführt.

Gründe dafür:
Andrei Aleksandrovich Karev schreibt: „Das Bewusstsein für die Gattungsvielfalt der Malerei als Eigentum der Kultur der Neuen Zeit unter den Bedingungen der Aufklärung war in gewisser Weise analog zur Gravitation zu enzyklopädischem Wissen und damit zu derselben mehrdimensionalen Wahrnehmung Das Wachstum der Spezialisierung ohne den Verlust des Universalismus im Allgemeinen ist ein kostbares Merkmal dieser Zeit, die es ermöglichte, gleichzeitig das Kleine und Große, das Besondere und das Universelle und schließlich das Menschliche und das Göttliche zu sehen Ein einzigartiger Blick auf dieses oder jenes Objekt widerspricht keineswegs dem allgemeinen Bild des Universums, obwohl es, wie in der Barockzeit, nicht direkt darauf anspricht: Das Interesse an der Vielfalt der Vielheit des Seins wird durch Aufmerksamkeit ersetzt seine einzelnen Facetten, die eine eigenständige Schönheit und damit Wert haben. [Russische Akademie der Künste] konnte nicht anders, als auf diesen Prozess zu reagieren und ohne auf die Entstehung zu warten von entsprechenden Anfragen in der Umgebung von Kunden, einzeln geöffnet, in denen sie die Merkmale der Arbeit in einem bestimmten Genre unterrichtet “

Auswirkung:
Dieses hierarchische System, das auf den Traditionen der griechischen und römischen Kunst aufbaut, die während der italienischen Renaissance zusammengefasst wurden, wurde von den Akademien als Grundlage für die Vergabe von Preisen und Stipendien sowie für das Aushängen auf öffentlichen Ausstellungen (Salons) genutzt. Dies hatte auch erhebliche Auswirkungen auf den geschätzten Wert von Kunstwerken.

Die französische Akademie hatte jeweils Grand- und Petits-Prix-Wettbewerbe in zwei Richtungen. So wurden den Arbeiten im historischen Genre die höchsten Preise a priori zuerkannt – eine Praxis, die bei den Studierenden große Unzufriedenheit hervorrief. Diese unflexible Hierarchie verursachte große Unzufriedenheit unter den berühmten Künstlern, was schließlich zur Untergrabung der Autorität der Akademien führte. Um des Prestiges willen versuchten einige Maler, grandiose historische Gemälde zu malen, die sich überhaupt nicht herausbildeten. Hätte der Künstler eher einen Porträtisten als einen historischen Maler, hätte ihn das Scheitern traumatisieren können.

Porträt:
Seltsamerweise der unterdrückte Platz des Porträts in dieser Hierarchie. In der Rezension des Salons von 1791 konnte man lesen: „Der historische Maler, der die Natur in allen ihren Aspekten nachahmen muss, muss Porträts schreiben können. Ein Porträt kann jedoch nicht als eigenständiges Genre betrachtet werden.“

Kathrmer de Kensi, einer der einflussreichsten Theoretiker des Klassizismus, hielt das Porträtgenre für so niedrig, dass er ihr nicht einmal besondere Aufmerksamkeit schenkte: „Es gibt nichts Begrenzteres als das Vergnügen, das man beim Betrachten eines Porträts hat Abgesehen von dem Interesse, das dem Porträt persönliche oder öffentliche Zuneigung und Talent des Künstlers verleiht, ist es offensichtlich, dass der Geist und die Phantasie an dieser Art von Nachahmung fast gar nicht beteiligt sind. „Die Freude am Porträt kann nicht mit ästhetischem Vergnügen verglichen werden , dessen Erreichung das Ziel der bildenden Kunst ist. Das Porträt zeigt, was wirklich existiert, während „große Kunst mit Hilfe dessen, was ist, das darstellen muss, was nicht wirklich existiert, das Ideal zeigen sollte.“

Die Kritiker gaben jedoch die Unvermeidlichkeit der Existenz eines historischen Porträts zu, das in ihrer tiefen Überzeugung nur von einem historischen Maler geschaffen werden kann. „Es sind sie, die historischen Maler, die ein echtes Porträt schreiben können.“ Über historische Porträts werden oft in den Rezensionen von Ausstellungen geschrieben, manchmal werden sie unmittelbar nach dem historischen Bild betrachtet. Über Porträts von Individuen (die jedes Jahr mehr und mehr wurden) ziehen es vor, sie nicht zu erwähnen oder sie einfach mit ihren Namen aufzulisten, ohne sie überhaupt zu kommentieren. Das Porträt als eine Art Ergänzung zum historischen Bild zu verstehen, war sehr üblich. Dies wurde nicht nur von den bekannten Anhängern des Klassizismus von Kathrmer de Kensi, Delescluze, sondern auch von Kritikern der nächsten Generation geschrieben, deren ästhetische Ansichten flexibler waren

Kunst der Renaissance
Die Hierarchie entwickelte sich aus dem Kampf, die Malerei als eine der liberalen Künste zu akzeptieren, und dann Kontroversen, um in ihnen einen gleichwertigen oder höheren Status mit Architektur und Skulptur zu etablieren. Diese Themen wurden von Künstler-Theoretikern wie Leon Battista Alberti, Leonardo da Vinci und Giorgio Vasari als sehr wichtig angesehen. Gegen die Bildhauer argumentiert Leonardo, dass die intellektuelle Anstrengung, die notwendig ist, um eine Illusion der Dreidimensionalität zu schaffen, die Kunst der Maler der des Bildhauers überlegen machte, der dies nur durch die Aufzeichnung von Erscheinungen tun konnte. In seinem Werk De Pictura („About Painting“) von 1441 argumentierte Alberti, dass mehrfigurige Historienmalerei die edelste Form der Kunst sei, als die schwierigste, die die Beherrschung aller anderen erfordere, weil sie eine visuelle Form der Geschichte sei und weil es das größte Potential hatte, den Betrachter zu bewegen. Er legte Wert auf die Fähigkeit, die Interaktionen zwischen den Figuren durch Gestik und Ausdruck darzustellen.

Die Theoretiker der frühen und Hochrenaissance akzeptierten die Wichtigkeit, die Natur eng zu vertreten, zumindest bis zu den späteren Schriften Michelangelos, der stark vom Neuplatonismus beeinflusst war. Zur Zeit der manieristischen Theoretiker wie Gian Paolo Lomazzo und Federico Zuccari (beide auch Maler) hatte dies weit weniger Priorität. Beide betonten die Schönheit als „etwas, das direkt in den Geist des Menschen aus dem Geist Gottes eingedrungen war und dort unabhängig von irgendwelchen Sinneseindrücken existierte“, eine Sichtweise, die den Status von Werken, die vom Realismus abhängen, weiter reduzieren soll. In der Praxis stellte die Hierarchie einen kleinen Bruch mit dem mittelalterlichen oder klassischen Denken dar, nur um die säkulare Geschichtsmalerei in die gleiche Kategorie wie die religiöse Kunst zu stellen und (nicht immer klar) zwischen statisch ikonischen religiösen Subjekten und erzählenden Figurenszenen zu unterscheiden höherer Status. Ideen des Anstandes flossen auch in die Hierarchie ein; komische, schmutzige oder einfach frivole Themen oder Behandlungen, die niedriger eingestuft wurden als erhöhte und moralische.

In der Renaissancelandschaft gab es Genreszenen und Stilleben kaum als etablierte Genres, so dass sich die Auseinandersetzung mit dem Status oder der Bedeutung verschiedener Malereiformen hauptsächlich mit Geschichtsbildern beschäftigte, mit Porträts, zunächst klein und unprätentiös und ikonenhaft porträtiert mythologische Themen. Für die meisten Künstler war ein gewisses Engagement für Realismus in einem Porträt notwendig; Wenige konnten den hochmütigen Ansatz von Michelangelo annehmen, der das tatsächliche Aussehen der Medici in seinen Skulpturen der Medici-Kapelle weitgehend ignorierte und angeblich sagte, dass in tausend Jahren niemand den Unterschied erkennen würde (eine Retorte, die Gainsborough auch benutzt haben soll, mit einem kürzeren Zeitrahmen).

Viele Porträts waren äußerst schmeichelhaft, was sowohl durch einen Appell an den Idealismus als auch durch die Eitelkeit des Dargestellten gerechtfertigt werden konnte; Der Theoretiker Armenini behauptete 1587, dass „Porträts von ausgezeichneten Künstlern als mit besserem Stil [maniera] und größerer Perfektion als andere gemalt werden, aber meistens sind sie weniger gute Ähnlichkeiten“. Auf der anderen Seite beklagten sich die Zahl der höfischen Betreuer und ihrer Eltern, Freier oder Höflinge, dass die Maler der Realität des Dargestellten nicht gerecht werden konnten.

Die Frage des Anstandes in der religiösen Kunst geriet in den Mittelpunkt der Bemühungen der katholischen Kirche nach den Kunstverordnungen des Konzils von Trient von 1563. Bilder, die biblische Ereignisse darstellen, als ob sie in den Haushalten wohlhabender zeitgenössischer Italiener vorkamen, wurden angegriffen hörte bald auf. Bis zur Herausforderung von Caravaggio am Ende des Jahrhunderts wurde religiöse Kunst vollkommen ideal.

Kunst des 17. und 18. Jahrhunderts:
Die neuen Gattungen Landschaft, Genremalerei, Tiermalerei und Stilleben kamen im 17. Jahrhundert zur Geltung, wobei die religiöse Malerei in den protestantischen Ländern praktisch aufgegeben wurde und die Bildkäufe in den wohlhabenden Mittelstand ausgeweitet wurden. Obwohl ähnliche Entwicklungen in allen fortgeschrittenen europäischen Ländern vorkamen, zeigten sie sich am deutlichsten in den enorm produktiven Schulen der holländischen Malerei des Goldenen Zeitalters und der flämischen Barockmalerei. Jedoch traten keine Theoretiker hervor, die sich für die neuen Genres einsetzten, und die relativ geringe Menge niederländischer theoretischer Schriften von Karel van Mander, Samuel Dirksz van Hoogstraten, Gerard de Lairesse und anderen war meist zufrieden damit, italienische Ansichten zu überdenken, so dass ihre Schriften erscheinen können seltsamerweise im Widerspruch zu der niederländischen Kunst, die zu ihrer Zeit produziert wurde.

Die Hierarchie wurde hauptsächlich von Künstlern akzeptiert, und sogar Genre-Spezialisten wie Jan Steen, Karel Dujardin und Vermeer produzierten ein paar Historienbilder, die besser bezahlt wurden, wenn Aufträge erhalten werden konnten, aber im Allgemeinen viel schwerer zu verkaufen. Die unglückliche Geschichte von Rembrandts letzter Geschichtskommission, Die Verschwörung des Claudius Civilis (1661), zeigt sowohl sein Engagement für die Form als auch die Schwierigkeiten, die er bei der Suche nach einem Publikum hatte. In Flandern gab es ebenso wie in großen Mengen reiner Genrewerke einen Trend zu Historienbildern mit einem großen Genreelement, ob Tiere, Landschaft oder Stillleben. Oft wurden die verschiedenen Elemente von verschiedenen Künstlern gemalt; Rubens und Frans Snyders arbeiteten oft auf diese Weise zusammen.

Die Größe von Gemälden und sehr oft die von ihnen realisierten Preise spiegeln zunehmend ihre Position in der Hierarchie in diesem Zeitraum wider. Bis zur Romantik konnte der Preis und die Verkäuflichkeit von im wesentlichen Landschaften durch Hinzufügen kleiner mythologischer oder religiöser Figuren gesteigert werden, wodurch eine Landschaft mit … geschaffen wurde, die auf die Anfänge der Landschaftsmalerei in den flämischen Weltlandschaften Joachims zurückging Patinir im frühen 16. Jahrhundert. Die flämische Barockmalerei war die letzte Schule, die oft die untersten Genres großformatig malte, meist aber mit Figurenmotiven kombiniert.

Der britische Maler Sir Joshua Reynolds wiederholte in seinen Diskursen der 1770er und 1780er Jahre das Argument des Stillebens für die unterste Position in der Hierarchie der Gattungen mit der Begründung, dass es den Zugang des Malers zu zentralen Formen beeinträchtige, jenen Produkten der Verallgemeinerung des Geistes Kräfte. Auf dem Gipfel regierte die Geschichtsmalerei, die sich auf den menschlichen Körper konzentrierte: Die Vertrautheit mit den Körperformen erlaubte es dem Maler, durch Vergleich unzähliger Beispiele der menschlichen Form jene typischen oder zentralen Merkmale zu abstrahieren, die das Wesen des Körpers repräsentierten oder ideal.

Obwohl Reynolds mit Félibien über die natürliche Ordnung der Genres übereinstimmte, vertrat er die Ansicht, dass ein wichtiges Werk aus jedem Genre der Malerei unter der Hand eines Genies produziert werden könnte: „Ob es die menschliche Figur, ein Tier oder sogar unbelebte Objekte sind ist nichts, wenn auch in der Erscheinung nicht verheißungsvoll, sondern kann in den Händen eines genialen Malers in Würde erhoben, Gefühl vermittelt und erregt werden, was von Virgil gesagt wurde, dass er sogar den Mist mit einem Hauch von Erde über den Boden warf Würde, kann man Tizian anwenden, was auch immer er berührte, wie selbstverständlich auch immer und gewöhnlich vertraut, durch eine Art von Magie, die er mit Größe und Wichtigkeit einbrachte. “

Obwohl europäische Akademien in der Regel auf dieser Hierarchie bestanden, waren viele Künstler während ihrer Regierungszeit in der Lage, neue Genres zu erfinden, die die niederen Fächer zur Bedeutung der Historienmalerei erhoben. Reynolds selbst erreichte dies, indem er den Porträtstil erfand, der als Grand Manner bezeichnet wurde, wo er seine Modelle schmeichelte, indem er sie mit mythologischen Charakteren gleichsetzte. Jean-Antoine Watteau erfand ein Genre namens fêtes galantes, in dem er Szenen von höfischen Vergnügungen in arkadischer Umgebung zeigte; diese hatten oft eine poetische und allegorische Qualität, von der man annahm, dass sie sie veredelten.

Claude Lorrain praktizierte ein Genre, das die ideale Landschaft genannt wurde, in der eine Komposition lose auf der Natur basiert und mit klassischen Ruinen als Kulisse für ein biblisches oder historisches Thema übersät ist. Es kombinierte kunstvoll Landschafts- und Historienmalerei und legitimierte damit die ersteren. Es ist gleichbedeutend mit dem Begriff der historischen Landschaft, die in der Académie française offiziell anerkannt wurde, als 1817 ein Prix de Rome für das Genre gegründet wurde. Schließlich gelang es Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Stillleben zu schaffen, von denen man annahm Charme und Schönheit, um neben den besten allegorischen Themen platziert zu werden. In Anbetracht dieser Hierarchie begann Chardin jedoch um 1730 Figuren in seine Arbeit aufzunehmen, hauptsächlich Frauen und Kinder.

19. Jahrhundert:
Die Romantik hat den Status der Landschaftsmalerei stark erhöht, angefangen bei der britischen Kunst und allmählich bei der Genremalerei, die in den anekdotischen Bearbeitungen des Stils Troubadour in Frankreich und den ähnlichen Tendenzen an anderer Stelle Einfluss auf die Historienmalerei genommen hat. Die Landschaften wuchsen in ihrer Größe, um ihre neue Bedeutung wiederzuspiegeln, die oft mit historischen Gemälden übereinstimmten, besonders in der American Hudson River School und der russischen Malerei. Auch die Tierbilder vergrößerten sich in Größe und Würde, doch das Porträt in voller Länge, sogar von Königen, wurde meist großen öffentlichen Gebäuden vorbehalten.

Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts waren Frauen weitgehend nicht in der Lage, Historienbilder zu malen, da sie nicht am abschließenden Prozess der künstlerischen Ausbildung teilnehmen konnten – dem des Lebenszeichnens, um ihre Bescheidenheit zu bewahren. Sie konnten von Reliefs, Drucken, Abgüssen und von den Alten Meistern arbeiten, aber nicht vom Aktmodell. Stattdessen wurden sie ermutigt, sich an den unteren Malformen wie Porträt, Landschaft und Genre zu beteiligen. Diese wurden als weiblicher angesehen, da sie eher an das Auge als an den Verstand appellierten.

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts begannen Maler und Kritiker gegen die vielen Regeln der Académie française zu rebellieren, darunter auch den Status, der der Historienmalerei zuerkannt wurde. Sie wurde hauptsächlich von öffentlichen Einrichtungen der einen oder anderen Art als Privatkäufer gekauft bevorzugte Themen von unten in der Hierarchie. In Großbritannien versuchte die Präraffaelitenbewegung das Historienbild mit gemischtem Erfolg neu zu beleben; andere Bewegungen machten ähnliche Anstrengungen. Viele Präraffaeliten beendeten ihre Karriere hauptsächlich mit dem Malen anderer Themen. Zu den neuen künstlerischen Strömungen zählten die Realisten und Impressionisten, die den gegenwärtigen Augenblick und das tägliche Leben, wie es vom Auge beobachtet wurde, darzustellen versuchten und die nicht von historischer Bedeutung waren; die Realisten wählen häufig Genre-Malerei und Stillleben, während die Impressionisten sich meistens auf Landschaften konzentrieren.

Im Moment schätzen Abkömmlinge Leinwände von niedrigem Genre, insbesondere Porträts und Szenen aus dem Leben, während akademische historische Malerei in den meisten Fällen langweilig und wenig einladend wirkt. Aufgetretene neue künstlerische Tendenzen – Realismus und später Impressionismus, waren interessiert, den Alltag und den gegenwärtigen Moment darzustellen.